Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel inicial) (#2091), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel Principiante/intermedio) (#2556)
Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel intermedio) (#2560), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel avanzado) (#2559), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel inicial) (#2091)
Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel inicial) (#2091), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel Principiante/intermedio) (#2556)
Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel inicial) (#2091), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel Principiante/intermedio) (#2556)
Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel inicial) (#2091), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel Principiante/intermedio) (#2556), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel intermedio) (#2560)
Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel inicial) (#2091), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel Principiante/intermedio) (#2556), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel intermedio) (#2560)
Partidas añadidas: Profesorado en Danzas Árabes (Nivel Principiante/intermedio) (#2556), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel intermedio) (#2560), Certificación en Historia del Bellydance (#1923)
Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Marina Barrionuevo & Marcos Otero (Danzas etno-identitarias, ritmos y danza) (#2703)
Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Marina Barrionuevo & Marcos Otero (Danzas etno-identitarias, ritmos y danza) (#2703)
Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel inicial) (#2091), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel Principiante/intermedio) (#2556)
Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Especialización en Danzas Etno-Identitarias (#2721), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel inicial) (#2091), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel Principiante/intermedio) (#2556)
Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel inicial) (#2091), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel Principiante/intermedio) (#2556), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel intermedio) (#2560)
Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel inicial) (#2091), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel Principiante/intermedio) (#2556), Especialización en Danzas Etno-Identitarias (#2721)
Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Profesorado en Historia del Bellydance (2do año) (#1994), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel inicial) (#2091), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel Principiante/intermedio) (#2556), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel avanzado) (#2559), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel intermedio) (#2560), Marina Barrionuevo & Marcos Otero (#2784)
Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Profesorado en Danzas Árabes (Nivel inicial) (#2091), Ritmos de la Música Árabe (#2910)
Partidas añadidas: Especialización en Danzas Etno-Identitarias (#2721), Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Jillina “Programa Together we Move” (#3147)
Partidas añadidas: Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Especialización en Danzas Etno-Identitarias (#2721), Jillina “Programa Together we Move” (#3147)
Hola Gaby! Para estudiar los ritmos te recomiendo que primero intentes encontrar la escritura en el audio de ejemplo. Una vez. Que ya hayas entendido cómo es el ritmo, hay que memorizar. A mi a veces me sirve aprender un ritmo asociándolo a un tema donde aparezca. En general retengo bien melodías y suelo aprenderme un ritmo así. Otras veces lo asocio a una secuencia coreográfica. Por supuesto que hay veces donde debemos simplemente hacer trabajo de memoria. Cantar el ritmo siempre ayuda!!! Besos!
Partidas añadidas: Jillina “Programa Together we Move” (#3147), Certificación en Historia del Bellydance (#1923), Especialización en Danzas Etno-Identitarias (#2721)
Hola Nan! Vos te referís al punto de la parte teórica sobre los gypsy donde dice que se van a analizar artículos actuales de la situación de los gypsy? Si vos querés crear un artículo sobre la situación actual de la población romani, lo primero que tenés que hacer es elegir una zona específica o una población específica. Luego lee un poco sobre la historia de esa población romaní particular para interiorizarte de las problemáticas que tuvieron desde que llegaron a ese país hasta la actualidad. Una vez que tengas ese conocimiento, ahí tenés que empezar a buscar en google noticias en diarios e ir viendo cuales son las que se repiten. Podés elegir un rango de tiempo específico. Y luego te diría que busques si en la UNESCO, Unión Europea, Unión Romaní, u otra organización internacional, hay algún informe sobre alguna de las problemáticas que identificaste para esa población. Ese sería el paso a paso, de forma breve. En el caso de esta materia, encontrás que nosotros ya les proporcionamos el material a analizar. Besitos!
Hola Pame! La pregunta apunta que intenten relacionar lo estudiado a nivel teórico con el repertorio actual del Bellydance. En la mayoría de las escuelas se enseñan las versiones escenificadas de las danzas. Estás han alcanzado una difusión masiva y es raro incluso encontrar la versión nativa de las mismas.
Otro de los puntos a relación es cómo el uso de la técnica de la danza clásica, contemporánea o las formas de realizar coreografías en el Moiseyev han llegado hasta nuestros días gracias a Reda y el Firqat.
Ahí tienen varios puntitos para relacionar. Un beso enorme!
hola mari!!! yo quería saber cuando vos tocas los chichines lo haces poniendo dum y tac en derecha , ka en izquierda?, o es indistinto? porque cuando yo hice el profesorado me decían que mientras suene el ritmo no importaba la mano con que se lo tocara, y me acostumbre a pasar un sonido de una mano a la otra. Pero cuando hice el curso de osvaldo, y otros seminarios con músicos , ellos insisten en derecha dum y tac y ka en izquierda. Tengo que re aprender y se me hace muy cuesta arriba
Hola Ro! A lo largo de los años me pasó lo mismo que a vos, dependiendo del maestro la técnica para tocar los chinchines es diferente. Hay quienes dirán que debemos respetar la derecha o la izquierda para el Dum y para el Tac, hay quienes tocaran de la misma forma todos los sonidos y quienes enseñan a realizar variaciones en los mismos. En mi caso les muestro cuál es la forma en la que los toco pero ustedes son libres de tocarlo de la forma en que deseen mientras logren que el sonido sea limpio, fluido y vaya a tiempo. Besos!
Tengo dudas respecto a la posición de Andrea Deagon. En el texto de Dox (2005) se la menciona como una bailarina que contribuye a la construcción de la noción del Bellydance Espiritual. Y en el texto de Deagon (1998) pareciera que ella tiene una posición más crítica sobre los mitos del origen.
Alguien podría aclararme esta duda? MUCHAS GRACIAS!!
Hola Vani! Cómo estás? A veces vas a encontrar que los autores a lo largo del tiempo van cambiando de opinión. Andrea Deagon tiene un artículo super interesante donde critica las teorías del origen simplistas, y propone causas múltiples. Por otro lado tiene artículos donde habla de la transformación de la bailarina y de como el símbolo de la diosa la ayuda en esta transformación. Creo que si bien ella pertenece a la rama del Bellydance espiritual, supo hacer a un lado las teorías del origen que no eran académicas. Espero que te haya servido!! Besos!
Hola Ro! Cómo estás? El Hane y el Teslim son dos componentes que forman la estructura del Samai. El hane sería como una estrofa y el teslim como un estribillo. Una estructura de ejemplo sería: HANE TESLIM HANE TESLIM HANE TESLIM HANE TESLIM
Besitos!
Hola mari. Una pregunta, más que nada una curiosidad, en la clasificación de Kinney ¿cuando habla del saludo. Esto de que algunos eran con palmas juntas otras separadas, tenia que ver según a quién lo hacían, si era a algún faraón u otra persona?
Hola Fabi! Cómo estás? El grupo de saludo es dividido a su vez en subgrupos según las distintas posiciones de las manos. Las diferentes posiciones de saludo pueden variar por: el lugar donde se pintaron, el momento histórico en que se hicieron o asociado a que danza se dibujó esa pose (por ejemplo no es lo mismo si la posición de saludo aparece junto a “juego de hombres” que si aparece junto a “brazos en forma de diamante”. Por lo tanto no existe una única razón por la cual tenemos varios tipos de saludos. Besitos!!
Hola Pao! En el saidi shimmie tenés que tener las rodillas en demiplie (semi flexionadas) y los talones totalmente apoyados. El movimiento tiene que nacer del trabajo de la cadera. Un beso enorme!
Hola Profe teniendo en cuenta lo visto en las tres clases se me ocurre preguntarte si el término bellydance no aplica también a “la movida o ambiente” de las bailarinas, Por ejemplo sé de estudiantes que bailan con una profe X y van a Colette invitadas por Y . X e Y son artistas reconocidas entre profesoras/es y alumnas/es de bellydance. Me gustaria conocer tu opinión
Hola Dani! Muy buena pregunta! Creo que en primer lugar tenemos que diferenciar cuando hablamos con amigos, compañeros o colegas y cuando vamos a escribir de manera formal. Cuando uno tiene que escribir o hablar de manera formal debe aclarar “la comunidad del Bellydance” o “el ambiente del Bellydance” o cualquier sinónimo que quieras utilizar para referir al conjunto de personas que practican esta disciplina.
Cuando hablamos entre amigos o con confianza, solemos omitir algunas palabras y es común que se use solamente la palabra Bellydance sin ninguna palabra aclaratoria al comienzo. Si la ubicamos en un contexto oral correcto la persona que nos escucha nos va a entender.
En mi opinión es mejor agregarle adelante la aclaración, sea un contexto formal o informal. Muy interesante tu observación! Besos!
Para hacer un breve resumen a ver si entendí bien todo! 😀
El Samai está compuesto por Hane y Teslim. Cada Hane termina en un Teslim (un estribillo, el cual se siempre se repite) y el último Teslim de todos utiliza un ritmo ternario como el vals.
La diferencia con el Bashraf (debo reconocer que no sabía qué era esto jajaja) es que el samai usa ritmo samai (10/8) y el Bashraf usa ritmo 4/4 y el último Teslim no utiliza vals.
Lo único que no me quedó claro es en cuántos veces se repite el HANE-TESLIM. 3? o pueden ser más?
La verdad tuve que verlo dos veces para terminar de enteder todo, especialmente porque no sabía qué era Hane y Teslim! Gracias! Excelente clase!
Hola Vani! Claro, Hane y Teslim son como estrofa y estribillo y se van intercalando el uno al otro con las características que mencionaste. La estuctura general en que se repiten hane y teslim son 3. Por supuesto que hoy en día hay quienes salen de esta normativa. Me pone muy contenta que te haya gustado! Besitos!!
Hola Vani! Mario vendía su libro en el espacio colette en los días y fechas donde hacía shows. Ahora deberías escribirle para poder comprárselo, no se com estará vendiéndolo en este período de cuarentena. Besos!
Hola Mari ¿Como estás , Profe? Quería consultarte sobre las ferias mundiales. En la clase virtual decias que eran como ciudades dentro de otra ciudad (al menos la de Chicago era así). Quería preguntarte si lo más cercano que podemos imaginar a una feria en cuanto a dimensiones es el Parque Temático “Tierra Santa”. Gracias
Hola Dani!!! Cómo estás? Sabés que siempre doy el ejemplo de Tierra Santa cuando doy clases en Argentina. Sería el ejemplo más cercano, pero no exacto. La Feria mundial era mucho más grande. Hay un video de terminología que podés encontrar el curso de CLASES DE HDB EN VIVO, donde tenés algunas fotos. Besitos!
Hola Mari. Leí en la revista “Infoarabe” que los Kawals es un nombre despectivo para un grupo de hombres que se vestían de mujer y bailaban. Tengo entendido que reemplazaron a las gawazee
Hola Dani! Cómo estás? Sobre los Kawals vas a estudiar en la materia de viajeros. Fue un término utilizado para un grupo de bailarines contemporaneos a las ghawazee y awalim. Encontramos la definición y características de los mismos en textos de viajeros europeos en Egipto como Lane o Flaubert. Si era despectiva su definición o no, dependía de cada viajero. Las definiciones no son iguales en todos ellos. Besitos!
Hola Mari ¿Cómo estás? Quería preguntarte por el texto de Dox. El autor habla de un “OTRO CULTURAL” y creo entender como una identificación que tenemos con bailarines de medio oriente. ¿Consideras que el hecho mas visible y notable de esta realidad es la adopción de un nombre artístico? . Espero tu respuesta. Besos Dany
Hola Dani! El concepto del “Otro cultural” o el de “otredad” parte de una concepción del mundo binario: nosotros y ellos, nosotros y los otros. El nosotros sería occidente en este caso y el otro sería oriente. Nosotros podemos intentar buscar cierta identificación con esta otredad al como vos decir, utilizar un nombre artístico, utilizar le vestuario, bailar la danza, adoptar ciertas costumbres. El punto en cuestión seria: que OTRO estamos representado? Un otro “real” o un otro “construido por occidente”?
Un beso enorme!
Hola Mari, en el texto de El Hadidi, “De Abisinia al Cairo…” aparece la palabra amárica. ¿A qué refiere esta palabra? ¿ Cuál es su significado?. Muchas gracias! Gladys.
Hola Mari!!! con respecto a esta época de viajeros, hay también descripción de la danza persa, yo no tengo los escritos pero se los escuché a una profe de persa, y me acorde de tus clases, porque el contexto es muy, muy parecido, ingleses describiendo la danza de shiraz y sus ropas
Hola Ro! Sii hay también descripciones de danza persa y de otras danzas. Tenemos viajeros europeos en varias partes de Asia y África en esta época, que nos van describiendo su encuentro con la danza. Me pone contenta que te hayas acordado de las clases!!! Un besito enorme!!!
conocía esta historia, porque además de estudiarla en la escuela secundaria, la estudie en tu profesorado viejo, y estoy leyendo el libro Fuego Persa de Tom Holland, no se si lo conoces pero es muy interesante
Hola Ro!!! Siiii, la había dado ahí esa historia ,que lindo que te la acuerdes!!! y me encanta que sigas por tu lado estudiando y leyendo sobre esta cultura tan apasionante!!! <3
Hola Maru, tengo una pregunta con respecto a la fuente que nombra a la bailarina Cengi y describe que hay movimientos con el vientre y shimmy de hombros. Se puede afirmar que está relacionado con la historia del bellydance? Shay también describe un bailarín, con movimientos que pueden ser encontrados en el bellydance actual. Son suficientes estas descripciones para relacionarlos con la historia del bellydance?
Hola Lore! Cómo estás? Para mi no son suficientes estas descripciones para afirmar que lo que bailaba la bailarina era Bellydance. Nosotros solo tenemos la descripción, no tenemos videos y encima de eso, es una descripción que no sabemos hasta que punto coincide con la realidad.
En la Historia del Bellydance hay viajeros como Lane o Poole que han aclarado en sus escritos, por ejemplo, que una cosa era la danza de la población romani y otra la danza de las ghawazee. Es una pregunta que no podremos responder con certeza, nos quedará el interrogante pendiente.
Un besito enorme!!!
Hola profe! Tengo una duda en el punto 2 de la evaluación. Al completar la guía de análisis, debo incluir datos tanto del contexto nativo como del contexto escenificado, en cada uno de los ítems? Por ejemplo cuando habla de los participantes, aclaro quienes son en cada caso?
Hola Aldy! Cómo estás? En ese punto completá la guía solo con datos del contexto nativo. Sobre los participantes si, aclará quién es quien en cada caso. Un beso enorme!!
No te preocupes Flor que siempre la primer materia es un poquito más complicada por ser un primer encuentro con el material y porque es bastante teórica. La segunda materia te va a resultar sencilla seguramente.
Hola, en la rotación de pecho…¿el pecho va hacia arriba y hacia afuera?, ¿o es sólo hacia afuera? Sería. 1.Lateral. 2. Afuera (arriba?). 3.Lateral. 4. Adentro (abajo?). Graciaas
Hola Grecia! Cómo estás? En la rotación de pecho tenemos lateral afuera (un poquitito arriba sube), latera y adentro. No es elevar el pecho hacia el techo sino sacarlo hacia una pared imaginaria. Un beso enorme!
Hola Grecia! La diferencia entre ambos es que en el saidi shimmie usamos la técnica del descaderado, no hay relajación de la cadera y la cadera de mueve en un plano vertical. En el shimmie de cadera la misma se relaja y no solo se mueve en un plano vertical sino que un poco hacia adelante y atrás también. Un beso enorme!
Hola!
Una consulta, con respecto al exámen de viajeros. Debería comparar y desarrollar tomando como referencia bibliografía de la materia donde se encuentran los textos de Flaubert, Edward Lane y Napoleón Bonaparte. Es así, no?
Pregunto porque en las clases virtuales también se mencionan otros viajeros y viajeras.
Gracias!
Hola! Cómo estás? Para la parte de comparación De Fuentes vas a utilizar la bibliografía, pero podes hacer alguna mención de viajeros enseñados durante las clases virtuales. Un beso enorme!
Hola profe Marina! ¿Cómo está? No entiendo bien la consigna sobre el tipo de artículo.. Será con un formato como los de la bibliografía que nos comparte? O de estilo periodístico?
Hola Aldi! Cómo estás? El artículo es para una revista de divulgación dentro de la Comunidad de Bellydance o un material que entregarías a tus alumnos donde les contás sobre ese tema en particular. Es similar a los que les escribo en este curso. Un beso enorme!
Hola Mari! Tengo una duda sobre cómo se escribe el libro que recomendaste… “Qalila y Dibna” ? y para qué fecha lo necesitamos leer? Gracias 😀 Me encantó la clase !!!
Hola Cele!! El texto de Calila y Dimna lo voy a subir esta semana y hay que leerlo para la otra. Les voy a subir la versión original en castellano antiguo, pero se que se vende el libro modificado a un castellano moderno, por si alguno le interesa.
Hola Vani!!! En esta materia no, es únicamente ustedes hablando. En otras materias se te va a volver a pedir que te filmes dando una clase y ahí la consigna va a incluir el uso de ppts o imágenes, para ver como dan una clase utilizando este recurso. Un besito enorme!
Muchas gracias Cele!! Sii tal cual, también veo que está usándose muchísimo en esos paises ese término. No parecería estar muy difundido entre otros paises.
Muchas gracias Cele!!! Sii las Ferias Mundiales son muy importantes y por eso vamos a dedicar uno de los últimos módulos a desarrollarlas en detalle. Muchos de los temas que vimos ahora se van a ir profundizando en futuras clases.
Me encantó la clase, Mari !! ❤ voy a buscar la autobiografía de Bloom! y es increíble la influencia de las ferias mundiales. De hecho, luego de esa situación que se va dando en EE.UU., Jamila Salimpour aparece con toda esta nueva versión de la danza y la llama Tribal; que dicho sea de paso, es una palabra que desde hace unos años se está dejando de utilizar por la connotación que tiene. Y también, en el festival Kan Zaman de marzo 2021, estuvimos hablando sobre el término “Bellydance”, ya que refiere a una parte del cuerpo… hay muchas bailarinas europeas y de UK que ya lo están dejando de utilizar a este término desde este año; y hasta estadounidenses también, y se han volcado al término “Raks Sharki” o “MENAHT”. Es como vos decís, Mari, hay que elegir nuestro término justificándolo. Gracias!!! ❤
Me pone muy contenta que te haya gustado la clase Cele! Cuando fui a Italia no llegué a ir a Torino, me quedé con ganas de visitarlo. Dicen que es uno de los mayores museos de egiptología del mundo.
Hola!!! Queria saber si para armar la coreografía puedo tambien tomar como base a las bailarinas que se muestran en “The Romani Trail” es un documental de 1982. Gracias!!
Hola Lauri! Podés inspirarte en eso también, pero tené en cuenta que el mayor porcentaje de inspiración debe provenir de las fuentes trabajadas en el material del módulo. Un beso enorme!
Una clase súper clara, me gustó mucho como fué explicando cada detalle sobre la imprivisación y su estructura al igual que los tips que fue dando súper útiles. La parte práctica maravillosa! Muchas gracias! Una clase completísima!
Hermosa clase!!! La parte teorica es super clara y entendible, inclusive para los que estamos recien iniciando. La practica tambien fue hermosa! siempre contando las 4 repeticiones quede. Gracias una vez mas por acercarnos estas clases tan interesantes.
Hola buenas tardes Mari, Estudio.
Sobre la coreografía II del módulo de II danza Romani Turca. Quería saber bien cómo se realiza, no logro apreciarlo bien, el movimiento que se efectua con las manos. Que se pronuncia Chat, ¿se escribe Kat?.
¿Haría como un sonido? Me parece un movimiento interesante. 😀
Gracias
Hola Ani! Cómo estás? El objetivo es producir un sonido, muy similar a cuando hacemos un chasquido con los dedos. No es nada fácil de lograr, hay que practicar mucho para que suene y luego, para que suene fuerte. Hay diversas formas de realizarlo según la cultura, y la danza. Por ejemplo es un movimiento que vemos en ghawazee también. Es muy importante que los dos dedos índices estén tensos para poder realizarlo, ya que el sonido se produce al “caer” por resbalarse un dedo índice sobre el otro. Espero haberte ayudado Ani!! El nombre del chasquido es parmak şıklatma, pero algunos lo llaman cat Un beso emorme!!
Hola. Buenas tardes Estudio, Mari.
Me gustaría saber, si es posible, sobre los temas para practicar. Tema 1-2-3-4. Si hay posibilidad de saber los nombres de los temas o los autores.
Muchas gracias
Hola! Esta disponible el chat de zoom de esta clase para descargar? Porque ví la clase grabada y anote como pude algunos nombres de pasos y otros no entendí bien como escribirlos. Gracias!
Hola Eri! El kick es una pequeña patadita que, en el caso de los módulos que vos venis estudiando, puede realizarse en el paso Uno y medio hacia adelante o hacia el costado/diagonal. Te lo traduzco como patadita, pero hay que tener en cuenta que se produce por el deslizar del dedo pulgar del pie en el suelo, no tiene la fuerza de una patada.
Un beso enorme!
Hola Eri! En música árabe, si la cabeza va abajo o arriba depende del método de escritura. En algunos métodos la cabeza abajo simboliza el Dum, mientras que la cabeza arriba simboliza el TAC. En otros métodos es a la inversa. En las clases que siguen vas a ver que vamos a ir explicando eso y también les contaremos cuál es el que elegimos nosotros. besos!
Hola Belu! Cómo estás? Son solo algunos cuentos en específico, en las consignas de examen te indica cuales tenés que leer. No te preocupes que no son las 1001 noches. Un besito!
Muy buena la clase, Marina! Útil para organizar conceptos en cada contexto. Tengo una consulta, teniendo en cuenta que el término Manat es un concepto nuevo, ¿hay algún significado étimológicamente de la palabra? ¿O dónde surge el nombre? Gracias
Hola Car! Me pone contenta que te haya gustado la clase, sii justo te iba a decir que en el video está explicado. Ahi leí tu comentario donde me decís que ya lo encontraste. Un beso enorme!
Ah..si si. ahi me di cuenta que estaba publicado. Estaré en vivo- igual es posible que deba chequear e lo grabado. hay dos dias que cortaré antes. gracias.
Ana Eva Plaza Stevan (que emoción este curso) intentaré llegar a la presencial, por ahí un poco tarde. Diría que voy a poder ir haciendo ambas. Si llego tarde volveré a ver la grabación y si hay algún día que no llegue a la clase la veo grabada.
Siii, super interesante Lau! Siempre se enseña que Sol Bloom fue quien contrato a las bailarinas argelinas y que era el encargado de las concesiones en Midway, pero no estaba muy divulgado quién fue quien contrató a las egipcias. Les estoy preparando el material para contarles todo, tengo bastante material nuevo. <3
Que genial Maruuuu!!! Gracias por estos consejos!! Soy tan pero tan desorganizada que me vendría super empezar a emplear algunos de estos tips. Muchas gracias!!
Tanto danza árabe como danza de medio oriente hacen referencia a zonas geográficas que son amplias, englobando a gran cantidad de países y que, además, van variando.
Los países que entran en ambos términos son heterogéneos, que pueden tener ciertas semejanzas entre ellos, pero que no son iguales, por lo que no se podría generalizar que todos los países hacen la misma danza.
En mi opinión, estaría bien el uso alguno de estos dos términos para llamar la atención de aquellas personas que no están familiarizadas con el ambiente, ya que son palabras y términos que se usan/escuchan, por lo que están más “acostumbrados”. Creo que el uso de los distintos términos va variando de acuerdo a quién va a ser el receptor
Muchas gracias por tu comentario Belu! Me parece importante notar la heterogeneidad que comprenden ambos términos. Que los países se agrupen bajo una organización, no implica que sean homogéneos, solo que comparten una o algunas características en común. También coincido en que el uso de los mismos a veces tiene que variar dependiendo del receptor, si queremos llegar a ese público específico.
Hola como están. Bueno a mi juicio creo que el término bellydance es una palabra que no es de común uso y es un término que debe ir introduciendose a medida que el alumno va progresando en sus estudios. De modo que por una cuestión comercial me parece más adecuado usar la denominación danzas arabes aunque los y las bellydancers solo se dediquen a la danza del vientre y las bailarinas arabes traten de abarcar lo más posible se dejan afuera algunos temas relacionados con la cultura turca
Con respecto al termino “Danza Árabe”, y en mi opinión, creo que es uno de los términos mas conocidos por la gran mayoría (incluso quienes no están dentro del ambiente del Bellydance). En mi caso conocí esta danza con este termino y es también el que utilizo para responder cuando me preguntan que bailo. Luego de haber tomado el curso coincido con que “Danza Árabe” es un termino muy amplio para definir lo que hacemos, ya que dentro del mismo podemos ubicar hasta 22 países que forman parte de la Liga Árabe, los cuales cada uno cuentan con gran variedad de danzas. No es solo una danza, sino que hay muchas mas y cuando tomamos clases solo aprendemos una pequeña porción de todas ellas.
Algo similar ocurre con el termino “Danza de Medio Oriente”, este termino fue construido por Occidente y con una mirada desde la alteridad. También refiere a una zona geográfica muy amplia y confusa, con carácter ideológico.
Muchas gracias Mica por tu comentario!! Esta muy bien que hayas destacado la amplitud geográfica que abarcan ambos términos y sobre todo, la concepción de estos desde un “nosotros” que entiende a la alteridad cómo opuesta y diferente. También conocí esta danza bajo el término danza Árabe, fue mucho tiempo después que pude aprender que habían otros términos.
El término Danza Árabe es muy amplio ya que no abordamos en su totalidad las danzas que se realizan en los países pertenecientes a la liga Árabe, sin embargo es el término más comercial que yo utilizo para llegar a un publico que desconoce el trabajo, ya una vez ingresan a la academia puedo explicarles con mayor profundidad la diferencia entre cada uno de los términos, que si bien son entendidos como similares sus contextos y significados son distintos. Danzas del medio Oriente también es un termino que está en el imaginario del grueso de la población no conocedora, repleto de fantasías y estereotipos propios de la palabra Oriental
Muchas gracias Shani por compartirnos tu opinión. También coincido con vos en que uso el término Danza Árabe para llegar a la gente que no conoce aún sobre esta danza. El término danzas de Medio Oriente acá no está muy difundido, más bien el de Danza Árabe. Estoy segura igual que si pondría ese término en alguna publicidad, como decís vos, la gente lo entendería.
Un besito!
Me gustaría dejar mi aporte ya que si bien hoy haré la clase de manera sincrónica, la clase 1 la tomé grabada.
Fue muy fructífero poder escuchar la clase. Más aún imagino para quienes estuvieron presentes y lograron realizar intercambios en vivo.
Como varias de mis compañeras, considero que la terminología en sí debe ser utilizada siempre teniendo el cuenta el contexto que rodea a cada situación. Por ejemplo, danza árabe es un término que más allá de muchos factores beneficiosos o no, tiene un impacto comercial que resulta positivo a la hora de convocar gente nueva.
Reflexiono entonces, ¿Cómo logran instaurarse ciertos términos y otros no?. ¿Será posible que en los próximos años se posicionen otros términos que quizá sean mas adecuados? Si es que existe un término que se considere como tal. Es por eso que en vez de decir: términos adecuados o inadecuados prefiero mencionar: términos que puedan tener criterio o justificación de quien los elige.
Muchas gracias Marina por esta clase.
Creo que cuando se asigno nombres tenia como objetivo definir lo que suponía ver desde su occidentalidad (orientalismo), ya que me parece que al medio oriental no era importante o necesario, con en el paso del tiempo se volvió una designación mercadologa que responde nuevamente a las necesidades del extranjero. Por ejemplo en México los términos mas viables son danza árabe o Bellydance y cuando como profesora les hago cuestionarse las zona geográfica o el termino en el idioma que se establece entonces se abre todo un panorama. Seguimos Aprendiendo 😉
Yo prefiero usar comercialmente el término Danza Árabe porque en Colombia es más fácil que el público no conocedor indentifique este tipo de danza con ese nombre. Dentro de la escuela prefiero usar el término Raqs Sharqi porque nos especializamos en el estilo desarrollado en Egipto. No me gusta el término Danza del Vientre porque refuerza una exotización con la que no me siento cómoda. Tampoco me gusta el nombre Bellydance porque siento que refuerza una influencia colonizadora de USA sobre la danza. Hay una charla que tuvieron Nawarra Dancer y Karim Nagi acerca del nombre de la danza. Él habla de Arabic Dance porque está en USA y es una manera de señalar a las danzas de los que hablan árabe (aunque excluye a Mauritania, Somalia y Etiopía). En esa charla comentaban que tal vez en vez de buscar un término que lo englobe todo es mejor usar términos diferentes y especializados: Danza Egipcia, Danza Regada de Marruecos, Danza Tunecina de los cántaros, Danza Hagalla de Egipto, Raqs al Nasha’al de Arabia Saudita y así. Ellos exponen que de esa manera no se juntan cosas que no tienen porqué englobarse en un sólo término, que es una característica del orientalismo como lo analiza Edward Said
Durante un tiempo usé el término “Danzas de Medio Oriente” para incluir al Raqs Sharqi y a otras danzas de la regió. Sin embargo, trabajando con una internacionalista de acá de Colombia, Odette Yidi, nos hizo ver que es un termino que tiene una carga colonial muy grande. Nos sugirió en el Foro usar SOANA: Sur Oeste de Asia y Norte de África que es geográficamente correcto y no tiene una connotación colonial evidente, al menos por ahora
Yo prefiero usar comercialmente el término Danza Árabe porque en Colombia es más fácil que el público no conocedor indentifique este tipo de danza con ese nombre. Dentro de la escuela prefiero usar el término Raqs Sharqi porque nos especializamos en el estilo desarrollado en Egipto. No me gusta el término Danza del Vientre porque refuerza una exotización con la que no me siento cómoda. Tampoco me gusta el nombre Bellydance porque siento que refuerza una influencia colonizadora de USA sobre la danza. Hay una charla que tuvieron Nawarra Dancer y Karim Nagi acerca del nombre de la danza. Él habla de Arabic Dance porque está en USA y es una manera de señalar a las danzas de los que hablan árabe (aunque excluye a Mauritania, Somalia y Etiopía). En esa charla comentaban que tal vez en vez de buscar un término que lo englobe todo es mejor usar términos diferentes y especializados: Danza Egipcia, Danza Regada de Marruecos, Danza Tunecina de los cántaros, Danza Hagalla de Egipto, Raqs al Nasha’al de Arabia Saudita y así. Ellos exponen que de esa manera no se juntan cosas que no tienen porqué englobarse en un sólo término, que es una característica del orientalismo como lo analiza Edward Said
Hola Johana, me resulto muy interesante tu reflexión, coincido en que “Danza Árabe” como nombre comercial es el mas acertado y si el alumno esta interesado en aprender mas sobre historia poder acercarle info sobre todos los términos posibles. Tampoco estoy muy de acuerdo con la utilización de términos “colonialistas”, pero es interesante tener en cuenta que “oriente” no se mantuvo pasivo con respecto a “occidente”, sino que han tomado y adoptado bastantes cosas, no solo fueron impuestas.
En mi caso prefiero no referirme a la danza como “Danza Árabe”, mas allá de haber estudiado que es un termino muy amplio tampoco me gusta utilizarlo ya que creo que esta asociado a ciertos estereotipos que los medios de comunicación masivos divulgan, que desdibujan y difaman una sola forma de bailar y la estética también de la bailarina. Po eso decido utilizar el termino Bellydance por como este surgió en la historia haciendo foco en los movimientos particulares del vientre y las caderas, pero también me pregunto si hoy en día se podria seguir llamando Bellydance cuando en gran cantidad de performances predominan mucho mas los movimientos de cabeza, brazos, giros o piruetas…
Hola siempre use el término danza árabe, por qué para todos es más fácil reconocer ese término, me ha pasado una vez que baile le dije danza oriental y me presento como “nos va a presentar una danza japonesa” me sirve mucho esta clase pero me cuesta decirlo con mis palabras lo que explicaste de me medio oriente profe igual lo seguiré mirando al videito hasta que pueda tener un concepto más claro para poder explicarlo! Danza árabe súper entendido gracias
Principalmente, yo uso el término “Bellydance” porque es más cercano a lo que nosotros realizamos, más a esa noción de show/espectáculo para un público, de mostrar destreza, virtuosismo. Además, si nos ponemos a pensar, el repertorio que generalmente se hace/se enseña, está muy ligado a un solo país de la región, aunque ahora se están dando oportunidad de visualización de otras danzas de la región. Pero tengo consciencia de que hay parte de la comunidad que no les gusta usar el término.
También uso Danza Árabe, especialmente cuando hablo con gente que no conoce o no llega a entender cuando uso Bellydance. Termino aclarando que lo que hago, no es una representación fiel de lo que se entiende por árabe, que no es una única danza, sino que cada país es diferente y tienen sus propias danzas.
Prefiero usar el término Bellydance a pesar de que existen personas no lo conocen, me parece que si uno quiere comenzar a transmitir y a instruir a un grupo de alumnos sobre el uso de un término, debería comenzar uno mismo a utilizarlo sin utilizar un segundo término opcional y animando al otro que también se pregunte o nos pregunte por qué no es lo mismo que danza árabe o danza oriental. Me parece que le da otra riqueza a la comunicación que podemos tener con el otro.
Por otra parte, lo analizo haciendo una analogía con otros términos que hemos aprendido de nuestro lenguaje, que en muchos casos han sido por repetición, por ejemplo como cuando aprendimos a hablar de niños sin saber leer y escribir. Nos repetían tanto un palabra que la terminamos asimilando. Creo en algún momento de tanto que la expliquemos la palabra bellydance va a ser de uso más cotidiano. De todas formas siempre contamos con que nuestros aspirantes a alumnos u otras personas que no están familiarizados puedan buscar en la web, como hoy en día todos lo hacemos y hasta terminamos más interesados en lo que hallamos que en alguna explicación verbal de otro interlocutor.
El desconocimiento de la palabra bellydance, creo que también lo podemos usar como algo positivo porque quizás podemos utilizarlo para atraer publico que siente curiosidad por entender de qué le estamos hablando.
Es realmente interesante ver y estudiar cómo se va modificando y adaptando el origen del bellydance en base a una época en donde hubo distintos cambios sociales en relación a la mujer; cómo intentan dejar de lado los estereotipos de sensualidad y sexualidad que la gente tiene cuando uno habla de belly. Son teorías respetables, pero que se contradicen o no tienen el suficiente sustento en evidencias, además dejan de lado que el los hombres también bailaron y bailan, el que no toda danza estuvo ligada a algo místico o religioso.
Con lo que tiene que ver con la búsqueda de info también hago de buscar los libros o artículos que se citaron en el libro/paper, para profundizar y ver por completo lo que el autor usó para escribir. Y termina siendo como una cascada, porque el buscador recomienda artículos o textos similares y así sigo buscando y encontrando otros. Google académico lo uso mucho y otras páginas del mismo estilo, Scribd también, aunque no todo está gratis, pero se puede acceder a X libro o artículo si subís un libro, como si fuera un trueque. También algunas universidades tienen algunas publicaciones públicas o proyectos de difusión cultural en donde suben artículos, videos realizados por profesores o especialistas (esto lo encontré buscando más info sobre flamenco, la Universidad de Cádiz junto a otras instituciones, tienen un programa de este estilo).
Después, si es un artículo, me fijo en la bibliografía, en dónde se publicó (revista, año, si es tesina o tesis), leo el abstract (a veces el título parece que puede servirme, pero cuando leo el resumen me doy cuenta que no o que muy poco me puede servir). Lo mismo con los libros; a veces se puede descargar por capítulos, entonces descargo eso solo.
Lo que me pasa a mí con el inglés es cuando usan alguna palabra o término que tiene varios significados en español y ahí, por contexto, es ver cual de todos es el que hace referencia.
Con el tema de la escritura estoy un poco acostumbrada por la facu, porque varios trabajos había que presentarlos como papers, sobre todo los trabajos de laboratorio, y teníamos que respetar un orden (título, autor, resumen, intro, materiales y métodos, resultados, conclusión, discusión, referencias); y casi todos nos pedían que usemos las normas APA para citar
Como backup uso el Drive, y ahí tengo dividido en carpetas. Soy medio de la vieja escuela en donde me gusta hacer apuntes a mano, donde puedo usar distintos colores para marcar distintos tema, hacer esquemas y demás, pero empecé a hacer los apuntes directamente digitales porque ya no tengo más lugar en mi casa donde poner carpetas (cosas que pasan jajjaja). Estoy escaneando los apuntes que tengo a mano y los subo al drive. Con los libros, si son originales, lo que hago es subrayarlos con lápiz y uso los post-it para señalar la página y los que son más grandes para anotar. Si son fotocopias, resaltador y lápiz y hago anotaciones en el margen, subrayo y también uso las notitas autoadhesivas. Con lo que es digital, también subrayo
Hola mi Mari, por fin pude ver la clase. voy comentando acerca de como elaborar una clase, pienso que es muy importante el poder establecer una enseñanza del bellydance junto con la teoria, ya que asi podemos también dar un significado y un contexto mas profundo al momento de danzar.
al presenciar la clase de El siglo XVIII y XIX en Egipto, lo que me llama más la atención es que de verdad es muy importante aclarar que cada escrito, carta, o libro que realizan estos viajeros “como fuente primaria”, debe ser interpretado con una visión de esa época, sin juzgar o pretender dar una opinión a favor o en contra, debido a que nuestra percepción es distinta a la que se utilizó al escribir estos documentos. Es necesario abrir nuestra mente y no cerrarnos a un pensamiento, todos los días se aprende algo nuevo. Gracias Mari.
Como siempre me encanta Flaubert, el describe de una forma tan detallada que de verdad lleva a tu imaginación a estar en ese momento, en esa escena.
Lo que más me gusta de leer las cartas o textos que escribieron los viajeros es como se ve plasmado ahí las ideas y pensamientos de aquella época, como van describiendo a los egipcios como exóticos, extraños, sobretodo a las bailarinas. Como tienen esa fascinación o atracción hacia ellas pero las comparan o rechazan por los idearios de las sociedades europeas de la época.
A pesar de que los textos están sesgados y condicionados, son fuentes muy importantes
Es una película que une comicidad con intriga , danza, virtuosismo y la nostalgia de inmiscuirse en la época dorada del cine egipcio por unas horas . Realmente la recomiendo!
Me encanta como podemos ampliar nuestros conocimientos con esta experiencia de mirar películas, me impresiona mucho mirar la danza que posee Samia Gamal, ya que no es una danza tan elaborada, ni estilizada, es una danza más natural, ella siente en el cuerpo la música y así la baila, sus camellos, mayas y ochos verticales son espectaculares y sus manos delicadas y siempre vivas, van mas con la melodía y la voz del cantante.
Por otro lado el mensaje de la opereta final para mi es muy significativo, al ser profesora y bailarina de algunas danzas, es maravilloso ver que quieren con esta presentación hacer entender que el arte es uno solo y debe unirse.
Gracias Mari por la oportunidad
Me encantó
Maru, dejo mi opinión sobre la película:
En mi opinión es una muy buena película tanto por los participantes de la misma, pudiendo ver tanto a Farid como a Samia actuando y mostrando sus habilidades artísticas, como en la danza y música. Por ciertos momentos sentía que estaba viendo algún musical de Hollywood de la época, sobre todo en las partes de danza porque sentía que tenían una atmósfera y estética más occidental (no digo que eran como las películas de Fred Astaire, Ginger Rogers o de otros bailarines de la época, pero sentía que tenían ese aire). Podía notar en esas partes esa modernidad que Egipto estaba buscando, pero manteniendo lo “nativo” o adaptando la modernidad a su gusto y necesidad, y no como una imposición externa. También es muy valiosa porque se puede ver las distintas incorporaciones y modificaciones en la danza si lo comparamos con las descripciones que se tienen del siglo anterior: hay más desplazamientos, mayor dinamismo, empleo de otras danzas, lo del armado de coreografías y la presencia de un maestro de baile, dejando de lado la improvisación, etc.
Me encanto la clase como siempre, hay muchos datos nuevos de los dos cursos anteriores que tuve la suerte de seguir, me encanta siempre poder ir actualizándonos en estos conocimientos.
Estuve buscando acerca de la mención que realizó una de nuestras compañeras acerca de el baile de los siete velos como origen en la comunidad gitana, me llamó mucho la atención pero no pude encontrar mas que historias que hablan del movimiento de sus faldas y sus manos. Por ejemplo: https://danzaorientalenlared.wordpress.com/historia-de-la-danza/
Tuve la suerte de comprarme el libro de Salome de Oscar Wilde, esta espectacular! los dibujos son maravillosos y la edición es maravillosa. Deben tratar de conseguirlo chicas!!
Me encanta en cada una de las clases recibir mas información. Loie Fuller es una de mis artistas favoritas, me encanta su inventiva, su forma de lograr poner su marca y además de todo el habernos dejado como herencia esta danza tan maravillosa y las wings como tal. Me gustaría que nos cuenten cuando saldrá la autobiografía, me encantaría leerla.
Gracias Gaby!!! Me encanta Loie Fuller y nos quedaron varias cosas afuera de la clase por falta de tiempo. Ya le dedicaremos un curso a las wings de más clases para poder ver todo de forma completa. Gaby dijo que la autobiografía al español saldría el año que viene, esperemos que pueda publicarla <3
Es muy interesante conocer sobre el baladi en el contexto de significado, y como esta riqueza de conocimientos pueden ayudarnos en nuestra danza.
Pienso que es muy importante el entender y estudiar sobre la cultura que estamos danzando, ya que así nuestra formación es integral y además podemos llevar nuestra danza ya a un significado de respeto y valoración añadiendo características especificas referentes a su cultura.
En mi opinión estaría entre estos dos, bellydance y danza árabe. Ya que en Ecuador se vuelve un lenguaje más acertado facilitando la comunicación con respecto a la danza que queremos ofrecer. Posterior a ello ya en el campo de enseñanza es muy importante analizar estos términos para que nuestras alumnas puedan generar su propio criterio dándoles las herramientas adecuadas.
Estoy feliz!! en cada clase aprendo algo nuevo a pesar que ya había tenido previamente el curso en la Certificación de Bellydance. Gracias mi Mari por siempre tomarnos en cuenta para seguir enriqueciendo tus presentaciones y clases.
Mi Mari muchas veces yo sigo teniendo problemas con la búsqueda de información, ya que de igual manera a parte de las páginas que encuentro en internet, es difícil encontrar bibliografía, ya que los libros casi todos están para comprar, no hay mucho presupuesto jajajja, Por otro lado de los libros que tengo, ya realizo un seguimiento mejor, me fijo mas en la bibliografía de donde provienen y de que año. Gracias por tus tips.!!!
Gaby, la verdad que sí, es todo un presupuesto la investigación porque no son libros que suelan estar en bibliotecas de universidades o públicas. Por lo tanto, para poder adquirirlos tenemos que comprarlos. Por ahí es un poco más económico comprar los libros en formato digital, como por ejemplo kindle de amazon. Al principio estaba un poco negada a comprar libros digitales, porque siempre preferí el papel, pero acá en Argentina no podemos importar libros (en teoría si podemos, pero en la práctica los libros vuelven de la aduana) y tuve que acostumbrarme al digital si quería seguir actualizada. Hay algunos libros que pueden descargarse de forma gratuita, pero al haber escrito uno, se el trabajo que demanda la escritura y por eso no comparto links para descargar libros, me parece importante reconocer el trabajo de cada autor y hacer un esfuerzo en comprarlos. Probá con Kindle!! igualmente tengo en proyecto hacer una biblioteca virtual acá en el campus, en el verano me voy a poner en campaña.
Utilizo el termino Danza Arabe, mas alla de que es un termino muy amplio porque contiene diversos paises, culturas, idiomas y danzas, es el termino con el que conoci la Danza hace muchos años, es un termino en nuestro idioma, tambien es una manera clara de comunicarlo porque la gente entiende de q se trata cuando lo menciono. Si bien tambien utilizo el termino Bellydance porque dentro del ambiente hoy es el mas utilizado, no me queda comodo, no me representa porque es un termino en Ingles. Por eso decido seguir utilizando Danza Arabe pero a sabiendas de que es un termino amplio que igualmente contiene, en mi opinion, las danzas que practicamos aunque no sean todas, forman parte.
Nombre y apellido completos: Solange Estevez.
Nombre del curso o carrera de la cuál querés solicitar el certificado. Programa de perfeccionamiento en Historia del Bellydance
Email al cual querés que lo enviemos: profesolangeestevez@gmail.com
País de residencia. Argentina
Utilizo el término Danza ärabe de manera comercial y para dar a conocer lo que quiero ofrecer, pero una vez ya he capturado el público tenemos la clase de teminología y cada uno decide con qué termino quedarse pero ya con el conocimiento de que no son sinónimos
Me parece muy interesante ver cómo a través del tiempo ha cambiado la perspectiva de lo que es la danza y cómo se cree que surgió, así mismo como se van desmintiendo mitos o verdades que en su momento fueron verdades absolutas, argumentado con fundamentos.
En mi caso lo más complejo ha sido la cantidad de información que se encuentra, en su mayoría falsa o sin sustento, el no saber con qué quedarme, qué fuente es confiable y cuál no.
Normalmente, cuando quiero buscar sobre un tema busco la bibliografía y solo me remito a los libros que allí se mencionan y si puedo acceder a la bibliografía de esos libros fantástico! pero a veces también termino en un bucle de información infinita
Esta clase es muy interesante de ver cómo los viajeros cuentan desde su perspectiva y vivencias los encuentros que tuvieron con las bailarinas y la danza, el problema es que cada uno cuenta cómo le fue en la fiesta y pienso que no se puede juzgar que por una experiencia personal un gremio total. En el caso de Flaubert, me parecen un poco grotescos y despectivos sus escritos, y no me gusta leerlos.
Varias cosas:
1) con respecto a la preparación de una clase teórica me parece que lo más importante es saber a qué publico está dirigido, para saber de qué manera abordar el tema, con qué leguaje y qué contenidos ofrecer. Entonces la preparación es la clave.
2) Respecto a las escritos hechos por los viajeros, es interesante ver plasmada la perspectiva de la época en la que fueron escritos, como la sociedad juzgaba al otro por ser distinto y siempre lo hacían ver como inferior o no desarrollado. Particularmente, no me gusta leer la manera en la que degradan a las bailarinas, pese a que admiro su capacidad descriptiva.
Me parece interesante el tema de la época del Casino Badía y lo importante que fue para dar a conocer la danza a ese publico no nativo, así como se fueron tomando elementos externos y mezclándolos con lo propio para responder y adaptarse a lo que se estaba demandando en el momento por toda clase de público. Y cómo se construyó mutuamente entre locales y extranjeros la danza que se hace en su momento.
Describe las características de los personajes principales (personalidad, situación laboral, anhelos, etc.)
Mounir (Farid el Atrash)
Trabajaba en el telégrafo, era laudista y cantante. Su situación laboral cambia cuando lo despiden de su trabajo por distraido. Se enamora de Nadia, la protagonista. Es un artista pero tiene que trabajar en algo que no le gusta. Es un hombre encantador y carismático, pero mentiroso
Nadia,
Es una mujer muy sensible, que va cambiando su personalidad a través de la película, al principio era muy insegura pero despues va tomando más carácter
Hermanas Zeinab y Rasmia,
Dos hermanas que no estaban de acuerdo con los prometidos que habían escogido para ellas, vivían en una situación muy difícil porque estaban en una época donde tocaba hacer la voluntad de su padre. Al principio se les ve como mal a actitud pero luego cambian su manera de portarse con Nadia, Al final ayudan a Munir a cumplir su cometido.
Describe las escenas de danza, como es la enseñanza de la misma?
La clase de danza se desarrolla como una clase de ballet actual, estirando , pero no se ve una escena de bellydance o movimientos propios o típicos que conocemos
Anota los consejos que lee Mounir en el libro “Cómo conseguir a tu amada”, ¿que sucede al seguir los consejos?
Las mujeres necesitan seguridad.
Si llora burlate de sus lágrimas.
Si odia el licor entonces emborrachate
no tiene que i detrás de ellas
A él le iba bien no sé cómo, pero el amor no fluia al seguir esos consejos.
Cuál es la visión del amor que se percibe en las canciones.
Habla de su situación actual y lo que vive, de cómo va cambiando el amor a través del tiempo, y como se siente respecto al amor, cuando esta enamorado y cuando se siente rechazado, las canciones son muy poéticas
Analizá la letra de la Operetta final, la mirada hacia la relación entre la música occidental y “oriental”.
La unión entre oriente y occidente cada uno representado por un personaje
Nombre y apellido completos: María Constanza Wanzo
Nombre del curso o carrera de la cuál querés solicitar el certificado: Danzas aprendidas durante el año con la Company.
Email al cual querés que lo enviemos: constanza.wanzo@gmail.com
País de residencia: Argentina
Hola buenas! Quería comentarles que los links de los apartados 1 y 2 me aparecen que no están más disponibles, creo que el video ya no estaría más en youtube. Estará en algún otro medio/canal? Gracias!
Hola Estudio Sahar, hola Mari.
Más que una pregunta es compartir que me pareció super interesante en texto de Deagon, Dancing At The Edge of the world. Más allá del Hagalla y estudiar sobre el ritual, me pareció super interesante lo plantea en su texto. Creo que es super disparador para reflexionar y debatir, que es el Rol de la bailarina en la sociedad y/o comunidad. Sobre todo el rol que cumple en medio oriente como en la cultura occidental es un estudio y debate super interesante.
Nombre y Apellido: María Drach
Nombre del curso o carrera de la cuál querés solicitar el certificado: Danzas aprendidas durante el año con la Company.
Email al cual querés que lo enviemos: edmariadrach@gmail.com
País de residencia: Argentina
Nombre y Apellido: María Drach
Nombre del curso o carrera de la cuál querés solicitar el certificado: Danzas aprendidas durante el año con la Company y la cuestión de la mujer en Egipto / Carolina Bracco
Email al cual querés que lo enviemos: edmariadrach@gmail.com
País de residencia: Argentina
Es muy interesante conocer acerca de la cultura baladi y ya no solo establecerlo como un ritmo o como una forma con características especificas para bailarlo, sino conocer un contexto completo de vivencias que permitan enriquecer nuestro pensamiento con la diversidad de su cultura, y con ello, poder también enriquecer nuestra danza, para poder bailarla con un conocimiento técnico, interpretativo y sobre todo con mucho respeto.
Fue muy interesante observar detalles que habíamos visto en cuanto a los Ibn al Balad y los Afrangi, y como acentúan los estereotipos de estos dos tipos de clases sociales.
Me encanta ver al pueblo defendiendo lo suyo y sobre toso que son unidos y agradecidos por que Fatma los ayuda sin esperar nada a cambio y como ellos son recíprocos.
Te agradezco infinitamente mi Mari siempre por hacernos llegar esta información tan preciada, que nos permite ampliar aun más nuestro conocimiento, para entender esta cultura tan lejana a nosotros pero a la vez en muchos aspectos tan parecida.
Me gustaría saber si se puede ver grabada esta charla y si podes comentar cómo aprendiste a liderar el grupo para que no haya competencia entre las integrantes.
Sabrina Garcia Witzler. Conocer como fuiste desarrollando tu carrera y que comenzaste a enseñar primero y en que modalidad(talleres, seminarios, etc). Que formato o modalidad recomendás para quienes están comenzando a enseñar.
Malena Bernal Lassaque.
Me gustaría saber que sentiste al estudiar la carrera, si te frustraste mucho, cuanto tiempo le dedicabas al estudio y como fue que empezaste a dar clases luego de que te den el titulo.
Buenos días Marina! Quería contarte que acabo de ver la clase y me pareció súper interesante, pasó rapidísimo y me quedé con ganas de seguir escuchando. Lamentablemente por un tema de horarios y trabajo no puedo conectarme en vivo aunque me encantaría si puedo alguna vez.
Espero que la próxima clase, muy feliz de haber empezado el curso.
María Cecilia
Hola María Cecilia! Me pone muy contenta que te haya gustado la clase. Si alguna vez te coinciden los horarios para poder conectarte, te espero! Cualquier duda que tengas podés escribirme por acá. Un besote enorme!
buenas tardes. La verdad que conocía poco del tema de la terminología para referirse a las bailarinas aunque sí sabía de las diferencias sociales o con respecto a la vulgaridad de las mismas. Me pareció muy enriquecedora la primer clase ya que completó un poco la información que ya tenia y al mismo tiempo, me dejó con ganas de saber más, sobre todo en referencia a los distintos autores.
Hola. En mi ciudad, Posadas, siempre escuché el termino danzas árabe,s y la explicación siempre tenia que ver con el hecho que hace referencia a los países árabes. En algunas escuelas a las que asistí, las profes explicaban cuando enseñaban alguna danza que no perteneciera a la liga. Con respecto al termino de danza del medio oriente, lo vi alguna vez en Internet, pero no es utilizado en mi ciudad.
En mi caso, y por mi experiencia, elegiría el termino danzas árabes, ya que esta instaurado y la mayoría de las personas lo reconocen y asocian con la “odalisca”, como le dicen a la bailarina.
Me parece muy interesante conocer los nombres y biografía de las/los bailarines de esa época. Así como las danzas que bailaban y su vestimenta.
Estos contenidos me ayudan a entender mejor la evolución de la danza.
Gracias.
Poniendome al día.
Super interesante. Sabía muy poco del Islam. Tener esta clase me ayudó a conocer, comprender, entender imágenes que uno ve pero no se pregunta porque?. No sabía que el Islam toma a los otros profetas y que Muhammad es el último que cierra la profecía de Dios hablando al mundo. Me sorprendió que también esté el arcángel Gabriel.
Maru.
No encuentro y no sé cómo se como se escribe, cuando hicieron a Bagdad capital en el califato Abaside.
Muy interesante en lo cultural toda la época del califato Abaside. Florecimiento la cultura y la importancia que le dieron. Pensaba si habrán quemado las bibliotecas los mongoles.. tipo noooo…
Y también me interesó el modo de enseñanza a través de fábulas, tipo.. tenían una pedagogía.
Hola Mari
Algunas consultas
Las bailarinas que vimos el período es de 1830 hasta cuando aprox?
Tenía dudas el nombre de algunos viajeros, como se escribe. Uno es quien describe a la bailarina Aziza de Aswan Floubert y no Ducan?
Y la comitiva de Francia que describe a Badawiyya de Qena como se escibirian?
También no llegué a escribir la autora que describe los tres tipos de danzas que vió en esa época.
Gracias Mari.
Me quedé pensando la importancia de estudiar y reconocer como parte de la historia a estas bailarinas. Las habíamos visto en otra clase pero ahora siento que fue todo más profundo y marcando la importancia de ellas.
Hola Mari, hermosa clase. Está muy bueno conocer los métodos de enseñanza de esa época, para poder compararlo con la actualidad. Fue muy interesante conocer las dos versiones de la danza con sable., para poder compararlas. Blanc observó una danza con características eróticas, y Colette una bailarina más guerrera. ¿Es asi?
Buen día Mari.
Estoy repasando las clases.
Me quedó una pregunta. Para poder saber mejor a la hora de justificar, ¿cuáles son los autores actuales que no están de acuerdo con el mito de que las ghawazy= gypsy?. Está muy difundido este mito.
Gracias Mari
Me encanta y me ordena cómo está planificado el cuerdo. Estaba pensando la necesidad de hacerme un cuadro sinópico con todos los viajes, el año y la nacionalidad.
Excelente clase. Me encantó, fascinante.
Quería dar mi opinión en las preguntas que se realizó al final de la clase.
Coincido con los comentarios de mis compañeras. Quería agregar que aprender sobre historia en Estudio Sahar me permitió re pensarme, a mí misma, en lo atravesada que estaba por la fantasía occidental hacia las danzas de oriente. Así como también sobre el mito del origen apoyado en la Diosa. Estudiar desde un lugar cultural, histórico, contextualizar, etc. permite tener un conocimiento más acabado y profundo. Nosotras bailamos danzas de otra cultura, tener esta comprensión desde estas dimensiones permite una ampliación en el saber, un apoyo interno de entendimiento y respeto por la cultura de la danza que representamos. Por lo tanto, considero que sirve muchísimo en mi cotidiano para poder seguir desarrollándome como bailarinas.
Hola Mari, este período en bisagra, cambia todo un montón. El origen de la danza como la conocemos hoy.
En cuanto a las ghawazi y Awalim, destaco esta información que nos das, sobre la distinción. Antes se distinguían por la clase social, y ahora por la zona geográfica. Y lo asocie con las Maazin que viven en zonas rurales. Un concepto muy importante para tener en cuenta, incluso actualmente. Hermosa clase.
Si totalmente Lore, es un período sumamente importante y clave para la danza, por eso quería que lo veamos con detalle y profundidad.
Algo que les recomiendo es que se hagan una linea de tiempo con las etapas que les voy enseñando y los cambios generales que se producen, así pueden entenderlo a nivel sincrónico y diacrónico.
Me encantó la clase de Al andalus!! Ninguna duda.
Creo que tomar tus clases cambiaron mi forma de ver la danza. Se cayeron muchos mitos. Y es muy importante conocer sobre la historia y contexto de estas culturas. Coincido con mis compañeras.
Me interesó el tema de las qasidas y como siguieron vigentes y Oum Kalthoum las tomo para cantarlas.
También me interesó la lectura de la sura 31, que hablaría en contra de la danza, ¿no? si se la considera frívola. Pero, por otro lado, el jadise que cuenta que el profeta no tenía ningún problema con la música.
¿Conoces si hay algúna sura o jadise que nombre específicamente a la danza? Hermosa clase.
Hola Mari, muy interesante la clase. Gracias por las recomendaciones! Los de Mahfuz que habías recomendado hace un tiempo, los leí en verano y me encantaron! Así que voy a tratar de conseguir estos que recomendaste ahora.
Muy buena la clase. Comienza a hablar sobre la tercera etapa de la historia de las Ghawazee entre los años 1830 y 1890. Se menciona cambios en el vestuario tendientes a la simplificación e imitando sólo algunas cosas europeas. Entre esas cosas, se menciona la desaparición del escote como para volverlo más recatado. La danza pasa a presenciarse en los clubs nocturnos y ya no en eventos conmemorativos como sucedía antes. Ghawazee pasa a ser el nombre que reciben las bailarinas rurales, mientras que las Awalim son aquellas que danzan en las ciudades de El Cairo y Alejandría.
En esta primera clase, se empieza a ver los distintos términos y sus significados, relacionados con este tema. En una primera instancia Ghawazee se veía relacionada con una tribu y es un término tanto plural como singular. Almeh (plural) era otro término también usado por los viajeros para distinguir a las bailarinas. De acuerdo con las diversas fuentes, algunos usaban la palabra Almeh o Ghawazee para referirse a las bailarinas. Napoleón las mencionó como Almeh. Edward Lane usa ambos términos. Ghawazee para las más privadas y las Almeh para las públicas. En general se ve que, independientemente del término que use cada viajero, ellos hacían una distinción entre 2 clases de bailarinas.
En esta clase se menciona el origen gypsie de las primeras ghawazee. También se comenta cómo una de las Ghawazee más conocida, Khayriya Mazim, empieza a pedir que no se utilice este término para definirla por la connotación negativa que éste tendría en su país. En el alto Egipto hasta se lo connsidera un término vulgar. En cuanto a la historia en sí, se menciona cómo durante el gobierno de Muhammad Ali se prohíbe a las bailarinas en la ciudad de El Cairo y éstas se ven obligadas a irse más hacia el sur. Aumenta la asociación de estas bailarinas con la prostitución.
En esta clase se mencionan a alguna de las bailarinas más conocidas de la época y que fueron nombradas por los viajeros. Entre ellas están: Saffiya de Esna (muy prestigiosa y bailó hasta que se casó), Kuchuk Hanem de Esna (originaria de Damasco, fue íntima del viajero Flaubert quien escribe mucho sobre ella. No se destacaba en la danza en sí, pero sí sabía venderla), Hasna de Luxor y Qena (quien nunca pudo trabajar en El Cairo por las prohibiciones), Aziza de Aswan (cuya danza no era auténticamente egipcia), Badawiyya de Qena (quien llegó a bailar con doble sable y se crée que fue retratada en algunas pinturas), entre otras. Luego, se mencionan 3 tipos de danzas: en la primera sólo se danzaba sin actuación, en la segunda había actuación y era una danza que fue más bien considerada lasciva por algunos viajeros y en la tercera se hacía la danza de la abeja, la cual implicaba hacer de cuenta que se era atacada por una abeja mientras se danzaba. También se vio la vestimenta usada y sus distintas partes.
En esta clase se comienza a ver cómo va evolucionando la danza y, aquellas bailarinas que pretendían actuar para las clases altas, debían de ser más preparadas y saber de canto, recitar poesía y tener conocimiento de la tradición musical. En algunos casos, hasta debieron saber idiomas para poder comunicarse con los extranjeros. La aparición de los coffee house dio un nuevo contexto para que la danza fuera ejecutada. En estos lugares también llamados Qahweh, se tomaba café y se fumaba: vicios que surgieron como resultado de la prohibición del alcohol. También se menciona el uso de algunos instrumentos para danzar como el sable, el bastón, un vaso de agua, la taza de café, una vasija y también instrumentos pero más bien como parte del decorado de la bailarina.
En esta clase se mostró brevemente el estilo de vestimenta usado por las hermanas Mazin. Básicamente tenían 2 estilos de trajes: el faraónico el cual consistía de una pollera con sobre falda y un cinturón con tiras de tela, además de una corona. Y el Luxor el cual es un vestido largo con tiras de canutillos. Luego, se vieron videos de otras Ghawazee como Mahasin, Manal, Umm Hashim y Hannan. Estas 3 últimas, del alto Egipto. En la actualidad se conoce más sobre las ghawazee del alto Egipto que de las del bajo. Otro de los temas mencionados es cómo poco a poco esta es una tradición de danza que está empezando a decaer. En parte por el advenimiento del Raks sharki y la preferencia de la gente por este estilo de danza, y también porque muchas de ellas cuando se casan dejan de ejercer la danza y prefieren no ser relacionadas con la misma.
En esta clase se menciona la cuarta etapa de esta danza. Comienza a surgir en los clubes nocturnos el término Raks sharki para designar al belllydance. También se mencionan las diferencias que hay en la actualidad entre el estilo del Alto y del Bajo Egipto. Mientras que en el Alto Egipto se usa un estilo en donde se marca el compás con los pies, es un estilo más fuerte y no tiene pasos acrobáticos ni de equilibro, en el Bajo Egipto los pasos suelen ser más acrobáticos, hay baile con sillas, usan túnica como vestimente, no se marca la percusión con los pies y en las bandas se suele ver la presencia de todos los instrumentos.
Hermoso curso de literatura! Me parece muy importante la aclaración de las diferencias entre samai y muwashaha. Estaría bueno si lo podes agregar en el curso de mito, porque, por lo menos en Argentina, es un mito.
Y de literatura actual, me quedo con las recomendaciones de la clase pasada. Ya fui al blog y bajé el libro que recomendaste de la autora marroqui. Gracias!
Cuando pienso en las normas APA, me acuerdo cuando estaba estudiando mi carrera de traductora, ahí aprendí un poco sobre cómo utilizarlas y realmente sirven para hacer algo mas formal. De igual manera, las voy a tener que revisar.
Me encantó. Siempre que estudié filosofía en alguna materia de la Facu o de psico social nunca hubo ninguna referencia a la filosofía del mundo islámico y me parece tan interesante como la filosofía occidental que siempre nos dan. Excelente, reflexionaba en los Mutazilies y en su pensamiento con respecto a la libertad del hombre se asemeja a lo que sería el concepto de libre albedrío. Obvio que no es el libre abedrio donde uno tenga la elección sin una causa y efecto, a malas decisiones un juicio final a la hora de ser evaluada el accionar de la persona.
También estaba pensando como determina el pensamiento filosófico, religioso la moral y el organizar la vida social de las personas.
Quiero decir, con los mutazilies hay una forma de accionar y pensar desde la noción de justicia, de tomar uno las propias decisiones y ser enjuiciado en el más allá mientas que Asharies te dice…peraaa cheee.. mira que Dios es Onmipotente. y esa pequeña diferencia de pensamiento te cambia todo el paradigma.
Bueno, no tengo más nada que agregar al excelente resumen que realizó mi compañera en la sección de preguntas y que leí recién.
Quería agregar la importancia de esta clase. Hay mucha confusión y mitos sobre las ghawazee en la comunidad del bellydance, tanto su pasado como en la actualidad. Por eso me parece fundamental esta clase. Agradezco la claridad que se ofrece sobre el tema.
Ahora puedo pararme desde otro punto (saliendo de los mitos y confusiones)
Este curso de profundizar sobre las ghawazee fue excelente y fundamental.
Me pareció super interesante conocer sobre la feria ya que no tenia idea de que se llevaban a cabo estos eventos. Me encantaron las imágenes, y creo q es una pena que no existan mas aquellos lugares con toda la infraestructura que utilizaban para las ferias, ya que me hubiese encantado visitarlos. De todas formas, con la información compartida me pude hacer una idea bastante clara de como era. Gracias!
Recuerdo que en algún momento escuche el termino Menat pero no me acordaba a qué se refería! Gracias por explicarlo; de todas formas no soy muy buena en geografía, creo que me voy a tener que hacer un mapa para recordar mejor! Por otro lado, me encantaron las representaciones de las escenas de danza!
me encantó aprender un poco la pronunciación de las palabras y su significado! Y también conocer los distintos tipos de danza, no sabia que eran tantos!!!aparentemente esta gente se la pasaba bailando!!!
Clase para re pensarnos, sobre todo desde donde nos paramos cuando hablamos de otras religiones y culturas.
Trataré de mirar las pelis para la próxima clase
Genial la clase! Cuánto material para reflexionar. Me sentí interpelada como mujer occidental. En cuanto a la película “La fuente de las mujeres”, la ví hace mucho, y hace un mes la busqué para recomendarsela a mis alumnas y ya no está ni en youtube ni en ninguna plataforma. Si la encuentran, me dicen donde se puede ver?
Me encantó como comenzó este curso de mitos! Bueno, primero, contarles que todos esos mitos, los he estudiado como verdaderos en algún momento, y peor, los he repetido.
Y en tus clases fui descubirendo que no eran asi. Pero está bueno, este “picadito” de mito tras mito.
La imagen del mito del origen del bellydance en el Antiguo Egipto, me hizo recordar el libro de Patricia Passo, que dice que a partir de esa imagen, no solo se sabe que esas bailarinas están bailando bellydance, sino, que afirma que están haciendo el paso del camello. El libro es del 2011, bastante actual.
Por eso me parece tan importante que puedas esclarecer todos estos mitos.
Coincido con vos Lore, en que es bueno poder ver todos los mitos juntos en un solo curso, para poder tenerlos bien presentes. Al verlos por separado y entremezclados entre cursos y clases, generalmente suelen olvidarse algunos. Con respecto al libro que mencionaste, lamentablemente aún se siguen perpetuando argumentos que no pueden ser comprobados científicamente. Nosotros no podemos afirmar que fue una bailarina esa figurilla, tenemos que hablar en condicional, siempre considerado la posibilidad de que quienes postulan que era una posición de agradecimiento, o vinculada a la guerra, etc. estén en lo correcto.
La Danseuse o la Bailarina, dirijida por Stéphanie Di Giusto y estrenada en el 2016, es una película que logra plasmar en escena entre realidad y fantasía la vida de Loïe Fuller, la famosa bailarina nacida en Illinois que gracias a su creatividad y perseverancia, logra colocar su performance en altos estándares del arte con un contexto de danza diferente al establecido en la época, por medio del uso de largas extensiones de telas con varillas de madera para poder moverlas, esto con el uso de una iluminación adecuada para mostrar una obra diferente.
Es muy interesante en el contexto en el que presentan a Loïe Fuller en la película, en el minuto 4:24 puede verse como ella lleva una corona de flores mientras lee los diálogos de Salome de la obra de Oscar Wilde, semejando mucho a la imagen original de Loïe Fuller que se uso para la obra de Salomé en la que ella participó.
Llama mucho la atención la planificación y el desglose minucioso en dibujos y planos tanto para su danza como para la iluminación que se debería utilizar para lograr el efecto deseado al espectador.
Su primera presentación en la película es espectacular, detalla de muy buena forma como pudo haber sido la obra de Loïe Fuller en esa época, el detalle del juego de luces, los colores y los ángulos de proyección, describe muchas formas y significados, justo los que ella quería brindar al público como mensaje.
Las frases que describen a Loïe Fuller en publicaciones:
“Un sueño florar en escena”
“Un canto animado a la flor”
“Es una belleza fugaz, pero mayor que la vida”
Y la ultima: “Una flor de ensueño que surgió de la oscuridad” de Jean Lorrain, nos permiten vivir un poco de las sensaciones y pensamientos que pudo haber tenido su público al verla.
La experiencia de ver esta película para los que estudiamos danza es importantísima, una joya, se puede decir que Loïe Fuller fue una de las bailarinas que revolucionaron la danza, y en nuestro caso, parte de los orígenes del uso de las que hoy en día se conocen como Wings o Alas de Isis.
Hola Mari, bueno, muchos temas diferentes se vieron en esta clase de mitos. Por un lado, en cuanto al bellydance y la fertilidad y el parto, agrego, a cerca de lo que comentó la compañera, que yo también hice cursos especiales para parto y había movimientos iguales o parecidos al bellydance. Su objetivo era la buena “colocación” del bebe, y ayudar al canal de parto y ayudar cuando se puja en el parto. Ni el bellydance, ni ningún curso o yoga, ayudan a que un parto no sea doloroso (el dolor ayuda a pujar). Coincido con la investigación que citas Mari, a algunas mujeres las puede ayudar, en estos aspectos. Y a otras, no. Pero, hay algo importante. Algunos estilos de bellydance pueden ser perjudiciales para una embarazada que nunca bailó, por ejemplo , un derbake o un raks al assaya con saltitos. Por esto, es importante conocer este mito.
Por otro lado, en la actualidad, el mito de las ghawazi y awalim y las ghawazi “gypsy” está muy arraigado en la comunidad de bellydance y se sigue encontrando en muchas escuelas, webs y artículos. Hermosa clase!
Hola Lore: Excelente tu comentario! En la clase no mencionamos que algunos obstetras no recomiendan realizar algunos estilos del Bellydance como el derbake o lo que sea saltado. Y como vos decis, si, está muy arraigado en la comunidad de Bellydance y seguramente llevará mucho tiempo poder lograr cuestionarlo. Gracias!
Chicas ahi pegue el link de los 2 videos pero veo que solo aparece uno solono se pq me pasa eso con los otros modulos me paso lo mismo .Que estare haciendo mal? Yo copio el link lo pego , doy un enter y asi voy haciendo con cada video.pero desp cdo lo cargo me aparece sienpre un video menos.En este caso eran dos y veo q figyra un solo link
Hola Bren! Cómo estás? Capaz pega todos los links de una y no por separado, no es necesario que les de el enter para que se forme el hipervinculo porque yo lo pego despues en la compu y lo veo así. Probemos eso!
Quedé encantada con esta clase. Me pareció una forma súper entretenida e interactiva de visualizar!
Increíble poder ver incluso desde cerquita la calle del cairo, gracias a él video y la tecnología.
Muchas gracias profe 🙂
De acuerdo a lo observado en la clase puedo vislumbrar que los dos conceptos resultan amplios.En cuánto a la denominación “Medio oriente”considero que es aún más compleja ya que no existe consenso en cuanto a los países que lo conforman , entiendo que quizás tiene que ver con diferentes miradas políticas, ideológicas , etc .
Mencionando ahora el concepto de Danza Árabe puedo concluír en que resulta también muy amplio ya que nuestra danza no representa a todos los países árabes y también deja de lado a algunas culturas que también influenciaron en nuestra danza y no están incluidas en la liga árabe. De todos modos considero que desde una óptica comercial utilizar ese término nos puedo ayudar a captar al público que no conoce en profundidad del tema .
Me encanto la clase, quisiera preguntar algo Mari, tu crees entonces que seria correcto decir que el origen de la danza, los primeros hallazgos se pueden dar desde las gawhazee y las awalim y posterior a esto en 1930 en los night clubs?. Gracias por tu ayuda.
Hola Gaby! Creo que podrías decir dos cosas:
1. si vos querés referirte al origen del estilo que hoy bailamos, es decir el Raqs Sharqi, el mismo se desarrolla a inicios del siglo XX en Egipto a partir de la tradición previa que se venía bailando entre ghawazee y awalim desde al menos el siglo XVII, sumado a influencias de otras danzas no solo de occidente sino también de “Medio Oriente” (Ej: países árabes + Irán)
2. Si vos querés referirte al origen de la danza en Egipto, tenemos evidencias de la misma ya desde el predinástico, pero no tenemos evidencias sólidas para poder realizar una linea de evolución de la danza desde el Antiguo Egipto hasta la actualidad.
Hermosa clase como siempre mi Mari, me la repetí para poder afianzar unos conceptos que no los tenia muy claros. Me encantan estas clases de Mitos!!! puedo ir cerrando ya los temas vistos y ahora queda todo mas claro. Gracias Siempre
Ma encantó esta clase, los aportes de Sofi estuvieron muy interesantes, es distinto aprender a parte de la teoría con las vivencias de una persona y poder culturizarnos con su visión.
Me quedo con la frase de Margot Badrán: “Para la juventud, mujeres y hombres de la revolución, la libertad, la igualdad y la justicia son innegociables. Esta es la esencia del nuevo feminismo”.
Me encantó por que forma parte de mi pensamiento en cuanto al feminismo se refiere, que busca la igualdad tanto para hombres como para mujeres, ya que pienso que debemos situarnos hombro a hombro y no unos mas que otros.
Gracias por estas clases Mari, siempre son enriquecedoras.
Genial clase como siempre mi Mari, es tan importante sabes de estos tips, por que nos permite poder ya de una vez por todas ir desmintiendo mucha información que se encuentra en muchísimas páginas web y además en muchos libros también.
Justo se me vino también a la cabeza la película de Farid Al Atrash que vimos hace algún tiempo cuando representaban en la Opereta, el a Oriente y Samia Gamal al occidente, ambos con su arte y como podían conjugar bien entre ellos con un beneficio mutuo. Recomendada esa peli.
Gracias mi Mari nos vemos la proxima clase 🙂
ame la clase mi Mari, que interesante que es la historia de Egipto, me quede con ganas de mucho más.
Una pregunta, cuando hablamos del Djet entonces sería como la forma final de los egipcios y las cosas en el espacio terrenal verdad?. o también esto implicaría el ámbito espiritual?.
Hola Gaby! Cómo estás? El DJET sería el tiempo o mejor dicho No tiempo, donde todas las cosas son como deberían ser. Pero no es en el espacio terrenal, porque el espacio terrenal está sujeto al Neheh (el tiempo cíclico, de las estaciones, de los días y noches, etc.). Espero que se haya entendido la respuesta. Un besito enorme!
Hermosa clase! Me encantó la participación de Sofía. Sus vivencias y opiniones aportaron un montón a contextualizar la clase. Además, de que es muy dulce! Muy interesante concocer sobre el feminismo en otras partes del mundo y sus particularidades por cada región.
Hola Mari, genial la clase. Hasta hace muy poco, yo creía que Khariya era la última ghawazi. Y este mito sigue muy arraigado. ¿Tendrá que ver porque la familia Maazin fue la más “estudiada” por decirlo as, en occidente? Y por lo tanto, la más popular. Y apenas se conocen en textos o videos otras bailarinas de ghawazi. Son la referencia de ghawazi en textos y workshops, no? Con más llegada al bellydance comercial creo yo.
Hola Lore! Si, creo que es una sumatoria de factores. Por un lado con el paso del tiempo hubo una disminución de ghawazee en el norte del país, por el otro lado, el estilo de ghawazee del norte no es tan diferente del raks sharqi (el del sur si es diferente, y por ello muchos asumieron que en el norte no había). Por último, los primeros estudios modernos que se realizaron sobre las ghawazee fueron realizados en el sur del pais, ya que todo parecía indicar que allí iban a encontrar. Y despúes hay varias que fueron dejando de bailar. Entonces, si creo que tiene que ver con el hecho de que la familia Mazin fue la más estudiada y la de mayor accesibilidad.
Una clase Super interesante, conocer la experiencia de sofia, como vive su desarraigo y su cultura fue muy enriquecedor. Susana siempre tan clara en todas sus ideas. Hermoso taller y hermosa clase. Muchas gracias.
Hola. Me estoy poniendo al día con el taller.
Interesante clase de Susana Mangana.
Su llamado a que reflexionemos, a desconstruir nuestra mirada occidental sobre la mujer occidental y sobre la mujer musulmana. La mirada del pensamiento crítica para poder ir más allá.
Excelente, coincido, la postura sobre respetar, no excluyente o de superioridad, sobre la lucha por los derechos de las mujeres en el mundo musulmán.
Desde que bailo siempre escuche y me enseñaron que el origen de la danza era con las sacerdotizas, pero claro, nunca lo dudé ni pedí mayores explicaciones, ahora recién me doy cuenta que hay mas que solo lo que me contaban. Me encanta poder conocer la verdadera historia. De todas formas, entiendo que se intento modificar la historia para mejorar la imagen de la danza y la bailarina. Creo que el fin era bueno, pero no creo que haya sido la mejor manera de hacerlo.
En mi caso cuando doy clases utilizo el termino “Danzas Árabes” porque así reconoce en mi ciudad. Por mi parte, preferiría utilizar el termino “Bellydance”, pero no lo hago porque al ser un término de la lengua inglesa, confunde a la mayoría de las personas. Lo que suelo hacer, es que una vez que asisten durante un tiempo a las clases, voy introduciendo de a poco la terminología correcta acompañado de la explicación correspondiente.
La canción es super conocida!!! no sabia que provenía de ahí…recuerdo escucharla en muuchos de los dibujos animados de mi época, sobre todo cuando hipnotizaban a las serpientes! El video de la bailarina me impacto, qué movimiento de caderas!!! impresionante!!
Dejo mis comentarios sobre cada uno, porque la verdad que hay mucho que decir:
Del primer video, Dunya, la danza de trance con velo me parece que tiene lindos elementos expresivos como para utilizar actualmente y crear misterio pero me parece que seria interesante agregarle desplazamientos.
Sobre el video de Delilah, la danza ritual, me parece que el hecho que la haga una embarazada y sin musical, solo el acompañamiento vocal, hace a la danza mas impresionante, aunque yo le hubiese agregado algún acompañamiento musical. Sin embargo tiene mucha expresión y lindos movimientos de manos y brazos.
Del tercer video, Le’ena como sacerdotisa, de entrada tengo que decir que no es de mis favoritos. Me impresionó bastante el uso de las dos serpientes, aunque sean boas, y el pecho descubierto. En algunos momentos me pareció mas una danza griega o cortesana. Cuando habló dijo que ella era la sacerdotisa de las serpientes que traía la sabiduría de Gaia (ese nombre, Gaia, me resonó, yo lo conocí como la conciencia colectiva cuándo apareció en el libro que traduje para mi tesis). En si, todo el acto me parece muy oscuro y extremo, pero hace que el show sea bastante intenso y llamativo.
Me encantó esta primera clase de los mitos en la historia del bellydance. El primer mito me pareció muy interesante porque empieza revelando el verdadero significado del término Raqs sharki como “danza del este” haciendo referencia a la región este del mundo árabe más conocida como Masriq. También se menciona que el término se usó originalmente para todas las danzas que provenían de esa zona y sólo a partir de los años comprendidos entre 1920 y 1930 comenzó a adquirir el significado por el que lo conocemos hoy en día.
Luego, se continúa con el mito de si el bellydance tenía su origen en el Antiguo Egipto. Se habló sobre la imposibilidad de conocer cómo se bailaba realmente en esa época como además las dificultades para acceder o volver a encontrar los sitios arqueológicos en los que se sabía que había imágenes de danza.
Se continuó mencionando sobre si una conocida estatuilla “Bird lady” podía ser una representación de una bailarina en su pose de baile. Al igual que con lo anterior, no es posible conocer el contexto en que era realizada esa posición por lo que actualmente se le suelen llamar “las celebrantes” a toda estatuilla en una forma similar.
Finalmente, se cuestionó si era posible que la danza hubiera surgido exclusivamente en un contexto sagrado y si era realizada sólo por mujeres. Se mencionó que en una tesis doctoral publicada en el año 2008, se clasificaron distintos tipos de danza según su función y, en ellas, participaban únicamente los hombres y no siempre en contextos sagrados.
En esta clase se mencionaron 3 de los mitos más difundidos con respecto al bellydance.
El primero de ellos, fue sobre si esta danza ayudaba a la fertilidad en las mujeres. Se aclaró que no había una experiencia científica suficientemente contundente como para hacer esta afirmación. Se exploró el posible origen de este mito en las corrientes filosóficas de las décadas del 60 y del 70 que buscaron conectar la danza con cierta creencia en la tradición hacia la diosa madre.
Se continuó con el mito sobre si las Awalim eran cantantes y las Ghawazee eran bailarinas. Se comentó que los distintos viajeros llegaron a usar estos términos indistintamente. Se hizo un breve resumen en cómo fue cambiando el significado de estos términos a lo largo de los años y cóo se los utiliza indistintamente en la actualidad, pero diferenciando el tipo de zona geográfica en el que se desarrolla la bailarina/cantante.
Finalmente, se exploró sobre si las mismísimas Ghawazee eran originalmente las romaníes (gitanas) de Egipto. Se mencionó que en un libro muy conocido de la autora Buonaventura, se había descrito así. Sin embargo, investigadores con evidencias más actuales demostraron que no todas eran de ese origen étnico.
En esta tercera edición de mitos en la historia del bellydance se elaboraron otros 3 mitos que suelen difundirse dentro de este ambiente.
El primero de ellos, era sobre si Khairiya Mazin sería la última Ghawazee. Esto no sería cierto ya que aún pueden encontrarse algunas de estas bailarinas en el Alto Egipto, pero no es tan fácil o es casi imposible hacerlo en el Bajo Egipto (con posibilidad de que ya no hayan más Ghawazee). Las razones de que sucediera esto se entremezclan con cuestiones culturales (el no verse a la danza como muy decorosa) y hasta políticas (como cuando Nazer en 1952 posiblemente haya obligado a estas bailarinas a irse más hacia el sur ya que buscaba ejercer un control sobre lo que se mostraba de Egipto al mundo y troups como las de Reda eran más contratadas para cualquier demostración social, dejando de lado a estas bailarinas). El hecho de que el Raks sharki como lo conocemos, haya ganado cada vez más presencia también posibilitó que cada vez hubieran menos de estas bailarinas.
También se barajó si es que el Raqs sharki surgió como respuesta a la demanda occidental. Se vio que esto no era así ya que los clubes nocturnos surgieron para satisfacer la necesidad de un público autóctono que, hasta ese momento, sólo llegaba a ver esta danza en un contexto social como ser bodas o circuncisiones.
Finalmente, se discute si fue la bailarina Badia quien inauguró el primer night club. Se menciona una cita de Buonaventura la cual contenía algunos errores históricos ya que habían Casinos (entendiéndose por casino como un lugar de entretenimiento en donde se podían encontrar distintos tipos de shows y no como un lugar de apuestas) como El Dorado que ya estaban desde 1870. Badia abrió varios Casinos, uno de ellos el Opera recién en 1926.
En esta última clase de mitos, se vio el mito de si el vestuario que usan las bailarinas sería una creación de occidente, más específicamente de Hollywood. A partir de relatos de viajeros y algunas imágenes, se observó que ya había vestigios de lo que ahora se le llama Badla desde mediados del siglo XIX. A su vez, hay evidencia de que ya desde antes de 1930 se podía ver el vientre en las bailarinas. Finalmente, si se considera unas imágenes de supuestas bailarinas orientales en postales estadounidenses de 1900, se puede observar que lo que la bailarina usa en la parte de arriba del vestuario, no es lo mismo que usaban las bailarinas en ese entonces.
Finalmente, sobre si la postura de apertura de piernas en la danza era algo más bien moderno en la danza, se observó que ya desde el s. XVIII había evidencia de estas aperturas de manera parcial y que sólo hacia el s. XX pudieron verse aperturas de piernas totales.
en esta reseña quiero agradecer a Susana y también a Marina por darnos tanta riqueza de conocimiento. Lastimosamente por cuestión de salud no pude estar la última clase pero pude verla en modalidad asincrónica y me encantó. El poder quitarnos de la cabeza tantos mitos en los cuales encasillamos al uso del velo, y poder realmente entender cual es la realidad y el significado valioso que corresponde el usar el velo para las mujeres que lo llevan.
Como seres humanos muchas veces generalizamos mucho y damos opinión de temas y realidades de otras personas que muchas veces ni siquiera comprendemos.
Este curso me ha hecho entender mucho sobre el significado del velo pero a la vez sobre tener la mente mucho más abierta, para poder entender la realidad, el significado de libertad y el pensamiento de otras culturas.
Amé el curso.
Mil gracias Susana y Mari.
Hola Mari, me vino re bien el repaso de vestuario. En las fotos donde mostrás la versión occidental del badla, ¿las bailarinas tenían “velos”? Una tenía una tela transparente, y la otra también tenía una tela en la mano, no?
Con respecto al mito de la apertura de piernas, la verdad, es que hace mucho, cuando vi a una bailarina acá en Argentina hacerlo, me pareció que era moderno y con influencia de ballet. Y nunca más volví a pensar en el tema. Y ahora que mostras el video de la bailarina Nabawiya Mustafa, (que es una bailarina que me encantá, me parece re particular su estilo y flexibilidad); yo había visto ese video. Pero nunca lo relacióne. Gracias Mari, por mostrarnos y enseñarnos, con tu mirada y conocimiento tan amplio.
Las awalim eran las que bailaban con shamadam? o también las ghawazi?
Buenisimo el aporte de Sofia. La importancia de escuchar en primera persona. Clase super interesante. Aclarar mitos sobre el uso del velo, saber sobre el feminismo musulmán, las voces disidentes me parece fundamental. También me encanta que la Dra. Susana Mangana nos recomiende libros y películas para seguir re pensándonos y viendo las realidades de las mujeres en los países musulmanes.
Que hermosa clase! me doy cuenta que mi pensamiento iba por bien camino: usar velo no tiene porqué estar mal visto. Creo que se juzga demasiado al otro en general y no se llega a comprender que la cultura de cada país es diferente por lo cual lo que nosotros en argentina consideramos “bueno” puede ser considerado de manera contraria en otro país. Creo que deberíamos intentar ser mas abiertos y no juzgar tanto.
Excelente inicio de curso. Algunas de las cuestiones mencionadas en él tuvieron que ver con que no todo el mundo musulmán es el mismo, que no hay que generalizar. Se mencionaron los distintos tipos de ropajes que usan para cubrir su cuerpo las mujeres. Se hizo una diferenciación entre lo que es ser árabe y musulmán ya que de los primeros hay sólo 350 millones y, de los segundos, hay 2 mil millones. Además, se vio qué connotación tiene el uso del velo al separarse lo público de lo privado.
Algo que me pareció muy interesante fue la crítica que se hizo hacia ciertas cuestiones del mundo occidental. Si bien, desde nuestra perspectiva, parecería que la mujer musulmana sería sumisa, es cierto que en nuestra cultura muchas veces se ha promovido este tipo de imagen de la mujer a través de telenovelas y películas en donde la mujer sufre y necesita de ser rescatada por un hombre. Por otro lado, mientras que existe un discurso feminista en donde se promulga la igualdad con el hombre, siguen existiendo canciones que, a través de su letra, denigran importantemente a la mujer. A su vez, se mencionó la hipersexualización que hoy día puede verse en las niñas y el cómo los cuerpos de las modelos son antinaturales y fabricados con cirugías.
Si bien a través de esta observación no se busca negar la existencia de cierto tipo de ataques hacia la mujer de los que alguna vez hemos tenido noticias, estos son generalmente de tipo terrorista y no representan lo que pasa en todo el mundo musulmán. A su vez y, a partir de lo anteriormente mencionado, no podemos decir que en la cultura occidental la mujer sea poseedora de una completa libertad ya que se nos son impuestos ideales de belleza fabricados e imposibles de alcanzar para una gran mayoría y, en algunos casos, llegaríamos hasta “ocultar” nuestros propios rasgos naturales a través de las cirugías.
En esta segunda clase sobre los significados del velo y la situación de la mujer en Oriente Medio, se estuvieron comentando las películas y los libros que fueron recomendados por la profesora. En la película “La fuente de las mujeres” se destacaron 2 de los diálogos en donde se puede apreciar que sus protagonistas se encuentran lejos de ser mujeres sumisas de su comunidad.
En la película “La bicicleta verde”, se puede ver la dicotomía que hay dentro de la sociedad marroquí de la mujer que, si bien puede trabajar y estudiar, no puede resolver o hacer cosas que a nosotras nos serían cotidianas como abrir una cuenta en el banco. Sin embargo, en una película (esta vez francesa) llamada “El manual de la buena esposa” también se ve reflejada esta misma situación para la mujer occidental y que esto sucedió no hace demasiado tiempo atrás.
En “El libro de mi destino” un diálogo de una mujer refleja cómo su vestimenta fue elegida por los hombres y ella debió vestirse de distintas formas porque así le fue dictado pero muchas veces, esos dictámenes provinieron de los gobiernos de turno reflejando que los derechos de las mujeres muchas veces se vieron promovidos o cercenados según las necesidades del gobierno de turno.
En esta clase, contamos con el testimonio de cómo es su vida en occidente de Sofía (nombre adoptado al llegar a Uruguay) quien es una refugiada Siria. Llegó a Latinoamérica en el 2014 y nos contó que en Siria hay mujeres que tampoco usan el hiyab. También nos habló de que en su familia tiene 2 hermanas que no lo usan y que las opiniones al respecto de esto son diversas entre los 11 hermanos. También mencionó la situación en Siria en donde las casa que puedan haber quedado en pie fueron totalmente saqueadas y que su familia apenas tuvo tiempo para salir con lo que llevaban puesto.
Luego, se continuó analizando las reformas y derechos que ganaron las mujeres a partir del islam llegando a tener más derechos que cualquier otra mujer en el mundo las cuales tardaron cerca de un mileno en llegar a alcanzar esos mismos derechos. Se enfatizó en el hecho de que las mujeres mayormente usan el velo por elección más allá de que en occidente se lo vea como un símbolo de su represión y sumisión y finalmente, se mostraron algunas escritoras que tenían una voz disidente con respecto a estas costumbres.
En esta última clase de “Los múltiples significados del velo…” se llevó a cabo una actividad en grupo en la cual se leyeron algunos de los versículos del Corán (conocidos como aleyas), en los que se habla específicamente sobre la mujer.
Primeramente, se mencionó cómo está conformado el Corán y se hizo una breve reseña de las distintas etapas de prédica que tuvo su profeta. A continuación, se empezaron a discutir los distintos versículos del Corán. Se buscó desmitificar algunas cuestiones generalizadas en el occidente como que los hombres puedan casarse con cuanta mujer quisieran. En principio, esto sólo lo pueden hacer con autorización de la primera esposa. Muchas veces, se introducen cláusulas al momento de casarse en donde se le prohíba esto al hombre. Y también, el hombre sólo puede tener más de 1 esposa sólo si tiene la capacidad económica para tenerlas. Es así que menos del 2% llega a tener más de 1 esposa.
Hola Mari, cuantas veces leí y estudié que Souher Zaki fue la primera en bailar un tema de Oum Kalthoum. Incluso me dijeron que Oum Kalthoum, en un principio no quería que sus temas sean bailados. Gracias por toda esta valiosa información.
Cuánta información para procesar!! La parte de las bailarinas me encantó así como también lo de la ropa. Me gustó mucho ver como se mantiene el tema de los elementos y la manera cómo utilizaban la taza y el vaso. Gracias!!
Muy interesante la clase de filosofía. La diferencia entre los mutasilies y los asharies, como los mutasilies sostenían que el hombre tiene libertad individual y por eso tiene responsabilidad de sus actos, y como los asharies sostienen que Alá lo decide todo. En ese aspecto, pienso que sus pensamientos son opuestos.
Me encantan las clases de mitos! Es como un picadito de temas interesantes del belly.
Pregunta con respecto a la mileia; ¿la usaban las mujeres de la clase baja urbana o de la clase media urbana? o las dos? La bint al balad representa la clase baja de ese momento? o la clase media? o las dos?
¿La bint al balad se puede representar bailando con mileia? bailando con bastón también? bailando con sisha? como bailaba Fifi abdo? y también bailando un baladi progresion sin elemento? Qué musica acompaña a la representación de la bint al balad?
Con respecto a Raqsat al Shamadan, me habían dicho que solo se bailaba y se originó en el contexto del zafa de la novia. Pero esto no es así, verdad?
La danza con candelabro se relacionaba con las awalim? o cualquier bailarina bailaba con candelabro?
Gracias!
Hola! Bueno, Al Kindi nos dice que la religión y la filosofía tienen el mismo objetivo, conocer la verdad. Solo que tienen diferentes metodologías.
Al Farabi, es más político. Nos dice que la filosofía es producto de la razón y es el medio para alcanzar la felicidad, pero, dentro de una comunidad, donde hay que cooperar para que funcione.
Y de Avicena, vi la película hace tiempo, hermosa. El sistematiza las ciencias.
Qué lindo saber sobre el sufismo. Siempre me llamó la atención los giros derviches.
Me quedó una frase que citaste del profeta: “Conocerse a uno mismo, es conocer a Alá”. Justo estoy haciendo yoga, y mi profe nos estaba hablando que el fin espiritual es conocerse a uno mismo, para conocer el universo entero, que es de donde venimos. Y también se hace meditación en quietud o movimiento. Como la espiritualidad, a veces coincide, aunque sean lejanas las porpuestas, no?
Con respecto a las clases, como docente de otra área, es prácticamente lo mismo, sólo varia la temática. Por otro lado, con respecto a la temática de los escritos y fuentes, es siempre interesante recordar a quienes dejaron evidencia de nuestra amada danza en aquellas épocas. Uno puede darle más sentido a la danza al saber un poco más de su historia. Con respecto a los término de ghawazee y awalim, eran temas que ya habíamos visto con anterioridad así que fue bueno recordarlos, pero sobre todo me interesa el hecho de darle nombres a esos bailarines. Gracias Mari por compartir tanta información !
En esta maravillosa clase sobre mitos en la historia del bellydance, se abordan cuestiones tales como si Souher Saki fue la primera en bailar un tema de Umm Kulthum, o si Samia Gamal fue la primera bailarina en usar el velo o si de verdad existe la famosísima danza de los 7 velos. En el primer caso,se mostraron videos en el que otra bailarina hace uso de un tema de Umm Kulthum para mostrar su danza y también otro video en donde la misma Umm baila uno de sus temas una danza inspirada en otra folclórica de origen turco. También se cuenta que Samia Gamal en realidad popularizó el uso del velo en la danza ya que no existe tal danza en la historia. Ni la diosa Inanna danzó al descender al infierno y, además, lo que se quitaba eran distintas prendas. Además, en la historia de Salomé tampoco se menciona que ella haya usado velos cuando danzó para pedir la cabeza de Juan el Bautista. Una de las primeras menciones de esta danza proviene del famoso autor Oscar Wilde el cual en su libro “Salomé” menciona que ella habría bailado esta danza. A partir de esto, es que surge que muchas bailarinas hayan usado el velo para interpretarla a Salomé previo al uso que le dio Samia Gamal.
Mari, que linda clase de la religión del Antiguo Egipto.
Los conceptos de la cosmolgía dualista, y del tiempo Nejeh (cíclico) y djet (permanencia), son muy interesantes.
En esta clase sexta clase sobre los mitos en la historia del bellydance, descubrimos que las famosas Isis Wings son en realidad un invento más moderno y que, en el Antiguo Egipto, Isis no era la única diosa representada con alas. Muchos eran los tipos aves cuyas alas eran representadas junto a diosas, dioses y humanos y, en el mito de Isis y Osiris sobre el día y la noche, Nephtis hermana de Isis la acompaña en su búsqueda usando alas.
Luego, se discutió sobre si la danza con la melayya era una danza en sí misma que realizaban las mujeres egipcias de clase media. Se vio que en realidad el uso de la melayya en una danza fue un invento de Mahmoud Reda que llevó este elemento al teatro y que no existía propiamente una danza con la melayya.
Finalmente, se habló sobre el origen del Raqsat al-Sham´adan (danza del candelabro). Se conoce que esta danza comienza a aparecer como tal entre 1880 y 1890. Sin embargo, las ghawazee o awalim también hicieron bailes con objetos sobre sus cabezas. Muchas veces estos objetos eran botellas que podían contener o no una vela en su interior. Más tarde, en la década del 40´ comienza a aparecer en las películas.
En esta primera clase sobre Estudios culturales, se comenzó a definir y diferenciar los términos islam y musulmán y se dió un pantallazo general sobre lo que se irá viendo más adelante. En principio se menciona al Islam como una religión monoteísta cuyo profeta principal es Muhammad. Islámico es un adjetivo usado para cosasy musulmán es la persona practicante del Islam. Para el musulmán, el Islam está en absolutamente todo, como una forma de vida, llegando a ser más importante el pertenecer a la comunidad que a la patria.
A su vez, se menciona que los países árabes serían 57 siendo Indonesia el país con mayor cantidad de población musulmana. Sin embargo, aquellos que conforman el mundo árabe serían sólo 22 y estos se dividen en 3 regiones: El Magreb, el Masriq y la Cuenca del Nilo.
Finalmente, se menciona cómo era este mundo árabe durante la época pre-islámica o Jahiliyyah (época de la ignorancia) que duró hasta el año 570 d.c. que es cuando nación el profeta Muhammad.
En esta clase se hizo una breve reseña sobre la historia del profeta Muhammad en la cual se contó desde su nacimiento hasta su uerte y cómo entró en guerra con la ciudad de Makkah. También se habló sobre cómo está compuesto y fue escrito el Corán y cierta terminología relacionada al mismo. Los Arkan al din serían los 5 pilares de la religión islámica y los Hadicez los dichos y hechos del profeta. Se menciona cómo en la religión islámica se consideran a los profetas de la religión judía, pero consideran que Muhammad sería el último profeta y que ya no vendría ninguno más.
En esta clase sobre estudios culturales se comenzó a ver los inicios del imperio Persa y el hecho de que esta población fuese de origen indoeuropeo.
Uno de los aspectos que más me llamó la atención de la clase fue el hecho de que Ciro el grande, primer rey de los Persas, fuese relacionado con una historia en donde él era el nieto del rey Astiages de los Medos. En esta historia, Ciro termina siendo parte de una profecía en la que él derrotaría a su abuelo, por lo que cuando éste nace, decide hacerlo abandonar por uno de sus sirvientes de confianza. Finalmente crece, y se cumple la profecía al derrotarlo.
Personalmente esto captó mi atención ya que son muchas las historias que conozco en donde un bebé de sangre real es abandonado y, luego de sobrevivir siendo criado por gente de origen plebeyo, termina por recuperar su lugar en el mundo. Historias como las de Edipo rey o incluso la misma historia de Paris el de la guerra de Troya contienen este mismo suceso haciéndome preguntarme qué es lo que podría haber en común entre estas culturas.
Hola Mari, es verdad, en la secundaria me enseñaron que el Antiguo Egipto era politeísta. No se si se habrán actualizado y si se seguirá estudiando.
Qué importante el Reino Antiguo, con la construcción de las pirámides y la esfinge.
Mari, sabes que cuando fui a Egipto, no me animé a ver las momias, me daba impresión, ahora me arrepiento.
Si vi y me explicaron sobre Akhenaton, hermosos los frescos. Y Tutankamon.
Que civilización impresionante!! Nos sigue fascinando hoy en día!
Amé esta clase y el cómo nos vamos interiorizando cada vez más en todo lo que respecta a la cultura y a la historia de medio oriente.
En esta clase se estuvieron mencionando a los primeros 4 kalifas, los rashidum por correctamente guiados, quienes eran elegidos por ser las personas más aptas para el cargo. A partir del surgimiento del kalifato Omeya, este cargo se transfiere sólo entre los miembros de una familia, sin embargo, los omeyas fueron derrotados y les siguieron los abásidas.
Durante este kalifato la capital pasó a ser en lo que hoy es Bagdad y se caracterizó por ser un período de mucho crecimiento. Se crea lo que hoy se conoce como la identidad islámica a partir de tomar lo mejor de las otras culturas. También se tradujeron al árabe muchos textos antiguos. Se desarrolló la cuentística: época en la que apareció “Las mil y una noches”. Se creó un ejército organizado como habían tenido los persas. Además, surgieron varias sharia (ignoro el plural) como un conjunto de las prescripciones de la ley. Distintas escuelas del derecho fueron desarrollando su conjunto de leyes para dirimir en todo aquello que no estuviera claro a partir del Corán.
Feliz de poder hacer estas clases sobre historia y cultura. Amé esta nueva parte sobre la historia de Al Andalus. Me pareció muy interesante conocer cómo durante el período de dominio de esta región evolucionó muchísimo la cultura desde el aspecto del protocolo con la ayuda de Siriab durante el emirato de Abderramán II. Se menciona también cómo Al Andalus pasa a ser de un emirato a un kalifato y sus implicancias y cómo comienza su caída con el avance de los cristianos del norte de España y los dos imprerios que sucedieron a los kalifas que fueron el de los Almorávides y luego, el de los Almohades. Finalmente, ya siendo el reino de Granada, terminan de ser expulsados los musulmanes en el año 1492 d.C. por el rey Fernando II de Aragón.
Hermosos los ejemplos que se dieron sobre literatura pre islámica. Es interesante saber que la oralidad estuvo mucho en esa época y que sólo conocemos por lo que fue escrito algunos siglos más tarde.
Las poesías qasidas se caracterizaban por ser rítmicas para que así pudieran ser mejor memorizadas. A su vez, poseían 3 partes las cuales comenzaban generalmente describiendo a la mujer amada, a la cual se pierde. Luego continuaban hablando de un viaje o del animal sobre el cual iban viajando y, finalmente, hablaban sobre sus valores éticos o se autoelogiaban, o hacían una sátira sobre otra persona, entre otros. Estas 3 partes se llamaban: Nasib, Rahil y Qasid.
En esta clase, me pareció muy interesante el cómo algunas poesías antiguas (llamadas qasidas) se mantienen vigentes al día de hoy. Cantantes como Uhm Kulthum cantaron algunas de ellas y fueron creando otras para hablar de temas tan diversos como el amor, la religión y la política. En la actualidad, la qasida pasó a ser un género musical en sí mismo.
A su vez, se vio cómo el Corán es considerado una obra literaria e sí misma que fue terminado de compilar durante el gobierno de los kalifas Rashidun (los rectamente guiados) más específicamente, durante el kalifato de Utman.
Luego, se comenzó a ver la poesía típica que surgió durante el kalifato de los Omeya. Ésta habría sufrido influencias bizantinas y persas. En este kalifato, no hubieron tantas presiones y restricciones del islam hacia la poesía, por lo que este género volvió a surgir.
Muy interesante todo el curso.
Estaba pensando que muchas veces las pelis “pochocleras” nos pueden ayudar a acercarns a la historia, pero como vos aclaras, también pueden estar llenas de estereotipos, como la pelí 300.
Hermoso curso Mari, muy original y como decis, está bueno a veces hacer un paneo general. También sirve esta forma para aprender.
Una pregunta, en el mapa de la región del saidi estaba ´pintado de naranja la parte del sur, pero solo la que rodeaba el nilo. Esa es la región del saidi? o todo el sur de egipto, del cairo para abajo?
Y un comentario, sobre lo que comentó la compañera, que hizo un curso de fantasia gypsy, y también le enseñaron danza ghawazi y kalbelia. A mi, muchas veces me enseñaron que kalbelia y ghwazi también eran gypsy, no fantasía, sino danzas “gypsy”. Y eso también vale aclarar, que no es así. Es la teoría de la peli docu, latcho drom, no?
Durante esta clase de historia de la literatura árabe. Se conoció cómo se desarrolló ésta durante el período del gobierno de los Abásidas. Éste fue un período de gran esplendor sobre todo durante el gobierno de Harid al Rashid ya que surgieron muchos poetas. Se modernizaron los temas a tratarse en la literatura ya más relacionados con la vida cortesana en donde podía llegar a descrebirse el palacio, los jardines, la sensualidad de una mujer en particular, etc. A estos poetas se los llamó modernistas. También hubo un grupo de poetas neoclásicos que buscaban mantener los antiguos temas de los que se hablaban en la poesía pre islámica a ser los guerreros, sus hazañas, entre otras cuestiones. Ya hacia el siglo XIII ocurre una gran crisis en el Islan ya que los mongoles atacan Persia y Al Andalus comienza a perder parte de su territorio. Durante este periodo no se crea tanto de nuevo sino más bien empiezan a surgir las compilaciones. Es así que en esta época, surge el libro de “Las mil y una noches” tomando cuentos de regiones hoy conocidas como Irak, Siria, Egipto e India que hasta el momento eran transmitidos de boca en boca.
En esta clase, hablamos de todo lo relacionado con la poesía Andalucí y con sus distintos géneros.
En esta época, más exactamente en el año 959, hubo una fractura en el mundo árabe ya que empezaron a haber 2 kalifas. Esta poesía tuvo mucho de llanto sobre las ruinas a medida que fueron avanzando los españoles y recuperando lo que antes era su territorio. Hubo poesía del tipo Udri que era amorosa platónica y, dentro de esta, podía haber la que fuese más sensual o más casta. Ya para los s. XX y XXI fue el apogeo de los Muwashahat (palabra en plural al finalizar con t). Ésta se caracteriz´ó por intercalar estrofas llamadas Qufl y Bayt. En la primera siempre se mantenía el mismo tipo de rima en todo el poema, en la segunda, la rima iba cambiando de estrofa a estrofa. Finalemnte, terminaba con un Jarcha que era escrito en el dialecto de la región, mientras todo lo demás era escrito en árabe culto. Los Zejel, en cambio, eran otro tipo de poesía que eran escritos en dialecto y poseían tb esta cuestión de ir cambiando la rima en ciaertas partes. En cuanto a la prosa, recomendó 2: “El collar de la paloma” de Ibn Hasm y “El filósofo autodidacta” de Ibn Tufay. A este último, se lo considera como la primer novela de la historia.
Me gustó mucho este comienzo de la clase sobre filosofía islámica. Empezar a ver las diferencias entre las distintas escuelas del pensamiento me hace dar cuenta de lo amplio que puede llegar a ser el mundo islámico y cómo pueden haber diferencias entre ellos.
Se comenzó viendo el significado de Kalam y Mutakallimun siendo el primero la ciencia del pensar y, más adelante, es como se le llamó a la teología. El segundo, es como se le llama a los oradores quienes se especializaron en todo aquello que pudiera atacar al islam para poder defenderlo.
Dentro de estas escuelas del pensamiento, surgieron los Mutazilies quienes se diferenciaron del resto de la comunidad islámica por considerar que el pecado era un estado intermedio entre la fe y la infidelidad y que el hombre tiene libertad indivdual por lo que es responsable de sus acciones. Luego le siguieron los Asharies, quienes se opusieron a ellos en el tema de racionalizar tanto todo, creer que los fieles verían a Dios en el día del juicio final y la omnipotencia de Allah quien era quien decidía si una persona iba a creer o no. Era un regalo de Dios el tener Fe.
Muy lindo el curso, aclaraste varias ideas que me las habian trasmitido como ciertas y resultaron ser mitos. toda la informacion fue super interesante y ojala se venga la segunda parte.
Acabo de terminar de ver la clase y ya quiero ver la película sobre la vida de Avicena. Claramente me salió mi lado histórico cinéfilo.
En esta clase me la pasé escribiendo a una velocidad nunca antes vista, tanto que tuve que parar el video varias veces sino no terminaba de escribir todos los conceptos.
Básicamente se empezó hablando sobre Al Kindi un filósofo que consideraba a la religión superior que a la filosofía, pero que ambas servían para buscar la verdad. Una lo hacía a través de la razón, mientras que la otra, lo hacía a través de la voluntad divina. Para él el Alma es la intermediaria entre el mundo físico y el espiritual y es perfecta por venir de Dios. Cuando el Alma se una al cuerpo, ésta debe irse purificando durante la vida en la tierra para volver a morar en el mundo de la divinidad.
Dios es el Uno verdadero, es causa de todo y no puede dividirse. Sólo puede ser descripto diciendo aquello que NO es.
Al Farabi: Se le consideraba “El maestro segundo” ya que el primero sería Aristóteles. Hizo comentarios sobre textos de Platón y Aristóteles. Para él, a diferencia de Al Kindi, la filosofía es superior a la religión. Estudiar la realidad en forma racional en un contexto social permite extraer normas que nos lleven a la perfección. Una de sus obras “La ciudad ideal” profundiza sobre este concepto diciendo que el objetivo del hombre es alcanzar la felicidad lo cual sólo puede hacer guiado por un filósofo-gobernante-profeta. A su vez de la religión, dice que esta permite que la masa de la gente alcance conocimientos y que, además, esta es particular ya que varía entre regiones. La lógica es el método para llegar a los conocimientos superiores.
Avicena: este filósofo también fue médico y sus escritos al respecto fueron usados como manual de medicina en Europa durante mucho tiempo razón por la que fue conocido como “El príncipe de los médicos”. Dentro de su filosofía, unió el pensamiento, griego, con el persa y el árabe. Él sistematizó la filosofía y consideraba que ésta podía dividirse entre teórica y práctica. Su parte teórica tenía por objetivo captar la verdad, mientras que su parte práctica, hacer el bien. El fin de la filosofía era perfeccionar el alma conociendo. Finalmente, él consideró que la creación era por emanación intelectual. Esto es: Dios emanó un primer intelecto que, al poder pensar, emanó a otro intelecto y así sucesivamente.
En esta clase se habló sobre el sufismo al que se le dio una pequeña introducción.
Los sufistas se consideran como una ramificación del islam. El paraíso es la meta ya que es lo más cerca que se puede estar de Dios. Entre sus prácticas podían estar el hacer una vigilia nocturna con rezos o recitar los distintos nombres de Allah a lo largo del día ya que así creían que podían llegar a conocerlo. Solían hacer reuniones al aire libre en las que usaban la música y la danza como un medio para concentrarse a la hora de hacer los rezos. Más tarde empezaron a reuirse en tariqas (si se escribe así). El aprendizaje sufista podía llegar a ser muy largo. Éste consistía en etapas o estaciones (makam) en las que se requería hacer un esfuerzo o sacrificio para pasar a la siguiente. éstas podían ser “el arrepentimiento”, “la confianza absoluta en Dios”, “el abandono de todo”, entre otras. También era común que los distintos maestros remontaran sus cadenas de autoridad o de garantes hasta el mismísimo Profeta.
En cuanto a los maestros sufíes más importantes, me llamaron especialmente la atención Rabiya por ser una mujer y, además, cortesana que usó la danza para expresarse. Rumi, el cual es bastante conocido y he visto que habían libros escritos por él. Ibn Arabi ya que en parte fue muy influenciado por su mujer para ir desarrollándose. Al Halah, porque decidió renunciar a todo signo exterior como sufista ya que para él esto no era importante, restó importancia el tener un maestro para poder estar iniciado en este tipo de filosofía y, además, consideró que el sufismo no tenía por qué ser para personas elegidas sino para todo aquel que quisiera iniciarse.
En este módulo estuvimos conversando sobre la filosofía en Al Andalus la cual fue muy rica y estuvo muy influenciada por distintas influencias filosóficas tanto occidentales como orientales.
Entre la gran variedad de pensadores vimos a:
Iban Hazm de Córdoba quien propuso un ppio. de clasificación de la filosofía.
Ibn Al Sid de Badajoz quien se ocupó mucho de la gramática y la lengua.
Avempace el cual fue considerado un filósofo moderno por estar más allá de la fe. También consideró que el destino humano estaba regido por los astros y no por Dios. Creía que el hombre tenía que vivir con lo justo.
Ibn Tufay quien escribió la obra “El filósofo autodidacta” en la cual cuenta la historia de cómo un hombre iba adquiriendo conocimiento por la observación y pasa del estado solitario al estado en sociedad.
Maimónides, de origen judío, llegó a ser médico en la corte de El Cairo y fue conocido como “el Moisés de Egipto”. Santo Tomás de Aquino tomó muchas de las ideas de él. Escribió “La guía de los perplejos”. Averoes quien fue considerado el gran comentador de Aristóteles.
En esta última clase sobre mitos vimos los últimos 4 mitos de este curso.
Se abordó el mito sobre si había una danza Gypsy. Se explicó que, como la comunidad romaní se encuentra muy distribuida existe más de un estilo romaní (como prefieren llamarse ellos para evitar el prejuicio del término gypsy). Es así como lo que en realidad se baila es un “estilo fantasía romaní” en donde se toman algunos de los movimientos que representan la vida cotidiana de la danza romaní turca y la vestimenta de la danza romaní rusa. Explicó que la vestimenta usada en Turquía eran una babuchas y remeras tapando el ombligo, mientras que en Rusia, se usaban polleras campana plato y se mostraba parte del vientre. Luego se habló sobre si existe una danza Saidi. Se explicó que en realidad Saidi es una región en Egipto ubicada a los costados de una parte del Nilo y que en ella se puede encontrar muchos estilos de danza. El verdadero nombre de lo que llamamos Saidi es Raks al Assaya.
Luego se habló si en el Zar la bailarina imita los movimientos de un ritual en el que se busca expulsar un espíritu. Se acalró de que en realidad esto no es como un exorcismo sino que lo que se hace es buscar apaciguar a ese espíritu para que, de ahí en más, ayude a la persona en su vida.
Finalmente, se aclaró que en el Zar la líder no siempre tiene que ser una mujer aunque, la mayoría de las veces, sí lo sea.
En esta clase sobre La historia del Antiguo Egipto, se vieron algunos conceptos y sobre forma de medición del tiempo.
En principio, el Faraón representa no sólo una autoridad política sino también al dios en la tierra. Él es el intermediario entre el mundo de los dioses y el del hombre. Nace de los dioses y suele ser llamado como un dios. El Faraón garantiza el orden cósmico. Esto último lo hace diferente a un emperador.
A su vez, Egipto se encuentra dividido entre el Bajo Egipto (el norte) y el Alto Egipto (el sur). Esta concepción del país como dividido en dos partes y, a la vez siendo uno, influencia a la manera de ver el universo de los egipcios. Se conciben a los opuestos como parte de un todo. La dualidad conforma la unidad. El Faraón “ilumina las Dos Tierras” más que el disco solar. Él hace que las Dos Tierras estén más verdes que un Nilo crecido.
En cuanto al tiempo, tenían 3 estaciones las cuales tenían que ver con la crecida del río Nilo: inundación, germinación y cosecha. También tenían dos formas de llamar al tiempo: Nejeh o tiempo cíclico y Djet o tiempo estático.
Finalmente, se comenzó hablando sobre el inicio de Egipto como las 2 regiones que se unieron y Menez como su primer Faraón.
En esta clase sobre Antiguo Egipto se comenzó a hablar sobre aspectos generales de los distintos reinados.
El primer Faraón, Menez, logró establecer una ideología que hizo ver que la unificación de Egipto estaba predestinada. Su soberanía adquirió una cierta idea de dualidad al decirse que el Faraón gobernaba en el Alto y Bajo Egipto. Menphis es la primer capital del reinado por permitir controlar tanto el sur como el norte del territorio. Con Menez también se genera la teología Menfita en la que no sólo se buscó afianzar su poder sino que también se empezó a presentar una cosmología de cómo surgió el mundo.
Me pareció interesante a este respecto, la aclaración sobre que en realidad Egipto no tenía una religión politeísta sino que detrás de la multiplicidad ed diosas, yacía la unidad.
Luego siguieros 2 dinastías Tinitas en las que, al ya haber más fuentes literarias, este período pudo ser mejor estudiado. Es asó como se sabe que ya se usaba el calendario solar por la mención de la estrella Sotis la cual indicaba el inicio de las inundaciones.
Luego, le siguió el Reino Antiguo del cual aún hoy no se sabe cuántos Faraones tuvo en realidad. Esto en parte podría deberse a que, cuando había una catástrofe, si se consideraba que el Faraón había hecho algo malo para que esta sucediera, se borraba ese evento de la historia. Durante este período fue que se empezaron a construir las primeras pirámides escalonadas en Saqara y se menciona a Imhotep como a un arquitecto de esa época (entre otras profesiones).
En esta última clase sobre historia de Egipto. Terminamos de ver un poco más sobre los diferentes gobiernos que hubieron.
Durante el segundo período intermedio ocurre la invasión de Egipto por los Hicsos. Estos fueron llegando gradualmente al gobierno y con la ayuda de los muchos extranjeros que habían contratado para llevarse a cabo muchas obras. Ellos respetaron mucho a la cultura que ya había en Egipto y, cuando logran ser expulsados, comienza el Imperio Nuevo.
A partir de este período, se toman algunas precauciones para que no haya más invasiones. Se empiezan a llevar a cabo más matrimonios cosanguíneos y así mantener la pureza. Los Faraones comienzan a ser enterrados en el Valle de los Reyes. Como hubo una relativa paz, se llevaron a cabo muchas obras.
Durante este período estuvo el Faraón Akhenaton quien inició una reforma religiosa. Estableció a un Dios único quien era Athon. Esto no fue bien recibido a tal punto que, su hijo, Tutankaton decidió cambiar su nombre por Tutankamon.
Luego, le siguieron los Ramésidas quienes fueron una dinastía que, en realidad, no poseían sangre real sino que era una familia de origen militar de los cuales muchos eran visires y a través de los matrimonios lograron llegar al poder.
En esta última clase de este curso, se habló sobre algunos de los reyes persas que existieron. Desde Ciro quien fue el primero hasta Dario III quien fue derrotado por Alejandro Magno. Se menciona al monumento la Estela de Behistún usado por Dario I para legitimar su poder al mostrar como que Dios mismo le dio el poder para gobernar. Con este gobernante surge la palabra Sátrapa el cual era un gobernador. Esto venía de que las Satrapias eran las provincias a las que les designaba a un “sátrapa” (gobernador) el cual normalmente era alguien de ese mismo territorio y no necesariamente alguien cercano a él. Es así como “sátrapa” en realidad quiere decir protector.
que lindo! me aclaro bastante las ideas, sobre todo me gusto lo de raqs sharki, porque de verdad q no lo tenia claro. El resto ya lo conocía del profesorado del Bellydance!!!! gracias!
pensar q me enseñaron en base a esa idea de q la danza nacía como ritual de fertilidad o adoración a algún dios. Con respecto al parto, creo q dicen q ayuda porque forma una buena pared abdominal, lo q ayuda mucho a la hora de pujar en el parto. Calculo q puede ser x el manejo del cuerpo. Pero habría q hacer estudios entre bailarinas. No se, es lo q se me ocurre.
Lo de los termino de gawazee y awalim ya lo habia visto pero ya no me acordaba y me ayudo mucho. Gracias!!!
El termino “danza árabe” nos permite comunicarnos con personas que no están dentro del ámbito de la danza y comprenden mejor lo que hacemos bajo este término, que en Argentina, creo que es el que más se utilizo en los años 90, cuando hubo un despliegue importante de esta danza en el país. Tiene que ver con una zona geográfica que tiene características similares en cuanto a la historia y cultura. Para el ámbito más académico queda chica esta denominación ya que no incluye algunas danzas y sonidos músicas de otras regiones que influenciaron e inspiraros a las danzas que bailamos en la actualidad (como la turca o persa). El término “danza de medio oriente” fue construido por occidentales entre el siglo XIX y XX y tiene cierto sesgo del punto de vista que tenían ciertos países que veían a otros como seres diferentes, con intereses exóticos y colonialistas.
Para mi el termino de Danza Árabe es el que más se “adapta” a lo que quisiera enseñar a futuro, porque si bien es un termino que engloba a todo un territorio geográfico, con culturas diversas entre los 22 países, es con lo que el público en generalestá más familiarizado. Yo si usaria Danzas Arabes, hace un tiempo me ensañaron danzas folcloricas turcas, que si bien Turquía no es un país Arabe, ah tenido influencia de los árabes por minimo que parezca, entonces ¿porqué no enseñar una cuarta parte de cada uno de los 22 países o de algunos de ellos? Es desafiante para el profesor y un descubrir una cultura rica de diversidad de danzas. Lo mismo me pasa con Danzas de Medio Oriente es un termino TAN extenso y rico, que tal vez por ahí el publico poco conocedor se sentiria un poco perdido.
Muy interesante la clase, con estos mitos que conocía y que realmente siempre me sorprende que no sea ciertos y me pone a pensar en cuánta cantidad de información engañosa hay en internet. Muchas gracias Marina por aclarar.
me encanto conocer a las viajeras! que hermoso habrá sido poder estar en los harenes viendo a las bailarines en toda su expresión. un tesoro terrible. gracias marina por tanta información. me explota el cerebro!!!
que lindo poder apreciar la danza así, fuera de los escenarios grandes! yo creo q soy un alma vieja, de otros tiempos, xq veo estas danzas y me parece q es lo q quiero bailar, hasta la música me llega más que la actual. Amé el video, gracias!
En esta primer clase, se comenzó conversando sobre el libro de Buonaventura mencionando algunos de sus aspectos generales. Éste fue el primer libro especialmente dedicado a la historia del bellydance ya que muchos otros libros anteriores sólo le habrían dedicado algún capítulo a esta materia. Sin embargo, éste no representa una investigación científica sobre el tema ya que de por sí ella no era académica y, además, cita muy pocas fuentes bibliográficas para lo que le correspondería a una investigación más extensiva sobre el tema.
Entre algunas cuestiones, el libro cuenta con afirmaciones que no pueden ser sostenidas desde un punto de vista más científico. Entre ellas encontramos el supuesto rito a la diosa madre: una creencia muy difundida en la época en que el bellydance se empezó a popularizar cada vez más en occidente. También menciona un posible origen religioso de la misma cuando, en realidad, la danza como la conocemos hoy surgió a mediados del siglo XIX y de una combinación entre distintas danzas como el que tenían las ghawazee que luego fue enriqueciéndose con estilos más europeos.
En esta primera clase sobre la terminología en el bellydance, se estuvieron comenzado a explorar algunos de los términos usados para definir esta danza. En principio estos términos fueron:
Danza árabe – Danza oriental – Danse du ventre – Danza del vientre – Bellydance – Menat dance – Danza de Medio Oriente – Raks sharqi
Se discutió con respecto a si alguno de estos términos era realmente el correcto. En la práctica no habría un consenso respecto de cuál usar, sólo se tiene en cuenta los pros y los contras de cada uno.
Con respecto al uso del término Danza árabe, se sabe que La Liga árabe engloba a una cierta cantidad de países muy distintos entre ellos de los cuales no se llegan a bailar todas sus danzas. Sin embargo, la gente conoce a la danza mucho más por este nombre que por cualquier otro, con lo cual dependiendo de a qué público quiera dirigirme, se usará este término u otro. También se hizo un breve repaso sobre el significado de este término a lo largo de la historia ya que, originalmente, sólo refería a las danzas realizadas en países como Argelia y Túnez (publicaciones de diarios españoles de mediados de siglo XIX).
Distintos autores manifestaron su opinión respecto al uso de este término para definir a la danza: Buonaventura sostuvo que éste no ubica a la danza en un contexto cultural del todo correcto. Stavrou sugirió que éste refiere a una locación “vaga” de un área geográfica definida de forma arbitraria. Shokry destacó que culturas como la turca, la cual no es considerada árabe, también ha aportado a esta danza de manera que este término no llegaría a englobarla. Y, finalmente, Zuhur destacó la vastedad del término considerando la gran variedad de danzas que existen en cada país.
En cuanto al término Danza de Medio Oriente, también puede encontrarse una gran ambigüedad de su uso ya que en ámbitos académicos tanto como periodísticos no existiría un consenso de cuáles países son los que se encuentran englobados. En su surgimiento, entre los siglos XIX y XX, podía incluir desde el Imperio Otomano (actual Turquía), Persia (actual Irán), la zona de los Balcanes (que incluye a 12 países) e incluso, India. A su vez se destaca la base ideológica que existiría tras este término ya que éste fue fabricado por Occidente en un contexto de relaciones conflictivas entre Europa y algunos de los países mencionados.
A su vez, en un ejemplo aportado por una de nuestras compañeras desde el Uruguay, se mencionó la posibilidad de que éste sea confuso ya que habría quiénes podrían confundir la palabra Oriental como proveniente de dicho país.
En este último video se hace un breve resumen de las críticas a los términos utilizados para esta danza.
En primer lugar, el término “danza árabe” posee 2 críticas principales. La primera, es que árabe es un término muy amplio que abarca a una gran diversidad de culturas las cuales no llegan a ser representadas en su totalidad, por los distintos estilos de baile que se enseñan. La segunda, es que el término excluye a culturas como la Persa o la Otomana que también influenciaron a esta danza.
En cuanto a “danza oriental”, la crítica principal menciona a los prejuicios y las connotaciones negativas que muchas veces se le da a la danza a ser el que es sensual, exótica, antigua, mística e inferior a la danza occidental. La otra crítica refiere a que no existe un consenso de cuáles son los países considerados como orientales con lo cual no deja de ser un término impreciso.
Finalmente, en cuanto al término Bellydance y sus traducciones a otros idiomas, se menciona a Amira Jarmakani quien escribió que este término apareció por primera vez en 1851 año en que se celebró en Londres una feria mundial. En ella aparecieron por primera vez en Europa este tipo de bailarinas. Más tarde, volvió a aparecer en dos ferias de París de los años 1889 y 1890, hasta que llegó a la feria de Chicago en 1893.
En cuanto a la feria de Chicago, se menciona que el empresario Sol Bloom fue quien contrató a estas bailarinas para los shows. Dentro de estas ferias que solían ser ciudades especialmente construidas para la ocasión, esta el sector que representaba a Egipto conocido como “la calle del Cairo” en donde se hizo muy famosa una bailarina conocida como “la Bella Fatma de la calle del Cairo”. A continuación, se menciona cómo los medios de comunicación trataron de inmoral a este baile pidiendo que nadie vaya a verlo, lo que logró que se popularizara aún más. Además, se aclaró que no existe ningún video sobre cómo se bailó durante esta feria ya que la cámara apenas había sido patentada el año anterior por Thomas Alva Edison (hay dudas sobre si realmente la desarrolló él mismo – tendría que buscar info para confirmar).
justamente hoy pensaba que tal vez el término ghawazee haya sido un error de comunicación entre los viajeros y los nativos, algo que también sucedió en la conquista de diferentes países.
Me pareció muy acertada la manera en que Lane realizó sus investigación, haciéndose paras por uno de ello. Me recordó el dicho : ” a donde fueres, haz lo que vieres”.
Con respecto a Flaubert, me llama la atención el hecho que haya viajado por recomendación de los médicos. También me interesa el hecho de las descripciones de las bailarinas que realizó.
Hola! Este capítulo es el mito más arraigado en las escuelas de bellydance.
Lo estudié asi, y por eso, me costó mucho entender cuando Mari, vos explicaste que era un mito.
Hola! Bueno, en estos capítulos se observa como la autora le adjudica mucha influencia de occidente a esta danza. Pienso que, en ese sentido, tiene una mirada orientalista.
Por otro lado, en mi opinión, puede ser que el bellydance se hizo muy comercial y con una puesta efectista muchas veces. Pero eso lo hizo popular también. Así, más gente se intereso por esta danza, y algunas de esas personas, se interesan por el aspecto artístico o étnico de la danza.
Egipto también aprovecho este aspecto y se hizo comercial con todos los festivales para turistas bailarinas, no?
En cuanto al tema de la visión del cuerpo en Egipto y occidente, en este momento, no se si es tan asi como lo plantea la autora en ese momento. En Egipto hay bailarinas curvilineas, pero no “gorditas” (como yo, jaja). Salvo algunas que fueron famosas. He escuchado que los managers las incitan a que se hagan modificaciones en su cara incluso. No sé si es cierto.
Creo que la autora tiene una visión muy romantizada de la danza.
Hola buenas tardes:
Que interesante conocer el punto de vista de la autora, es muy importante entender el texto en su contexto histórico.
con respecto a la crítica de la autora de la danza en la actualidad, existimos muchos artistas que siempre tratamos de encontrar tanto el propósito como la sustancia a lo que vamos a danzar y sobre todo contextualizar la danza dando siempre a parte de una buena técnica y un buen show, un estudio profundizado de la misma, tomando en cuenta siempre que al no ser nuestra cultura, debemos estudiar la misma para poder generar una danza con significado.
Claro que también existe el otro lado, en donde estarían el grupo de bailarines cuya danza no tiene todo lo necesario, o solo se basan en lo estético, o en una secuencialidad, sin investigación, y solo para preparar un show. Hay ambas caras de la moneda y si creería siempre prudente la no generalización.
Al principio de esta clase, se habló sobre la importancia de dar el contenido de la historia del bellydance de manera cronológica para que ésta pudiera ser entendida.
Luego, se continuó con el significado u origen de los términos que se fueron viendo en la clase anterior.
Menat dance, me pareció uno de los más exóticos. Este término proviene de la palabra MENA que designa a la región de Medio Oriente y Norte de África.
SWANA en cambio, es un término que también designa una región, pero a diferencia de MENA, éste es considerado un término decolonialista por quienes lo usan.
Raqs Sharki o danza del este del mundo árabe originalmente se lo utilizaba para designar a otro tipo de danza.
Danse du ventre, es un término francés del que se derivan otros términos. Apareció por primera vez en los periódicos franceses para referirse a una pintura de Gerome “La danse de l´almeé”.
Danza del vientre, derivado del término anterior, aparece por primera vez en 1884. Bellydance sería el término similar, pero en inglés. Aparece pro primera vez en 1876 en la Feria de Filadelfia.
En lo personal, prefiero el término bellydance porque éste refleja la influencia del mundo occidental en la danza, al mismo tiempo que se evita referirse a nuestra danza como la única representativa de todas las danzas de Medio Oriente. Sin embargo, en lo cotidiano una usa más el término danza árabe ya que es con el cual es más normalmente conocida.
Esta clase me pareció particularmente interesante porque una empieza a ver los inicios de la gran difusión del bellydance.
Además, y más allá de las cuestiones históricas con esta danza, es interesante conocer un poco sobre lo que eran las ferias mundiales. También pueden verse los prejuicios que empezaron a acompañarla primero, a través de la censura que provino por parte de la comisión de mujeres y, segundo, por cómo de alguna manera se habían subdividido en el predio las construcciones y temáticas que representaban el avance y lo occidental (White city) y lo arcaico y hasta desordenado de lo oriental (Midway).
Sin embargo, me resultó interesante el ver cómo Sol Bloom (empresario que llevó la danza a esta feria), supo ver más allá de la sensualidad que se le adjudicaba al mencionar la gran destreza que estas bailarinas poseían.
el primer video de roman havasi se me hizo una mezcla de street sha bi y tabla jaja.
en el segundo note mucha gestualidad por parte del bailarin, la cual no me quedo muy clara.
el cuarto video no se ve….
no me quedo clara esta parte :
Los gitanos macedonios, entre 130.000 y 200.00023 , están representados actualmente por cuatro partidos políticos romaníes y más de treinta ONG activas24
En el texto se examina la música y cultura de los gitanos balcánicos (Roma o romanies) y su diáspora en Europa y América del Norte. Tambiern vemos cómo la música romani se ha entrelazado con la política cultural, la identidad étnica y las relaciones sociales en diferentes contextos geográficos y sociopolíticos.Se abordan temas como la historia y la migración de los gitanos balcánicos, su música y sus prácticas culturales, así como las formas en que estas se han adaptado y transformado en el contexto de la diáspora. La música romani fue utilizada tanto por las comunidades gitanas como por las instituciones estatales y los grupos étnicos dominantes para negociar poder, resistir la opresión y afirmar identidades culturales. En países como Macedonia, Bulgaria, Rumania, Serbia y Estados Unidos vemos la diversidad de experiencias y estrategias de resistencia entre las comunidades gitanas, así como las tensiones y negociaciones que surgen en el encuentro entre la música romani y las políticas culturales locales e internacionales.
Hola! Las grabaciones de los cursos están disponibles hasta una semana después de finalizado el curso, después las eliminamos. De este curso ya no están. Besitos!
Gracias a esta clase pude re-explorar terminología que hace un tiempo siento la necesidad de debatir en pos de llegar a fundamentos que refuercen nuestra práctica, como bien lo expresa la maestra Marina. Quizás, contengo una opinión demasiado atravesada por la subjetividad personal, pero durante la clase no pude evitar recapitular no sólo mi trayecto en la docencia, sino, sobre todo, en mi trayecto como estudiante y perteneciente a una familia musulmana. Creo que el concepto Danza Árabe sigue siendo representativo de comunidades árabes que se encuentran fuera de los países que conforman la Liga Árabe, como es el caso de nuestro país, ya que dentro de estas pequeñas comunidades aún se practican danzas sociales. De esta manera puedo entender que este término sea mucho más representativo a la hora de comunicarse con el público y así también organizar la danza para su aprendizaje. Mientras era una estudiante pequeña de esta danza siempre manejé el concepto de Danza Árabe y jamás fue cuestionado. Cuando entré en la adolescencia me enamoré de las danzas folklóricas y populares (luego etno-identitarias) y así es que comencé a redefinir el término con el que me refería a mi práctica, usando Danza de Medio Oriente o Gran Medio Oriente, esto si fue muchas veces cuestionado y poco comprendido en el ámbito laboral. Lo que continuó sucediendo a medida que mis estudios y la par mi práctica iban cambiando. Considero que es demasiado necesario seguir ahondando en cómo nombramos lo que hacemos porque ello conlleva una responsabilidad. El movimiento mismo analizado en la historia fue cambiando y continúa haciendolo ¿por qué entonces los términos no mutarían, si éstos responden a lo concreto?
Me encanto el curso mi Mari, como siempre impecable, super práctico y puntual, con todos los tips para realizar el proyecto que quiero.
Gracias siempres
Es muy interesante conocer la postura sobre la música y su permisibilidad dentro del islam: cómo existen muchos puntos de vista que plantean un análisis profundo acerca del significado de la música; cómo esta es usada en un contexto teológico y místico, incluso con entonaciones del Corán, así como también se le puede atribuir una característica de algo prohibido, que crea adicción y que forma parte del mundo pagano y pecador para muchos creyentes.
Existe un debate desde los primeros siglos del islam sobre la samâ, la cual desde el punto de vista teológico, místico y legal discuten sobre la legalidad e ilegalidad de la música y la danza, desde la negación total de las mismas, hasta su aceptación en todas sus formas y medios musicales. Uno de los ejemplos más relevantes en cuanto a su aceptación es para los místicos o sufíes quienes incluso eran tildados como encarnadores de manifestaciones de despilfarro.
Lo cierto es que una de las principales causas a las que se otorga este debate interminable es el hecho de que en el libro sagrado el Corán, no se encuentra nada expresado acerca de la música. Según expresa Amnon Shiloah, se cree que los Califas tenían un apasionado amor por la música, convirtiéndola en parte de su vida y en un modelo de inspiración, la cual se combinaba con el libertinaje y la bebida, este hecho permite que los rigoristas musulmanes adopten una actitud puritana y rechazo al efecto que la música tenía.
El alcance de estas creencias, llega hasta los instrumentos musicales como el mizmar, el laúd, el tanbur o pandereta, todos los instrumentos de cuerda, se les dedican algunos hadiz, tildándolos como instrumentos prohibidos. Y de igual manera sucedió con las cantantes o qiyan o qaynaat, de las cuales mencionaban como mujeres hostiles al profeta. Pero según el teólogo al_Nabulusi (XVII-XVIII) se han escrito varios tratados en defensa de los instrumentos detallando que no necesariamente podrían utilizarse para efecto de diversión sino también para “buenos propósitos”.
En todo caso llama mucho la atención el por qué tanta hostilidad y oposición hacia la música y cómo surgió. Shiloah menciona sobre el poder que la música que se identificaba con el amor, con las emociones fuertes dejando al oyente incapaz de resistirse ante estos sentimientos, los cuales eran denominados como una intoxicación, como un poder abrumador.
Por otro lado, uno de los primeros sufíes, al-Makki, realiza un tratado en donde expresa que la voz cantada es un instrumento que es capaz de llevar ideas significativas como mensaje y que los oyentes que perciben la melodía deben ser desterrados, y de aquí nace para ellos la influencia polivalente de la música.
Rituales como el dhikr “recordar a Dios tan a menudo como sea posible” a la inversa de lo que profesan los puritanos, incluye escuchar música y ocasionalmente danza ya que estas permiten desembocar estas prácticas en ejercicios espirituales (wadj) y la unión mística. La autoridad Sufí menciona que la samâ es una actividad necesaria y cada uno de los elementos utilizados para realizar los rituales mencionados son parte de una composición divina entre la existencia absoluta, la inspiración, la vida divina, la esencia humana y el círculo del espíritu.
Los Mevlevi con su música refinada y sobre todo con su danza incluyen varias obras en defensa de la danza giratoria, los instrumentos musicales y el concepto de la samâ influenciando directamente en el alma.
Lo cierto es que, entre los diferentes grupos religiosos, juristas, autoridades religiosas, listas tradicionales, sufíes y numerosas cofradías místicas, han sembrado un debate hasta el día de hoy en cuanto a declaraciones positivas y negativas tanto de la música como de la danza, lo cual hace paradójico encasillar el papel de las mismas en el ámbito cotidiano, y vivencial de los seres humanos por su poder abrumador de despertar sentimientos de amor, libertinaje y desidia como “inspiración de Satanás” y en el acto de la adoración y el despertar de los sentimientos religiosos con sus diversas conexiones divinas de los místico, lo humano y lo espiritual.
A lo largo de la historia en el mundo árabe, la música árabe tiene una esencia muy particular, la cual posee características específicas tanto por el uso de la voz como un componente musical importante, así como sus instrumentos, los cuales tienen sonidos, timbres únicos, que permiten composiciones singulares que se distinguen al oído y forman parte de la riqueza en la historia de la música en el mundo entero.
Es muy importante destacar que, dentro de la música árabe, el papel principal de los instrumentos es el estar al servicio de la voz, encontrándose siempre en segundo plano ante ella; “La quinta esencia de la civilización árabe-islámica”, ya que la música árabe se ha considerado principalmente vocal y se cree que siempre se ha pretendido evitar que un instrumento tomara el rol principal en una composición musical.
En el mundo árabe existen una gran cantidad de instrumentos. En la antigüedad, su primera clasificación gracias al autor al-Farabi en “El Gran Libro de la Música” en el siglo IX, muestra una forma jerárquica tomando en cuenta la capacidad que posee cada instrumento al realizar su sonido musical que imite la voz humana, es decir que, en la emisión de sonido, mientras más este instrumento podía acercarse a la voz humana, tenía mayor jerarquía.
En la edad moderna, se utilizan una clasificación utilizando tres categorías por medio de los principios acústicos de los instrumentos:
Primera categoría: al-älät al-watariyya, instrumentos de cuerda o cordófonos tales como:
Laúd de cuello corto como el kwitra, el qanbus y Laúd de cuello largo como el tambur, el gimbri, el buzuq, säz.
Violines como el rebab, el joze.
Cítaras como el qanun y el santur.
Liras como el tambura, el kisr, la simsimiyya, entre otros.
Segunda categoría: al-älät al hawa´iyya, instrumentos de viento o aerófonos tales como:
Flautas: Näy, qawwala egipcia, madih, juwwak, fhal, salamiyya.
Clarinetes: Mizmar, zurna, mijwiz, tormay, arghül.
Gaitas: jirba, qurba, al-mizwed.
Chirimías: mizmar baladi, zürka, srnaj, kurdo, shawm.
Trompetas y cuernos: nafir y buq.
Tercera categoría: al-älät al-iga´iyya, instrumentos de percusión:
Idiófonos como los címbalos, jahla, tanaka, mihbash, naqus, mirwaha
Membranófonos como el tar, el duff, derbake, tabla, riq, galal, entre otros.
Por otro lado, también se deben citar los instrumentos occidentales que en todo el Medio Oriente han sido adoptados y adaptados para llegar a los registros necesarios en composición musical como: el violín, la mandola, la guitarra eléctrica, el piano, los órganos eléctricos y sintetizadores, el acordeón, el saxofón, la trompeta, la batería y la batería electrónica.
Al enumerar algunos de los instrumentos árabes es notorio la comprensión del gran espectro musical que se establece dentro de todo Medio Oriente, y como la música a través del tiempo ha ido transformándose y adaptándose desde la complejidad de la música tradicional, lo profundo de la música espiritual y religiosa, la riqueza de la música folklórica y la versatilidad de la música moderna.
El entender cuál es la importancia de los instrumentos dentro de la música árabe y los significados que estos tienen en el pensamiento del Medio Oriente y en el islam de igual manera, genera una mejor forma de interpretación y comprensión de su forma, su timbre, sus intervalos, sus modos melódicos y sus sistemas tonales tanto por parte de los músicos, musicólogos, aficionados contemporáneos, intérpretes, cantantes, danzantes y bailarines, y finalmente los espectadores, admiradores y amantes del arte.
Hola ! Con respecto a la información relatada en este video y también por la forma de estudio a la cual me estoy acostumbrando y entendiendo de a poco de nuestra escuela Sahar , ya me queda en duda si el periodo pre islámico la música era inferior al periodo islámico , entendiendo por la riqueza y fusión de las culturas , por estos dos grandes imperios también , por la oralidad que eso también distorsiona la información y por lo que pasa en la mayoría de las veces cuando la religión predomina sobre una sociedad y que por ahí es necesario hablar de todo lo positivo y necesario que son las religiones y como que el antes siempre fue peor , es como medio un cuento de hadas… Entendiendo que no tengo nada en contra de las religiones pero me queda esa duda de que no creo que haya Sido inferior la música . Soy super partidaria del concepto “espíritu” que posee un cuerpo y ahí nace la música , pero desde el punto que creo que los humanos somos canales de lo divino y el arte es ese puente al cielo , a lo superior , a un regalo de Dios . No lo veo para nada negativo .
Hola Sol! Cómo estás? El considerar como inferior a la época islámica, es desde la perspectiva del islam. No solo se consideraba inferior a la música sino, en general a todo lo que es producto de esa época. De ahi, que la llamen la “época de la ignorancia”. Todo apunta a marcar un contraste con el “verdadero camino y sabiduría” que vendrá junto al islam. Desde nuestro punto de vista, el tuyo y el mio, tampoco considero que sea inferior. No se si puedo establecer un juicio de valor de ese tipo, capaz hay elementos que estaban menos desarrollados que en otras épocas, pero eso no le quita valor.
Con lo expliacado en la clase tengo una visión de la historia de la música árabe desde la perspectiva de la danza, especialmente el bellydance, y su relación con la cultura y la sociedad árabe, la cual comienza describiendo la etapa preislámica, caracterizada por la presencia de imperios como el bizantino y el sasánida, con tribus árabes en medio. Destaca el uso del camello como animal importante, la cultura oral y la religión politeísta. Se mencionan las Qasidas como forma de poesía oral, pero no se encuentra una historia musical precisa hasta fuentes tardías del siglo VIII.
Con la llegada del profeta Mahoma comienza la etapa del Islam, donde se desarrolla la música influenciada por las tribus Juda y Nasb, con tradiciones orales distintivas. Se mencionan las mujeres qasidas como figuras importantes en el origen de la música árabe.
Se destaca el intercambio de sonidos y música en la época preislámica debido a las rutas comerciales, especialmente en el mercado de Maka, donde se realizaban competencias de Qasidas. Se describen dos tipos de cantos: el de la población sedentaria, principalmente mujeres esclavas, y el de los nómadas que rompían el silencio del desierto con su canto.
Creo que lo que más me genera intriga o me hace ruido son estás exigencias de como ser un buen músico , pero a la vez que sirvan para el entretenimiento o escucharlos a través de una cortina , o que existan esclavas cantoras en la época abasida, mientras que también es la época donde se consolida el islam. Mi cuestionamiento va a ser siempre del trato de un ser humano hacia el otro , más cuando es una cuestión de poder .
Hola ! Con respecto al siguiente artículo, estoy totalmente de acuerdo a las conclusiones del autor , es muy dificil llegar a un equilibrio o puntos de partidas en la reforma de 1932 por el poco tiempo de análisis de la heterogeneidad que hay a la hora de definir y clasificar las categorías musicales . Más allá de que es súper necesario una pedagogía aplicada a la música , pero también es necesaria la práctica , la formación para un rol profesional . Porque creo que en Egipto hay una fuente laboral grande con respecto a la música para el mundo turístico , cómo así también muchos músicos con diversas formaciones , académicas o no , y en el camino por supuesto los diferentes objetivos a lograr de cada persona , y es necesario ese equilibrio entre la formación académica, lo económico, la práctica . Pero me parece fundamental que se pueda estudiar música de una manera académica .
Hola ! Me parece undamental que la bailarina sepa reconocer si hay pulso o no en una pieza musical .El reconocerlo ayuda a no ir fuera de tiempo, así como menciona la profe marina Barrionuevo. Y me gustó mucho la idea que menciona al final de marcarlo con los pies aparte de las manos.
Hola ! Me quedo con la definición El compás ayuda a reconocer un ritmo
A armar una coreografía, está cajita que agrupa pulsos
Pude reconocer los temas árabes y los no árabes fue un desastre jaja voy a tener que escuchar más música . Gracias por el ejercicio
Me gustó mucho la práctica con los ejercicios y la práctica con los ejercicios y el sumar los chinchines, si podría compartir el link del video del músico para poder practicar los sonidos de los ritmos árabes ? Muchas gracias! Y a lo mejor ver otro ejemplo de anacrusa para consolidar en concepto. Muchas gracias y como cantariamos con el puntillo ? Gracias!
Hola Sol! Cómo estás? El músico se llama George Sawa y no encontré su video como para compartirtelo. si lo llegás a encontrar, pasalo por acá para las compas. Con respecto a como se canta el puntillo, tenes que extender la vocal que está representando esa figura ritmica, un poquito más (cuánto la extiendas depende de que figura rítmica estemos hablando). Por ejemplo, si tengo una negra y le pongo un puntillo y la vocalizo con la letra A, el tiempo que diga la A va a ser un tiempo y medio. Espero se haya entendido. Un besito enorme!
Hola profe! Pensando en el análisis musical ababab , me parece que Lo dejaría todo de Chayanne y Bailar pegados de Sergio Dalma, entraría en la definición ( jajaja me delata la edad la música , y el tema de Amr Diab Awedony y el de Sherine La ya habibi creo que también entrarían .
Me gustó mucho el detalle del análisis musical, el análisis a fondo de una obra para su interpretación, creo que es algo en lo que fallamos los bailarines, o tenemos que formarnos más, porque el tener todo un contexto enriquece la composición coreográfica , cómo también el conectar con las emociones , el transmitir algo al público y no solo una secuencia de pasos ( para analizar en otro tópico) los actores hacen un trabajo profundo de las obras a la hora de interpretar un papel y es lo que nos falta a nosotros .
Me parece interesante y, en relación con lo que plantea Soledad, entender la idea de que para el estudio de la época preislámica contamos con fuentes del período posterior, por lo tanto, la interpretación sobre el mismo puede ser sesgada. Tal como se ha planteado en diversas teorías del estudio de la historia, sería preciso hacer una ruptura epistemológica que permita crear nuevas categorías de análisis, nuevos conceptos y nuevas maneras de analizar sin la carga de lo preconcebido. Sin embargo, siempre y cuando se tenga esto en cuenta, los estudios sobre la época siguen siendo valiosos. Asimismo, también es cierto que los procesos de mixtura de diferentes sociedades (ya sea a través de conquistas, migraciones, etc) favorecen a un enriquecimiento de la cultura y por ende, a un desarrollo más versátil y complejo, por lo que puede ser que con el paso de los años, la concepción sobre la calidad de lo que es considerado arte (o no) también vaya variando.
Me parece interesante cómo la religión (o en otros casos el Estado también podría ser, e incluso estados atravesados/organizados por y desde la religión muchas veces. Es decir, desde los lugares de poder…) en cierta manera hace uso para su conveniencia de ciertas cuestiones de la cultura. Por momentos pareciera que les es favorable que se difunda, que exista y crezca, y por ello buscan organizar y sistematizar para a través de la música que sea posible difundir un mensaje u ordenar socialmente, y otras veces se busca reprimir o acallar cuando no es afin a sus intereses y/o cosmovisiones (como en el caso del politeísmo).
Considero a la Historia de la Danza como un material amplio, que nunca deja de enseñar.
En este caso se habla que todo tiene relacion con su origen y que cada periodo se complementa para hacer mas claros algunos terminos y teorias.
Me llama la atencion la separacion de ideologias, creencias, status y hasta la de clases sociales,, que gracias a que se interconectan la poesia y la musica
terminan uniendo mediante una tradicion al pueblo a pesar de sus diferencias; ya que dice que eran las esclavas quienes cantaban para sus señores o que los esclavos lo hacian en las caravanas para hacer menos cansador el viaje. Lo que me lleva a pensar que utilizaban la musica para transmitir lo que sentian en esos momentos o no, ya que improvisaban.
En este periodo se habla de crecimiento cultural ya que se le habre la corte a poetas y musicos, pero sigue marcada la diferencia social.
Me parece acorde lo de fomentar la alfabetizacion para poder ocupar cargos, eso genero´ que un musico adquiera conocimientos extras y tenga otras habilidades como tocar un instrumento, tener oido musical, crear musica atraves de la poesia o desarrollarla si tenia conocimientos previos.
Uno de los temas a tratar en aquel congreso era la decadencia de la musica arabe, por otra parte se les exigia a los musicos a que asistan a institutos de musica con el fin de evolucionar y asi poder conservarla.
Uno de los estimulos era crear sociedades musicales para poder mantener las obras de la musica arabe. Sin embargo actualmente muestran preocupacion por la falta de disciplina entre maestros y estudiantes, lo mismo que en 1932, sino que hacian referencia contra los musicos profesionales
de ese momento.
Es importante que el alumno aprenda a diferenciar los ritmos, ya que en toda estructura musical estan presentes la melodia y el ritmo pero no todos los temas estan acompañados por un ritmo regular. Eso ayuda a desarrollar el oido musical.
Desde mi punto de vista me parecio buena la informacion ya que algunos terminos no los tenia claro.
Me parece importante el aprender a reconocer el compas de las canciones árabes como asi tambien de otros temas musicales que por ahí escuchamos mas a menudo; lo que ayuda a distinguir la variacion del compas dentro de un tema.
Muy buena la explicacion ya que me ayudo a recordar parte de lo que habia aprendido anteriormente; considero importante saber respetar el ritmo como asi tambien los silencios en cada tema.
Considero importante el poner en práctica el nominador y denominador para marcar el compas de estos ritmos, ya que ayuda a tener mejor oido musical a la hora de aprender o enseñar un baile.
Con respecto a esta clase, considero interesante el ejercitar estos ritmos, aprender a marcarlos e ir viendo la manera en la que se tocan en un derbake como así también en otros instrumentos.
En esta clase senti que me falta interiorizarme más en el tema; considero que necesito escuchar más música y aprender a diferenciar sus partes ya que no tenia conocimiento de la estructura de los temas musicales.
Muy interesante la clase, algunos tema ya los tenia, pero me faltaba profundizarlos. Los ejemplos que da la profe ayudan mucho más.
Está bueno que el bailarin tenga claro éstos conocimientos a la hora de interpretar, asi reconoce tanto las tiradas melodicas, como las pausas ya que ésta última la usamos a veces para respirar.
A mi manera de interpretar opino que el layali se puede usar para el calentamiento ayudando al cantante a meterse en el maqam y a su vez puede conducir al mawwal.
El taxim como pieza instrumental sirve más para apreciar las técnicas del cantante.
El taxim se ejecuta con instrumentos melódicos, lo que hará que el musico viaje melodicamente según las técnicas que posea. Éste a traves de su instrumento, crea una obra musical que lleva a la bailarina expresar sus sentimientos, tanto en el canto como en las pausas; se usan movimientos ondulantes como asi también giros.
En el taxim hay que tener mucho iodo musical, por su estructura que te lleva a un punto maximo para luego finalizar y hay que saber diferenciarlo.
En mi caso siempre dije o utilice el termino de Danzas Árabes porque resulta mas fácil de interpretar por las personas que no manejan la terminologia correcta, por ahi decir bellydance es causar cierta curiosidad en quien te pregunta, en mi caso: – que estudias?
Se que la danza arabe es un arte muy amplio que desde sus comienzos se utilizo para transmitir emociones y sentimientos.
La palabra árabe hace referencia a un idioma o zona geografica como lo es la Liga Árabe donde la forman 22 paises con costumbres totalmente distintas entre si, como asi tambien las danzas son diferentes segun su ubicacion geográfica.
Con respecto a la Danza de Medio Oriente se dice que se origino en el norte de África y algunos paises de Asia del sur. Mientras que de acuerdo a la ubicacion geográfica, se puede llegar a diferentes conclusiones sobre la danza, ya que se cree que Egipto es uno de los paises con mayor informacion sobre la Historia de la Danza Oriental.
Dependiendo de la ubicación geográfica vamos a emplear diferentes términos, porque me pasó de vivir en una ciudad y que se utilice el término bellydance y al mudarme a un pueblo referirme con esa terminologia daba como cierta confusión.
Los que estamos en el tema de alguna manera por asi decirlo lo conocemos como Danza del Vientre, Bellydance, Raks Sharki o Danza Arabe.
Comercialmente casi la mayoria se refiere a ésta disciplina como Danza Arabe ya al momento de enseñar una adquiere el vocabulario o terminologia especifica.
Acerca de este concepto que planteo Marcos considero importante el saber que uno puede escuchar música e interpretarla libremente pero no transmitir nada como así también poder profundizarse en el baile que considere mejor y comprender la base rítmica para una interpretación más adecuada a la hora de bailar. Cualquiera de las dos está bien, porque en ambas formas ya estamos transmitiendo algo, de una manera no tan adecuada y la otra quizás si.
En esta feria se marca como posible origen del termino Bellydance.
Eventos como éste tuvieron una gran convocatoria, ya que no solo era fructifero en lo economico y comercial sino tambien en lo cultural. Debido a que se reunian varias aereas y de diferentes paises, hacian que la difusión oriental sea masiva.
Sol Bloom fue un gran ícono ya que fue quien propuso llevar ese toque oriental a la fiesta luego de quedar fascinado con las bailarinas en la feria de Paris en 1889
Más alla de reunirse en esas ferias y dare a conocer se sumaba a que los demás paises muestren sus productos industriales y diversidades culturales.
Cabe señalar la aparicion de algunos elementos de baile, lo que no llegue a comprender en que momento se empiezan a usar.
El objetivo principal de esta feria era inagurar el siglo xx y también mostrar un poco los avances tecnológicos como así también educarlos en la geografía, que conozcan que territorios componía Francia en ese momento. Es decir que era como un remedio pedagógico a este problema de la ignorancia de los franceses.
En Paris emergen algunas estrellas del Belly Dance, como lo fue La Goulue bailarina súper famosa y la otra fue Bella Fatma.
El Belly Dance aparece en Europa cuando en 1850 la llevan a Londres, luego aparece en las ferias mundiales. Es una danza que tiene un gran éxito.
La Bella Fatma era considerada la más famosa en esa época.
Al hablar de ferias mundiales nos referimos a ciudades que se construian específicamente para ese evento, participaban varios países e iba muchas gente, cada país tenía su sector. Había un señor llamado Sol Bloom que era el encargado de buscar chicas para que bailen en la feria.
Esta danza fue acusada por mostrar mucho las partes del cuerpo de la mujer y que no seguía los parámetros de la moral. El Belly Dance va a tratar de ser mirado desde otro punto de vista, no como una danza sensual sino como un deporte físico o simplemente para que una mujer se sienta mejor con ella misma.
En esta clase se habla sobre la importancia de comprobar lo que decimos, justificar la con evidencias.
La danza surge como un ritual de fertilidad.
En el Antiguo Egipto se estudia la danza como una característica de la práctica de un ritual.
Las primeras evidencias se encontraron en cerámica, se hacían incisiones sobre vasos del mismo material.
En el Antiguo Egipto todo se consideraba una danza, en la actualidad tenemos todo dividido en sus respectivos campos. Hay poca información de esa época sobre la danza a comparación de otros elementos como la economía, política, etc.
Muy interesante la clase, sobre todo la parte de las evidencias, ya que son variadas al igual que los elementos que utilizaban para plasmar imágenes.
Me llamó la atención sobre todo la refencia de Garfinkel, que dice: “Que si bien la danza es dinámica, se dibujaban de manera estática porque no habían intensiones de anotar como se realizaba cada paso, sino que era una memoria para los que ya sabian como hacerlo”. Las escenas de la danza las encontramos en varios lugares arqueológicos ya que ésta es un fenómeno transcultural.
Me pareció muy interesante esta clase con respecto a las Qiyan. Sobre todo la parte en la que dice que eran una rama importante de lo que era el comercio de los esclavos y que las esclavas cantoras han estado siempre tanto entre reyes de los árabes como de los no árabes. El término “Qiyan” al principio se usaba para referirnos a las esclavas mujeres en general, con el tiempo adquirió la definición de esclavas cantoras. Algunas se destacaron más por el rol de poeta y otras por el rol de cantante.
Considero importante también las definiciones acerca del Yawari que quiere decir “Mosas Cantoras”, se las definia como mujeres cantoras que ejecutaban una música popular actuando frente a un público, tabernas, etc.
Por otro lado esta el término Mughannlyat o “Cantoras” y este se refiere a dos tipos de mujeres. Estan aquellas que eran educadas en distintas artes para ser luego ser vendidas como concubinas. Por otro lado estan aquellas mujeres que ya habian recibido una educación bastante importante, bastante elevada ya que pertenecían a las familias aristocráticas, eran mujeres que después podían participar hablando con otros poetas o músicos en algún evento social o familiar.
Me pareció muy interesante la clase ,creo que siempre es importante conocer los orígenes y de donde venimos .Entender la evolucion musical teniendo en cuenta periodos historicos,sociales y culturales.Creo que la cuestion musical estuvo muy atravesada por lo social y es algo logico ya que es una parte fundamental de la cultura…
Me intereso mucho el periodo pre islámico aunque entiendo que todo lo que se sabe de el es posterior y no es del todo certero la teoría de los primeros sonidos me fascino.
Claramente que está última fue más importante para la música pq no solamente se le dió más lugar y proteganismo sino que también a mi modo de ver se “profesionalizó”, no solo p las exigencias y requisitos que se tenían en cuenta para ser músico sino también porque estos mismos empezaron a expandirla poniendo “escuelas” en sus hogares.Esto permitió que este arte llegue a mas personas y se puede ver y compartir de otra manera.En cuanto a los temas que escuchamos me los imaginaba así con esas melodías y forma de cantar.❣️
Para empezar creo relevante tener en cuenta el intercambio de sonidos y música que se da en la época pre- islamica entre diferentes países gracias a las rutas caravaneras que permiten el contacto con persas, griegos, romanos, entre otros. Era en el mercado de Maka donde sucedían competencias de Qasidas. Y fue este tipo de poesías el punto principal para el desarrollo de la música, poesías que se recitaban de formal oral acompañadas con sonidos y ritmos.
Existían 2 tipos de cantos: por un lado el de la población sedentaria que tenía que ver con las mujeres esclavas que recitaban poesía, cantaban y hacían música entre otras cosas; por otro lado el canto de los nómadas que con su canto rompían el silencio del desierto.
Durante la expansión del Islam se empezó a desarrollar mucho más la música, influenciada por la élite aristocrática y los esclavos que llevaron su música.
Me llama la atención que si bien la música fue influenciada desde la época pre- islamica, aún durante el Islam las canciones seguían estando relacionadas a las Qasidas, aquellas que hablan sobre el amor y comienzan con un prólogo amoroso. Si bien la élite consideraba a la música pre- islamica como inferior o primitiva se seguía manteniendo una relación con la música de aquella época, una relación con las Qasidas.
Periodo donde comienza “la gran tradición musical” donde se abre la corte a poetas y músicos que crecieron en importancia. La música sigue tomando elementos de la cultura arabe y no árabes que fueron conquistados. Es aquí donde la música empieza a sistematizarse y se crea así un arte oficial, siendo los califas los principales motivadores para que esto se desarrolle (muchos de ellos se han destacado como grandes músicos).
La imagen de “músico” pretendía que este sea creativo, debía tener un talento especial, cantar, tocar uno o más instrumentos, tener manejo del escenario y saber escribir tanto en verso como en prosa.
Esta época resultó ser muy importante desde el punto de vista cultural donde se crea la identidad islamica.
Hola Mari, hermosa clase. Me quedé pensando en lo que dijiste. Que no se puede enseñar todo a una alumna que empieza de cero en 3 años. Yo pensaba lo mismo. Pero hice un instructorado de yoga en un año. Ahora estoy haciendo un profesorado de yoga en dos años. En yoga, que es muuuy complejo, no hay profesorado de más de 3 años, y se puede empezar desde cero. El concepto que lo diferencia del belly, es que se enseña todo. Y vos, como alumna, tenes que practicar todos los días. Y por ahi, no llegas a hacer las asanas más dificiles al recibirte de profesora, pero, sabes como enseñarlas, y tenes que seguir practicando por tu lado, es tu responsabilidad, se le llama, practica personal. En belly, nos queremos asegurar de que a nuestras alumnas les salga todo perfecto, en toda la técnica, estilos, etc, y que todo eso, lo logren en clase. Por mi lado, estoy reviendo ese concepto. No se si se entendió.
Con respecto a este artículo aún sigo viendo un mirada europea hacia la música árabe.Si bien por supuesto está bien pactar y academizar la disciplina me parece que en cierto modo se quiso imponer ciertas características de la música occidental.
Me parece que no tener en cuenta a los músicos tiene que ver con esto ya que ellos representan lo autóctono, la práctica más allá de las “normas”.
Creo que faltó amplitud , inclusión .
De hecho al día de hoy el artículo comenta que muchos aprenden por videos de músicos.
Me parece importante primero reconocer los dos géneros los que tienen una organización rítmica temporal física, y los que tienen una organización temporal libre .Creo que ese es el punto de partida para armar y bailar cualquier coreografía.
Por otro lado también me pareció interesante conocer los diferentes palabras que se utilizan para definir los ritmos árabes.Si bien nosotros no la utilizamos creo q enriquece nuestro conocimiento saberlo
Importantísimo me encantó.Sabia escribirlos con la tablita pero aquí me pasaba eso que comentas Mari , no sabía leerlos adecuadamente porque no sabía bien donde poner los silencios.Los que sabía cantar era pq ya los conocía pero los nuevos se me dificultaba.Quisiera más ejercicios para practicar.gracias
No conocía estás normas musicales, la verdad es todo nuevo para mí .Me encantó pero creo que para poder incorporarlo bien es necesaria mucha mucha práctica.
Me gustaría Mari si me podés pasar más ejercicios ya que en las clases ví que comentaste que los subías , entiendo que fue cuando lo estaban cursando.por eso no están aquí en el campus o yo no los encuentro.gracias❤️
A modo de resumen de esta clase es importante destacar, por un lado, la denominación de “ritmos árabes” que puede ser IQA y/o WAZN.
Por otro lado, según Touma podemos encontrar dos tipos de género: aquellos géneros con una organización rítmico temporal libre (como el taxim) y los géneros de organización rítmico temporal fija.
Los ritmos árabes no son sólo nativos sino que también son utilizados ritmos tomados de Occidente y de Turquía.
En esta clase también se destaca el Pulso, el punto de referencia que ayuda a organizar el tiempo, es algo fundamental a la hora de bailar para no ir fuera de tiempo. El pulso puede ser Regular como Irregular.
*Compás* es una forma de dividir el tiempo musical en una agrupación determinada de pulsos.
Hay compases binarios, ternarios y cuaternarios, entre otros.
*Acento* tiempo que va a sonar más fuerte con respecto a los demás y es lo que nos va a indicar de qué tipo de compás se trata.
A lo largo de un tema los compases pueden ir variando como por ejemplo en los temas de presentación.
Tener noción de los compases nos será de mucha ayuda a la hora de coreografiar.
El *ritmo* organiza tanto sonidos como silencios, no debe confundirse con el pulso.
Uno de los sistemas de escritura de ritmos puede ser con una serie de símbolos que tienen una duración en el tiempo y se representan con figuras y silencios.
*Fracciones nominador y denominador* es lo que encontramos al comienzo de un compás y es lo que nos va a marcar cuantos pulsos habrá por compás y la figura rítmica predominante.
Numerador: cantidad de pulsos por compás.
Denominador: figura que representará al compás.
*Puntillo*: le suma al valor de la figura que lo acompaña la mitad de su valor.
*Anacrusa*: nota que se encuentra antes del primer tiempo fuerte de una frase, puede ser una nota que complete el compás del final.
En principio quiero destacar la info sobre cómo analizar un tema para luego coreografiar, me parece un análisis súper completo y detallado lo que hará obtener un montón de recursos para la danza. Lo pondré en práctica!!!
Por otro lado, en resumen, entiendo a la WASLA como una gran estructura musical. Una macro estructura que dentro contiene diferentes formas musicales pero que las va a unificar una misma makam.
Me pareció muy interesante esta clase de la música Latinoamericana en Egipto e incluso las canciones de Mohamed Abd El Wahab y Farid Al Atrash, las considero muy lindas de haber escuchado y otras más de los mismos artístas.
En primer lugar sumo el concepto de Wasla ya que no lo conocía, sinceramente nunca lo había escuchado . Me parece importante saber este tipo de denominaciones ya que al momento de escuchar música árabe está bueno reconocer er y saber de que se trata ya que internet circula muchísima música y muchas veces en lo personal en algunos casos no me arriesgo a utilizarla pq justamente no se con exactitud que es.
Por otro lado el análisis de los temas para coreografias me parece interesantísimo , si bien en lo diario se hace complicado pq lleva mucho tiempo , si voy a usarlo para en primer lugar practicar y luego para seleccionar temas para los shows
Gracias
No conocia el LAYALI, si el taxim y mawal.Habiendo estudiado el primero es mas profundidad.
Me quedo clara la diferencia entre los 3.
Lo que pienso es que ya que se realiza una improvisacion ( tanto del musico como de la bailarina)estaría genial conocer el idioma en el caso del Layali es mas sencillo porque es una frase y ya sabemos que significa , pero en el caso del MAWAL(QUE ES UNA POESIA POR ENDE ES MAS LARGO) resulta mas dificultoso ya que no sabemos lo que dice el autor.
Pude profundizar los conocimientos que tenia de taxim ,ejemplo los tipos y las secciones.Sabia lo de la improvisacion y lo del solo de un instrumento pero no tenia idea de estas clasificaciones.
Me parece importante primero entender la definición de taxim y poder identificar si tiene base rítmica o no .Sabemos que el taxim sin base rítmica es un solo de algún instrumento melódico ,q no tiene acompañamiento vocal.Que el músico va realizando su composición pasando por diferentes matices y efectuando pausas , la bailarina debe poder conectar con eso escuchando e interpretando tanto la melodía como las pausas, llegar junto con la música al climax para luego ir bajando en su interpretación.
Por otro lado en el taxim con base rítmica es importante prestar atención a seguir en un gran porcentaje mayor a la melodia y no al ritmo
Clase muy nutritiva.transcribo ciertos conceptos que enriquecieron mi conocimiento respecto de este genero:
En cuanto al rol de la bailarina es importante identificar el contexto en el que voy a bailar el taxim.
Tener en cuanta 3 variables:
1-conocer el taxim
2-saber el recorrido de cualquier taxim
3- saber que el que esta sobre el escenario tiene el control.
Fue interesante saber ademas ;
-que si una bailarina se queda bailando en el lugar debe ser en un taxim corto .
-el taxim que entra en el belly dance esta medido ya esta escrito,son una cantidad de frases.
y cierro con esta frase que a mi parecer fue muy relevante:
“QUIETUD DEL MOVIMIENTO”
Gracias!
Muy interesanre Apremder de Musica desde la optica de una Bailarina.
Periodo Preislamico, Fuentes arqueologicas, fuentes islamicas Tardia. (800DC) y esto sobre que consideraban la musica preislamica 570DC como primitiva.
La mención de las Poesias Casidas. El Canto población sedentaria (tradicion, de mayor nivel) y el de los Beduinos .
El surgimiento de los primeros sonidos, rompiendo el silencio infinito del desierto y el canto fúnebre. También como fue la música de estas dinastías Árabes con grandes músicos y poetas.
Y por ultimo cuando se funda la gran Tradición musical con sus principales representantes.
Me interesó mucho saber sobre el Periodo Omeya o Califato, destancando algunos Califas, tomando mas prestigio la Lengua Arabe, buscando eliminar los errores de Lengua Arabe.
Terminando en la zona de España y comenzando el periodo de los Califato Abbasida que se alienta a los músicos a cantar poemas con música. Se los escuchaba pero no se veían, entrenando en escuelas a distintos músicos.
Hermoso escuchar en Spotify la música de la Época.
Compas es agrupar una cantidad determinada de pulsos.
Binarios( 2 ), Ternarios (3), o cuaternario (4) o muchos mas presentes en la música árabe. muy buen ejercicio para identificar el tipo de compas.
El Taqsim, a grandes rasgos, podría decirse que es la improvisación de un instrumento solista melódico. No tiene un esquema fijo ni tampoco es una pieza compuesta previamente y fija, lo que la hace una obra musical única.
El Taqsim se desarrolla a partir de un makam elegido por el músico y no suele tener una duración determinada.
Sus características son aquellas pausas entre frase y frase, y lo que hace que cada una de ellas tenga un principio y un final.
Por otro lado, podemos encontrar el Taksim con base rítmica donde el solista es acompañado por instrumentos de percusión. En este caso se suelen producir diálogos musicales (pregunta/ respuesta) entre el solista y los instrumentos de percusión.
El Mawal, al igual que el Taqsim también es una improvisación solo que en este casa quien improvisa es la voz. El Mawal es cantado y se canta algo ya compuesto pero que el cantante va modificando durante su improvisación.
En dicho artículo se habla de la reforma que se ha intentado establecer con respecto a la música árabe. Se buscaba academizar la música arabe desde una mirada eurocentristra, la cual era considerada una música infernal y ruidosa.
La música arabe era comparada con la música Occidental la cual simbolizaba el poder y el prestigio. Por ello, y para que la música arabe progrese consideraban que la música arabe debía seguir los pasos de la música Occidental.
Se planteaba que la teoría debía generar una práctica y no ser al revés. Se debía sistematizar y organizar de acuerdo a los hábitos de las naciones modernas, lo que acabaría con el desorden y falta de disciplina de sus practicantes.
Dentro de las formas musicales encontramos la “estructura del RONDO” (estructura occidental) que dentro de la música árabe la encontramos en el Samai, en la Longa y se encuentra en algunas presentaciones. En dicha estructura encontramos el TEMA PRINCIPAL (estribillo) y EPISODIOS (estrofa).
Estructura: A- B- A- C- A- B
Las estrofas van a tener melodías diferentes.
MEYANSE/ APERTURA/ OPENING SONG/ EFTATAHYA. (Forma musical)
Es un género que nace en la época de los night clubes y la función principal es que la bailarina presente su show, que impresione al público.
Es un género muy alegre, con mucha potencia, que lleva por distintos estados y con mucha fuerza.
En Egipto se utiliza el término EFTATAHYA que viene del verbo “abrir”, apertura.
La estructura de la presentación puede variar.
Fadi: primeros compases de percusión antes que empiece que la melodía (4 compases de malfuf, aiub o fox).
Luego continúan los bloques que pueden ser:
Bloque con ritmo Saidi, Bloque con ritmo Samai Taquil, Bloque de Bolero, entre otros. Bloques desconectados entre sí. Y al final se vuelve al comienzo, con el mismo ritmo y melodía.
El tema Aziza tiene una estructura de Rondó.
Con este MOdulo la profesora nos brinda la visión de que tenemos que estudiar a la historia de la música arábe desde la visión de bailarina y la relación con la danza y el bellydance.
Como inicio al estudio tenemos que hablar de un etapa preislamica, antes del islam. La etapa preislamica, esta dado por un periodo de imperios (bizantino y sosamia, representado en 7 ciudades).
Estos dos imperior eran enemigos, entre si, en medio de esos imperios habia tribus arabes. En este periodo preislamica, se utiliza al camello, como animal importante, la cultura era oral, la religión esra politeista, los valores ern eticos, corajey honor. Las casidas eram poesia oral, No hay en esta epoca historia musical. Concemos sobre la musica y los instrumentos atravez de fuentes tardías del Siglo 800. Con la aprición del profeta Mohama comenzo la etapa del Islamismo.
Habia ademas 2, tribs, Juda y Nasb, las sentaria la producción dera tradición oral. La Juda, esl canto era nostalgico, el ruido que hacian los camellos rompian el silencio del desierto. Lass Nasb, era el conto funerario de las mujeres. Las cainas, eran mujeres cantoras, que servian a un dueño. El canto de las cainas se dividian en dos, unas eran sobre temas de alabanzas y orgullo y otras eran sobre canciones de pasatiempo y diversión. eran acompañadas por laud.
En la epoca del profeta, se comienza a expandir el islam, en esta epoca ademas los cantores de la epoca, expanden la tradición oral. Como reflexión, las mujeres casidas fueron muy importantes en el origen de la musica arabe.
Nominador y Denominador, hasta hoy solo era una suposición mía el significado de esa Fracción al comienzo del Pentagrama, hoy puedo saberlo a ciencia cierta que el Nominador es la cantidad de Pulsos que entran en el compas y el denominador es Patrón que va a representar toda la línea.
Puntillo, entendí la formula para calcular el valor del punto que figura a la derecha de cada figura rítmica. Anacrusa marcando donde comienza el tiempo Fuerte de una Frase. Muy enriquecedores los ejercicios que le siguen a la explicación. Las barras de Finalización, las barras de continuación o las barras de Repetición, etc.
En este Articulo concuerdo con la Autora en su observación relacionada a que los Músicos de Egipto hoy en día tienen opiniones muy claras y similares sobre la necesidad de una reforma en la Enseñanza de música árabe, muchos años después de la Conferencia de 1932 los músicos expresan una gran preocupación por el bajo nivel de instrucción instrumental ofrecido en los institutos, la falta de dedicación en el plan de estudios. Ganando mas dinero por hacer giras con estrellas populares ya que no son empleados a los mejores músicos en los institutos. Acusan Falta de disciplina. Esto nos trae una conclusión dualista ya que hoy en día se acusa a los Académicos e Institutos de la misma forma que se acusaba a los músicos profesionales en 1932, en la cual se fracaso en varias áreas por 2 razones, según mi visión, la participación de extranjeros Occidentales desde su mirada proveniente de otra cultura, juzgada desde su visión orientalista, con otra herencia y otros gustos musicales y la discriminación a los Músicos Profesionales de la Época que podrían haber aportado sus valiosos conocimientos. Observo una diferenciación y pelea muy marcada entre músicos profesionales y académicos, cuando la realidad es que si pudieran unirse seria la manera de sacar el mayor provecho de cualquier reforma de La Música Árabe.
Como COMENTARIO a las clases de este módulo y desde mi experiencia son términos que ya conocía al haber estudiado música en un conservatorio hace varios años, pero retomando y repasando todo esto hoy en día me resulta de suma importancia poder aplicarlo a la danza, a la hora de hacer un análisis sobre la música que elegimos para bailar.
La lectura de este artículo me recuerda un poco a la materia “viajeros” que describían a la danza como lasciva, sexual y que incluso describían a las bailarinas como “criaturas”. Pasa un poco lo mismo con la música al describirla como “ruidosa” o “infernal”, comparándola con Occidente e incluso buscando sistematizarla y academizarla bajo los lineamientos occidentales.
Conocía en líneas generales el concepto de Taqsim como la improvisación de un instrumento melódico. El texto enriqueció mucho más la definición qué conocía. Por otro lado, nunca había escuchado el término Mawal.
En este periodo, se comienza a hablar en forma despestiva respecto a la musica de los beduinos respecto a las ciudades. Luego de la muerte de Mahoma, hubo una sucesiòn de profetass Reshudum. Comieza la era del califato Omaya, desde 1750 hasta 1301, en la zona de España.En esta època se estable a la lengua àrabe como la de mejor prestigio, por ser la elegida por Dios. En esta epoca tambien las Corte, eran espacion de entetenimiento, Los califas eran patrocinadores de los poetas y musicos.
se conribuye a la expansicòn por Africa.
Me resultó muy interesante esta clase ya que no conocía el término EFTATAHYA ni FADI. En cuanto a las formas musicales tenía una vaga noción y ahora me quedo mucho más claro.
Con respecto a la anotación de los ritmos comencé aprendiéndolos con el sistema que invento Saida, luego tomé un curso con Osbaldo y su método, y por último (al tomar algunas clases de derbake con un alumno de Matías Hazrum) conocí el método de Mario. Coincido con que el método utilizado por el Estudio es uno de los más claros y entendibles, ya que en los otros antes mencionados no se logran distinguir las duraciones de las figuras, algo sumamente importante a la hora de reconocer un ritmo ya que puede pasar que algunos se escriban igual (utilizando aquellos métodos) pero los va a diferenciar el valor de la figura y silencios. Además creo que la música como lenguaje debería utilizarse tal y como es para que todos podamos entenderla.
Con respecto a la definición de algunos ritmos no conocía sus otras formas de llamarlos. Y en cuanto al reconocimiento de ritmos de esta clase pude reconocerlos a todos, creo que son los que más afianzados tengo y los que más utilizo a la hora de elegir un tema para bailar.
En esta clase, al sumarse más ritmos se complicó un poco mas el reconocimiento. Me resultó interesante la explicación de cada ritmo como poniéndolos más en contexto, el explicar algunas características de los mismos.
Creo que los compases múltiplos de 3 pueden resultar más difíciles de reconocer porque nuestro oído no está tan habituado. De hecho me di cuenta por los ejercicios prácticos, que la mayoría de la música que escuchamos tiene compases cuaternarios, ya sea oriental como occidental.
Es muy bueno poder ejercitar de esta manera porque permite reconocer la variedad de sonidos que puede contener un ritmo. Esto también permite que al bailarlos, podamos desarrollar más variantes de movimiento teniendo en cuenta la musicalidad de los mismos.
Muy buenos los tips para la “autocorrección” de la escritura de los ritmos teniendo en cuenta el nominador y denominador. Qué difícil igual al haber aprendido de otra manera a representar los ritmos :'(. Me encantaron los ejercicios.
Es importante conocer el concepto de anacruza, porque muchas veces los ritmos (tal como el ejemplo del Bambi) pueden aparecer de esa manera y es importante para apreciar correctamente el comienzo y final del ritmo. Lo explicás de una manera súper clara, Maru, pero igual siento que necesito otra vida para leer música de esta manera jaja.
No podemos encontrar una única definición acerca de la palabra Tarab. Para empezar intervienen diversos autores que dan su punto de vista y para explicar esto me gustaría iniciar por Racy, A. J. Sostiene que el Tarab es un campo multifacético, es decir de múltiples significados, autores como Shannon, J. H. y El Rayes, R. M. coinciden.
Voy a mencionar y destacar algunos puntos los cuales me interesan y podemos enmarcar las múltiples definiciones que hay de la palabra Tarab; dentro de la lingüística Tarab se refiere a el estado de emocionalidad que se traduce con palabras como arrebato, éxtasis, o encantamiento siendo esta última la más utilizada.
Etnomusicólogos describen el Tarab como un estado emocional que se produce entre la relación del oyente y del artista por la música, la letra y otros factores, lo que Racy definiría como un “Modelo de retroalimentación estática”. Por ejemplo el etnomusicólogo Charles Seeger habla sobre la incapacidad de las formas del lenguaje para representar del todo el sentimiento musical, y considero que es un poco de lo que nos quiere decir Racy. Pero Mantle Hood, otro etnomusicólogo, decía que por naturaleza la música es mística. Es decir que hay algunos casos donde etnomusicólogos modernos usan la palabra Tarab para indicar estados alterados de conciencia, relacionado con el misticismo.
Para profundizar el aspecto lingüístico Valassopoulos, A. (2007) analiza las distintas manifestaciones de la cultura árabe popular que suelen definir el Tarab como algo enigmático, secreto. Ella intenta demostrar que tal vez esto es algo estratégico, como forma de evitar definir la palabra. En base a eso da ejemplos y cita a algunos autores como
Said, E. que nos plantea que toda cultura tiene sus áreas cerradas, enigmáticas, ocultas precisamente se trata de evadir/evitar definir de forma literal la palabra Tarab si no en estas palabras.
La experiencia del Tarab puede ser muy poderosa y transformadora, ya que nos permite conectar con nuestras emociones más profundas. Me gusta esta idea de Edward Said de hablar de algo sin hablar de ello, considero que justamente es lo que representa el Tarab, va más allá de solo la letra y la música.
Por otro lado Racy plantea que sería un error explicar el estado que provoca el Tarab con términos porque no es un sentimiento u emoción en específico. Me agrada e interesa su perspectiva y su enfoque unilateral sobre el Tarab, se dirige en una sola dirección sin considerar otras interpretaciones, como por ejemplo esto que tenga que tener ciertas características la música Tarab; que es un concepto flexible y puede tener un punto de vista político, religioso, amoroso. Es decir, desde un punto de vista religioso tal vez en la letra se deba reflejar la creencia, devoción y espiritualidad, o por el contrario, dependiendo de la religión en cuestión. Y si hablamos del amor entre dos personas puede estar mediado por la apreciación compartida del Tarab, al oyente le produce este estado de encantamiento cuando escucha la música por su artista deseado y su relación con el amor pasional, que es un poco lo que nos cuenta N. Mahfuz a través de su obra “Trilogía de El Cairo”.
Además es bueno y justo que el mutrib al ser el líder y tener el rol principal, pueda tener una libertad interpretativa de forma propia de variar, improvisar, según Racy.
Por último no quiero dejar de hablar de la bailarina y su rol inesperado y relevante dentro del Tarab. La bailarina según Bordelon, C. es una sammi’ah, también es una oyente que traduce todo ese conjunto de sentimientos en movimientos que expresan el Tarab. La bailarina puede ayudar a generar transformaciones emocionales en la audiencia, puede llegar incluso a interpretar la letra de la canción. Pero no todas las bailarinas son sammi’ah, no todas tienen el talento para conocer la música e interpretarla. De hecho podría tener una excelente técnica y aun así no ser una sammi’ah.
A mi modo de ver la bailarina puede complementar la música y añadir una dimensión visual a la experiencia auditiva, lo que puede intensificar las emociones y la conexión personal con la música. Tal vez algunas personas pueden sentir que la presencia de una bailarina realza su apreciación del arte, mientras que otras pueden preferir enfocarse únicamente en la música y encontrar que la danza distrae de la experiencia auditiva.
Para concluir no se puede definir la palabra Tarab desde un solo punto de vista, se abarca desde múltiples autores y razonamientos. Pero reflexiono que el Tarab nos invita a explorar la profundidad de las emociones y la capacidad transformadora del arte.Tiene la habilidad de unir a las personas a través de la música creando un sentido de comunidad y pertenencia compartida a pesar de las diferencias y/o pensamientos culturales. Además nos invita a sumergirnos en la maravillosa tradición y experiencia musical que perdura a lo largo de los siglos en el mundo árabe y en otras partes del mundo.
Lo que el artículo muestra es la notoria influencia del orientalismo en la organización de la Conferencia del 32. La valoración de las opiniones de los europeos que viajaban a Oriente y la influencia de las elites, marcaron como objetivos “alcanzar el refinamiento occidental” para la música oriental. De esta manera, no sólo se la consideraba de manera degradada, sino que se buscaba que alcance estándares universales mediante la sistematización y organización. El problema sería la diversidad y “desorden”. Plantearon para ello ir de “la teoría a la práctica” y el triunfo más grande de dicha Conferencia fue la creación de un plan de estudios que luego se implementaría a lo largo de Egipto y muchos otros países árabes. Demás está decir que todas estas acciones se realizaron dejando de lado a quienes no eran considerados músicos instruidos, pertenecientes a tradiciones musicales heredadas y que conformaban gremios, músicos “profesionales”, no eruditos. A su vez, la invocación a un pasado más rico musicalmente, acusaba a estos músicos de “perezosos” y culpables de esa degradación. Sin embargo, sin su participación, el intento de reforma y universalización no fue posible en su totalidad. Es decir, intentar comprimir la diversidad musical estrictas reglas y teoría, era prácticamente imposible sin incluir a una parte importante de los músicos. Ante investigaciones de principio de SXXI, se demuestra que esta academización de la música, sin embargo, llevó a que actualmente los estudiantes se quejen de un exceso de teoría y falta de práctica, que sólo se adquiere en los circuitos no académicos. Considero entonces, que una buena práctica sería dejar de pensar a la música como “legítima” o no legítima, sino nutrirse de sus incontables posibilidades. Es imposible definir a la música árabe sólo como aquella que se enseña en la academia.
Me encantó el ejercicio de estructuración de los temas para coreografiar. Y analizar las diferentes estructuras de los temas me parece fundamental. Pienso en esto que siempre se dice de cómo la matemática está tan integrada a la música, porque parece que finalmente estamos resolviendo ecuaciones.
Me doy cuenta que siempre había bailado de manera intuitiva los taqsim. Notaba los cambios, los altibajos, pero no tenía el conocimiento teórico, el análisis de estructura. Es muy rico poder desglosar de esta manera para entender mejor cómo bailar aún dentro de una improvisación.
Está bueno saber las diferencias para ir encontrando las variaciones y por ende la riqueza en los 3 tipos de improvisación. Esto va a permitir que no bailemos todo de la misma manera. Es un ejercicio importante escuchar mucha música, ir descubriendo estas variaciones para interpretar de mejor manera y enriquecer también nuestra danza.
A modo de reflexión, me quedo con lo “contradictorio” que se genera al grabar un taqsim, pero a su vez, eso permite que dentro de la academización de la música y la danza árabe, tengamos la posibilidad de estudiarlo de una manera más fácil. Asimismo, tal como se dice en el texto, conocer la estructura interna del taqsim, nos permite saber cómo se va a ir desarrollando la composición, y si en una performance en vivo los músicos quizás no se apeguen 100% al taqsim grabado, aún podemos seguirlo y reconocer sus partes. Por otro lado, también me quedo con el concepto de funcionalidad, y creo que así actúa tanto en el caso de la música como en la danza: si para los músicos es útil para ligar partes de un tema, o para anticipar un “momento”, también en la danza es funcional para variar el repertorio, para introducir expresiones distintas y, por qué no, para respirar jaja. También para dar un respiro al público.
https://www.youtube.com/watch?v=QfhEKpFiepM – Jorge Drexler – Todo se transforma.
0:00 a 0:11 – intro
0:12 a 0:49 estrofa (podría dividirse en 2 estrofas, pero como la melodía es igual, considero que es misma estructura, la unifiqué)
0:50 a 1:16 estribillo
1:17 a 1:53 estrofa
1:54 a 2:17 estribillo
2:18 a 2:44 interludio
2:45 a 3:14 estribillo
3:14 a final, final.
Al principio me costó entender esta forma de escribir y leer los ritmos. Entiendo que para entender este método es clave saber los valores de las figuras, me cuesta mucho identificarlas y recordarlas! Estoy acostumbrada a la forma de escritura de la “cajita”, por eso me desconcierta no tener el 1-2-3-4 debajo de cada dum o tac, pero será cuestión de estudiar!
Está bueno repasar estos ritmos con sus bases! Los he aprendido con sus rellenos completos y en algunos casos una olvida cuáles son los sonidos “base”.
Acuerdo con Mica que la explicación contextual sirve para relacionar al ritmo con su historia o características y recordarlo mejor. Además, escuchar muchas versiones también ayuda a agudizar el oído.
Elegí temas del que en ciertos pasajes hay varios ritmos:
Tamil de Mario Kirlis https://www.youtube.com/watch?v=Ub9H46Pr2g0
0:54 a 1:20 malfuf
1:21 a 1:30 baladi
(acá hay una rumba)
1:38 a 1:42 maksum
1:43 a 1:56 malfuf de nuevo
1:56 a 2:08 tawil
2:08 Tabl
(acá creo hay un maksum sarieh)
2:34 saidi
(viene el final con maksum de nuevo)
3:34 fallahi /maksum sarieh
El texto me hace reflexionar que también en la música “occidental” existe un cierto prejuicio o categorización entre música/cultura “popular” y “culta”, siendo esta última la que es tomada como legítima. La cultura popular es frecuentemente asociada a un bajo nivel, vulgaridad y menor calidad. Incluso, sin intermediar la religión, pero similar a como menciona el autor “la música y el comportamiento moral se entremezclan”. Pienso en la cumbia, y los discursos que la asocian a la delincuencia, al rock y su relación con el consumo de drogas, etc. Por otro lado, pienso en la música “clásica” que no tiene letra y la idea de que la voz distrae del “verdadero sama”.
En definitiva, creo que toda esta “legislación” sobre la danza y la música, no son más que estrategias para reglamentar ciertos cánones dentro de la religión para que el pueblo no escape de ella.
Me quedo también con la explicación de que los musulmanes hallaron en la interpretación de los hadith la justificación para la utilización y creación musical.
A modo de reflexión, considero que mientras se tenga en cuenta y se entienda que lo que va a reallizarse a nivel artístico es una adaptación e interpretación para escenario, es posible recurrir a todo tipo de pasos, siempre y cuando sean acordes a la música elegida, al vestuario, y también acompañar con una energía, ademanes, gesticulación y técnica en consonancia. Lo importante siempre es esta idea de fantasía para escenario.
Coloco acá nuevamente el comentario porque el texto de Amnon Shiloan está también en el Módulo 3 bajo el nombre de “Teorías del ritmo y el metro”, pero también hay un PDF adjunto que antes no había visto, así que luego agrego un comentario allí sobre ese texto.
Para este texto en particular, mi reflexión es:
El texto me hace reflexionar que también en la música “occidental” existe un cierto prejuicio o categorización entre música/cultura “popular” y “culta”, siendo esta última la que es tomada como legítima. La cultura popular es frecuentemente asociada a un bajo nivel, vulgaridad y menor calidad. Incluso, sin intermediar la religión, pero similar a como menciona el autor “la música y el comportamiento moral se entremezclan”. Pienso en la cumbia, y los discursos que la asocian a la delincuencia, al rock y su relación con el consumo de drogas, etc. Por otro lado, pienso en la música “clásica” que no tiene letra y la idea de que la voz distrae del “verdadero sama”. En definitiva, creo que toda esta “legislación” sobre la danza y la música, no son más que estrategias para reglamentar ciertos cánones dentro de la religión para que el pueblo no escape de ella. Me quedo también con la explicación de que los musulmanes hallaron en la interpretación de los hadith la justificación para la utilización y creación musical.
Habiendo ahora si leído el adjunto que corresponde al título de este módulo, considero interesante el concepto de ataque del erudito en música y el intento de traducción a la notación musical “occidental”. El texto me genera más dudas que reflexiones en verdad: cuándo el idioma musical se convirtió en “universal”? Me maravilla pensar que en diferentes momentos y lugares del mundo se haya intentado sistematizar de maneras similares a la música.
No conocía las danzas Nizzawi, Kaff, del caballo, me parece super valioso estudiar sobre los orígenes de lo que nosotras interpretamos de una manera escenificada para enriquecer más nuestra performance pero también para ser más ajustadas a la representación de las danzas nativas.
Qué interesante que el tahtib se haya registrado en la Unesco y que se revalorice a través de su enseñanza y difusión. Y por otro lado, lo importante de conocer todas las danzas de la región para ser más específicas al momento de representar una danza y/o enseñar acerca de las mismas.
Recuerdo que cuando comencé a estudiar danzas árabes, justamente me enseñaron como ejemplo del Samai a Lamma Badda, cuando en realidad es una composición con ritmo samai thaquil. No conozco muchas composiciones de samai pero quizás sea también porque justamente es música para oir y no se ha popularizado tanto en el ambiente del bellydance, exceptuando las mencionadas por Mario en el artículo.
Que lindo ver tanta diversidad de instrumentos, no todos los conocía. En las tres clases de instrumentos, me gustó poder hacer el reconocimiento de todos ellos.
Nunca había escuchado hablar de las agrupaciones musicales y sus características. Me parece interesante (esto sí lo sabía) que el derbake se incorporó tarde en el tiempo, así como también se incorporan los instrumentos modernos.
Me parece interesante el concepto de que los instrumentos se categorizaban de acuerdo a cuál podía mantener “la nota” por más tiempo, relacionándolo con la voz humana, tomando a ésta como el elemento más importante dentro de la música a tal punto de poder prescindir de los instrumentos o tomarlos sólo como acompañamiento. El rol de la voz, es entonces fundamental en el desarrollo de la música árabe. Quizás por esto -entre otras cosas- es que Umm Kulthum sea venerada y se haya constituido como la figura que es en el mundo árabe.
Por otro lado, me parece super interesante también ver cómo está presente de manera muy fuerte la música y los instrumentos en rituales religiosos y cotidianos.
Muy interesante Marina. Valoro toda la información y el conocimiento aportado. Especialmente me gustaron los temas de empleo de plataformas (redes), planificación y ética. Como recién estoy retomando la danza de apoco, puedo aplicar el aporte del curso en otras áreas de mi trabajo.
Considero que toda esta incorporación de ritmos ha permitido enriquecer las composiciones, seguramente en el momento de su creación han sido novedosos, pero al día de hoy ya se han afianzado y establecido, gracias a la difusión de estos artistas alrededor del mundo. Justamente, esa variedad, considero, permite que en diversas culturas, la música árabe se introduzca de una manera más armoniosa, ya que nos es posible, gracias a la utilización de esos ritmos, reconocer aspectos “cercanos”, identificarnos con ellos y disfrutar de la música sin sentirnos tan extrañados por ella.
Me sorprendió mucho encontrarme con el “Wahda u nus” como ritmo. Siento que tiene más intensidad en los tac. Creo que alguien lo menciona en la clase justamente.
Tampoco había escuchado hablar del Wahda Saghira. Siempre pensé que era un “fox relleno” en los temas donde lo había escuchado.
Comienzan a aparecer estos ritmos influenciados por “occidente”, que solemos escucharlos e inmediatamente los bailamos con pasos que suelen ser más relacionados con la danza jazz o el clásico. Me parece interesante la mención sobre la utilización del Sherk en la música Nubia, eso puede abonar a la teoría de que en diferentes partes del mundo en momentos distintos, los estudiosos de la música generaban composiciones similares. Lo asocio al texto leído sobre la conferencia de música árabe y cómo los argumentos acerca de “occidentalizarla” pueden resultar innecesarios frente a los argumentos de “retomar las raíces”. Me lleva a pensar que quizás ambas deban convivir y se deban valorar de igual modo. También que hace falta que occidente estudie más la música oriental para lograr valorarla desde un lugar de conocimiento, de humildad y no desde una posición etnocentrista. No se puede valorar lo que no se conoce.
Me intereso mucho el período Omeya que fue el que marcó significativamente el prestigio del árabe como lengua principal esforzándose para corregir errores lingüísticos. Las cortes se convirtieron en centros de entretenimiento donde los califas patrocinaban poetas y músicos, contribuyendo a la expansión cultural por África. Luego, el califato Abbasí sucedió al Omeya, promoviendo la música mediante la inclusión de poesía con melodía y estableciendo escuelas para músicos. Durante este período, no llego a comprender porque se menospreció la música beduina en comparación con la música urbana. Esta época fue clave para el desarrollo de una gran tradición musical que integró elementos árabes y no árabes, consolidando un arte oficial apoyado por los califas, muchos de los cuales fueron destacados músicos. Este tiempo fue fundamental para la formación de la identidad cultural islámica.
En la clase se destacan varios aspectos clave de los ritmos árabes. Primero, se menciona la denominación de “ritmos árabes” como IQA y/o WAZN. Segundo, según Touma, se distinguen dos tipos de géneros: aquellos con una organización rítmico-temporal libre, como el taxim(el cual no tiene ritmos), y los géneros con una organización rítmico-temporal fija. Además, se señala que los ritmos árabes incluyen tanto ritmos nativos como de Occidente y Turquía. El concepto de pulso, que actúa como referencia es fundamental para organizar el tiempo en la música y el baile, pudiendo ser regular o irregular. Esto es necesario para mantener un hilo temporal durante una coreografía. Por último, se enfatiza la importancia de aprender y diferenciar los ritmos, ya que esto no solo desarrolla el oído musical, sino que también enriquece el entendimiento de la estructura musical. Es esencial para nosotras como bailarinas o cualquier persona interesada en la música o en la danza árabe comprender estos términos y conceptos para una ejecución más precisa.
es muy importante conocer y reconocer los ritmos en su base y con los rellenos y sus variantes. super importante la aclaración del ritmo masmoudi saghir.
me quede pensando en el sombati y su contrario el fallahi. me parece muy importante aplicar correctamente los pasos (en el caso de las bailarinas) con los ritmos adecuados.recomiendo escuchar temas e ir anotando los ritmos que vamos reconociendo en una cancion. hace poco tome un taller donde desglosamos el tema en ritmos.
en mi caso aprendí a tocar el derbake (nivel inicial) con las figuras musicales. luego en los profesorados de danza aprendí a anotarlos con la regla. es muy importante reconocer la duración de cada figura.
El taxim es una forma musical árabe que destaca por su improvisación interpretada por un instrumento solista melódico. No sigue una estructura fija y se desarrolla a partir de un makam que elege el músico y lo convierte en una obra única cada vez que se interpreta. Puede realizarse tanto con base rítmica, donde el/la solista interactúa con instrumentos de percusión en diálogos musicales, o sin base rítmica, donde el enfoque está en la melodía pura sin acompañamiento vocal. En la danza, el taxim cumple una función muy importante al variar el repertorio, introducir expresiones nuevas y darnos momentos de respiro tanto para nosotros los bailarines como para el público.El mawal es una forma musical árabe en la cual la improvisación se realiza mediante la voz humana donde el cantante improvisa la melodía y permite una expresión creativa y espontánea única en cada actuación. Es aconsejable interactuar con el cantante durante una interpretación de mawal. Resumiendo, ambs son una forma musical que permite explorar la improvisación y la expresión musical de manera profunda.
En resumen, el pulso es la unidad más pequeña e indivisible de tiempo en la música, mientras que el compás es la agrupación de pulsos en patrones regulares (2,3,4,6,etc) que estructuran la música.
disfruté muchísimo el ejercicio de reconocimiento.
me gustaron los consejos sobre cómo corregir la escritura de los ritmos utilizando el numerador y denominador. El numerador indica la cantidad de pulsos por compás, mientras que el denominador representa la figura rítmica principal que define la duración de cada pulso (blanca, negra, corchea, etc.). Es normal que al aprender de otra manera la representación de los ritmos se generen confusiones al principio. Pero ahora, con esta comprensión más clara, podemos interpretar correctamente la notación musical. Es importante poder identificar correctamente el significado del numerador y denominador al principio de un compás, ya que esto nos permitirá seguir correctamente el pulso y el ritmo de una composición musical.los jercicios ayudan muchisimo.
En este artículo se aborda la influencia del orientalismo en la Conferencia de 1932, destacando cómo las opiniones europeas sobre la música árabe influyeron en objetivos de refinamiento occidental y universalización. Trataban de sistematizar la música árabe, a la cual calificaban como “inferior” y “ruidosa”, siguiendo modelos occidentales para eliminar el supuesto desorden y falta de disciplina. Sin embargo, esta academización excluyó a músicos profesionales y tradicionales, esenciales para una reforma efectiva y concisa. Hoy, la falta de práctica y exceso de teoría en institutos reflejan críticas similares a las de 1932. Es crucial no relegar la música árabe a estándares occidentales (la cual a mi parecer puede llegar a distorsionarla) y valorar su diversidad y práctica autóctona para una enseñanza efectiva y respetuosa.
El concepto de anacruza es fundamental para entender cómo comienzan muchos ritmos musicales, como se menciona en el ejemplo del Bambi y creo que rumba masri también tiene anacruza. Este término refiere al inicio de una frase musical antes del tiempo fuerte del compás, ayudando a marcar claramente el inicio y el final de un ritmo. Aunque encuentro tu explicación muy clara, creo que tendría que tomar clases de musica para poder leer música de esta forma jajaj Además, entendí cómo calcular el valor de un puntillo que se agrega a la derecha de cada figura rítmica para prolongar su duración.
Hola Mari! Me gustó ver lo de los diagramas de Gantt. En mi trabajo ya lo había tenido que usar algunas veces en algunas presentaciones, pero no los conocía con ese nombre. Creo que es una linda herramienta para quien quiere iniciarse en esto. También me pareció interesante mencionar las distintas cosas a preparar para poder estar organizados ese mismo día a ser los guiones de luces o un guión de cuándo poner la música que se le dé al técnico y la importancia de conocer las dimensiones reales del escenario teniendo en cuenta de dejar un espacio al borde.
Hola Marina. Cómo estás? Escuchando la clase me surgió una consulta: hay una forma (tipo estandarizada) de anotar las coreos??? Tipo en qué momento o cuánto tiempo tiene que llevar un cierto movimiento???
Hola Gaby! En danza árabe no hay una forma estandarizada de anotar las coreografías, pero a lo largo de la historia si se han creado métodos para escribir el movimiento, como por ejemplo los de laban.
Me gustó mucho el ejercicio de estructurar temas para coreografías. Creo que logre entender el concepto de “Wasla”, que es importante para entender la música árabe. entendi la Wasla como una gran estructura musical que unifica diferentes formas musicales bajo un mismo makam.
Antes de aprender sobre la estructura de los taxim, solía bailarlo según mi oído musical. Sentía los cambios y altibajos, pero carecía del conocimiento teórico para analizar la estructura. Ahora aprendí a desglosarlos para comprender mejor cómo interpretarlos. La clase fue muy interesante; aunque ya conocía algunos temas, necesitaba profundizar en ellos. Los ejemplos que proporcionaste Maru son muy útiles para entender mejor. Es importante que los bailarines tengamos estos conocimientos para reconocer tanto las líneas melódicas como las pausas, que a veces se usan para respirar durante la interpretación.
Es enriquecedor conocer las diferencias entre los tres tipos de improvisación para explorar las variaciones y la diversidad que ofrecen. Esto nos permite evitar la monotonía en nuestro baile. Es muy importtante escuchar mucha música para descubrir estas variaciones y enriquecer nuestra interpretación y danza. Antes de estudiarlos, solo conocía el taxim y el mawal, pero no en detalle el layali. Ahora entiendo mejor la diferencia entre los tres. Considero que entender el idioma es útil, especialmente para el mawal, que es una poesía larga y compleja, mientras que el layali, al ser una frase corta, es más accesible. En mi interpretación, el layali podría usarse para el calentamiento, ayudando al cantante a entrar en el maqam, y también podría conducir al mawal.
no conocia el termino de eftatahia. me resulto muy util la explicacion.
las demás formas musicales tenia un pantallazo general, pero ahora de esta manera lo llegue a comprender bien.
Es interesante observar cómo la evolución a lo largo del tiempo, a partir de la segunda mitad del siglo XX, ha transformado esta forma musical.
Al sumergirme en la Ughniya Tawila empezando de su base pude conocer cómo evolucionó de una canción ligera, simple (Taqtuqa) a una canción larga con una orquesta más grande de hasta una hora de duración (Ughniya Tawila), ver cómo hasta en la estructura se fueron complejizando.
Además la extensa duración de la canción, especialmente las que cantaba Umm Kulthum, pienso que permite una inmersión total en la narrativa musical, creando una conexión intensa entre el artista y el oyente.
Es una forma musical que refleja la complejidad de nuestras experiencias personales con diversas emociones y temas a través de su extensa duración y su difícil composición.
Es curioso y entendible que la canción larga sea el único espacio donde los cantantes, compositores o incluso instrumentistas puedan lucirse por eso mismo creo que los compositores también intentaban conquistar a la audiencia antes que la cantante cante, era su rol protagonista, su momento.
Es interesante estudiar sobre esta forma musical para también poder aplicar el término correspondiente, Ughniya Tawila.
La Ughniya Tawila considero que tiene la capacidad para expresar ideas complejas y emociones profundas a través de la música. Además me parece super interesante que esta canción larga fue el vehículo para poder introducir nuevos instrumentos occidentales en la escena árabe, siendo algo muy importante para la actualidad.
Aunque la popularidad de la Ughniya Tawila ha disminuido en el mundo contemporáneo, donde las canciones cortas y rápidas suelen ser las más exitosas, su legado sigue vivo.
La importancia de la introducción de la canción larga, la Muqaddima, crea expectativa en el oyente, ya que es un preludio que anticipa lo que está por venir en la canción. Considero que es un elemento fundamental en la canción larga, ya que establece el tono, y el estilo de la canción. Es un momento de expectativa y establecimiento del tema principal de la canción.
Además la Muqaddima es un momento de introspección para el cantante y los músicos, ya que les permite conectarse con la música y con el público.
La Muqaddima tiene vida propia, va pasando por ritmos, por distintos momentos donde muchas veces se convierten en temas propios.
A lo largo de la canción, se puede observar una estructura musical, variaciones y distintas partes instrumentales virtuosas que permiten a los músicos mostrar su técnica y creatividad, y riqueza a la música. Comienza con una introducción instrumental que establece el tono y el ritmo de la canción. Luego, la voz del cantante entra. Esta introducción instrumental incluye Ad Libitum: la parte que no tiene ritmo, donde la cantante está escuchando, después arranca la parte del ritmo, la entrada, el cuerpo musical y el final. Continuando con el Mazhab y todas sus partes cantadas.
En cuanto a los instrumentos cada instrumento tiene un papel específico en la música y ver cómo se empiezan a incorporar los instrumentos más modernos como el acordeón, la guitarra eléctrica, violín, instrumentos que en la Taqtuqa no estaban.
La repetición de ciertos versos o melodías a lo largo de la canción crea una sensación de continuidad y destaco el momento en que los músicos deben volver a repetir la frase de espera (con frecuencia lo repiten varias veces) hasta que la cantante se levante y decida cantar, Gumlat Entesar. Creo que puede ser un momento de tensión y anticipación porque los oyentes esperan con interés lo que sucederá a continuación. Mientras que las variaciones en la interpretación mantienen al público cautivado.
Me quedo con la idea de que finalmente el zaffa termina siendo una institución social, absolutamente ligado a la institución del casamiento o de otras celebraciones. Compone parte de la cultura, con todos los elementos de su ritual pero destaco a su vez la cuestión contractual, lo veo como un sello al contrato de aquella interacción entre familias. Me queda la duda acerca de si esto ocurria/ocurre en todas las clases sociales y en el caso de que sí, qué diferencias habría.
Me interesó mucho la etapa en la que el bolero funciona como una especie de agente para la “educación sentimental”. Beatriz Sarlo retoma este concepto -tomando el nombre del título del libro de Gustave Flaubert- para explicar cómo la cultura popular -el bolero sin dudas como parte imprescindible de la misma- ha funcionado en la construcción de un ideario constitutivo para las sociedades latinoamericanas. Rescato también la importancia de la oralidad para la difusión y asimilación de este ideario, ya que probablemente muchos de los receptores de estas músicas no estuvieran alfabetizados, e incluso ante el entrecruzamiento de tantas nacionalidades e idiomas en los puertos, también la generación de un “idioma común” musical que permitiera hacer frente ante estas transformaciones sociales mencionadas.
Tiene sentido que la interpretación en el bellydance del bolero, sea estilizado o relacionado con movimientos “externos” a los relacionados más tradicionalmente con el bellydance, debido a que este estilo retoma un género musical que en sus orígenes proviene de occidente. Por otro lado, la fluidez que se menciona que se requiere al bailar lo relaciono con esa sensación de “no terminar” que genera el ritmo rumba masri al pegarse los dum del inicio y el final.
Destaco en esta clase los terminos entre Ritmos y pulso. Para las bailarinas/bailarines, es importa la distinción entre ritmo y pulso. Ritmo puede ser una organización ritmica temporal fija y una organización ritmica ibre. La palabra que define al ritmo como IQA. Los ritmos pueden ser arabes o de otro país como por ejemplo, rumba masri o turco, como el chiftetelli. Tambien existen ritmos grandes o chicos. Por pulso entenedemos como un “latido”, que es constante, aunque tambien pueden haber pulsos irregulares. Es un punto de referencia para organización del tiempoo, medida y utilización la palabra Mansura.
En esta unidad apredimos sobre el compas. El compas es la forma de dividir el tiempo musiscal, es una agrupación de pulsos. El acento es un “golpe” mas fuerte en una estructura musical. Los copaces, puesen ser binarios, terceriarios, cuaternarios etc. Es importante reconocer las estructura para no bailar fuera de tiempo.
En esta Unidad diferenciamos pulso de ritmo.El ritmo es la organización del tiempo en figuras y silencios. Las figuras musicales, tienen un valor, que son distintos conforme a cada fifra. Por ejemplo una redonda, vale 4 pulsos, una negra, vale 1 pulso. Tambien en el ritmo encontramos silencios, que su valor equivales al mismos valor que la figura, es decir un silencio de redonda, equivaleste a 4 pulsos. Esta difencia es importante para poder colocar los pasos que correspnde en una coreografia, y en el caso de los silencios, poder usar los mismo con el tiempo equivalente a las figuras.
El Mazhab es un momento crucial en la canción, ya que marca el inicio del canto del cantante y define el estilo de la misma. Es una melodía que presenta el tema donde cada nota y cada frase tienen un significado. Es el leitmotiv de la obra.
Por ejemplo en muchas de sus canciones, Umm Kulthum comenzaba con un Mazhab extenso que cautivaba al público desde el primer momento.
El Mazhab prepara al oyente para la inmersión total en la experiencia musical, creando una especie de Tarab en la audiencia.
Terminada esta parte empieza una nueva sección que es el Couplet, la otra parte cantada que suele tener su propia introducción. Puede haber varios kouplehat y su repetición y rima no sólo añaden una calidad musical a la canción, sino pienso que también refuerzan el mensaje y la narrativa, haciendo que las palabras o el Gona resuenen con mayor profundidad.
El Mazhab y el Couplet son elementos importantes en la Ughniya Tawila, ya que establecen el tono y el estilo de la canción, y resumen el tema principal y los sentimientos expresados en la letra.
Son momentos de gran expresividad y emoción, y permiten al cantante y los músicos mostrar su habilidad y sentimiento cautivador que resuena en los oyentes.
Me encantó aprender sobre la Ughniya Tawila y su estructura para usar el término correcto y además para poder interpretar, conectarme con la música, la letra y la melodía, e incorporarlo correctamente a mi danza.
En esta unidad, se describe en fracciónes como escribimos una estructura musical. Asi cuando escribimos por ejemplo
2 ——— es el numerado
——-
4 ——— es el denominador-
Cusno decimos numerador, nos referimos a la cantidad de pulsos que entran por compas, es decir el pulso por compas. Y denominador nos referimos a la calidad de la figura, es decir es en figura de negra. Saber esto es muy importante para cuando bailamos o tocamos los chinchines lo hacemos a tiempo.
La comprensión de estos conceptos introductorios es fundamental ya que proporcionan la base para entender cómo se construye la música.
La música y la danza están muy relacionadas, y la comprensión de los sistemas musicales y conceptos como el tono y el semitono, el sonido y la melodía, pueden enriquecer la práctica de la danza de varias maneras.
Al incorporar estos conceptos en la danza puedo mejorar e integrar distintas interpretaciones, movimientos y expresiones. Por ejemplo, mejorar mi sentido del ritmo y la métrica, al entender cómo se construyen los patrones rítmicos y métricos en la música.
También al comprender cómo la música se estructura, puedo desarrollar una mayor expresividad y musicalidad en el movimiento, y mejorar mi capacidad para improvisar.
Antes no tenía en cuenta muchas de estas cosas que son tan importantes como la danza. Aprendiendo estos conceptos también incluso podré crear coreografías más complejas e interesantes al estudiar los sistemas musicales que informan sus decisiones de movimiento y composición.
En esta Unidad, analizamos el significado de “Puntillo” y “Anacruza”. El puntillo en el contexto de la escritura de musica arabe, se refiere al punto que se coloca a la derecha de una figura, y que corresppode al valor de media de la misma figura donde se coloca el puntillo. Por ejemplo: una O . (una redonda con el puntillo a la derecha) equivale a 3 pulsos. Es decir 2 pulso de la redonda y medio del valor de la misma figura. Es decir 3. Anacruza, se un conjunto de notas que el percusionista, agrega a una estructura musical, comezando el pulso fuerte recien el el segundo compas. Un ejemplo es el ritmo Bambi.
En esta Unidad analizamos un texto de la señora Anne Elise Thomas, referida a la Conferencia de Música Árabe de 1932. Esta conferencia fue muy importante porque diò forma a la educación musical, codificó a la categoría llamada “música árabe”.
En la conferencia se reflejó las diferencias de pensamiento sobre la música reformadores egipcios, músicos profesionales y académicos extranjeros. Como antecedente histórico, señalo lo siguiente:
• Principios del siglo XX, la profesión musical en Egipto estaba organizada por una variedad de gremios hereditarios. Había cantantes y bailarines masculinos y femeninos, para intérpretes de cada instrumento, y muy probablemente para músicos de las diferentes comunidades étnicas y religiosas. En general, las profesiones del entretenimiento se encontraban entre los gremios de “bajo estatus”.
• Surgió una generación de egipcios educados, principalmente de herencia otomana, conocidos colectivamente como effendiyya. De este grupo, surgió una clase de músicos caballeros, o hawwin.
• Los músicos aficionados de élite publicaron libros de método instrumental y manuales de autoaprendizaje sobre teoría musical y notación. Fueron los miembros de este grupo los que fundaron Nadi al-Musiqa al-Sharq iyya (El Club de Música Oriental) en 1914, que finalmente se convirtió en al-Ma’had al-Maliki lil-Musiqa al-Sharqiyya, el Real Instituto de Música Oriental.
• Los músicos profesionales, que estaban organizados como un “Sindicato” que reemplazó a los gremios anteriores, no estaban escolarizados, tocaban música “vulgar” y continuaban siendo mantenidos en sospecha moral.
• Durante las décadas de 1920 y 30, los políticos egipcios y los litterati lucharon por definir la identidad egipcia en vista de su historia antigua, su reciente estatus como provincia otomana, la persistente ocupación británica de Egipto y sus propias ambiciones coloniales en el Sudán.
Parte 2
La Conferencia de Música Árabe de 1932 se planificó no solo para estudiar y documentar la música árabe, sino para hacer recomendaciones e intervenir en el curso de su desarrollo. Para ello, la música árabe debía someterse al escrutinio de los eruditos invitados para un examen y diagnóstico exhaustivos.
Los reformadores musicales egipcios de las décadas de 1920 y 1930 habían desarrollado una marca de chovinismo musical que se basaba en la comparación implacable de la música árabe con la música occidental. Las deficiencias de la música árabe se explicaron en contraste con las fortalezas de la música occidental. Los reformadores aplicaron principios evolutivos a la música. Dado que la música árabe no usaba armonía, sus instrumentos eran menos expresivos (en su estimación) que los de la música occidental, y no era bien conocida en todo el mundo, concluyeron que debía ser menos evolucionada que la música occidental. Dedujeron que para que la música árabe progrese, es necesario seguir los pasos de la música occidental.
Los organizadores de la conferencia creían que la música árabe estaba desordenada. Sin embargo, para ellos, el desorden no era una cualidad esencial de la música árabe, sino el resultado de la degradación causada por las perezas y el abandono de los músicos contemporáneos.
Para la ignorancia y el desorden de la música, los reformadores pensaban que era necesario un enfoque más científico. La agenda para la conferencia de 1932 se reunió principalmente a partir del trabajo de tres eruditos, dos de ellos europeos y el tercero egipcio. El musicólogo comparativo alemán Curt Sachshabía, el barón Rodolphe D’Erlanger y Mahmud al-Hifni fue el primer egipcio en recibir el doctorado en música.
La conferencia se basó en los intereses de estos tres académicos, y se enfatizo en la investigación histórica, la educación y la recolección y organización de muestras musicales y sus elementos componentes.
Los asistentes a la conferencia no pudieron ponerse de acuerdo sobre si los maqams de la música árabe podrían derivarse de una escala maestra que consistía en 24 cuartos de tonos igualmente templados. Los asistentes a la conferencia no pudieron ponerse de acuerdo sobre si el temperamento era una aproximación lo suficientemente cercana como para producir los maqams árabes, y el tema tuvo que ser presentado para una mayor investigación. La falta de consenso sobre esta cuestión también hizo imposible que el Comité de Instrumentos Musicales determinara definitivamente qué otros instrumentos europeos eran apropiados para la música árabe. Los reformadores no tenían el apoyo necesario de la comunidad musical para implementar reformas universalizadoras en las áreas de la teoría del maqam, la entonación o la restricción del uso de instrumentos europeos.
El primero de los institutos de educación musical que se abrió en 1936 fue el instituto para mujeres; un instituto similar para hombres no se abrió hasta la década de 1950.
La conclusión que la escritora expresó es: “En Egipto, noté que la mayoría de los músicos con los que hablé tenían opiniones muy claras sobre la necesidad de una reforma en la pedagogía de la música árabe contemporánea. Siete décadas después de la Conferencia de 1932, los músicos expresan una gran preocupación por el bajo nivel de instrucción instrumental ofrecido en los institutos de música. Ellos informan que estos institutos no dedican suficiente tiempo en el plan de estudios a la instrucción instrumental. Además, debido a que los artistas pueden ganar mucho más dinero trabajando en estudios, haciendo giras con estrellas de la música pop o enseñando en el extranjero, los mejores instrumentistas tienden a no ser empleados en los institutos. Finalmente, los músicos acusan que hay una falta generalizada de disciplina en el sistema institucional entre maestros y estudiantes por igual, una queja irónica, ya que esta es exactamente la acusación que los reformadores de 1932 hicieron contra los músicos profesionales de ese momento. Finalmente, debemos entender que, en el mundo de la práctica musical, el cambio dirigido es mucho menos común y generalmente menos efectivo que el cambio que resulta de las actividades creativas cotidianas de los músicos que practican su oficio”.
Me llamó mucho la atención la 3er etapa ya que se caracterizó por la combinación de factores positivos y negativos para el Bolero, unos potenciando la difusión y crecimiento de esta música, otros contribuyendo a la declinación de este género. También, por otra parte, en estas épocas habrá un relativo decaimiento del Bolero ya que la influencia del ritmo del son acapará la atención de grandes segmentos de población caribeña, particularmente con sus ritmos más bailables. (Algunas cosas de lo que escribí lo había leido en un pdf que encontré buscando en internet acerca de la tercera etapa del Bolero la cúal me gustó).
Admito que vi el documental varias veces, porque al escribir esta reseña, quiero tratar de transmitir lo que me sucedió la primera vez que lo vi; una emoción que me invadió el corazón y me puso la piel de gallina.
Cada persona que participa en este documental comparte un poquito de lo que significa Umm Kulthum en la cultura egipcia. Y lo que mas me ha impactado, es lo que representa en los egipcios, su música, su voz y su vida, esta incorporada a la cultura, al diario vivir de Egipto.
Creo que nació en una época clave, y a pesar que en su niñez el canto fue una ayuda para su familia, ella encontró en su voz una fuerza, un poder, que la llevo a desarrollar un liderazgo único. También el haber estudiado en un kutaab y aprender música clásica egipcia, hizo que sea una representación viviente de lo que significa ser Egipcio.
En un contexto sociopolítico complejo en Egipto, donde los británicos se amontonaban en los night clubs y las canciones del momento solo eran entretenimiento, los músicos mas talentosos como Umm Kulthum generaban influencia en los miembros del gobierno. En esta época de revolución, donde los egipcios querían recuperar su soberanía y convertirse en una sociedad moderna, Umm Kulthun logro convertirse en una representante del pueblo para todas clases sociales. Logro trabajar con grandes compositores de la época como Mohamed El Qasabgi, Ahmad Rami, Riad Al Sunbati, y muchos otros mas, logrando así, componer música romántica, música clásica árabe. Su música no puede ser encasillada en un solo estilo. El amor hacia su país y la preocupación por la gente, hizo que a lo largo de su carrera pueda ayudar con conciertos a beneficios; además su vinculo con Nasser potenció su audiencia fuera del país, logrando así, representar a Egipto en la región, se hizo tradición que los primeros jueves de cada mes, se transmitieran los conciertos de Umm Kulthum, las personas se reunían en las calles para escucharla. Además, también fue invitada a cantar a Paris.
Al escuchar a las personas de este documental contar lo que Umm Kulthum significa para Egipto, puedo decir que, el amor por su tierra, cultura, su pueblo hicieron que a lo largo de su carrera sean su motor y propósito de vida, usando el don de su voz como herramienta para expresar y representar a Egipto.
En esta historia, nos encontramos con la directora de cine, que busca desarrollar la verdadera historia de quien era Umm Kulthum, aquella mujer detrás del mito. Se encontrará con contradicciones sobre lo que ella cree, lo que creen los actores egipcios y la visión que ellos tienen sobre Umm Kulthum.
En mi interpretación, Mitra plasma en el personaje de Umm Kulthum una mujer con un gran talento, que usa como poder para lograr el éxito, dejando atrás sus raíces, su familia. Sin embargo, a través de su propia historia personal puede comprender que el éxito no llegará dejando de lado los afectos verdaderos, y el mensaje que me dejó mas marcado, es que Umm Kulthum vivia, y hacia todo lo que hacia, por su audiencia. Su talento, su voz y su vida fue dedicada a servir a su pueblo, familia, Dios y su país.
Si es cierto el tema de la fluidez a la hora de hacer los pasos también la importancia de saber notar cada uno de los pasos ya que al ir ligandolos unos con otros puede llegar a no entenderse. Siempre me corregían eso ya que al hacer una coreo rápida se me mezclaban muchos los pasos, me sigue pasando aún pero es algo que con la práctica se va mejorando por eso lo considero muy importante ya que a la hora de mostrar al público el baile podemos demostrar bien lo que queremos transmitir con esta danza.
Es la primera que escucho de los términos wasla, makam y eftatahia en todos mis años de practica, y fue muy interesante saberlos, además de que disfrute mucho la explicación. Yo ya tenía una idea de cómo difenciar los tiempos pero con la clase me quedo mucho más claro y organizado.
No conocía mucho acerca del sistema pentatónico y es fundamental para también entender el Maqam, un sistema de melodías y escalas construida de una forma particular.
El sistema pentatónico es interesante ya que se caracteriza por estar compuesto por cinco notas. Esta limitación en el número de notas, a mi modo de ver, da una sensación de simplicidad y claridad en la música. A partir de ahora podré identificarlo en las músicas y al escuchar, sobre todo música Nubia, voy a percibir que está compuesto por el sistema pentatónico.
El Maqam es un sistema complejo y con la combinación de la escala pentatónica crean melodías únicas. La introducción al Maqam implica entender los conceptos básicos de la música árabe, como la escala pentatónica, la importancia del tono y el semitono, y la estructura de las melodías y armonías. También considero que es importante familiarizarse con los diferentes Maqams, como el Rast, Bayati, entre otros, que se clasifican en función de su escala y patrón melódico.
Por otro lado, los maqamat nos ofrecen un mundo donde cada escala tiene su propio carácter, sus propios sentimientos, emociones y reglas de modulación. Pienso que la música Maqam no se trata solo de las notas, sino también de cómo nosotros la interpretamos.
Si bien solo fue una introducción al Maqam pude conocer la gran cantidad de Maqamat que hay, y a sus familias principales.
La combinación del sistema pentatónico con la profundidad y complejidad del Maqam crea una experiencia musical enriquecedora y transformadora. Al explorar estas formas musicales, me sumerjo en un mundo de sonidos exquisitos, nuevas emociones y diferentes formas de percibir.
Demasiado interesante me pareció la Longa, sobre todo como va cambiando los ritmos y lo que hay que prestar atención para notar esos cambios unos de otros también que te inspira mucho a ponerte a bailar (me puse a escuchar algunas), sentis la música y los pasos fluyen!
Me encantó esta clase, me costo un poco identificar cual era cada una pero lo vi varias veces y que cosa hermosa, me gustó mucho aprender sobre el AABA y saber diferenciar las vocales y las instrumentales!
Desde mi punto de vista y experiencia al haber bailado baladi es algo tan hermoso y delicado de expresar, me gusta mucho el baladi nostalgia se me hace muy sensual en la parte del inicio que suele ser lenta y a medida que va avanzando la música va cobrando más fuerza, es decir que el baile se vuelve más enérgico y también hace notar la conexión con el suelo y como los pasos son más bien marcados con esa sensación de peso!
Hola Mari! Como estas?. Quería pedirte si por fa, me podes mandar por escrito los nombres de los dos autores que realizan los estudios de Baladi. Muchas gracias Mari!!
Según las definiciones que trae el autor, el bolero cumple diversas funciones en las sociedades. “Es útil”, argumenta, ya que brinda un marco de comprensión del mundo en el que se habita. Coadyuvó a la conformación de las sociedades modernas centradas en la razón como motor del progreso. En definitiva, es resultado de la expansión de occidente y de la mixtura que esto ocasionó alrededor del mundo. El autor afirma que el bolero “contribuye a mantener una propuesta de sociedad en que lo central es la cultura del amor”, lo que lo convertiría en un elemento contracultural, diferenciándose así del valor de cambio de la economía. Sin embargo, me animo a diferir con el autor, ya que una sociedad basada en “el amor” (romántico, heterosexual, monogámico) que pregonan muchas de las canciones del género, también aportan al desarrollo de esas sociedades en las que la “familia tipo” como ideal eran necesarias para el funcionamiento de la economía. De todos modos, podemos encontrar también algunos rasgos que permitan catalogarlo como un producto contracultural, ya que se animaba a hablar de cuestiones muchas veces dejadas de lado o resignadas al ámbito privado.
Sin dudas, aportó en la integración de los pueblos y en generar un reaseguro común para la generación de identidad.
A nivel musical, me parece válido rescatar la noción de grupo que trae el autor, reconociendo los inicios de un posible gérmen del género en los quilombos, palenques y otros agrupamientos de negros y esclavos, y continúa esa línea mencionando a la vieja trova y a composiciones creadas también de forma grupal, siguiendo de alguna forma con la tradición. Retomando entonces el punto anterior respecto de la posibilidad de considerar al bolero como contracultural, podríamos decir que esta característica sí lo coloca como una respuesta frente a la individualidad imperante en las industrias culturales, por lo que podríamos “darle la mano” al autor en su definición.
Siguiendo con los aspectos musicales, como detalla el autor, podemos decir que del mismo modo en que se constituían las sociedades modernas a partir de la mixtura, del mismo modo el bolero fue componiéndose como estilo musical y fue desarrollándose a lo largo del tiempo con el aporte de la diversidad.
Finalmente, otro aspecto que se hace más fuerte y que aporta a pensar a éste como un producto más dentro de la economía -y no tanto como un elemento cultural subversivo-, es la etapa de “revitalización”, en la que el mismo ingresa en el circuito comercial fuertemente. Esto no significa que vaya en detrimento de su contribución como “proceso socializador”, por el contrario, desde ese lugar también sigue aportando en la “educación sentimental”.
[No puedo dejar de mencionar el error histórico de mencionar a Perón como dictador, cuando fue elegido por el pueblo en elecciones democráticas durante sus 3 períodos. No obstante cualquier diferencia política que se pueda tener, ubicarlo a la par de Stroessner, Somoza, Trujillo o Franco, es como mínimo, desatinado, históricamente impreciso.]
Me queda la duda de si la estructura de todas las longas es igual respecto de los ritmos que la componen. Me interesa saber si hay alguna composición de longa moderna, voy a investigarlo! Me gustó haberlo aprendido, ahora voy a prestar atención ya que me da la sensación de que algunos temas que conozco pueden llegar a ser longas!
Me parece super interesante la cuestión de la polisemia asociada al concepto baladi para poder entender cómo interpretar nuestra danza. También incorporar que lo que solemos conocer como “estilo baladi” es una construcción y no asociarlo directamente y de manera absoluta. Igualmente, dentro del bellydance, se suele asociar con una estructura, lo que puede facilitar muchas veces la comunicación con músicos o con públicos no necesariamente muy formados. Es decir, decirle a un músico que vas a bailar un “baladi”, o que un músico te diga “voy a tocar un baladi”, ambos entenderán a que se refieren.
Aprender y descubrir nuevos ritmos árabes es una experiencia súper interesante. Algunos ritmos ya me eran familiares, pero al profundizar en ellos me di cuenta de lo complejos y ricos que son. También aprendí otros ritmos menos conocidos, como el Murabba o el Samai Saraband que me abren las puertas a nuevas posibilidades creativas en la danza y específicamente en el Muwashahat. Y ver también cómo aportan una base sólida y dinámica a la música árabe.
Cada ritmo tiene su propio carácter y nos transporta a diferentes estados y momentos. Acá pude reconocer algunos de los ritmos aprendidos en distintos temas:
En la parte de preguntas y respuestas me llamo mucho la tención cada corte y me hizo acordar a las improvisaciones que nos hacían realizar en el instituto al que iba, nos dividian en dos grupos y uno improvisaba la base musical mientras que el otro hacia lo mismo con los instrumentos o la voz si es que había cantante, y así viceversa. Esto ayuda mucho para comprender cada parte de lo que uno esta bailando así lo puede expresar a traves del baile de una forma más sensual y delicada!
Esta clase del samai me gustó, sobre todo en el sentido de que al bailarlo no se hacen pasos de rotación o de ondulación, más bien son pasos de danza clásica lo cuál a la hora de bailarlo se me resulta más fácil ya que hago clásico desde hace varios años y lo sigo haciendo asi que se me hace interesante bailar un samai.
Como comenté en la anterior clase del samai, es un baile que se realiza con pasos más de danza clásica y no se suele usar ondulación o rotaciones. Uno de los temas que vivos en esta clase el cuál tuve que enviar la coreo correspondiente se me hizo muy lindo y delicado ya que la música al no ser rápida es mejor a la hora de interpretar un baile!
Me encanta cuando en los baladis “incrustan” un pedacito de algún tema conocido, le da un sabor extra a la composición. Lo que tienen los baladis es la variación que los músicos pueden imprimirle y generar siempre algo diferente.
Son interesantes las variantes que pueden utilizarse, se puede innovar mucho y combinar. Sí me parece importante que se respeten ciertos elementos tradicionales o que permiten referenciar el tipo de danza que estamos realizando (especialmente la melaya) y tampoco confundir los diferentes estilos de música dentro de lo que conocemos como baladi, para no caracterizarnos de una forma con el vestuario y accesorios y terminar recreando erróneamente.
Me pareció interesante esta clase y busqué más información sobre esta tradición y en los vídeos que vi no fueron iguales a los que vimos en la clase si no que bailarinas recibian a la pareja en la boda y mientras bailaban los guiaban hacia dentro del salón o el lugar que hicieran la boda. En los vídeos que encontre en internet la mayoría de las chicas que bailaban tenian un candelabro en la cabeza y tocaban los crótalos, lo visto en la clase y lo poco que pude ver en internet lo considero muy importante.
Desde mi punto de vista sobre que la música fue censurada por la llegada del conservadurismo Islámico, me da a entender que no les gustaba o lo veían como una falta de respeto hacia Dios ya que eso me dio a entender al decir que la danza o la música impedia la comprensión de acercarse al mismo.
Hola Mari! Todo muy bien por acá! Contenta con la devolución de esta materia, aunque olvide incluir la bibliografía, y la guía del callejón de los milagros, que lo escribí en otro documento y olvide pegarlo.
En cuanto al termino baladi, verdaderamente fue un cambio cien porciento de lo que yo sabia sobre el. De hecho, entendí que no sabia nada. Primero, porque en las escuelas que he bailado, el termino baladi es explicado como algo “nativo”, “del pueblo” y hasta lo confundí muchas veces con lo “folclórico”.
Al estudiar el material, logre entender que es concepto que abarca muchísimos aspectos, es un estilo de vida, es un termino social, y eso hace que tenga muchas variantes, perspectivas y que ha variado a lo largo de la historia. Me encantó esta materia, ya que como bailarina me inspira y me conecta mucho mas con la cultura, la comprensión de la musica y se lleva a la danza desde otro lugar.
Gracias Mari!!! Amo el curso!! Estoy aprendiendo todo lo que algún día me pregunte, y mucho mas! Abrazo enorme!
Mi reflexión es que más allá de la polisemia del término, bailar baladi va a ser siempre una interpretación. Ya sea orientado a la estructura “argentinizada” o a la que intenta mostrar una estética y un estilo más “casero”, ambas representaciones van a requerir una postura determinada. Me quedo con la idea de Nesma de que “tiene que parecer natural y espontáneo”, cuando en realidad los movimientos, actitud, gestos, expresiones) están pensados y hasta coreografiados.
Se trata entonces de investigar, escuchar música, “pasarla por el cuerpo” muchas veces para poder incrorporarla y así poder generar una actitud acorde a lo que vamos a expresar.
Este texto nos proporciona una visión profunda sobre el estilo musical Roman Havasi, enfocándose particularmente en su estructura rítmica y su conexión con la cultura romaní y turca. Uno de los aspectos más importantes es la identificación del ritmo principal, el “9/8” o “Dokuz Sekiz”, que aunque a veces se confunde con la danza Karsilama, es específico de esta música. Este ritmo, refleja la complejidad y el dinamismo de la música romaní.
El ritmo 9/8, nos muestra cómo las diferentes culturas desarrollan sus propios lenguajes musicales, adaptándolos y transformándolos con el tiempo, y además de estar vinculado con la identidad de la comunidad romaní y sus costumbres.
Sus variantes como el “Duz” o el “Heavy Roman”, demuestra la diversidad de este género. Estos cambios en los ritmos permiten distintos modos de interpretación y expresión dentro de la música, vinculándose con las tradiciones y costumbres culturales, como las actuaciones gestuales (lavar la ropa, secarse el sudor) que acompañan la música, lo que añade una narrativa y emoción.
También es interesante la evolución de los instrumentos que acompañan a este estilo. Aunque tradicionalmente se utilizan el zurna y el asma davul, la incorporación de instrumentos más modernos como el teclado o la trompeta muestra cómo la música romaní no está estática, sino que sigue evolucionando, absorbiendo influencias de otros géneros.
Finalmente, la música Roman Havasi demuestra que pese al tiempo transcurrido sigue viva y en constante transformación, demostrando el poder de la música como puente entre culturas y generaciones.
(Pd: Me encantaría que con la company volvamos a hacer una coreografía de Roman Havasi. Disfruté mucho la que hicimos en años anteriores y sería genial repetir la experiencia.)
La danza con sable o Raks al Seif tiene algo mágico que mezcla “fuerza” (por lo que significa e impone el sable) y delicadeza.
A pesar de la falta de evidencia concreta sobre sus orígenes exactos, tiene un trasfondo cultural rico e inspirador.
El relato sobre Badawiyya, quien supuestamente inspiró a Gérôme, añade un toque de mito y autenticidad histórica a esta danza. Badawiyya marcó un antes y un después al combinar lo imprevisto (un sable) con lo esperado (la danza) en una actuación que dejó a muchos asombrados.
Pero lo más interesante es cómo la danza con sable no sigue reglas estrictas. Se puede hacer con diferentes ritmos, vestirse libremente y crear tu propio estilo, lo que la hace aún más libre y creativa. Eso también refleja la personalidad de cada bailarina. Y algo importante es cómo lográs equilibrar ese sable mientras te moves con gracia, haciendo que parezca fácil algo que definitivamente no lo es.
Es una danza que te invita a combinar elegancia con fuerza, y eso tiene un impacto visual y emocional que, claramente, fascinó y fascina a las personas durante siglos.
Hermosa y clara representación de la compañera Vir!
Me pareció muy interesante ya que nunca había visto ese tipo de danzas y música, sobre todo me gustó las artes de las mujeres beduinas la cuál estuve viendo e investigando más sobre el tema ya que me llamó la atención la forma en que se ubicaban e iban aplaudiendo.
Sobre esta clase, tengopara decir que me intereso mucho la parte del “khorayt” ya que se dice que tanto el hombre como la mujer pueden cantar e interpretar este tipo de música, vi videos al respecto el tema y me emocionó muchísimo, me gustó y me dieron ganas de investigar más profundamente del tema. Con respecto a los otros temas dados me generó un poco de curiosidad los cuales también pienso investigar y ver videos!
No sabía las diferencias que habia con la cultura musical turca, que es de donde proviene la forma musical, y tampoco sabia que no se usaba el samai thaquil, sino el aksak! También me pareció super interesante toda la explicación histórica y tener la posibilidad de escuchar un saz semai.
0 a 0-10 iNTRO / 0.10 a 0.40 HANE1 / 0.40 a 1.10 TESLiM / 1.11 a 1.41 HANE 2 / 1.42 a 2.11 TESLIM / 2.12 a 3.01 HANE3 / 3.02 a 3.32 TESLIM / 3.32 a final … cierre del tema
Me parecen super interesante que se aborden las diferentes danzas ya que muchas veces se suele homogeneizar la cultura de una región, que si bien tiene muchas características en común, es bueno conocer las diferencias y de dónde surgen, cómo fueron mutando hasta llegar a la actualidad como expresiones típicas en el cotidiano (festejos, etc).
Me encantó el detalle de la gestualidad, la importancia que tiene en estas danzas. Siento que es importante conocer estas cosas para enriquecer nuestra interpretación. Muchas veces realizamos gestos sin saber su significado u origen. También me parece fundamental el conocimiento de las letras, contextualizar la performance, siendo que la poesía tiene tanto peso.
También me pareció super valioso conocer las diferentes “ramas” que hay dependiendo del tipo de arte, de las características de sus actores y de la subregión en la que se practican. A su vez, en este sentido, me parece super interesante saber de la interrelación del Estado/las naciones con estas artes y cómo se influyen mutuamente. Me encanta que la mayoría de estas expresiones formen parte del patrimonio inmaterial de la humanidad. Me acuerdo que en la fiesta innaugural del mundial 94, yo era chica, jaja y Arabia Saudita participó -ahora sé- mostrando algo parecido a un Ardaa (https://www.youtube.com/watch?v=N5VWHFlJjO4 minuto 8.36), que en ese momento me había dado miedo, porque revoleaban las espadas y yo pensaba que iban a lastimar a alguien.
Me llama mucho la atención la región del Hiyaz, ya que tengo entendido que también hay un maqam con ese nombre. Es que viene de esa zona o tendrá que ver con el significado de esa palabra? Me intrigó!
Me impactó conocer la temática de las temáticas referidas al amor “no romántico” o mejor dicho, ligadas a problemáticas sociales referidas a las relaciones, las parejas, la vida social, me parecen un caso super interesante para investigar. Por otro lado, conocer cómo evolucionó la taqtuqa hacia su “hermana mayor” la ughniya tawila, me parece excelente para comprender algo que muchas veces he escuchado en orquestas, que es la ligazón entre composiciones, encontrar un tema más corto dentro de otra composición, e incluso permite entender mucho del éxito de Umm Kolthoum, e incluso entender también algo de la identidad musical árabe. Siento que por el lado de lo que se menciona como una “competencia” entre compositor y cantante, no ha hecho más que enriquecer y lograr que la composición sea una obra de arte con mayúsculas.
Me interesa resaltar la importancia de la muqaddima dentro del bellydance. Tal como menciona Marina, es la parte que más se conoce y que bailamos. Es la manera en que estas canciones se han popularizado al interior de la danza. Las orquestas más actuales han aprovechado estas composiciones para introducir en su repertorio estos temas larguísimos que en los tiempos que vivimos, no sería posible tener ni en un concierto ni en los formatos de grabacion. Por lo tanto, la muqaddima, además de lo que menciona en su comentario Camila Galván, que es que genera esta idea de anticipación, de introspección de cada músico, de sensación de mantener al público cautivo, tiene la importancia de ser un instrumento clave dentro de la música y la danza árabe actual. Como bailarinas, reconocer la estructura y elementos internos de la Muqaddima es fundamental para la interpretación de estas composiciones.
Para cerrar este bloque de clases, creo que poder analizar y racionalizar las composiciones genera una riqueza extra a la hora de bailar. Me encantó poder conocer y escuchar a fondo estos temas tan conocidos, pero de los cuales quizás lo que está más popularizado es la muqaddima; saber sus partes y tener conciencia de interpretarlas de maneras distintas, me parece clave. De todas formas, considero que hay partes que vale la pena sólo sentarse y escucharlas y disfrutar!
Es interesante el enfoque del autor en recalcar el aspecto si se quiere comunicacional del tarab, ya que la clave para comprender este concepto, se encuentra -para mí- allí: en el encuentro entre la performance y la manera en que el público la recibe -se resalta la importancia del sammia-. Creo que es clave la idea de “intimidad”, en tanto a pesar de que pueda darse en un espacio que puede estar compartido por muchas personas (como puede ser un recital), o incluso en un ambito privado y mediado por la tecnología (mirando un video o escuchando un disco) la cercanía que se produce a través del arte permite que se de ese fenómeno en el que tanto la emoción del artista con la del público se unan.
Me gustó esta cita: “punto donde se encuentran el sentimiento y el intelecto del arte de hacer música”, ya que no alcanza con el sentimiento, hay que saber de arte, tal como menciona el autor, quienes llegan a ser “artistas tarab” tienen un conocimiento muy profundo y de largo aprendizaje. Pero tampoco alcanza con ser erudito en un tema sin la evocación sentimental, requiere de un equilibrio en “desarrollando también el dominio de los Maqamat y cultivando la destreza de la improvisación”.
Recuerdo que hace un tiempo se hablaba de “estilo tarab”. Muchas bailarinas decían “voy a bailar un tarab” asociandolo por lo general a los temas de om kolthoum, teniendo en cuenta que cuando ella los interpretaba se llegaba en esas interpretaciones a generar -si se quiere- un estado tarab. Pero siguiendo a las definiciones de este artículo, no sería posible “bailar un tarab”, ya que esto sólo podría evaluarse durante o después del acto mismo y en relación con el espectador.
Los conceptos tales como el tarab -o también el de baladi por ejemplo- que son polisémicos o que son difíciles de definir, me fascinan.
Siento que de la postura del estudio de ser flexibles con el término, permite abarcar la complejidad del mismo al abordarlo desde los diferentes puntos de vista y autores que lo han estudiado. Me gusta que se abarque desde estudiosos de la sociedad como también desde poetas. Así como muchos autores sostienen que varios aspectos la cultura de américa latina son imposibles de ser encajonados en conceptos concretos dada la multiplicidad de elementos que confluyen en ella, la cultura árabe también ha sido nutrida por multiples culturas y por ello, siento que debería ser deseable no ser determinante respecto de algunos puntos, lo que haria perder la riqueza que contienen y que les da su indefinición.
Rara vez he escuchado estos ritmos en temas conocidos, pero está bueno conocerlos sobre todo porque cuando se escuchan en una composición de muwashahat está bueno entender cuáles son.
Considero que estos tabloh funcionaban para que los protagonistas puedan demostrar sus habilidades o su talento sin perder el sentido de la gran historia. Incluir una pequeña “historia” que tiene una lógica interna que le da sentido y hace que no se pierda de vista el sentido de la gran historia que se cuenta. Es un recurso que también se utiliza en diferentes expresiones artísticas a modo de “paréntesis” para contar una historia distinta, muchas veces usando la estrategia de que es un sueño, o un pensamiento. Sirve también para contar una historia paralela de lxs protagonistas de la historia, o para traer alguna cuestión del pasado que de sentido a la historia general. En el caso de las películas en las que la protagonista es una bailarina y/o un músico reconocidos, se aprovechan para que estos desplieguen su talento. Me hizo acordar a muchas películas argentinas de los años 70 en las que los protagonistas eran músicos famosos y tenían sus momentos de “demostración” en pequeñas escenas disociadas de la historia general.
Considero que es apropiado conocer las diferencias entre los ritmos así como también diferenciamos las poblaciones, su danza y su cultura en general. Si bien la diferencia entre los ritmos es en algunos casos muy sutil, permite enriquecer nuestro conocimiento y al momento de crear una coreografía o un espectáculo, sería bueno utilizarlos de manera variada. Respetar la música y danza de los pueblos alejándonos de las fantasías que históricamente se han realizado bajo el nombre de Gypsy, funciona como reivindicación y reconocimiento de la riqueza cultural de dichas culturas. Asimismo, reflejan el estudio y por ende, la seriedad con que se lo toma quien lo interpreta, lo que me parece fundamental siempre que interpretemos danzas de las que no somos “nativos”, dejando de lado una actitud que podría ser asociada al orientalismo.
Me parece importante el análisis de la ughniya y del video que la acompaña ya que de esta manera Irene nos ha permitido comprender algunos detalles que quizás se nos escaparían sin la observación (por ejemplo, la cercanía del kanun y el nay que son los que marcan el maqam) y que son importantes a la hora de comprender.
El análisis musical que nos propone Irene aporta una riqueza extra a cómo quizás escuchamos los temas como bailarinas, nos permite encontrar otros detalles o estar más atentas para fortalecer nuestra interpretación. Tambiién la percepción de cómo se pueden interpretar los ritmos de acuerdo con lo que musicalmente transmiten, ya sea drama, tensión, relajación, me resulta fascinante.
Con respecto a la particularidad de la ughniya en tanto espectáculo, quiero resaltar el dinamismo que presenta al realizarse en vivo, la posibilidad de comunicación entre cantante y orquesta, de percibir cómo lo recibe el público, el ir y venir, repetir o no. Por otro lado, aunque parezca redundante, la importancia de conocer la letra hace que todo adquiera un sentido mayor, ya que se acompaña con la entonación, expresividad, ritmo, musicalidad acorde. Nuestra danza debiera también acompañar todo aquello.
También me gustó que incorpore la mención de los momentos de “tarab” del público ya que entonces pueden identificarse no sólo de manera teórica como siempre se lo describe, como un momento de éxtasis que parece introspectivo, sino como una euforia compartida también, tal como se oye y ve en la grabación.
Me gustó mucho que el análisis se realice sobre esta ughniya ya que no es quizás de las más reconocidas en el mundo de la danza.
Es una lástima que no existan fuentes fiables de su nombre y no me queda claro en que se basa Mario para decir que el origen del ritmo es ibérico-árabe y no turco. Lo que sí queda claro es su incorporación al samai como también al muwashahat, estando presente en las composiciones, pero siendo no el único ritmo.
Considero normal que surjan confusiones entre el nombre de un ritmo a un estilo de composición particular, sobre todo si el ritmo tiene una presencia marcada dentro de la misma. Presiento que el común de la gente suele rememorar más los temas musicales que los componentes (rítmicos o armónicos) aislados que las componen. Intuyo que pasa lo mismo con el “Baladi” que comúnmente se refiere tanto a un estilo de baile de como a un tipo ritmo de la familia del maksum, aunque el nombre académico del ritmo sea Masmudi sguir.
Es un ritmo irregular, y en occidente realmente no acostumbramos salirnos mucho del 4/4, 2/4, 6/8 o 3/4 (el jazz sería la excepción más notable porque utiliza poliritmia). La subdivisión 3+2+2+3 me parece fundamental a la hora de tocarlo porque en su forma simple uno puede perderse fácilmente en los dos silencios que preceden al dum inicial y los dos silencios finales, perdiendo así toda la métrica del compás (siento que el cerebro trata inconscientemente de convertirlo en un 8/4, que al ser múltiplo del 4/4 es más conocido).
En esta primer clase de Historia de la Música Árabe se hizo un breve recorrido por los puntos sobre los cuales trabajaremos desde la óptica de bailarinas: ritmo, compás, pulso, timbre, forma, entre otros. Pero primordialmente la clase se enfocó en una introducción amable de la música árabe dividida en dos grandes períodos: el Período Pre-Islámico previo a la venida del Profeta Mahoma dividido en Imperio Sánsida vs. Imperio Bizantino. Éste período fue un florecimiento politeísta, con sus rutas caravaneras y su influjo de interacciones con las culturas persa, romana, hindú, etc., contando también con los tipos de canto de éste momento: el de los beduinos y el de los sedentarios. Ya posteriormente en el Período Islámico propiamente dicho hay cambios y enriquecimientos en la vida musical, sobre todo en las ciudades de Makkah y Medina.
La gran tradición musical pasa a estar dividida entre los cantos y melodías de la elite aristocrática y la de los esclavos enviados para el entretenimiento. Lo llamativo de ésta época es que las composiciones están en relación al amor. La clase ha sido un recorrido breve pero ameno recorrido por las bases que cimentaron las posteriores composiciones musicales conocidas.
En esta segunda parte de Historia de la Música Árabe se puso especial énfasis en el Período Islámico, más precisamente en su partición entre los Califatos Omeya y Abbasida. El Califato Omeya inicia desde el año 661 d.C en Oriente hasta el 750d.C., contando con un total de 14 califas. Su sede de gobierno estaba en Damasco. Fue un gran período de conquista de territorios y organización. Se destaca a Abd al-Malik como el instaurador de la lengua árabe como oficial del califato por ser la lengua elegida por Dios para hablarle a Mohamed. También Malik ingresa a África, habilitando el posterior Al-Ándalus y las tropas bereberes. En esta época comienza también una teología sistematizada y una convivencia plena con cristianos y judíos. El Califato Abbasida es el que sucede tras derrotar a la Dinastía Omeya desde el año 750 d.C hasta el 1250 d.C, con un total de 37 califas. Eran portadores de la creencia de ser de la familia del profeta Mohamed y arman la identidad islámica. Su capital estaba en Bagdad (Medina) y continúa el florecimiento cultural (aparece La Casa de la Sabiduría en Bagdad y las 1001 Noches como creación literaria). El Califa más notorio fue Harun Al Rashid y uno de los músicos más prolíficos fue Ibrahim Al Mausili. En ésta época comienza el retrato del músico perfecto, con exquisitos y elevados requisitos de formación para serlo. ¡Muy interesante y enriquecedor el recurso de escuchar música de la época en Spotify!
En esta clase se abordó una introducción a los ritmos árabes, con recomendaciones de lectura e introducción al pulso primordialmente. Se recomendaron los libros de los autores Touma, Mario Kirlis, Farraj y George Sawa. En Argentina existen tres métodos, que en Estudio Sahar se extiende en un cuarto método. Touma (1998) distingue que existen géneros con organización rítmica temporal fija (pulso y ritmo que se repiten) y géneros con organización rítmica temporal libre (taxim, mawal o layali). IQA es la terminología de los ritmos árabes (tanto Touma y Farraj coinciden en que la palabra árabe para definir los ritmos). Históricamente se vieron como relevantes las figuras de Al Farabi, Al Kindi y Al Akfani. Luego pasamos a ver la noción de pulso, entendido como el latido, la medida de tiempo primordial en la música. La forma de nombrar al pulso en árabe es MAWZUMA o MAZURA. El pulso puede ser regular o irregular, y surge como concepto en el siglo XIV cuando los compositores se inspiraron en los sonidos de las maquinarias de reloj (división en unidades proporcionales). Interesantes las propuestas de escucha y los ejercicios de marcación de pulso con la música 🙂
Considero que la división entre la música preislámica y la islámica debe haber sido más un cambio en los paradigmas a nivel cultural-social sobre lo considerado “culto” y como objeto de estudio académico, dado que el foco pasó de los temas populares y cotidianos a aquellos de mayor transcendencia institucional, como la religión. Por otro lado, creo es de importante resaltar que existen diferencia entre poesía y la canción como formas de expresión, aunque ambas estén vinculadas y que las poesías cantadas pudieran ser comunes. La canción propiamente dicha está enmarcada en una estructura menos ambigua que la recitación poética y usualmente presenta acompañamiento de instrumentos, aunque la voz sea el primer instrumento melódico que se dispone y muchas veces el principal o único, como en el caso de los cantos beduinos. Sin embargo, los Cantos Hurritas de 1400 AC en el norte de Siria ya disponían de instrucciones de acompañamiento musical, por lo que considero muy improbable que a esa altura no hubieran varias formas musicales desarrolladas en la península arábiga con instrumentos melódicos propios y sobre todo, que no existieran y proliferaran las formas no cantadas y populares (con danzas que acompañaran a los mismos). Si considero mucho más probable que los pocos registros que se conservaran de esa época sean aquellos que se pudieron escribir, por eso vemos sobrerepresentada la poesía (y que los cantos fueran transcritos como formas poéticas en lugar de musicales), y que no hubiera una forma de escritura formal para representar aquello no verbal, como la canción instrumental o el baile. También considero probable que como antes del Islam había muchos cultos politeítas, existieran cantos de adoración que no se conservaron y que pudieron ser destruidos u olvidados con la transición al monoteísmo.
Durante los califatos Omeya y Abbasida se produjeron avances culturales que llevaron a el desarrollo de lo que nosotros hoy podemos identificar como lo propiamente “árabe”, si bien tuvieron importantes asimilaciones y prestaciones de otros pueblos. Me parece sobre todo interesante como en esta época el papel del músico en la sociedad pasó de ser un simple agente que proporcionaba entretenimiento ocasional, a ocupar la esfera profesional, llevando a la creación de escuelas, de escenarios dispuestos específicamente para el disfrute musical, y a la estandarización de las cualidades propias del músico “perfecto”. Esto implica un verdadero interés del Estado árabe en el desarrollo de las artes; la participación de los califatos no fue menor. Para que las artes proliferen, debe haber interés no solamente en los artistas, sino también una inversión económica de parte de los patrocinadores para que los primeros puedan realizar sus actividades. Esto demuestra que fue un tiempo de gran avance tanto social como económico para los árabes; la guerra y las conquistas deben haber proporcionado recursos importantes para el crecimiento del imperio y el desarrollo de una identidad cultura propia.
Me parece fundamental que una bailarina sepa reconocer e identificar el ritmo y la melodía de una canción, dado que el grado de impacto de una coreografía no solo depende de la maestría técnica de los pasos, sino también de la precisión en el tiempo con la que se realizan los movimientos, y de que la expresión corporal coincida con el carácter de la melodía. También encontramos un tercer elemento musical llamado “armonía”, que como indica Mario Kirlis en su libro, está muy desarrollado en occidente y poco presente en la música árabe, pero es bueno saber que existe (sobre todo al escuchar música árabe actual), si bien no es necesario aprender a identificarlo para bailar. Estoy de acuerdo con que generalicemos el uso de Iqa’at (o awazn) para referirse a los ritmos (y usul para los turcos), porque hace a la comunicación correcta entre músico y bailarines. El pulso es algo casi instintivo del ser humano, nos hemos movido al ritmo de las percusiones desde hace miles de años, tanto que lo damos por evidente que existe (aunque hay canciones que carecen de él) y sin detenernos a pensarlo siquiera. Al parecer existen algunas personas arrítmicas y que les costaría incluso aplaudir una canción sencilla y regular, aunque diría que son las menos que se acercan a una clase de baile, y que en muchos casos la falta de coordinación cuerpo-música es más bien una falta de atención a lo que está sonando.
Lo que más disfruto cuando analizo los tiempos de una canción es apreciar la gran relación que existe entre la música y la matemática. La división del tiempo funciona como las fracciones que nos enseñan en primaria, donde dividimos el espacio en porciones exactas. No sé si se nombrará más adelante, pero los compases pueden ser simples y compuestos. Los simples son los binarios (2), terciarios (3) y cuaternarios (4), que si se subdividen en 3, dar lugar a otros compases como el de 6, el de 9 y el de 12. En las marchas patrióticas, el 2/4 es más notorio y por eso es perfecto para marchar con “dos pies”. Pero creo que justamente “Sukari” no es un buen ejemplo de una canción para reconocer en 4 porque parte de la percusión se puede interpretar como un ritmo binario que se combina con una melodía cuaternaria, lo cuál es lógico matemáticamente porque 2 y 4 son múltiplos. Un compás de 4/4 funciona como dos compases de 2/4 donde el acento tercero es menor al primero y por eso es fácil de combinarlos musicalmente. “Noche de paz”, podría interpretarse tanto en 3 como en 6 pulsos y ser matemáticamente coherentes porque 3 es múltiplo de 6. Sin embargo, yo comúnmente la encuentro escrita en 3/4, y de hecho, a veces se mal escribe en 6/8, pero el 6/8 “puro” es un compás compuesto que surge del binario y respeta la acentuación y la canción no suena a un compás binario compuesto (no suena a un acento de dos negras con puntillo), sino un terciario, ahí está el la confusión con esa canción. Justamente esta exactitud en la matemática en como operan las divisiones es lo que a nosotras permite bailar “a tiempo”. Como bailarinas RARA vez bailamos compases aislados (no solemos agrupar los movimientos para alinearlos con los pulsos), usualmente agrupamos los conteos de pasos en 8, en 6 o en 16 que siguen las métricas de la canción, y es porque en nuestra cabeza combinamos compases en forma precisa para que matemáticamente nos den las cosas redondas. Es decir, bailamos combinaciones de 2, 3, 4 o más compases juntos. Todo lo que hacemos en nuestro cuerpo es una operación matemática. Por lo tanto, a veces no es solamente el tipo de compás lo que importa, sino también es importante contar cuantos compases del mismo tipo se repiten porque al bailar una canción establecida no podemos alterar esa cantidad =)
(se envio sin que terminara). En realidad, noche de paz si tiene un compás 6/8 con notas fuertes en 1 y en 4, por eso es binario compuesto, pero esto no se ve tanto en la métrica contando pulsos, sino en la melodía cantada (NO-che-de-PA-a-az). Igualmente, distinguir un 3/4 de un 6/8 es difícil hasta para los músicos entrenados por su similitud en la cantidad de pulsos!
Me gustó esta clase y los consejos sobre cómo manejar a la gente que se distrae o cómo mejorar el atractivo de la clase a través de la voz.
También está bueno lo de recordar siempre de controlar las “muletillas”. Mi muletilla sería empezar más de una frase con un “no”.
En los comienzos de la Cultura Pre- Islámica, destaco la forma en que la historia fue desarrollando su curso musical y abriéndose a nuevos caminos con diferentes recursos, en el Imperio Bizantino y el Imperio Sasánida. Imagino su vida, en aquellos tiempos, sus tradiciones como la oralidad, “Cultura de fuego”, y sus costumbres en la vida diaria.
Con el transcurso del tiempo, con la llegada de Muhammad, la música y sus interpretes se abrieron camino a una nueva musicalidad mas rica.
Quiero agregar que la anécdota de la “creación” de los primeros surgimientos de los sonidos, me dejo una perspectiva de la gran influencia que vivenciaban con las sensaciones y su vida cotidiana.
El contenido de esta clase me ayudo a entender que significa el concepto WASLA. Cuando hablamos sobre este concepto, hablamos de una estructura grande, macro, que contiene distintas formas musicales. Cuando analizamos una wasla, analizamos movimientos, frases musicales motivos
etc. Las formas musicales pueden ser vocales o instrumentales. Estas distintas formar se encuentran tienen un nexo de conexión que se encuentran unificadas con un mismo makam. Además se expuso en esta clase una estructura de análisis de canción con sus distintas etapas de gran ayuda para poder realizar una coreografía optima.
Me resultó muy interesante haber conocido estos 3 tipos de improvisación, solo conocía el Taxim. Creo que tanto el Layali como el Mawal pueden enriquecer mucho más la improvisación al contener una letra, es un disparador más a la hora de improvisar (sería genial poder entender un poco lo que las letras transmiten más que nada en el caso del Mawal). Esta clase me ha entusiasmado a poner en práctica improvisaciones variadas con estas tres formas.
A lo largo de mi carrera he aprendido varías formas de escribir los ritmos como algunos ejemplos del texto pero en lo personal creo que el mejor método es poder escribir y reconocer cada ritmo con sus respectivos compases, figuras y silencios. Es un trabajo extra estudiar la parte musical pero creo que es la forma más clara para poder leer los ritmos. También me parece una ayuda extra utilizar la duración de las figuras o silencios llevados al movimiento, puede verse de forma más clara el ritmo.
Súper interesante poder aclarar que el Saidi no refiere a una danza sino a una zona geográfica donde encontramos un montón de estás cómo el Kaff, el Nizzawi, la danza del caballo, entre otras. También fue muy enriquecedor poder observar las danzas en el contexto nativo en comparación a las danzas llevadas al escenario.
Hablar de bailar Saidi es un término muy amplio, ya que dentro de la región hay gran cantidad de danzas, pero también encontramos el Tahtib que se define como un juego marcial y que de este mismo deriva la danza Nizzawi, y aquí algo para rescatar como importante donde Tahtib NO es una danza sino que es un juego o deporte pero que este surge una danza.
Esta clase en particular es una clase totalmente nueva para mi, si bien siempre escuché el término “samai” nunca supe bien a qué refería, tenía una vaga noción de un ritmo pero no mucho más. Si bien, como dice el texto no hay mucha info, esta clase me propone empezar a conocerlo y animarme a probar bailarlo, ya que al desconocer bastante nuca baile un Samai.
Justo me preguntaba ¿como debería llamar a la danza en donde utilizamos bastón o varas? Teniendo en cuenta que Saidi no refiere a una danza sino a una zona geográfica, sabiendo que el Tahtib es un arte marcial y que existen otras danzas que en realidad refieren a danzas nativas. En este texto me encontré con la respuesta y la denominación a esta danza (en términos de Farida y la línea que sigue el Estudio Sahar) como New Al Assaya para esta idea de “fantasia” que se crea a partir de las danzas nativas pero que las llevamos y adaptamos al escenario.
La Danza Romaní Turca y el Karsilama son muy interesantes porque, aunque muchas veces se mezclan o confunden, tienen diferencias culturales y de estilo muy marcadas. Por ejemplo, la población romaní no se autodenomina “gypsy”, un término cargado de estereotipos negativos y romantizados. Ellos buscan redefinir y luchar por su identidad que es diversa dependiendo del lugar del mundo en el que estén, como Turquía o los Balcanes.
Además aunque vienen de un contexto similar, tienen estilos muy distintos. La danza romaní es muy expresiva y llena de gestos que representan la vida diaria, como lavar ropa o sacarse el sudor, y tiene mucha improvisación. Se siente muy libre, usando la pelvis y los chasquidos de dedos para darle un toque único.
El Karsilama, por otro lado, aunque comparte ciertas raíces, tiene un enfoque distinto. Es más estructurado, con movimientos centrados en los pies, y generalmente no utiliza la pelvis ni las caderas. Se baila en parejas, lo que lo hace más formal y menos improvisado.
Me llama la atención cómo estas danzas no solo son movimientos, sino un reflejo de la historia y la identidad de quienes las practican.
Este texto me llevó a pensar en la importancia de la música y la danza para una cultura, se me hace difícil imaginar como sería vivir con la prohibición de ambas y más pensando en esta cultura donde los ritos justamente se acompañan con música y danza. Creo que estos dos lenguajes son de suma importancia en la construcción de la cultura de cada pueblo, país, región y como la religión tiene un peso tan fuerte al punto de prohibir ciertas prácticas o que incluso decida como debe ser percibida la música o la danza, que si son con buenos propósitos son permisibles, pero si se asocia con pasiones o intoxicaciones debe ser desterrada, cuando es algo tan subjetivo de cada persona y cada uno lo siente de una manera diferente.
Luego de leer el texto, me parece bastante razonable que al ser una cultura de lanoralidad, la voz tenga un protagonismo tan importante: los instrumentos al servicio de la voz y el canto sin acompañamiento de los mismos (incluso se llega a decir que los instrumentos podrían impedir el desarrollo del canto). Pero con el tiempo se fueron sumando diferentes instrumentos, siendo el ‘ud considerado uno de los más prestigiosos, hasta la incorporación de instrumentos occidentales que fueron adoptados y adaptados.
Desconocía sobtr las agrupaciones musicales, me resultó interesante saber que según la cantidad de instrumentos y la variación de ellos correspondan a una agrupación en especifico.
Destaco la gran cantidad de vías abiertas para que influencias musicales de otros países hayan enriquecido tanto la música árabe. Como de una cultura a otra se va difundiendo lo local y se adapta a la cultura a donde llegó, esto de que Estados Unidos hayaa tomado ritmos del norte y sur de América y que estos hayan llegado a Egipto y destaco también la mirada de Muhamed Abd El Wahab de apostar por incorporar estos ritmos como forma de progreso.
Esta clase me sigue siendo muy útil, la cantidad de ritmos va aumentando y esta clase la considero de gran ayuda para poder seguir la lectura de los ritmos al mismo tiempo que puedo escucharlos
Ansiaba llegar a estas clases, desconocía bastante la historia del Bolero y cuanto tiene para contarnos, creo que de cada etapa se pueden tomar muchos elementos a la hora de componer en la danza. Creo que si bien termibo decayendo es un género muy rico en cuanto a todas las influencias que recibió de tantos países como así también todo lo que comunicaba: tanto amor como cuestiones políticas y sociales.
Super interesante esta clase, nunca baile un bolero ni tuve ninguna clase del mismo. Siempre escuche hablar del Bolero pero nunca supe bien a qué refería, como se bailaba y que ritmo se utilizaba. Esta clase e anima a poder explorar este género con un poquito más de conocimiento.
Demasiada info en esta clase que me dwjo reflexionando sobre un montón de cosas, incluso sobre en la forma que siempre baile un baladi. Esta clase la había visto en vivo y justo me encontré con un comenque había hecho que me trajo a la reflexión nuevamente. Pero en cuanto a la esteuctura musical de este género, me amplio mucho más el conocimiento que tenía, conocía una esteuctura mucho más acotada, por ej no sabía las diferentes formas de introducción que había (antes del taxim) y tampoco conocía los términos con que se denomina cada parte de esta estructura.
Que lindo ir descubriendo nuevas cosas para bailar, me parece super interesante conocer las estructuras a la hora de llevarlo a la danza que enriquecen mucho más la interpretación y hace más fácil a la composición o incluso a la improvisación si uno ya conoce como se va a desarrollar.
Me veo en clases participando (jaja). No recordaba esto de utilizar temas conocidos en los baladis, me parece interesante esto para darle otro color y creo que los potencian mucho más. Si de por sí los baladis son hermosos (gusto personal) agregarle un pedacito de otro tema conocido me parece fascinante.
Me pareció super interesante también poder escuchar otros tipos de baladi de otros músicos, para salir un poco de lo más conocido y/o utilizado como los bañados de Mario o de Gaston (que son hermosos) pero también está bueno probar otras formas que aunque parezcan muy distintas siguen siendo Baladi.
Me resultó muy interesante el recorrido histórico de las diferentes autoridades políticas para entender como se fue construyendo este término que es super amplio, como parte de esta idea de querer separar lo “viejo”- “feo”- “antiguo” en contraposición con lo “nuevo”- “el progreso”. Me quedo pensando también en los estereotipos se le suelen atribuir a las personas baladi que pueden tener tanto connotaciones negativas como positivas y esto me lleva a compararlo con la población romani, que también sucede esto y que creo que no está bueno generalizar y atribuir ciertas características a un grupo o población sabiendo que dentro de las mismas hay un montón de otras particularidades.
En esta clase pude entender un poco mejor como el termino Baladi es super amplio, que puede referir tanto a una persona, como a un objeto y hasta se puede hablar de formas de expresión baladi. Es importante también tener en claro que este término varía dependiendo del contexto y de la época en qué son utilizados. Me resultó interesante la diferenciación entre conceptos como: baladi, fallahi y saidi.
Super interesante poder entender como es la mujer baladi: fuerte, respetada, trabajadora, además de que también se ocupaban del hogar. Por otro, rescatar los “tipos de mujeres” que podemos encontrar y que a la hora de bailar se pueda jugar con ambos roles como lo hacen algunas bailarinas mencionadas en la clase como Tahia Carioca, cuanto más conocimiento más chance de crear y jugar temiendo en claro lo que hacemos y de donde viene.
Recuerdo que al ver visto la película “Fatma” y haber leído “El callejón de milagros” todo lo que se habló sobre el concepto Baladi se pudo observar muy claro en ambos casos. Considero que fueron muy buenos recursos para completar estas clases.
Nunca me había quedado muy claro que era un Zaffa (quizá la falta de información), no entendía como podía haber un zafa tanto en un casamiento como en un ritual de zar. Con esta clase me queda claro que el término refiere a una prosecion y que no hay un solo Zaffa sino que hay una gran variedad.
Es increíble la cantidad de danzas que podemos encontrar en una sola región, cada una con sus características y sus particularidades. No solo hay una danza y ciertas características homogéneas en cada región sino que hay una gran riqueza de la misma. Y acá traigo a reflexión el módulo de “terminologia” donde a veces decir que bailamos o enseñamos “Danzas Árabes” es muy amplio ya que son muchísimas estas danzas y creo que sería muy difícil poder abordarlas todas.
El Tabloh es una parte clave del espectáculo de bellydance porque no solo muestra las habilidades técnicas de las bailarinas, sino que también introduce una narrativa que conecta al público con la historia que se quiere transmitir. Además, el cambio de vestuario y la música seleccionada no son detalles superficiales, sino elementos necesarios para reforzar la inmersión y profesionalismo del show.
Algo interesante del Tabloh es cómo lo hace adaptable a distintos géneros, como el tango o la rumba, y le da un carácter versátil. Sin embargo, también exige mucha preparación: no basta con improvisar, ya que detrás de cada presentación hay guionistas, compositores que trabajan en equipo.
Me parece que el Tabloh lleva la danza a otro nivel porque mezcla técnica con interpretación, y eso lo hace mucho más rico y profesional. Es algo que requiere mucha dedicación, pero el resultado vale la pena.
Es una herramienta poderosa para contar historias y destacar la riqueza cultural y expresiva de la danza. Es como llevar lo que hacemos en la danza a una versión más teatral y completa.
El Tabloh me hace pensar en la técnica Reda porque ambas buscan algo más teatral. Reda tiene toda esta idea de armar historias o tradiciones egipcias, y eso se conecta con el Tabloh, donde también hay que contar algo. Sin embargo, en el Tabloh hay más libertad para mezclar estilos y crear algo nuevo, mientras que Reda es más fiel a lo folklórico.
Esta música no solo busca entretener, sino generar una conexión emocional intensa entre el intérprete, la obra y el público, algo que va más allá de lo que entendemos normalmente como “disfrutar” de una canción.
Me parece interesante cómo se vincula la música con otras expresiones artísticas y tradiciones como la poesía y el recitado coránico, al punto de que la música se convierte casi en una experiencia espiritual o mística. El texto destaca que el Tarab no es solo música, sino un fenómeno cultural que une comunidades, ya sea en reuniones íntimas (como los antiguos sahra) o a través de los medios modernos.
Por otro lado, algo que llama la atención es cómo este concepto se mezcla con la historia: desde la influencia de grandes imperios, el intercambio cultural con otras civilizaciones, hasta el impacto de la modernización y la colonización. Todo esto transformó el Tarab, pero sin quitarle su esencia emocional y su capacidad de “arrebatar” a quien lo experimenta.
El texto no solo habla de música, sino de cómo esta refleja la identidad y los valores de una cultura, algo que sigue siendo válido hoy en día. Me deja pensando en cómo las emociones que buscamos en el arte son universales, pero cada cultura tiene su manera única de expresarlas y experimentarlas.
El concepto de Tarab manifiesta la relación entre el arte y la emoción, algo que no solo se encuentra en la música árabe. Lo relaciono en la danza a la expresión corporal, donde el objetivo no es solo la técnica, sino también transmitir una emoción que conecte al intérprete con el público.
No conocía al Samai como estructura musical y mucho menos el Saz semai. Tampoco sabía que provenía del Imperio Otomano, me entusiasma la idea de bailar un saz semai e incluirle un vestuario mas de la época
Me encantó poder ver estos videos de temas catalogados como Baladi y ver la variedad que hay en cuanto a la música y a la danza. De los primeros videos creo que jamas hubiera pensado que refieren al baladi. Siendo el término tan amplio a nivel teórico esto puede verse también tanto en la danza como en la música, toda esta variedad.
Me resultó muy interesante la breve contextualizacion de cada ritmo, un poquito de donde proviene y otras formas de llamarlo. También las diversas maneras de encontrar escritos estos ritmos dependiendo de cada músico.
Me llamo la atención que el ritmo Sherk se utilice en la música nubia, yo lo había aprendido como un ritmo tomado de la música occidental como ritmo que por lo general tocan las baterias. Hasta acá me encontré con un montón de ritmos que aparecen en un montón de canciones y que nunca me había dado cuenta.
Increíble la cantidad de Artes que se puede encontrar en una región. Me llamo mucho la atención como se inspiraban en los movimientos de los caballos para llevarlos a la danza, entender de donde salen ciertos movimientos y la capacidad creadora que se puede tener inspirándose en ciertos elementos de la naturaleza. Por otro lado, como la danza puede comunicar y transmitir tantas cosas: las mujeres y sus gestos, ña danza como patrimonio cultural, danzas patrióticos (aquella danza utilizada en los combates), inclusos danzas de trance.
En esta clase me llamo la atención la danza Mizmar, encontrar otra danza con bastón por fuera de la región del Saidi. Lo relaciono con las clases de Saidi y creo que es interesante tener en cuenta que podemos encontrar otras danzas donde se utilizan varas/bastiones y sus otras formas de denominar el objeto. En estas clases también me gustó el hecho de que ciertas danzas de esta zona sean consideradas patrimonio cultural inmaterial del UNESCO, super interesantes los videos.
Me encantó la variación de vestuarios que se pueden utilizar para bailar un baladi, siempre lo baile con traje de dos piezas. Hace un tiempo empecé a notar que se suelen usar tinicas también y no sabía el por qué. Estas clases me ayudaron a conocer muchísimo más sobre el baladi y en particular este material de lectura respondió a mis interroga tes acerca del vestuario.
Me llamo la atención cuando Nesma define a la música baladi como simplemente “musica” aquella que tiene un “carácter baladi”. Y en cuanto a la danza, habla de ella como una forma natural de bailar, que puede estar adaptada al escenario y a un público pero que no se debe perder su forma natural. Esto me hace reflexionar acerca de cómo siempre baile algún baladi de forma muy estilizada, con traje de dos piezas y entendiendo siempre al baladi como (en su forma musical) la define un poco Guy Sheldon y como también se aprende en Argentina. Pero la mirada de Nesma me resultó aún más más interesante.
Rescato del texto todas las influencias que ha recibido el bolero a lo largo de la historia, sus momentos de auge y sus montón de decaimiento. El bolero como una función social en el desarrollo histórico de Latinoamerica desde la idea de cultura del amor, la identidad de la música latina. Me resultó interesante la siguiente cita: ” el bolero es un profundo proceso de búsqueda de las raíces culturales latinoamericanas, portando una manera de ver el mundo globalizado, caracterizado por la revalorizado del idioma español como vehículo comunicacional”.
Por otro lado, compartí el comentario de Vale sobre el error acerca de Peron como dictador de la prohibición de ciertos boleros que hablaban de libertad, etc. Tuve que releer el párrafo varias veces pensado que yo lo estaba interpretando mal.
Me llamo la atención como el sistema de notación de la música creado por Al- Farabi y sus categorías de modos rítmicas se pueden traducir con gran facilidad al sistema de notación musical occidental.
Este documental impactante, nos da a conocer parte de la historia que ha vivido este pueblo, a lo largo de su recorrido nómade desde sus orígenes, hasta la actualidad.
Siendo un pueblo sin nación, han logrado establecerse en diferentes países del mundo, adaptándose, pero sin perder las raíces de su cultura, a pesar de haber sido perseguidos, excluidos, discriminados, sometidos y asesinados.
El dolor imborrable que fue y es para este pueblo, el holocausto sufrido durante la segunda guerra mundial, donde se estima que mas de quinientos mil roma murieron, muchos otros fueron torturados y separados de sus familias, nos muestra una profunda herida que marca la historia de este pueblo. Sin embargo, en la actualidad, la historia ha cambiado, durante mucho tiempo han luchado por sus derechos, por el reconocimiento de su cultura, de su idioma y han creado su bandera. A pesar de que siguen siendo discriminados en muchos ámbitos, los roma son un pueblo de raíces profundas, fuertes, orgullosos de su historia y su origen. Pese a ser un pueblo sin nación, ni economía y al dolor que ha marcado su historia, han conservado sus creencias, valores y su cultura.
Nuevamente por acá, ya extrañaba estas clases: me encanta conocer mas sobre la historia del bolero y su influencia sobre todo en nuestras raíces latinas. Pienso que el bolero es más que un género musical, es una forma de sentir y contar historias de amor y desamor.
Al nacer en cuba, nos permite entender su influencias de la trova y la habanera, y como desde entonces ha conquistado corazones en toda América y el mundo.
Creo que sus letras es lo que lo hace tan especial: profundas, poéticas y llenas de emoción. Hablan de pasiones intensas, despedidas dolorosas y amores que dejan huella.
Para mi una de mis canciones favoritas es Bésame Mucho , al igual que Historia de un Amor, canciones que han pasado de generación en generación.
Conocer cada una de las etapas del bolero ha sido muy interesante para mí, me hizo recordar a mi abuela y a mi mami, cantando estas canciones.
Que interesante y muy importante entender las claves para poder bailar el bolero. El utilizar bien su ritmo, la Rumba Masri, como caer en tiempo, y como interpretarlo es clave para nuestra formación como bailarinas. es importante también conocer en que contexto el bolero fue realizado y escuchar detenidamente las letras (en el caso que la tenga), para poder interpretarlo de manera adecuada. Incluso considero que la respiración se vuelve parte de este conjunto de claves, para poder generar en nuestra danza el mensaje y el impacto deseado.
Gracias Mariiiii!!!!
Por medio de estos apuntes, queda muy claro que el bolero es mucho más que música, es sentimiento puro. Nació en el Caribe, en medio del mestizaje de culturas africanas, europeas e indígenas, y a lo largo de la historia ha acompañado los cambios sociales, políticos y económicos de América Latina.
Desde su origen en la trova cubana del siglo XIX hasta su auge en México y su posterior globalización, ha sido el reflejo de la vida y las emociones de la gente.
Lo que más me gusta es su capacidad de contar historias. Cada bolero es como una película con la duración de una canción: un amor imposible, una mujer endiosada, una despedida dolorosa, un deseo que nunca se apaga. Ha evolucionado con los años, influenciado por el jazz, la salsa y hasta la música pop, pero siempre conservando su esencia romántica y dramática.
Aunque el mundo ha cambiado y la música evoluciona, el bolero sigue ahí, adaptándose sin perder su magia. Tal vez porque, al final, todos necesitamos esa melodía que nos recuerde lo que es amar, extrañar y sentir con el alma.
Me encanta el aprendizaje que tenemos en cuanto a la música árabe,, y la longa es una de mis formas favoritas, es enérgica y viva y la longa de esta clase es maravillosa. Hay que saber escucharla para poder definir los Hanes y los Teslim.
Esta clase fue maravillosa. La precisión con la que el maestro toca el derbake nos permite entender claramente y distinguir los diferentes tipos de combinaciones de derbake que los músicos nos pueden ofrecer. A la hora de bailar es claro que debemos afinar nuestro oído para poder reflejar mejor con el movimiento de nuestro cuerpo, el ritmo del momento, poder reflejar los cortes de la música o un redoble, en una contracción o vibración fuerte o suave, hace que nuestro performance sea más profesional. La práctica hace a la bailarina tanto en el oído como en la ejecución.
Hasta ahora me gustaría poder abarcar el concepto de tarab en una sola palabra, incluso para poder enseñar a mis alumnas, sin embargo, es muy importante establecer estos conceptos lingüístico, cultural y de estética árabe ya que con ellos podemos aclarar mucho el pensamiento en cuanto al tarab, y poder comprender de mejor manera los muchos significados y las sensaciones que abarca esta palabra tan pequeña.
Que maravilla de clase, El estudio de las temáticas sobre el amor no romántico, especialmente aquellas relacionadas con problemáticas sociales en las relaciones y la vida en sociedad, resulta un campo fascinante de investigación. En este contexto, la evolución de la taqtuqa hacia la ughniya tawila es clave para comprender la estructura y continuidad dentro de la música árabe. La taqtuqa, originalmente una canción breve y ligera con estribillos pegajosos, fue la base sobre la cual se desarrolló la ughniya tawila, un formato más elaborado y extenso que permitió una mayor riqueza expresiva.
Este proceso de transformación también explica la integración de temas musicales más cortos dentro de composiciones más largas, algo que se puede notar en orquestaciones árabes y en el éxito de figuras como Oum Kulthum. Además, la aparente “competencia” entre compositores y cantantes ha sido un motor para la sofisticación del género, convirtiendo cada obra en una pieza de arte en sí misma.
Me pareció muy interesante el volver a reafirmar con evidencias contundentes que los hombres fueron unos gran protagonistas de las danzas. Es fuerte hacer la comparación con nuestra era, en donde se sigue viendo con cierta mirada peyorativa que el hombre baile, siendo que ya en el predinastico lo hacían y que eran una pieza fundamental en el ritual funerario.
Está bueno remarcar que realmente las figurillas, como la Bird Lady, no remiten exclusivamente a la danza, que podría tratarse de otra actividad y que esa mirada depende del investigador. Por lo tanto es algo subjetivo. Al igual que las interpretaciones que se hacen de las imágenes dentro de los templos o necrópolis egipcias. El belly podría… como no podría tener sus orígenes en el Antiguo Egipto.
Desde que conocí este concepto suelo asociar todas aquellas emociones o sentimientos profundos que quizá me cuestan definirlos, con la palabra Tarab. Al escuchar una canción, en un recital, viendo una performance o incluso bailando. No siempre o no cuando algo solo me produce alegria o un solo sentimiento como se habla en el video, sino cuando ya genera un extasis y cuando no encuentro palabras para describir lo que estoy sintiendo automáticamente lo asocio al Tarab.
Me hizo acordar como nos divertimos cuando en el Estudio, en una de las clases, tratamos de representar el video del contexto nativo. Me resulta súper interesante y enriquecedor este material audiovisual, el poder comparar a la danza en su contexto nativo, a las adaptaciones de la Reda Troup, el Firqat Qawmiyya y poniendo también en comparación que lo sé suele hacer en la actualidad.
Es interesante conocer como generalmente casi siempre nosotros como artistas hemos bailado la Muqqadima, que en realidad me parecen piezas de música muy ricas y maravillosas, logrando el objetivo de los compositores que es resaltar antes que salga la cantante.
En la música árabe clásica, la muqqadima no es solo un simple inicio, sino una pieza elaborada que establece el tono, el maqam y la atmósfera emocional de la obra.
En la ughniya ṭawīla, la muqqadima puede ser extensa y orquestal y lleva al oyente a prepararse para el desarrollo vocal y lírico volviéndose una pieza magistral.
Pienso que es un elemento crucial que refleja la riqueza de la música árabe.
No conocía estas formas musicales y tampoco que se asociaban a los “temas clásicos” de la música árabe. Me encuentro aquí en cómo de la Taqtuqa (una forma simple) se pasa a una gran composición más compleja y de larga duración como la Ughniya Tawila. Me llama la atención cómo está forma musical va tomando forma, un poco, a partir del pedido del público de que se repita varias veces la misma parte, y está “competencia” entre compositor y cantante, llevando a crear piezas súper ricas y que incluso en la actualidad se toman pequeñas partes para crear nuevas composiciones. Aprendí aquí, qué hay términos específicos para nombrar los clásicos, una definición para cada forma musical.
Me resulta muy interesante que siempre nos muestres las fuentes de las que se obtiene cada pieza de información, porque nos muestra lo dificultoso que es estudiar la Historia de la danza desde un punto de vista científico, basado en evidencias. Hasta hace algunos años era muy común escuchar y leer que la danza del vientre se habría originado en el Egipto Antiguo, con fines religiosos y bailada por mujeres. Gracias a la evidencia y su correcta interpretación, sabemos que no toda la danza en el Egipto faraónico tenía un carácter religioso i era realizada sólo por mujeres, sino que también podemos plantear que el hecho de que en Egipto existiera danza en la Edad Antigua no implica necesariamente que las danzas actuales tengan algún tipo de continuidad con aquellas danzas.
Por otro lado, recuerdo cuando hace ya varios años con la Compañía realizamos un cuadro basándonos en las autoras que se mencionan en esta clase. Creo que el video está disponible en el canal de YouTube del Estudio, invito a todas a que lo vean si les da curiosidad conocer ese cuadro.
Que interesante y rica es la Ughniya Tawila, como dentro de cada parte de su estructura nos seguimos encontrando con otras estructuras como en el caso de la Muqqadima. Y como de está “pequeña” parte inicial de la Ughniya Tawila surgen esos clásicos que hoy en día conocemos, que para ser más específicos podemos llamar Muqqadimas.
Gracias Maru por la actualización de las clases.
En el período pre dinástico, dentro de las diferentes funciones de la danza, también la danza es considerada; alimento para los dioses. Se encuentran 12 términos para denominar la danza, y el jeroglífico 32, que es un hombre bailando.
La estatuilla de bird lady, se interpreta como bailarina según algunos autores, y según otros no. Sin embargo, en algunos libros, se sigue poniendo como ejemplo de la primer evidencia de danza.
En las paletas y sellos, también se observan figuras, que podrían ser bailarinas.
Me resultó muy interesante, luego de haber bailado Muwashahat en el Estudio, poder ir completando ese conocimiento con la música, con los ritmos que se suelen utilizar en el mismo.
En principio, me parece importante poder utilizar el término adecuado para referisrse a esta población ROMANI que es como ellos se definen y no el término Gipsy que es como así los denominan aquellos que se encuentran por fuera de esta población. Por otro lado, saber que hay muchos estereotipos asociados a los romaníes que suelen ser tanto positivos como negativos también y que estas se extienden por todo el mundo, entonces no se debe homogeneizar cuando se habla de Romani. En cuanto a la Danza Romani Turca podemos encontrar dos estilos diferentes: la danza Romani y la danza Karsilama.
Analizar la Ughniya Tawila y todos sus componentes en un principio se volvió un poco complicado pero después de escuchar tres veces la tarea que enviaste mi Mari pude hacerlo. 🙂
Que importante es poder enriquecernos con todo este conocimiento ya que a la hora de bailar podemos dar mas contexto y más significado a nuestra danza.
El Mazhab es un momento muy importante de la canción que muchas veces dejamos de lado por dedicarnos a la Muqqadima.
Mil gracias Mari.
Excelente clase!!
Algo que me parece interesante es cómo el grupo de hombres que rodea a la bailarina genera un sentido de unidad. Andrea Deagon menciona que al aplaudir juntos en forma semicircular, refuerzan la idea de solidaridad. Es decir, no es solo un show donde alguien baila y los demás miran, sino que hay una interacción real, una energía compartida.
La Hagallah, especialmente en su contexto nativo, se mueve dentro de un esquema con significado donde su identidad puede estar “velada”, pero su presencia es esencial en la dinámica del ritual.
Lo que saco del Hagalla es que no es solo moverse libremente, sino hacerlo dentro de una historia, de un significado que va más allá de lo que se ve a simple vista.
Me fascino conocer acerca del Tabloh, la verdad no lo conocía. Había escuchado acerca del “Show de la bailarina” pero quizá con una estructura como por ej un tema presentación, un baladí y un derbake para finalizar. Pero no sabía que el Tabloh se solía encontrar el “show de la bailarina”. Me llamo mucho la atención toda esta preparación y puesta en escena, el contar una historia, las canciones hechas específicamente para ese momento, que de pronto se bailen otras danzas…. Me parece que le da un plus de creatividad al show.
En este caso, encontramos como evidencia el registro de los viajeros. Al no haber más evidencia que esa, creo que es una danza que nos invita a crear con bastante libertad ya que no hay una forma específica ni una música en particular. Genia Vir!!! Hermoso video!!!
Estas variaciones de los ritmos mencionados nos abre a la reelección acerca de la riqueza que se puede encontrar tanto en la música como en la danza. Poder reconocer que a veces al hablar de una población en particular no podemos homogeneizarla, hablamos de poblaciones con un montón de características que las diferencian. Este conocimiento con más detalle nos ofrece también un cierto respeto hacia estas poblaciones cuando decidimos tomar sus danzas para representarlas, dejando de lado aquellas características más comunes a las que se las suele asociar y abriendo mucho más el abanico de posibilidades que nos ofrecen.
En la clase especial de Irene Shams, “Recorriendo la Ughniya” podemos entender que se da lugar a partir de la primera mitad del siglo XX, especialmente en Egipto, en donde, dentro del movimiento de modernización de la música árabe, empieza a ser mucho más elaborada y empieza a renacer en sus formas más complejas.
Expositores como como Umm Kulthum, Ahmed Rami, Mohamed Abdel Wahab, y Riad Al Sunbati, Wada, Abdel Halim Hafez, Farid l Atrash, entre otros hacen de cada Ughniya una pieza única en la historia de la música.
En un contexto histórico, se puede decir que surgió en un período de gran transformación en la música árabe, la cual también empezaba a expandirse por medio de la radio, el cine y la grabación discográfica.
Entre sus características principales tenemos:
Canción larga: como su nombre lo indica, las canciones podían durar entre 15 y 60 minutos.
Uso de orquesta moderna: incorporándose instrumentos occidentales: el violín, el violonchelo y el contrabajo junto con los árabes tradicionales como el oud, el qanun y el nay.
Estructura flexible: Incluía repeticiones, variaciones melódicas y cambios de ritmo, logrando que el cantante explore diferentes matices emocionales.
Énfasis en el tarab: La interpretación buscaba llevar al público a un estado de éxtasis musical a través de la improvisación vocal.
El poema, la musicalidad y el mensaje que este daba al público era muy importante y hacia que esta pieza musical sea muy valorada.
Este género alcanza su cúspide en las décadas de 1940 a 1970, con canciones muy preciadas, interpretadas por Umm Kulthum como: Enta Omri y Alf Leila wa Leila, o por Abdel Halim Hafez con Qariat Al-Fingan, entre otras.
Podemos decir que a pesar de que la música árabe ha ido evolucionando hoy en día hacia formatos más cortos y comercialmente más aceptados, la Ughniya Tawīla sigue siendo una referencia de la edad de oro de la música árabe y su riqueza innegable.
Gracias mi Mari por darnos la oportunidad de conocer a Irene ella es una genia de la música, y su forma de desglosar la Ughniya fue de mucha ayuda para poder apreciarla aún más.
Nos mostraste los estilos de danza según Lexova, que abarco varios períodos, y los movimientos según Kinney que se baso en el período del reino antiguo.
Se puede comprobar con estas evidencias, que los hombres también bailaban, y que la danza no solo se daba en contextos religiosos, sino, que abarcaba mucho más. Incluso, juegos y acrobacia, que ahora, no lo clasificaríamos como danza.
Aunque en algunas escuelas y libros se siga sosteniendo el mito de que el bellydance se originó en el antiguo Egipto, no se puede afirmar eso.
Cada concepto lo mostraste con una imagen, que ayuda a ejemplificar. Mientras miraba las imagenes, en muy pocas vi reflejada alguna característca del bellydance.
Repaso desde el inicio del Islam, que viene bien para dar contexto.
Se encuentran las Quiyan. Se sabe que además de música, bailaban, pero no hay mucha más información.
Es muy interesante como en esta lectura se encuentra un análisis profundo sobre el Tarab y su cultura, el cual va más allá de una simple apreciación estética, sino que además se convierte en una experiencia emocional y casi trascendental que se transmite desde el intérprete, los músicos y el público. podemos ver la evolución de esta expresión artística desde la época preislámica hasta la modernidad, nutriéndose con la poesía, la religión y los intercambios culturales con otras civilizaciones.
Un punto muy importante es la conexión entre la música y la emotividad en el Tarab, donde la interpretación, la improvisación y la retroalimentación con el público juegan un papel fundamental. Se resalta la importancia de los “maqamat” como el modo de la música árabe y como estos se relacionan con los estados emocionales que evocan.
Por otro lado es muy importante resaltar la relevancia del vocalista (mutrib) como el canal principal de transmisión de esta experiencia y cómo la audiencia (sammi’a) contribuye a la construcción del momento musical.
En general, me encanta leer este tipo de documentos, este específicamente, ofrece una visión profunda y bien fundamentada del Tarab, tanto como una expresión musical, como una manifestación cultural que refleja la identidad y la sensibilidad estética del mundo árabe. La riqueza del Tarab, es muy valiosa para quienes buscan comprender la esencia de la música árabe y el poder y llegada en el público que disfruta de ella.
Me parece importante abordar los inicios del Islam, porque sirve para poder contextualizar apropiadamente las prácticas artísticas que tienen alguna relación con los territorios vinculados a su influencia. Por otro lado, también ayuda a romper algunas ideas que pueden circular y contribuir a ciertos mitos en torno a nuestras danzas, que no hacen más que perpetuar estereotipos ligados a ideas orientalistas. Por ejemplo, no es raro encontrarnos con alusiones a esclavas en harenes árabes que bailaban para un sultán u otra figura similar. Estas clases contribuyen a comprender, por ejemplo, los procesos históricos que llevan a determinadas organizaciones familiares, a poner en duda si existían tales harenes de esclavas, si tenemos o no evidencia de las danzas y de la música (seguramente las hubo, porque están presentes en todas las culturas hasta donde puedo pensar, y, de hecho, están ligadas a nuestro desarrollo individual como especie, pero no sabemos cómo eran).
Me encantó la clase. Sobre todo que la improvisación no es “desordenada”, comparándolo como hablar sin estructura gramatical. También fue un gran repaso de tiempo, estilo y lo que significa un ritmo circular, un rebote. Me encantó la historia de la bailarina que salvó el Drum con una espectacular caída Turca, entendiendo lo impactante que debe ser tanto inicio como cierre. También tema de identidades culturales con los énfasis que realiza. Interesante lo que menciona que la base no se baila, pero más referido a que se prioriza la interpretación sobre la monotonía de la base y el uso inteligente de los recursos sobre la variación, por lo que es interesante desarrollar el estilo propio, así como el vocablo cultura. Destaco mucho lo que mencionó del entrenamiento físico, ya que un Drum Solo es realmente agotador con tanto shimmy, aparte como menciona, bajar la ansiedad porque se está en óptimas condiciones físicas y mentales.
En el texto se ve claramente cómo la imagen de la mujer gitana ha sido aprovechada y/o explotada en muchos contextos, desde concursos de belleza hasta la danza del vientre, para generar beneficios económicos. A pesar de que los organizadores de estos eventos suelen justificarlo como una forma de empoderar a las mujeres gitanas y desafiar estereotipos negativos, la realidad es que, muchas veces, lo que realmente se está haciendo es mercantilizar su imagen, enfocándose en su sexualidad y “exoticidad”. Aunque estas mujeres ganan algo de visibilidad, y acceden a algunas oportunidades, esta visibilidad sigue siendo muy superficial y está basada en estereotipos que las limitan.
Es interesante cómo, incluso cuando los propios romaníes intentan apropiarse de estas representaciones para aprovecharlas económicamente, siguen siendo marginalizados en la industria. A pesar de participar activamente en su cultura, no tienen el control real sobre la forma en que se les ve ni los beneficios que generan estas imágenes. Se habla de cómo, a pesar de que los gitanos pueden estar involucrados en la producción de estas imágenes, no se benefician de la misma manera que los no gitanos.
Al final, esto muestra cómo las desigualdades de poder, tanto económicas como sociales, siguen impidiendo que las mujeres gitanas tengan una verdadera autonomía, aunque a veces parezca que hay algunos avances.
Sobre el video de la Historia de la música, me parece muy importante saber como fue su origen y su evolución desde la perspectiva de una bailarina.
A través de las investigaciones podemos saber que comenzó en la época pre-islamica entre dos Imperios enemigos : Bizantino y Sasánida. En donde la cultura se destacó por la Oralidad y la Poesía la cual fue primordial para el comienzo de la Música.
Se podían escuchar canciones simples como las folclóricas y también las poesías las cuales se recitaban en las casas de los nobles.
Paso el tiempo y Mohamed inicia la cultura de la religión, llegó para unir a la población políticamente y religiosamente.
En la ciudades Maca y Medina fue fundada la tradición musical ya que las casas se transformaban en salones de entretenimiento para las bailarinas y los cantantes.
Todo el esplendor de la época da paso a la música y su evolución la cual es primordial saber y entender así sabemos lo que bailamos.
Con esta segunda clase de la Historia de la música me parece importante de la época de los Califatos de Omeya que pudieron poner la lengua
Arabe como oficial y que a los músicos se los alentó y patrocinó. Haciendo que sean alentados a cantar alabanzas y poemas con música.
Gracias a esto puedieron convertir sus casas en escuelas de música.
La otra parte importante de esta clase es sobre el Califato Abbasida, donde se busca un músico que sea perfecto, cumpliendo con varios requisitos como por ejemplo: ser dotado de un talento natural para la música, tener creatividad, tocar algún instrumento, ser cantante, saber escribir prosa, entre otras cosas también debían tener habilidad en el escenario.
Lo bueno de esta época es que las reuniones formales e informales ayudaron al desarrollo de la música.
Me parece interesante lo que dice Farida porque cuenta cómo algo que era parte de la vida diaria terminó transformándose en una danza escénica. La milaya no era algo con lo que las mujeres egipcias bailaban, sino una prenda que usaban para cubrirse, pero en el teatro se convirtió en una extensión del movimiento.
Con el tiempo, muchos creyeron que era una danza tradicional cuando en realidad fue creada por la Reda Troupe.
Es muy importante conocer el origen de lo que bailamos, para entender mejor su significado y respetar su historia.
Hoy en día la milaya ha evolucionado mucho, con una interpretación más artística y estilizada Aunque su origen no es tradicional, se ha convertido en un símbolo de elegancia y feminidad.
Comprendo que la música nubia es como un puente entre el pasado y el presente, entre lo perdido y lo que se ha adaptado.
También me solía pasar de escuchar la música alegre, y pensamos que es solo una canción para bailar, pero detrás de esas melodías y ritmos hay historias que nos hablan de un sufrimiento que no conocemos.
Nos cuentan de la tristeza por lo que se ha dejado atrás, el anhelo de regresar a un lugar que ya no existe, es algo que se canta y se baila, porque a través del arte los nubios encontraron una manera de hacer que sus recuerdos sigan vivos, sobre todo para las nuevas generaciones.
En los ejemplos de músicas mencionados “Wa Nuba” al escucharla me transmite nostalgia al cuestionar si algún día podrán olvidar su tierra natal, con recuerdos tan presentes como las aguas del Nilo o las playas donde solían correr.
Estos ejemplos muestran cómo la música se convierte en una forma de procesar el desarraigo, una forma de recordar lo que se perdió y, a su vez, una manera de honrar esa tierra que ya no pueden habitar.
Súper interesante poder acercarme un poquito a la psicología aplicada a la danza, agradezco por haberme acercado este material y una genia Leto!!! Comparto con lo comentado en la clase sobre poder proporcionarles a los alumnos y alumnas un buen entorno de enseñanza, de calidez y de no minimizar las motivaciones de los mismos ya que todos podemos tener motivaciones diferentes y que pueden ir cambiando a lo largo del tiempo. También rescato la idea de poder utilizar imágenes de los alumnos o incluso videos en vez de dibujitos o fotos de bailarines quizá un poco más inalcanzables, si hay una de las cosas que destaco de Estudio SAHAR y que como docente empecé a incorporar es esto, poder visibilizar el trabajo de alumnos y alumnas.
Me ha sorprendido y es llamativo saber que historiadores islámicos se refieran a la música y poesía de la época pre-islámica como simples canciones folclóricas, dado que no hay registros de ellas por su oralidad, dejando asi un sello de duda en el lector.
También es interesante la aparición del “sonido” como música, los cantos fúnebres y lo musical/danza relacionado con las esclavas (como estamos acostumbrados a leer y saber de la época).
El hecho de que las ciudades santas sean centros de expansión de la música y poesía, hizo que se expandiera esta hacia otras culturas y que a su vez se la relacione con la religión.
Considero que esta clase es rica en contenidos para una bailarina, dado que nos explica el comienzo de la música relacionada con la religión y la historia.
Me encantoooo!!! Y también me sirve un montón para trabajar la Mellaya de este año. Súper clara la explicación de Ingrid en cuanto a lo técnico y lo expresivo también.
La segunda clase de historia de la música árabe ayuda a comprender su relación con la religión y poder compararlo con la actualidad; como cuando se relaciono la música como algo sexual o pagano y hoy lo vemos reflejado en la danza. Para que la música árabe creciera, su popularidad en la capital del califato y, por lo tanto, el comercio y sumado a las conquistas territoriales, hicieron posible que se sumaran elementos nuevos y nos cuestionemos “la tradición musical” de la época del califato omeya. Este cuestionamiento se produce porque al conquistar nuevos territorios, se “apropian” aspectos culturales de las nuevas tierras y se incluyen en lo”tradicional” del imperio; entonces, no existe tal tradición musical árabe. Así mismo es interesante saber que desde allí, se utiliza la lengua árabe como oficial en dicho imperio; porque los registros musicales tengan, por consecuencia, es su mayoría, su lengua en la voz.
Es importante destacar que en el califato Abbasida se alienta a la música, los músicos crean escuelas y la esfera de lo artístico crece.
Nos muestra las bases de la música árabe, su relación con la danza, religión y expansión de la misma .
La importancia de la ritmologia y el pulso en la bailarina es primordial porque ayuda a que se desarrolle mejor en su repertorio y que sea mas fácil identificar como sera la música y la composición de la misma. Como dice Touma, existen dos géneros: 1) con organización rítmicos temporal fija y 2) con organización rítmico temporal libre.
Si una bailarina sabe reconocer estos géneros, le será fácil saber cual sera el estilo que bailara y como podrá ejecutarlo de la mejor manera posible. Por ejemplo: en el primero genero, se encuentran canciones que tienen pulso y ritmo, donde se podría hacer mas “fácil” bailarlo a quien sea principiante o le cueste encontrar el ritmo/pulso porque son, generalmente, secuencias musicales repetitivas que se pueden aprender por escucharlas mucho tiempo y memorizarlas a tempo.
En el segundo caso, como podría ser un taxim, es mas “difícil” llevar a cabo una secuencia bailada, dado que al no tener un pulso ni ritmo especifico, cuesta tomarlo como referencia para lo que vendrá musicalmente y ayudarnos a improvisar.
Por lo tanto, practicar el pulso y tener conocimiento de ello, supone de una herramienta fundamental para la bailarina.
Entrenar el oído relacionado con el compás, pulsos y acentos sera de gran ayuda para la bailarina porque le permitirá reconocer melodías y ritmos donde podrá poner cierta secuencia de baile que se relacione con la música. Así mismo, saber que iqa tiene un compás de cierta cantidad de tiempos, también le permite saber, por general, que estilo estará bailando, dado que en la música árabe se relaciona estilos con pasos específicos y sus ritmos,
Muy buena clase para refrescar el contexto durante la etapa de la jahiliya tanto de la música principalmente, como de la danza de esta zona (si bien de la última no tenemos tantas evidencias). Con la llegada del Islam y la guia de los hechos y dichos del profeta nos da la pauta que todo lo que Muhammad vivió, como el enfrentamiento con las qiyan, marcará una manera de manejarse por parte de los musulmanes que estarán sujetos a los hadicez. Y no es de sorprenderse que hoy en día hayan bastantes asperezas con el arte musical, si en dicho momento el profeta condenó a las esclavas cantoras por cantar en su contra. Me pareció muy interesante hacer ese paralelismo para poder también entender el manejo de la cultura islámica y entenderla desde cierto punto
Esta clase es muy importante porque aprender que los ritmos contienen sonidos y silencios, hace que la bailarina comprenda y le sea mas fácil poder ubicar pasos y secuencias en relación a ello. Agudizar el oído y aprender sobre pulso (constante o irregular), acentos y ritmos es fundamental para la misma. Cuando mayor sea su conocimiento sobre este tema, mayor facilidad tendrá a la hora de ejecutar una coreografía y reconocerlos.
Me ha costado un poco hasta que el ejercicio del chasquido y subir y bajar la mano me ha sido de gran ayuda para colocar las figuras a tiempo y llevarlo mejor con el pulso. Aunque puede ser complicado al principio, requiere de practica porque es algo que utilizaremos siempre de aquí en adelante y es de suma importancia. Contabilizar el numero y cantidad de figuras, puede ayudarnos a saber si esta bien escrito o no, cuando el numerador y denominador sea diferente al tiempo del ritmo, por ejemplo.
Aprender sobre la lectura de las figuras, puntillo y anacruza, nos permite saber sobre como reconocer, leer y aprender correctamente los ritmos. Si tenemos en cuenta lo aprendido hoy en esta clase y nos encontramos con un derbakista, nos será fácil reconocer, por ejemplo, si en algún ritmo utiliza la anacruza y nos damos cuenta, para ejecutar correctamente los pasos con la música.
Aprender sobre la estructura de la música es fundamental para la bailarina y el ejemplo que dio Marina de su alumna donde corrigió su coreografía e hizo que analizara la canción, demuestra que estudiarla nos favorece mucho y logramos así una optima interpretación de la misma. En lo personal también me ha pasado algo similar con un tema romántico y cuando traduje la letra, lo sentí distinto y pude interpretarlo de otra manera. Aunque nos lleve mas tiempo analizar la estructura y forma musical, nos enriquece y ayuda a la hora de armar la coreografía correctamente.
Conocer estos 3 tipos de formas musicales y sus improvisaciones es importante para la bailarina. El layali sabemos que dice, por lo tanto, acompañaremos los pasos o secuencia en base a la voz pero también a la música. En cambio, sabemos que los mawwal son improvisaciones vocales de poemas relacionados al amor, entonces tenemos allí una “ayuda” sobre lo que dirá la letra y como podemos interpretarlo. A su vez, el taxim, que es una improvisación musical, debemos tener en cuenta que instrumento es que realiza dicha improvisación para definir si nuestros pasos serán mayormente mas de ondulación, vibración o de golpes.
Saber esto, nos ayuda mucho tanto para la música como para la danza.
Saber que los taxim tienen secciones musicales de diferentes tiempos y que pueden ser clasificados por ello. Que pueden tener ritmos (que son tocados por otro instrumento) y que siempre, o como norma general, la bailarina debe seguir el taxim y no la melodía que lo acompaña. Y que los silencios, si son respetados, aunque no siempre, por la bailarina, nos aporta también mayor “comprensión” de aquello que improvisa el músico y de esa forma, iríamos en sintonia con este.
No conocía el termino de eftatahya ni su estructura (algo suponemos como bailarines pero no tan detallado) y me parece super importante poder escucharlo y saber desglosarlo. Los dos tipos de estructuras son útiles para poder despedazar la canción y hacer un uso eficaz de la secuencias y pasos para las coreografías,
Al principio me ha costado entender esta manera de escritura y lectura de ritmos pero luego me di cuenta que es mas fácil y a su vez, es mas probable leerlo correctamente con las notas musicales y sus silencios que la escritura de, por ejemplo, D–T–T-D–T
También he aprendido a escribir los ritmos con el método de Saida pero al aprender a escribirlos como lo hemos hecho hoy, siento que es mas fácil de leer y escribir; Porque a veces en exámenes hacen que los escribamos y nos hacemos lio con los silencios y tal. De este modo, si quiero escribirlo, es mas fácil y hay menos errores de escritura.
Que clase tan maravillosa, no tenia idea de la existencia del Tabloh en el bellydance,
Se podría decir que es una expresión escénica coreografiada, que permite hacer lucir a la bailarina revelando toda su capacidad artística en diferentes tipos de géneros dancísticos y arte (como cantante y bailarina), con una narrativa visual, contando una historia determinada. En definitiva, el tabloh es una manifestación del aspecto teatral y narrativo del bellydance, que en mi opinión, enriqueció la danza, situándola dentro de un contexto cultural más completo, integrando mas bailarines en escena, compositores, guionistas y gente profesional, con un protagonista central: la bailarina principal.
Fue muy interesante ver a bailarinas como Fifi Abdu, Nagwa Fuad y la pequeñita Fairuz, cuyo conocimiento artístico no nos da más que un gran ejemplo de arte y versatilidad.
Seria muy interesante traer al tabloh de vuelta, es una pena que ya no se lo realice.
Gracias Mari por tan linda clase!
Hermosa clase llena de info!!! Me resulo super interesante e importante, a la hora de hacer correcciones, poder destacar en principio lo positivo, aquello que SI logró el alumno y aplicar también el método “sándwich” resaltando algo positivo, en el medio algún aspecto a corregir y luego otro comentario positivo. Por otro lado me resulta de suma importancia poder captar que tipo de mensaje me está transmitiendo el alumno para poder entender si es le está ocurriendo algo en lo personal que le esté generando alguna traba o desmotivados con respecto a las clases y poder acompañarlo. Por último creo muchísimo en poder destacar más los procesos que los resultados, aquellos alumnos que quizá les cueste un poco más pero que se ve un compromiso y ganas de aprender, creo que es mucho más valorable a que el producto final sea el único objetivo, es transmitir como profe la idea de poder disfrutar en la muestra final el proceso de trabajo de todo un año.
En principio quería aclarar que la verdad no manejo para nada el inglés, intente traducir con googleo pero hay partecitas que no me las traducía . Pude rescatar un poco la idea de que la milaya era entendida como algo tradicional/indígena (solo un atuendo) pero que con el tiempo se convirtió en una extensión de la danza y fue creada por Mahmoud Reda y llevada a caso por la RuedaTroupe.
Armar secuencias con los ritmos, me ha servido luego para identificarlos también cuando los escucho, porque recuerdo que ciertos pasos he usado y caían en cierto tiempo y me ayudaba a deducirlos. También el estilo del ritmo y en donde podríamos escucharlos.
Es cierto que en un mundo del bellydance siempre se relaciona el saidi con raqs al assaya únicamente pero es un termino de una región que abarca muchísimas danzas, como hemos visto en esta clase.
En este artículo de Farida se puede ver claramente cómo la falta de información a la hora de representar o interpretar una danza puede llegar, incluso, a generar un mal estar y una falta de respeto para aquella personas que respetan su país y sus tradiciones. Farida nos comenta que la Millaya formaba parte del patrimonio cultural de su país y que la información errónea produjo que tanto la danza como la vestimenta se desdibujara totalmente y perdiera su verdadera esencia. En principio la Millayah la utilizaban las mujeres de bajos recursos para cubrirse la ropa al salir de sus casas, una envoltura que llevaba la Bint al balad, que luego fue tendencia en la moda y a modo de teatralizacion fue llevada por Mahmoud Reda al escenario. Me resulta fascinante como el coreógrafo se baso en los personajes y en el ambiente en donde había crecido y su cultura para crear esta “danza”.
En este texto se puede observar un análisis más profundo acerca del Tarab. Esta conexión entre musico y espectador se produce a partir de un estado recíproco entre ambos, los estados emocionales que se hacen presentes son provocados tanto por el ejecutante como por la audiencia. Y no se habla solo de Tarab como un estado de emocionalidad elevado que puede tanto de alegria como de tristeza, sino que también refiere a un estilo de música. Me resultó muy interesante esta idea de que el Tarab es el punto en donde se encuentran el sentimiento y el intelecto del músico que es quien compone, interpreta e improvisa. También, así como el músico está formado en la cultura del Tarab, el autor describe como los oyentes deben estar cultivados en el arte y deben tener un oído astuto, se habla de un oyente ideal para el completo disfrute de la experiencia. Por último, mucho se remarca el Tarab como una filosofía estética con un estilo y una forma particular de ver la música desde una autenticidad cultural que caracteriza a un pueblo.
Me encantó el curso en general, muy clara Joana explicando tanto la pare teórica como a técnica/práctica también. Me guso mucho poder conocer esta danza romani un poquito más en profundidad situándola ya por zona geográfica, en este caso desde la danza de los balcanes donde ya se conoce con un nombre en específico “el COCEK”. Y que no sólo es una danza sino también es una forma musical y na forma de vida. El Cocek como danza tiene como característica principal la improvisación que suele bailarse de forma individual y manteniendo una forma e semicírculo con movimientos pequeños sutiles, Joana nos dice que se baila desde adentro (sentido, con el Alma) hacia afuera con total naturalidad. Pero al querer adaptar esa danza y también a música para escenario, dice que la esencia se pierde totalmente, ya que los movimientos van a ser más grandes, la improvisación se pierde o se realiza enmarcada dentro de una estructura. Por eso, creo que hay que tener mucho cuidado y respeto al representar una danza tradicional de un pueblo, creo que está buenísimo dar a conocer, en este caso está danza, pero siempre cuidando su esencia.
Me fascina el Dabke y agradezco este material para acercarme un poco más a esta danza. Sabía que surge de una danza social donde las personas se juntaban para construir sus viviendas, donde tomados de las manos ejecutaban pisadas fuertes para compactar los techos y esta acción se acompañaba con patrones rítmicos. Me llama la atención cómo está danza social paso a ser una danza de carácter político, con el propósito de transmitir un mensaje político como por ej sucede con la cuestión palestina. Las representaciones transmitían declaraciones de resistencia frente a la dominación israelí. Tuve la oportunidad de tomar una clase de Dabke en la embajada palestina y recuerdo que presentaron esta danza como una danza de resistencia y luego al bailarla me súper emocionó y al leer este texto puedo entender un poco mejor lo vivenciado, desde la idea de una danza social ya que bailamos en filas y semicírculos tomados de la mano y esta cuestión política como danza de resistencia tomando el contexto por cual Palestina está pasando.
Es cierto que es un recurso como bailarina reconocer los instrumentos y eso le dará una herramienta importante, ya que sabemos que si son de viento, predominan las ondulaciones, si son de cuerda las vibraciones y de percusión con golpes (en general).
Lo que plantea Farida es correcto dado que no podemos llamar “Saidi” a una sola danza donde el Sa`id es una zona geográfica, por lo tanto decir “saidi” no estaríamos incorporando a todas las danzas que se encuentren allí.
Es importante también su estudio, dado que sino repetimos un concepto erróneo y se sigue replicando. Tal como es el caso de “danzas árabes” para denominar al bellydance o danza del vientre, cuando hay danzas que quizás bailemos que no sean árabes y están siendo mal clasificadas o invisibilizadas.
En lo personal no tenia conocimiento acerca del termina Eftatahia, me parece que al conocer el término nos da más posibilidades también a la hora de buscar música.En cuanto a los distintos análisis planteados en la clase , creo q enriquecen nuestra manera de bailar y coreografías. Aprender a desglosar la música y analizarla hace más rico nuestro proceso
Nunca me han enseñado el samai como pieza musical y estilo, solamente sabia sobre el ritmo. Me parece una composición musical muy bonita y que sea casi todo valseado, me parece aun mas interesante. Considero importante también saber la diferencia entre estas definiciones, dado que sino hablamos de dos conceptos diferentes pero le damos el mismo nombre, como con el saidi para referirse al Raks Al Assaya.
Es interesante ver como en el principio del texto se muestra la música y la danza como algo pagano, instigador de lo sexual, que anula la hombría, etc. A su vez, que la música hace que nos conectemos con las emociones y si un hombre llora, no será recibido por Allah; y que si una mujer canta, es instigación de fornicación, por lo tanto, Allah no la recibirá.
Luego se explica como, a medida que pasa el tiempo, se comienza a relacionar la danza y música con el alma, con Allah, y ello lo lleva a verlos, por algunos, como algo bueno… Pero, como dijo Al-Nabulusi “si cantar, tocar instrumentos y bailar sirven a buenos propósitos, son permisibles. Por el contrario, la música, en todas sus formas, debe ser desterrada si se asocia con pasiones e intoxicaciones”.
Frases como la siguiente “Muchos eruditos se refieren al efecto dañino de la música en el comportamiento y el juicio del hombre, ya que lo impulsa a actuar como alguien que se ha vuelto loco, un efecto también asociado con beber vino, fornicación y otros vicios.” son interesantes para analizar y su relación con la religión. Todo esto fue dicho aunque no este nada escrito ni prohibido en el “Coran”, lo cual resulta interesante.
Me parece super interesante que el Coran no hable ni prohíba la música pero si que lo hagan las personas en nombre y honor a Allah. También como se ha perdido parte de aquel momento en relación a lo cultural, dado que a través de la música, se quedaran registros de aquel momento. Es impresionante como en nombre de una religión o en afán del bienestar de una población, se prohíban cosas que, en verdad, pueden generar distintos sentimientos o actitudes en diferentes personas.
Es importante que la bailarina siempre, o en su mayoría, siga la melodía (cuando se trata de un taxim con base rítmica). A su vez, que la bailarina se acostumbre y sepa como se componen los taxim y sus fases, le permitiría improvisar mejor, es decir, saber que al principio sera mas suave, que la música irá aumentando hasta su punto máximo que nos demuestra que se acerca el final, etc.
Brazos 2da-relajada, manos ondulantes, no separar tanto los pies para que gire la cadera, el pie sale en kick siendo el último el izquierdo.
Golpes
1. Tendu derecha, luego maya
2. Media luna cabeza D-I
3. Caderas x2 adelante
4. Pie izq atrás + golpe cadera
En el maya, brazo contrario en nuca, brazo del maya en 2da.
Media luna cabeza es derecha a izquierda y con brazos en “A”.
Mantengo “A” en los golpes adelante.
El de atrás, el brazo del pie que va atrás se estira hacia adelante. Otro en 2da.
Caminata
1. Piso I, piso D, piso I, Coupe D
2. Piso D, piso I, piso D, Coupe I
3. Piso I, piso D, piso I, Coupe D
4. Piso D, piso I, piso D, Coupe I
Brazos en “A”.
Cuerpo se inclina al lado contrario del passé. Como que te persiguen o empujan.
Hagallah
1. Pisa atrás I con descaderado
Pisa atrás D con descaderado
2. Contrapaso
(Pisa atrás I, luego D rotada planta)
3. Hagallah I
4. Hagallah D
Se mantiene la “A”.
Para los hagallah se estira completamente el pie hacia adelante.
Chiquititos con Derecha
1. Chiquitito: Mirando a “8”, piso atrás D + shimmy Piso I + shimmy sobre el sitio
2. Piso adelante D twist D (izq rota)
3. Giro: Pisa I adelante giro horario (hombro derecho
4. Caminata:
Ronde de Jambre D atrás
Abro pie I
Cruza D por delante
Abre I para terminar en 4ta mirando “8”
Para el chiquitito, el brazo del pie que retrocede en cuchara, el brazo contrario estirado al frente.
Para el twist regreso a “A”.
Giro en 2da pero termino con brazos en 1era haciendo globo los cuales abro mientras hago el paso 4, quedando en una 2da de ballet.
En los camello reverse, el Pie I sigue el planta, pero el D está en punta, mientras que se mira a “8”.
Para girar el pie D en punta se planta detrás y se gira en 2 tiempos.
En el maya el brazo del maya va en cuchara, el contrario en 2da.
Para los balance, es un 8 arriba con cambio de peso sin cambiar posición de pies pero procurando cadera abierta para no tener pierna chueca.
El brazo peina el lado contrario a la cadera que sube, el otro está en 2da.
Volcada peque con pecho
1. Cadera volcada
2. Cadera volcada + medio giro fast
3. Pecho hacia izq
4. Pecho hacia izq
Brazo contrario (I) estirado, otro en cuchara.
Para pecho, brazos suben y bajan tipo ofrenda con codos hacia atrás.
Camello con triple paso
1. Camello pie D atrás hacia “8”
2. Camello pie I atrás hacia “7”
3. Giro + Camello pie D atrás
4. Girar al otro lado + Camello pie I atrás
Para el primer camello se pisa derecha atrás, pisa izquierda en sitio, luego regresa derecha pisando al centro.
Para el giro a la hora que pisa la I para regresar en 6ta se da un medio giro.
Giro y pose final
1. Giro detourné derecha
2. Bajar cabello adelante
3. Girar en 2da con cabello
4. Pose final
Pierna derecha cruza hacia adelante pero el cuerpo mira hacia atrás. Mirando hacia atrás, pierna derecha adelante 4ta, manos en “pockets” con la derecha atrás en costillas y la izq adelante.
Me desenredo en medio giro para ir abajo.
Bajo torso con manos al piso, subimos abriendo brazos mientras peino mi cabello hacia atrás. Giro cabeza en 2da.
Es interesante que se ponen a europeos de jueces en la conferencia y que la falta de la armonía en la música árabe y que su “progreso” sea buscado en el occidente ya que la música estaba desordenada y representada por músicos que no habían sido escolarizados y que no representaban la cultura musical de Egipto y por lo tanto, la imagen cultural nacional e internacional que se esta dando, no es la deseada. Si el desarrollo esta en Occidente, serán ellos los que juzgaran.
Dentro de la conferencia de 1932, el comité de instrumentos musicales debía determinar qué instrumentos europeos podrían utilizarse adecuadamente en la música árabe. Buscaron desarrollar estrategias que dirigieran el cambio musical en los años venideros. Se aferraban a la creencia de que la teoría debía generar una práctica, no al revés. Para ello, el comité dio pautas para la enseñanza curricular de la misma.
Dicho esto, en aquel momento, dio sus frutos y han logrado parte del objetivo pero al pasar los años, el autor consulta aun músico en 2005 y le dice que vuelve a estar la misma problemática “los institutos de música no exigen ni enseñan de una manera que hagan profesionales de 1er nivel” donde aquellos que desean serlo, deben buscar sus caminos por fuera del instituto porque allí no lo lograran.
Es interesante que antiguamente y contemporáneamente se clasifiquen en 3 divisiones a los instrumentos: cuerda, viento y rítmicos. En el siglo IX, se le daba más importancia a la voz y se decía que los instrumentos frustraban el deseo de libertad total del cantante. A su vez, era complicado encontrar audiencia que escuchara solo la melodía sin voz, como han intentado con el laúd; tuvieron que volver a tocarlo con un cantante. En el texto, se explica el origen o donde se tiene registros de los primeros usos de los instrumentos, como evolucionaron y la adaptación de instrumentos occidentales en la música árabe después de 1932
Otro curso increíble de Joana tanto a nivel teórico, técnico y coreográfico. Gracias por todo este material!!! Me llamo mucho la atención lo diferente que es esta danza a comparación de la danza romani de los alcanes, cada una una con su historia, sus influencias, su técnica, sus vestuarios; y lleva reflexionar como dentro del Bellydance tendemos a homogeneizar todo en una misma danza “gipsy” como si solo hubiera una forma de bailarla. En este caso, en la danza romni rusa nos encontramos con que se diferencia la forma de bailar de los hombres con la de las mujeres. Russka Roma no sólo refiere a la danza sino que también es así como se denomina a uno de los subgrupos étnicos gitanos de Rusia. Algo que me llamó mucho la atención la inspiración de los movimientos que tienen que ver, por un lado con los movimientos de los caballos (en cuanto a tecnica de los pies), y por otro lado, los movimientos de los brazos relacionados a los pájaros. Una combinación musa tierra en la zona inferior y muy etérea en la parte superior del cuerpo. Por último me resultó super emocionante el final e la clase teórica, ee breve momento para recordar el dolor con el que el pueblo romani carga. Hermosa la coreografia con la música de su himno.
Tremenda clase!!! Un super desafío, y mucho ensayo. La explicación técnica es muy clara y agradezco los tips interpretativos también. Poder escuchar la música y reconocer qe emociones nos generan en cada parte y a prir de ello el poder armar parasitaria una historia.
Me encantó la clase (aunque no haya comprendido una sola palabra el inglés) me qede con anas de seguir bailando, los movimientos pudieron verse super claros y además de los Haggalas 1,2 y 3 que ya conocía me encontré con otros pasos (también conocidos) pero que no sabía que eran utilizados para bailar esta danza.
Es interesante como Irene nos explica que la Ughniya Tawila tiene toda una estructura pensada para generar emociones y que cada sección cumple una función; con la introducción te sumergís en el ambiente, las frases van construyendo la intensidad, algunas generan tensión y otras sirven como pausas o transiciones, y la voz entra en momentos claves para transmitir la emoción máxima o alcanzar el Tarab.
Me llamó la atención cómo se juegan con los registros y la tensión, subiendo y bajando para generar diferentes efectos. También que hay muchas repeticiones, pero con variaciones sutiles que van sumando emoción o generan otra.
Además me gustó que nos haya explicado la letra del tema elegido también para poder entender más la interpretación de la cantante y la relación con la música que acompaña a la letra.
Ahora entiendo mejor cómo se construye la Ughniya y seguramente lo escuche con más detalle en el futuro.
Me encantó esta clase de psico. aplicada a la danza ya que aprendí y me hizo entender muchas cosas; muchas veces en la danza nos enfocamos solo en la técnica, en los pasos, en cómo se ve desde afuera, y nos olvidamos de lo que pasa adentro, como la confianza que se entrena y no es algo con lo que simplemente se nace. Y la pirámide de la actitud escénica muestra que la motivación sostiene todo: sin ella, la confianza, la intensidad y la concentración se desmoronan, y no habría mejoría en ningún aspecto. Y cómo sostener esta motivación a nuestros alumnos, porque no solo se trata de marcar errores y corregir técnica, sino de entender qué le pasa a cada alumno con la danza. Acompañar en la parte mental y emocional también es parte del trabajo en la danza. Me encantaron los tips.
Me parece interesante como la comunicación está en todo, incluso cuando no hablamos. Y para que esta sea efectiva es clave adaptarnos a cada alumno y cada situación, ser claros y dar mensajes con información útil, no solo marcar errores sino también corregir y reforzar lo positivo. Además, es importante separar hechos de opiniones, evaluar conductas y no personas, y ser coherentes entre lo que decimos y hacemos, todo esto para generar una buena relación con el alumnado y que ambos se puedan comunicar claramente y sin males entendidos.
Me encantaron estas sugerencias que sin dudas las implementaré.
Es interesante la influencia de occidente y las “peleas” internas de nacionalismo y la evolución de la música árabe por fuera de sus “raíces”. A pesar de las conquistas que han tenido, han decidido sumar elementos de aquellos países y de otros, sin influencia (como Latinoamerica) a la propia y es interesante de analizar dado que esto hace que la música árabe actual sea lo que es.
Me parece super poder conocer las variaciones del ritmo, porque a veces pasa que los escuchamos con rellenos o alguna marcacion distinta pero es el mismo ritmo.
Me gusta saber sobre el origen o para que suelen utilizarse los ritmos porque nos ayuda a poder interpretarlo con pasos o secuencias bailadas que sean “acordes” o tengan congruencia con el mismo.
Es importante saber sobre la regla de oro porque nos ayuda a “predecir” de alguna manera, lo que sigue; cuando escuchamos el primer ritmo, sabremos que será repetido 3 veces mas y nos da tiempo a improvisar dentro de la estructura y pensar que pasos podríamos ejecutar. A su vez, me parece fundamental saber sobre el código del final, que a veces a las bailarinas, se nos hace un lío, si terminamos luego de girar, si esperamos un tiempo, si nos acercamos al derbakista, etc. Marcos lo ha dejado muy claro y es de muchísima ayuda.
Muy interesante los nuevos artistas que mencionaste Maru: los MUKHANANATUN Y los GHULAMIYAT. En cierto modo estos dos grupos también eran esclavos. Los primeros, que si bien ellos elegían pertenecer a ese grupo, eran perseguidos y hasta castrados y el segundo grupo estaban destinados a satisfacer deseos de terceros, De cierto modo todos estos artistas como las qiyan, los MUKHANANATUN Y los GHULAMIYAT estaban privados de su completa libertad. Habia una gran valorizacion del arte pero siempre y cuando sea reprimido y se lo pueda utilizar para fines onerosos y hasta morbosos.
Me parece importante adentrarse en el conocimiento de estas épocas, sobre todo la época abásida, debido a su relevancia en la conformación de la identidad árabe-islámica. Destaco algo que también menciona Evelyn: la participación en el arte de las personas esclavizadas, el arte y el entretenimiento como parte de servicios que se brindaban de manera forzada a las clases más privilegiadas.
Profundizando sobre el tema Taxim, el taxim es una improvisación instrumental de un instrumento melódico, como el laud por ejemplo. Su estructura contiene pausas esas pausas se utilizan para que el musico se conecte con el público, a través de expresiones. La intencionalidad de los taxim tiene secciones, que pueden ser minúsculas, cortas, medianas o largas. Los taxim pueden ser Tipo A, B o C. El Kaflah, es el cierre o final de un taxim.
Finalmente hay 4 usos del taxim, 1- solo instrumental. 2-introduccion a una pieza. 3- en el medio de la pieza. 4- como transición de una pieza a otra.
La improvisación es una creación, es algo nuevo, cuando bailamos una improvisación usas las herramientas que vamos adquiriendo. En este capitulo hablamos de las formas musicales de Layali y Mawwal. Layali es una improvisación vocal , puede ser solista o vocal. Se menciona constantemente una frase, puede estar acompañado con un instrumento melódico o un grupo de instrumentos. La otra forma musical es el Mawwal, que es una improvisación vocal. Puede ser solicita o acompañado. Se encuentra en la música clásica y en la folclórica. Se canta una poesía no solo una frase. Conocer las diferencia ente estas formar musicales, no ayuda a poder bailar mejor una improvisación.
La cuestión de la mujer en Egipto está atravesada por varios temas como la religión, política, cultura, y sobre todo por cómo se fue construyendo la idea del “honor” ligado al cuerpo y la sexualidad femenina. Leila Ahmed muestra cómo, con la llegada del colonialismo y los proyectos de modernización, las mujeres empezaron a quedar en el centro del debate, como si de ellas dependiera el honor de toda la nación.
El islamismo, que impone una visión muy estricta del Islam, también influye mucho en eso: en el uso del velo, la segregación por sexo y la reclusión femenina. Pero no es solo una cuestión religiosa. También los europeos (Inglaterra y Francia) usaban la “posición degradada” de las mujeres como excusa para justificar su dominación, diciendo que esas sociedades estaban atrasadas.
Edward Said, con la idea de orientalismo, explica que Occidente necesitó inventar una imagen de Oriente como algo rechazable e inferior. En ese marco, el cuerpo de la mujer egipcia era como una especie de “geografía imaginaria” que representaba lo que había que controlar. Incluso el espacio que ocupaban las mujeres, o cómo se vestían, pasó a tener un sentido moral y político.
Luego en las clases altas empezó a haber una especie de imitación de costumbres europeas: las mujeres salían más a la calle, iban al teatro o a pasear, y se metían en una lógica de consumo y moda. Todo esto muestra que la figura de la mujer siempre fue usada para marcar límites: lo nacional, lo moderno, lo moral, lo correcto.. pero casi nunca desde lo que ellas realmente querían o pensaban.
Durante mucho tiempo se discutió el lugar de la mujer no solo como una lucha por derechos individuales, sino como parte de lo que se esperaba para un país moderno, para proyectos nacionales, y el deseo de progreso de las élites. A la mujer se la veía como un símbolo del atraso, pero también como clave para el progreso, lo que generaba muchas contradicciones; se esperaba que fueran modernas, educadas, pero al mismo tiempo se les limitaba el acceso al espacio público y político.
A pesar de todo eso muchas mujeres no se quedaron calladas: muchas mujeres comenzaron a aparecer públicamente. Escribían en revistas, participaban en la prensa feminista, en la política. El caso de Huda Shaarawi sacándose el velo en 1923 fue un símbolo fuerte del ingreso de la mujer al espacio público, pero no fue la única: hubo todo un movimiento, como esto provocó que muchas mujeres se quiten el velo en otras partes, y como la asociación Bint al-Nil de Doria Shafik, que buscaban transformar el lugar de la mujer desde adentro.
Es interesante ver cómo el feminismo en Egipto fue moldeado y muchas veces controlado por el propio Estado.
Bajo Nasser, las mujeres ganaron ciertos derechos, pero no por una convicción feminista real, sino porque al régimen le servía mostrar una imagen de modernidad y progreso. Se dieron algunos derechos sí, pero al mismo tiempo se intentaba controlar a las mujeres y su participación. Después, con la muerte de Nasser y la llegada de Sadat, todo eso empezó a retroceder. Volvió el peso de la religión, la crisis económica, y el discurso de que las feministas eran casi una amenaza. Se empieza a instalar la idea de que las feministas independientes eran vistas como agentes extranjeras, como traidoras a la nación. Esto sirvió para desacreditarlas y frenar cualquier intento de lucha fuera del control del Estado. Se reforzaba el rol tradicional de la mujer y se buscó disminuir a las feministas independientes, mostrando cómo el Estado usaba su poder para moldear no solo la política, sino también la vida privada de las mujeres.
La Primavera Árabe fue un momento muy fuerte sobre todo por cómo arrancó: Un hombre desesperado que se prende fuego porque no lo dejaban vender. Esa imagen sola ya habla de una sociedad que no le daba oportunidades ni futuro a su gente. A partir de ahí, movilizaciones que rompieron el silencio y el miedo.
En Egipto, las movilizaciones tomaron una gran fuerza. Durante 18 días, la plaza Tahrir se convirtió en un espacio de encuentro, lucha y esperanza. Las mujeres tuvieron un rol fundamental, ocupando el espacio público de manera activa, lo que rompía con muchas normas sociales impuestas que desató una reacción violenta del poder, especialmente desde las fuerzas armadas, que buscaron disciplinarlas a través del acoso, la violencia sexual y los intentos de deslegitimar su participación.
Proyectos como Harassmap o intervenciones artísticas feministas dejaron en evidencia la necesidad de transformar no solo la política, sino también la forma en que se vive el espacio público. La Primavera Árabe fue mucho más que un reclamo político, fue un grito colectivo por dignidad, justicia y libertad.
Me gustó mucho la clase. Pienso que Al Andalus es un momento/lugar con una riqueza inmensa culturalmente hablando, debido al desarrollo enorme que alcanzaron diferentes artes, pero no sólo por eso. Recuerdo que, al haber cursado alguna de las materias teóricas en el Estudio, leímos un texto acerca de las bibliotecas andalusíes que me había causado un gran asombro. Con respecto a la danza en este momento, me surge una duda, que seguramente no podemos responder, al menos por el momento: sabemos si la música que se utilizaba era similar a la que ahora empleamos para bailar una pieza de estilo andalusí? O si los ritmos que se usaban eran los mismos?
El vínculo que tenemos dentro de la música y las diferentes culturas del mundo es muy importante, en algún punto de la historia se unen o se combinan, como menciona Mohamed Abdel Wahab, es necesario este paso para una evolución de la música tomar en cuenta este tipo de unión entre estos estilos de música oriental y occidental europea.
Y así mismo que interesante fue comprender como la música latinoamericana llega a Egipto por medio de Estados Unidos, creando así nuevos géneros, ritmos y fusiones que hasta el día de hoy podemos disfrutar. Gracias Mari por tan interesante clase!
Me pareció una clase increíble!! Súper completa partiendo de un recorrido histórico no solo en la construcción de “la cuestión de la mujer” sino que también trayendo varios datos históricos relevantes a nivel más general de la historia del islam, Egipto, etc. Se puede observar cómo las mujeres ya tenían su papel subordinado previo al Islam y que con la llegada del mismo son cuestiones que se siguen manteniendo y que con el paso del tiempo y con las potencias colonizadoras no solo se trata de cuestiones religiosas sino que también influyen los factores políticos y económicos: los proyectos ligados a la modernidad, la instalación del modo de producción capitalista y el nacionalismo como reacción al colonialismo. También se empieza a asociar, a imaginar a la Nación como mujer, como mujer oprimida y ultrajada. Sociedad atrasada porque sus mujeres estaban atrasadas, basándose (en lo que ya venía previo al Islam): el uso del velo, la reclusión femenina y la segregación por sexos. Por ello se empieza a exigir que las mujeres sigan siendo tradicionales pero modernas a la vez. Se toma entonces al cuerpo de la mujer como resguardo de la autenticidad/ identidad nacional, y a su vez, como territorio de disputa entre hombres locales y extranjeros. Pero cuánto más se las representaba, menos espacio se les daba en la vida pública.
Que interesante fue conocer el hagalla en contexto nativo, te cuento que acá en Ecuador, referenciamos mucho al Hagalla pero al estilo Reda. Sabia del contexto nativo por nuestras clases de Historia del Bellydance y también por clases con la profesora Hanan Al Mutawa, pero al verlo es maravilloso entenderlo y sobretodo vivirlo!. Me encantan estas clases, nos dan mucho mas significado y mucho más contexto a la danza que nosotros realizamos.
Gracias Mari.
Una vez que aprendí a analizar la estructura musical y a ponerle nombre con letras, analizando Ritmos, Frases y Estribillos que son parecidos pero cambian algunos detalles, se acomoda toda la información mentalmente y se resume mucho como para poder armar la coreografía, se ordena todo, según mi opinión es la única manera de poder realizar una coreografía, de lo contrario se torna muy complicado sin realizar este análisis.
Es muy interesante que forme parte de la improvisación tanto del musico como de la bailarina, los silencios. Al ser una impro instrumental melódica representando un Makam, no permite que sepamos como bailarinas que es lo que va a sentir tocar el musico pero si escuchando muchos Taxim nos agudiza el oído para poder imaginar algunos arreglos o silencios que puedan surgir, creo que es muy importante la expresión en este sentido y la conexión tanto entre el musico y la bailarina como también así con el publico presente. Básicamente los Taxim son una obra de arte única e incomparable que se dan en un momento preciso dependiendo del sentir del musico y de la expresión de la bailarina, ningún Taxim se iguala con otro.
Muy interesante conocer las formas musicales que se diferencian del Taxim, ya que este es Solo Instrumental, el Layali repite siempre la misma frase y también es acompañado por un instrumento, lo que lo diferencia también del Mawwal que es una poesía cantada que tiene varias estrofas y versos.
Como bailarinas esto nos permite interpretar mucho mejor la improvisación y agudizar nuestro oído y análisis musical.
Conocer el concepto del Taqsim y de las distintas formas y apariciones donde podemos encontrarlo es importante para nosotras, esto de poder interpretar tanto el sonido, los distintos agudos, subidas y bajadas de la melodía como también los silencios, comprender que cada Taqsim es una obra o pieza única e imposible de repetir de la misma manera otra vez, salvo composiciones que al haber sido grabadas nos permiten analizar y entender como es su estructura pero también tener en cuenta que una vez que se graba y se repite deja de ser un Taqsim porque deja de respetar el concepto de interpretación única e improvisada.
También respetar mas la melodía del Taxim si tiene una base rítmica como el chiftetelli, que el ritmo en si (85 / 25 )
Me encanto conocer términos como Interludio que anuncia el final, Eftatahia que no sabia que era el termino que se utilizaba para las Aperturas o Meyanse, dejando la mejor impresión de la bailarina, seria como su carta de presentacion para el publico y el Fadi que son esos primeros compases de presentacion como Malfuf o Fox.
En mi caso aprendí los primeros ritmos anotándolos con el método que invento Saida y también de alguna manera empecé a anotarlos de manera que con solo leerlo yo entienda los tiempos y la rapidez, tambien marcando los silencios con S. La practica la realizo mediando el Derbake (de esta manera se puede diferencias los DUM de los TAC) y los chinchines que no permite diferenciar los DUM y los TAC pero si tocar el ritmo como suena, además es mas facil tocar los chinchines que el Derbake que es mas complejo.
Es muy practico este método de anotación combinado con el audio de cada ritmo, sin duda la mejor manera de aprenderlo. Estos Ritmos fueron los primeros que aprendí y rendi.
Muy interesante para completar la escritura de los Ritmos I, creo que esta bueno agrupar los ritmos en Familias para que cuando tengamos que bailarlo tocando chinchines los pasajes sean mas fáciles de hacer y no pasar de una a otra totalmente distinta que se hace mucho mas complicado, agruparlos en semejantes o en muy distintos es de gran ayuda.
En este nuevo universo con aspiración de modernización surgen “nuevas formas de ser mujer”, con ello, nuevas formas de controlar los cuerpos. Se empiezan a establecer nuevas posibilidades para las mujeres pero también nuevas formas de disciplinamiento y con ello una marcada contradicción donde, por un lado: el nuevo tipo de mujer moderna era quien cuidaba y educaba a sus hijos y se quedaba en la casa cumpliendo el rol de ama de casa; pero por otro lado, debía ser el resguardo de la identidad/ autenticidad nacional frente a la impronta colonial extranjera. Esta nueva mujer moderna no contaba con autonomía propia y presentaba una ciudadanía subordinada con falta de acceso al dinero, solo estaba sujeta a la familia y el espacio doméstico era su espacio “natural”. Esta nueva mujer no era considerada ciudadana sino la hija de…, la hermana de, la esposa de… La cuestión de la mujer no fue más que un proyecto político a nivel mundial. Pero, como comenta Carolina en esta clase, comenzaron a surgir ciertos reclamos por parte de las mujeres de la élite, “el despertar”, donde a través de la literatura, de la prensa y los espectáculos, estas mujeres comienzan un movimiento para hacerse ver en el espacio público.
En esta clase se puede observar cómo con la llegada al poder de Nasser y con ello la Revolución se produce un proceso de transformación de las mujeres en sujetos con derechos políticos y ciudadanía plena. Con la nueva constitución se le concede a las mujeres el derecho de elegir y ser elegidas y surgen las primeras mujeres parlamentarias del mundo arabe. También hay un gran acceso de las mujeres a las fábricas y a las universidades. Pero a pesar de estos sucesos seguían teniendo un status inferior, un status de las posibilidades reguladas por el código de familia. El paradigma seguía siendo “modernizar a las mujeres para modernizar al país”, solo que ahora la mujer ya no representaba a la Nación sino que representaba al Estado. Si bien la revolución de Nasser concedió algunas de las demandas exigidas por las feministas no cesó el silenciamiento, la reprensión y la captación de las mismas.
Creo que en esta etapa es donde surge una gran presencia de las mujeres en el espacio publico como esta manifestacion propuesta por una mujer y que convoca a muchas mas en la plaza Tahir en el centro de el Cairo, donde la presencia de estas mujeres fue doblemente revolucionaria, ya que por un lado se estaban revelando en contra del gobierno y tanbien en contra de las normas sociales impuestas. Al tomar el poder las fuerzas armadas y en adelante tambien se nota aun mas el disciplinamiento y la violencia sexual. Se buscaba correr del camino a todo movimiento opositor que contradigera al poder (entre ellos los movimientos de mujeres) con un disciplinamiento brutal que atacaba incluso la moralidad de ls mujeres protestantes compasi tambien el arresto y la desaparicion de muchas. Frente a esto surgieron tambien ciertas protestas y formas de hacer visible lo que las mujeres padecian, como intervenciones artisticas n el espacio publico de arte feminista, un mapa de acoso y la toma del espacio virtual para tejer redes de solidaridad entre mujeres de diferentes paises arabes.
Muy interesante la clase. Si bien había estudiado este período en las materias teóricas del profesorado, no lo recordaba muy bien, por lo que me resultó muy provechoso repasar todos los cambios dinásticos y políticos que sucedieron. Siempre me resuktó llamativo como, en cualquier momento histórico y en cualquier cultura, los tiempos de guerras/luchas son turbulentos y complicados para toda la población y, sin embargo, se sigue haciendo arte. Por supuesto, acá hablamos de lo que sucedió en los sectores sociales dominantes y, como me pasa casi siempre, me queda la duda acerca de cómo eran las expresiones artísticas de otros sectores sociales, aunque, claro, siempre eso es mucho más difícili de investigar porque no existe la misma cantidad de documentación y otras fuentes.
A partir de los textos leídos pide conocer mucho más sobre la danza Hagallah. Esta danza del desierto occidental de Egipto de origen beduino, que se caracteriza por los movimientos oscilantes de las caderas. Se denominan Hagallah a la danza pero también a la bailarina que es acompañará por un grupo de hombres que suelen acompañar con cantos y palmas. En esta danza, la Hagallah baila velada frente al grupo de hombres manteniéndose “extremadamente reservada, estrictamente decente y muy coqueta” (Magda Sale). Esta danza se puede encontrar dentro del contexto de casamientos u otros eventos sociales importantes, por lo que se sitúa como una danza ritual; y aquí se pone en juego el concepto de liminalidad, en el caso de los casamientos el foco de esta danza está en el pasaje liminal de la novia desde la niñez hasta su sexualidad adulta.
Es triste como una cultura tan rica como la Nubia se perdió por la construcción de una represa.
Ellos tuvieron que dejar su tierra, sus casas, todo… y aunque intentaron adaptarse muchas cosas se fueron simplificando o directamente desaparecieron.
Pero también hay algo admirable en cómo resistieron y trataron de sostener lo que podían, por ejemplo, en los casamientos no era solo un evento familiar, era algo que involucraba a toda la comunidad, donde cada gesto tenía un valor. La danza, los regalos, hasta la protección contra los malos espíritus… habla de una forma de vivir muy conectada entre ellos.
Me hace pensar que a veces damos por sentado nuestras propias costumbres o las vemos como algo sin importancia, cuando en realidad son lo que nos mantiene unidos, lo que nos identifica. Y que aunque cambien los contextos está bueno encontrar formas de seguir representándonos. Y también como hizo Reda, que no quiso mostrar algo lindo y listo, sino algo verdadero. Eso me parece re valioso.
Me encantó la clase! que difícil el paso del bastón con la marcación de cadera… Mariiiiii una clase especial para comprender este movimiento jajaja.. Un beso grande
Me encantó esta clase de introducción al estilo Libanés con Belén. Es un estilo que se baila con tacos, que tienen que ser cómodos porque se trabaja mucho con el cuerpo y hay que poder moverse bien. Se usan trucos visuales que generan impacto, como el split, la caída turca y otros movimientos escénicos, todo con una energía sensual que caracteriza este estilo y me parece re útil tomar ideas de esto para incorporar a mi propia danza.
Además me gustó la entrada en calor power donde trabajamos glúteos, cuádriceps y especialmente rodillas, que son importantes para bailar con tacos sin lastimarse.
Por último me encantó aprender la caída turca, y la combinación de seguir con un puente para luego bajar y apoyar la cabeza.
Hermosa clase! Si mal no recuerdo, por primera vez en el curso estamos poniéndole atención (probablemente debido a la disponibilidad de fuentes) a lo que sucede por fuera de las cortes, entre el pueblo llano, por decirlo de algún modo. En las clases anteriores, conocíamos qué pasaba con la música y la danza hecha por o para las elites. Es cierto que vimos que muchísimas veces quienes ejecutaban estas artes no eran miembros de la elite, sino personas esclavizadas. Justamente, a eso voy: podían ser personas externas a las elites, pero bajo su mando, más objetos de deleite que sujetos de creación. Aquí, sin embargo, en lo que sucede en lo espacios comunes vemos a las “clases populares” haciendo arte no sólo para las clases poderosas, sino también para su propio disfrute.
Hay flexibilidad en los programas de aprendizaje de la danza que realizamos (y de que tan importante es el estudio histórico en la planificación); por esto mismo, a diferencia del ballet o las técnicas del contemporáneo, donde las escuelas están más o menos estandarizadas, no tenemos un criterio fijo para nombrarla. No hay normativa en como enseñar o aprender “danzas árabes” y mucho menos existe una “gran escuela” radicada en Egipto que prescriba la técnica. Lo que sí que vemos son estilos más o menos locales (algunos más extendidos que otros), que varían en popularidad, con sus propios referentes, y algunos casos, con sus propios nombres como el FCBD. Por eso la elección del nombre conlleva algún tipo de posicionamiento en función de lo que se quiere comunicar. Por los comentarios del video, parece haber una especie de consenso en que “danzas árabes” es el término más entendible para el público no especializado en los países de habla hispana. Pero la definición del término “árabe” plantea ciertas problemáticas de definición, como la que lo haría, por analogía, crear una categoría como “danzas de Sudamérica” o incluso “danzas indígenas americanas” sin especificar los criterios de inclusión y exclusión de la categoría (porque las danzas son muchas y muy variadas, representando a comunidades que pueden tener poco en común entre ellas). Dado que las escuelas son en su mayoría privadas y viven de la captación de alumnos, hay lógica en usar un término comercial que sea amigable con el público general. Pero también habría que analizar si es posible cambiar el imaginario social, popularizando términos alternativos. Ahí caemos en el mismo problema: ¿cuál es el mejor término para “divulgar”? “Bellydance” parece un término amigable con la comunidad de bailarinas actual, y es usado en muchos eventos como congresos y competiciones internacionales. Personalmente, considero este término tiene el riesgo de reducir la danza a la corporalidad aislada (“belly”), pero, si no lo tomamos literalmente, es bueno para representar de forma general los movimientos característicos de nuestra danza, y carece de las etiquetas culturales y geográficas que si tienen otros términos como “danzas árabes, egipcias, del medio oriente”. Además, se diferencia de estos mismos para representar que, pese al grado de apropiación cultural del que se ha nutrido inicialmente el estilo, su desarrollo se ha sofisticado para diferenciarse incluso de sus raíces locales y culturales. Usar el término “danza oriental” o “medio oriental” caería bajo la mirada de lo que Edward Said define como una posición “orientalista”. Curiosamente, he visto en Instagram algunos bailarines de Corea del Sur que se presentan en sus perfiles como “oriental dancer” (no se si serán representativos, son casos particulares), cuando claramente se dedican al bellydance y no danzas locales, pese a ser residentes de un país catalogado en el sentido clásico como “oriental”, por lo que quizás su interpretación del término sea diferente a la nuestra. En conclusión, un tema donde no hay una única respuesta y que cada opción requiere de un detallado análisis y una toma de posicionamiento personal a la hora de elegir.
Que interesante conocer la Historia del Vals, me llamo mucho la atención la danza Lander, ya que se asemeja en narración a la danza chilena “Cueca”, en donde los papeles del gallo y la gallina son exactos a como se describen en ambas danzas. Es muy interesante conocer como desde tiempos antiguos la danza va evolucionando, y como el Vals, va dejando huella a lo largo del tiempo.
Gracias Mari
Considero que los silencios son los grandes olvidados cuando empezamos a bailar y tocar ritmos. A mi me resulta interesante como se pueden combinar silencios y golpes a la hora de bailar. Por ejemplo, no es necesario bailar todos los golpes tal cual se presentan en un ritmo, pero los silencios, sobre todo los largos, son buenos momentos para sumar elementos a la interpretación: posar, hacer un tipo de expresión hacia el público, cambiar de frente, etc. Entre las figuras musicales, las semicorcheas y fusas son las que me resultan más difícil de tocar con los chinchines por su corta duración. Conozco los otros tipos de anotaciones, pero me resultan confusas y creo que no explican mucho la estructura musical del ritmo. Lo ideal es usar las figuras musical y hacer muchos pero muchos ejercicios de audio perceptiva de forma constante para entrenar el oído.
Me han gustado los ejercicios de entrenamiento y los he estado practicando desde mi lado de la pantalla. De niña, mi profesora de música me enseñó un método de solfeo marcando el compás con la mano al aire en distintas direcciones (si es 4/4 en forma de cruz por ejemplo) y siempre se me hizo más cómodo hacerlo así. No sé de que escuela viene ese método, pero también me parece bueno usar la mano a forma de metrónomo. Diría que la mayoría de ritmos más utilizados siempre son en negra y corcheas (4 y 8 de denominador).
Este módulo entero ha sido un buen repaso de los conceptos básicos de los ritmos árabes y como escribirlos. Se repasaron los conceptos de ritmo, pulso, compás, numerador, denominador, puntillo y anacruza; este último es interesante porque se encuentra en muchos ritmos y puede dar lugar a confusiones a la hora de interpretar el principio y el final de un ritmo. También repasamos el concepto de Dum, Tac y el Zac desde la perspectiva del derbake. Vocalizar los iss me parece muy confuso cuando hay muchos silencios de corchea, pero en el tabl si me parece muy útil. Me han quedado un par de dudas: ¿existen ritmos árabes que usen tresillos y/o seisillos? Y ¿hay algún recurso online para descargar más ejercicios de práctica?
La Muwashaha es una forma poética que nace en Al Ándalus y se caracteriza por unir la poesía y la música. A diferencia de la Qasida, que tiene una estructura rígida, la Moaxaja rompe con esa estructura y da lugar a una forma más libre, tanto en métrica como en rima. Me llamó la atención que se incluya una parte final en lengua romance (la jarcha), lo que muestra la mezcla cultural que existía en ese momento. También aprendí que esta forma se expandió al Magreb y a Oriente, donde se siguieron componiendo muwashahat siglos después, a veces con música nueva y estilos diferentes. Y aunque muchas veces el poema andalusí se lo relaciona con la música de Al Ándalus, no toda música con ese estilo viene directamente de Al Ándalus.
Me parece interesante que el término Moaxaja viene de la palabra “wishah”, que significa adorno o embellecimiento lo que tiene sentido porque esta forma busca embellecer la poesía con la música.
Es interesante ver cómo esta tradición se fue y se va transformando con el tiempo.
Esta clase fue entender cómo se estructura una Wasla y la importancia de cada una de sus partes. No es solo una sucesión de temas, sino que tiene un orden, una lógica y una función musical y emocional. Aprendí a identificar las piezas instrumentales, las vocales, y cómo algunas son improvisadas, que le da un carácter vivo.
También me sirvió mucho repasar la base rítmica. Ver la diferencia entre compases binarios, ternarios y cuaternarios que ayuda a ordenar lo que escuchamos y a poder movernos con más claridad.
El ritmo Nawajt, aunque es irregular, empecé a sentirlo mejor al marcarlo con el cuerpo o con palmas. Además me di cuenta de que entender la estructura rítmica es clave para interpretar bien, no solo desde lo musical, sino también desde lo corporal.
Por último, el método Shams me pareció muy útil para entrenar la escucha. Me ayudó a identificar los iqa’a con más detalle, no solo escuchando el dum y el tak, sino prestando atención al carácter general del ritmo y su relación con la melodía.
La educación auditiva es fundamental para también poder interpretar con más intención en la danza.
El concepto de Wasla es nuevo para mí y me resulta llamativo. Dado que vengo de una tradición de música occidental, me costó encontrar a algún género conocido con que relacionarlo (quizás la música clásica o el rock sinfónico tienen algún elemento en común). Apenas terminé la clase tuve que escuchar “Lih ya Banasej” para entender a que se refería con “colección de formas” y seguro voy a indagar más ejemplos. Cuando pienso en música árabe, se me viene más a la cabeza una presentaciones o formas aislada como el Taqsim o solo de Derbake. Me pregunto si los recitales de Wasla se podían acompañar con una coreografía improvisada de una bailarina. Por otro lado, todos los puntos citados por Irene Shams son importantes para entender la música. Si bien la improvisación juega un papel importante en la formación de una bailarina de belly, al armar una coreografía se debe entender con profundidad lo que se está escuchando. No hablo árabe y no entiendo muchas veces lo que el cantante está queriendo expresar, pero buscar traducciones hoy en día es más sencillo que nunca.
La definición de Touma me resultó muy ilustrativa, porque si bien escuchando taqsim uno puede intuir que tiene varios silencios, no había reflexionado lo suficiente sobre el papel que estos tienen en la comunicación con el oyente, y como esta comunicación la podemos articular en el baile. Me resulta curioso que en el estudio de Nettl y Riddle de 1973 lograran clasificar tipos de Taqsim dentro de un Makam específico, aunque estaría interesante saber si estas estructuras de improvisación han cambiado con el tiempo y las costumbres de los músicos o si se mantienen iguales hasta el día de hoy. Desconocía que Mario tenía tantos Taqsim publicados. Creo que está bueno hacer un poco de trampa y practicar con grabaciones; a mi en lo personal me cuesta entender cuando se produce el cierre luego del pico, sobre todo si el músico produce más de un pico. Debe ser todavía más difícil darse de cuenta la intención del músico al bailarlo en vivo.
Antes de la clase, desconocía la existencia del Layali y el Mawwal como formas de improvisación. El canto árabe tiene una forma de entonación muy llamativa, y debo admitir que he disfrutado escuchar Layalis e intentar improvisar con el baile. Lástima que con Mawwal tenemos la barrera del idioma, lo que dificulta entender lo que queremos bailar. Solo no me quedó claro si siempre las poesías cantadas son conocidas previamente por el público (como las poesías clásicas o populares) o si también el cantante puede improvisar una poesía usando una estructura de versos definida.
Hermosa clase! Si mal no recuerdo, por primera vez en el curso estamos poniéndole atención (probablemente debido a la disponibilidad de fuentes) a lo que sucede por fuera de las cortes, entre el pueblo llano, por decirlo de algún modo. En las clases anteriores, conocíamos qué pasaba con la música y la danza hecha por o para las elites. Es cierto que vimos que muchísimas veces quienes ejecutaban estas artes no eran miembros de la elite, sino personas esclavizadas. Justamente, a eso voy: podían ser personas externas a las elites, pero bajo su mando, más objetos de deleite que sujetos de creación. Aquí, sin embargo, en lo que sucede en lo espacios comunes vemos a las “clases populares” haciendo arte no sólo para las clases poderosas, sino también para su propio disfrute.
Me gusta mucho este tema de estudio, ya que permite ver cómo la mirada orientalista se va construyendo analizando su desarrollo en un tema muy concreto, pero con implicancias muy grandes en torno a los procesos colonialistas.
No me quedó muy claro un punto, quisiera saber si comprendí bien. Con respecto a los términos como ghawazee y awalim, si bien no son de origen árabe o egipcio, sino extranjero, sí son términos que en ese momento se utilizaban localmente. Es así?
Por último, me parreció muy interesante el aporte de Angie: la mirada que se tenía sobre las mujeres en oriente sería una especie de continuación de la mirada que se tenía sobre las mujeres en las propias sociedades de los viajeros, como seres inferiores y poco capaces de autonomía, que requerirían la guía de un hombre. Esta distinción tan tajante referida a lo que hoy llamamos roles de género se vería plasmada en el registro de corporaciones, donde quienes trabajan en el ámbito artístico se categorizan no sólo en base a su ocupación sino en términos de su sexo/género.
Me pareció súper interesante en esta clase de historia de la música árabe, ver cómo la música fue creciendo junto con el desarrollo del imperio, especialmente durante los califatos Omeya y Abbasida. Algo que me llamó mucho la atención fue cómo, al conquistar otros territorios, fueron incorporando cosas nuevas a su cultura y a su música, generando una profunda transformación cultural que afectó directamente a la música y su relación con la sociedad. Otra de las cosas interesantes para destacar es que la denominación del árabe como lengua oficial estableciendo así una identidad cultural y la unificación de diversas expresiones musicales resultado de esta fusión conservándose en esta lengua
Por otro lado, me pareció muy importante cómo en el califato Abbasida se empieza a valorar más al músico, ya no solo como alguien que entretiene, sino como una figura con talento, formación, creatividad, y hasta presencia en el escenario considerando que pudo ser un factor clave en la forma en que hoy vemos la danza y la música árabe, más allá de lo religioso o lo tradicional
Leer estos textos fue una experiencia enriquecedora, tanto desde mi rol como profesora de danza árabe como desde mi mirada personal. Cada uno me ofreció una perspectiva distinta sobre la danza Hagallah y su contexto cultural, histórico y simbólico.
En el texto de Barbara Siegel, “The Hagallah Revisited”, lo que más me impactó fue cómo la danza Hagallah se encuentra íntimamente ligada a la vida tribal beduina, especialmente a las mujeres, además de comprender cómo los cambios sociales y económicos influyeron en la pérdida de espacios expresivos femeninos, y cómo prácticas que antes eran parte vital de las ceremonias familiares fueron llevadas a escena y profesionalizadas.
El testimonio de Farida Fahmy en “Al Haggala” nos regala una experiencia desde el cuerpo, desde la emoción, desde la presencia. Me gusta cómo describe a la bailarina Haggala y la dinámica entre ella y los hombres del pueblo al danzar. La forma en que Farida narra este evento me recordó por qué amo enseñar danza: porque es una forma de decir lo que a veces no se puede poner en palabras.
En el texto de Victor Turner, se establece un a forma para pensar en la danza dentro de los rituales. La idea de la “liminalidad”: el estar entre un estado, termina siendo aplicable en muchas danzas tradicionales, entre ellas, “La Hagallah”: donde la bailarina representa un pasaje, un “entre-mundos”. Y al hablar de “comunitas” podría pensar que muchas veces eso se puede replicar este concepto en clase, cuando el grupo de danza genera comunidad.
En conjunto, estos textos me recordaron que la danza árabe, especialmente en sus raíces folklóricas, no es solo técnica o forma sino también historia, identidad, corazón. Enseñar y aprender estas danzas requiere no solo transmitir movimientos, sino también abrir un espacio a la memoria y el respeto por las culturas que las originaron.
Enriquecedor siempre mi Mari, Mil gracias.
Que interesante es conocer mas de esta danza con este elemento tan increíble y místico. Si bien es cierto que no tenemos tantas evidencias de la misma, los pocos detalles mencionados, nos ayuda a darle versatilidad e imaginación y nos permite dar paso a la creatividad con formas distintas y solo dibujando y siguiendo la música y las sensaciones que esta nos brinda. En mi opinión las canciones melódicas y tranquilas son las que mejor vienen con este elemento ya que brinda a la bailarina la facilidad de realizar posturas innovadoras y mostrar además su equilibrio y destreza en su manejo. No puedo esperar es un o de mis elementos favoritos!
Que genial Video!!! y hermosa coreo!!!
En este texto, Marina Barrionuevo, citando a Kirlis (2019) y Touma (1998), desarrolla el Taqsim más allá de definirlo como una mera “improvisación melódica instrumental”. Del análisis de estos autores, podemos desprender varios elementos que caracterizan a esta forma musical: 1. Es una obra espontánea, sin un esquema de composición fijo; 2. Se desarrolla por un único instrumento melódico, con excepción de la voz humana (en cuyo caso, hablaríamos de un Mawal). 3. Puede o no tener acompañamiento rítmico de un instrumento de percusión; 4. No posee una duración determinada; 5. La línea melódica no es siempre continua, sino que está fragmentada por pausas, formando frases que funcionan como núcleos melódicos interrelacionados; 6. Se desarrolla dentro de un maqam elegido de antemano por el músico o la música, quien usualmente empieza y termina con este, aunque en su desarrollo puede explorar otros; 7. Puede ser independiente o relacionarse con otras formas musicales en una obra de estructura mayor; 8. Es única e imposible de reproducir (a menos que se grabe y/o se escriba). Tanto Kirlis como Touma enfatizan el carácter altamente expresivo del Taqsim, que pone una impronta altamente estética en cada pieza, y que es capaz de demostrar la maestría del o la instrumentista que lo realiza. Tomando esta expresividad de base, podemos llegar a trasladarla a la danza. Para ello, la bailarina o bailarín debe realizar una búsqueda de conexión con lo escuchado, haciendo en simultáneo su propia interpretación. En este sentido, podemos ver al bailarín o bailarina como una compositora de una pieza corporal única que parte de un Taqsim musical único. Ninguno de los autores aclara si en un Taqsim bailado en vivo lo musical antecede lo corporal o si en ciertos casos se puede establecer algún diálogo bidireccional. Sin embargo, Barrionuevo resalta que la comunicación y entendimiento del bailarín o la bailarina con el músico (o el cantante o la cantante en el caso del Mawal) será importante para la realización de obras funcionales. El grado de entrenamiento y agudeza en el oído del bailarín o la bailarina para identificar los diferentes momentos que componen a un Taqsim (pausas, silencios, clímax…) los llevará a elegir el tipo de movimientos apropiados para su interpretación, que en su mayoría serán de tipo ondulante (Barrionuevo). A su vez, no se debe caer en el error de descuidar la representación melódica cuando se baila un Taqsim del tipo rítmico. A modo de conclusión, podemos resaltar la importancia de conocer el funcionamiento del Taqsim, que por sí mismo ya es musicalmente elocuente, para crear un espectáculo visual que enfatice la experiencia emocional del ejecutante de la danza. Él o ella deberá ser capaz de trasladar aquella emoción al público receptor.
Escuchar esta clase fue muy útil, tanto para refrescar conceptos de como realizar trabajos académicos (monografías, reseñas, evaluaciones) y citar con APA, como para entender los criterios de evaluación empleados en Estudio Sahar. Los tips de escritura académica hacen el trabajo más sencillo. Como comentario personal, comparto la opinión de Marina en cuanto a que hay que “academizar” un poco más los profesorados de danza árabe privados, sobre todo cuando se habla de conocimientos fuera del oficio de la danza en sí, (dado que para la danza es lo que más capacitadas están las “profesoras” hoy en día). Agrego que no son solo la historia y la metodología de investigación los ámbitos afectados por esta tendencia, sino también hay deficiencias en la enseñanza de la pedagogía (usualmente no se trabaja teoría académica, sino que en general las profesoras hablan desde la propia experiencia), o la salud, sobre todo cuando se quieren dar consejos sin tener autoridad médica. Como investigadora en ciencias biológicas, veo que en muchas páginas y videos de “profesoras” aún reconocidas hablan mucho de los “beneficios para la salud del bellydance” sin citar ninguna revista biomédica o estudio que lo respalde. Sirve como estrategia de marketing, pero siendo objetivos, no tiene una fundamentación válida.
Estimada Marina. Me pareció muy interesante el recorrido que realizamos de las Danzas en el Antiguo Egipto, que datan desde la época del Predinástico, en donde se referencia a la Danza con varios términos a lo largo del tiempo y que nos sirve y que nos llega hasta nuestros tiempos como evidencia de la existencia de la Danza en esta época de la Historia. Muchas gracias, saludos cordiales.
Me parece de suma importancia el aprender a identificar y transmitir las emociones asociadas a cada baile que realizamos. Además de la técnica y los pasos, es necesario poder expresar con todo el cuerpo (incluyendo nuestro rostro), el contexto, significado y la emotividad del tema que hemos elegido, además de identificar el estilo musical, conocer el contexto histórico y cultural pudiendo incorporarlo a nuestra interpretación.
Esto nos ayuda a matizar las diferentes coreografías, logrando establecer una diferencia entre los distintos temas y manteniendo el interés del público.
Al hacer los ejercicios de reconocimiento de emociones, me doy cuenta que al tener la palabra, o tal vez porque de una u otra forma se espera que controlemos nuestras emociones, no estamos muy acostumbrados a expresar con nuestro rostro/cuerpo lo que estamos sintiendo. Actualmente curso lengua de señas, y las señas para expresar emociones van siempre acompañadas de movimientos de cuerpo y expresiones faciales. De hecho, hacer solo la seña sin acompañarla con el cuerpo y el rostro, podría llegar a confundir a una persona sorda.
Al bailar también estamos comunicando algo sin utilizar la palabra, solo a través de nuestros movimientos y expresiones, y, aunque la mayoría de peronas hablantes no estamos tan acostumbrados a expresar corporalmente lo que sentimos, es importante ejercitar esta habilidad, para transmitir lo que realmente queremos transmitir con cada baile y en cada uno de nuestros movimientos y lograr así, una interpretación más completa y que conecte con el público.
Muy interesante siempre las clases, no recuerdo a cuales asisti y cual no, asi que al ir reescuchando voy comentando.
Me parece interesante una apreciacion que has hecho en otras clases sobre el llamado a la oracion (Azan), que fue Muhamed quien lo instauro, y es normalmente super musical, de hecho los sheikhs son expertos en maqam, y he conocido cantantes arabes que sugieren estudiar musica con sheikhs. De todas formas estos siguen siendo datos de la musica y no de danza tampoco.
Es super interesante esta introduccion a lo que es arabe, los imperios vecinos, asi como que es islam, cuando surge etc, ya que nos situa al contexto geografico, social y economico.
Me resulta igual un tanto opuesto al islam ese ataque que hace Muhamed en el mes del peregrinaje, me parece interesantisimo profundizar en el motivo por el cual decide atacar en esa epoca.
Encuanto a Muawiya, parece que hay una serie sobre el, no empece a verla, les cuento.
En cuanto a lo que comentas de las cadenas de venganza, un amigo egipcio que me da clases de dialecto me comenta que en el alto egipto sigue sucediendo, le llaman taar, y es comun que eternamente esten tomandose venganza, y que pareceria que la policia no se mete.
Con este texto se cierra todo el concepto de Taqsim. Asi la Licenciada Barrionuevo, expresa que la Kirlis, es una interpretación instrumental, que respeta pautas pero no hay un esquema. Es una interpretación espontanea de instrumentos melódicos. Estos pueden ser, el kanúm, violín, acordeón, etc. No se utiliza la voz. No tienen una duración. Su duración puede ir desde 1 minutos hasta 1 hora. Las bailarinas con su danza, debe reflejar cada frase que toca el instrumento melódico. Los pasos a utilizar son movimientos ondulantes, camellos, balances, maias, etc.
Al bailar, es importante hacer conexión con los músicos, y no seguir solo la rítmica, sino también la melodía.
Hola Maru. Siempre me enseñaron que la danza surgió desde el Antiguo Egipto desde la era faraónica desde un contexto cercano con los dioses, es decir, que se bailaba para ayudar por ej.: con la cosecha, la abundancia, fertilidad, entre otras, que solo podían bailarlas mujeres dentro de los templos, y, para la fertilidad solo podía bailar una mujer pura de cuerpo y alma, por años tuve esa información y en cierto punto me parecía fantástica, pero también siempre tuve mis dudas y cuestionamientos respecto al tema. Me asombró el saber que los hombres también cumplen un rol importante en la danza desde hace muchos años, esto descongestiona o cambia mi visión de que eran como muy cerrados en cuanto a roles en lo cotidiano. Con el termino Bellydance , yo lo empecé a asociar mas de grande, cuando comencè a bailar se le llamaba a la bailarina Belly, como bailarina de danza árabe u odalisca, a su vez, hoy en día cuando me preguntan que bailo y digo Bellydance, me quedan mirando raro, pero lo hago como para que les de pie a la curiosidad y me pregunten que es, porque también a través de los años pude observar de que decir “bailarina de danza árabe”, mucha gente lo utiliza como símbolo de burla, o no te lo toman con relevancia, lo cual esto me enojaba mucho, entonces creo que decirle Bellydance abre más a una puerta de preguntas y debates. Algo que me encantó de esta clase, es ver como la bailarina Belly lucha por su identidad desde hace muchos años, hay en una parte que se toca este tema, lo cual yo pensaba que esto se había dado más ahora, pero veo que no y me encanta, que es una lucha que viene desde hace muchos años, darle valor y respeto a la danza y a la mujer, y a la mujer que interpreta esta danza.
El comentario sobre el orden cronológico de la historia del bellydance al principio del video me parece muy pertinente. Un profesorado dura muchos años y la historia se presenta de forma fragmentada; a veces es difícil construir una línea de tiempo completa de todos los sucesos.
Nunca escuché que se usaran los términos MENA ni SWANA en relación con la danza, pero llamar al conjunto “Danzas del MENA” (en plural) me parece una opción interesante, aunque persiste el problema de que “no las bailamos todas”.
Por una cuestión de comunicación internacional y desarrollo, sigo prefiriendo bellydance, aunque sea un término anglófono. Usar “danza del vientre” es una posibilidad, pero personalmente no me gusta remarcar una parte del cuerpo proclive a la sexualización (aunque esto también ocurra en inglés). Además, considero que la palabra “vientre” no es de uso común.
En general, cuando menciono que estudio “danza árabe” (para que me entiendan), la gente suele preguntar si “sé mover las caderas como Shakira”. Por eso, “danza de caderas” en lugar de “danza del vientre” quizás se entendería más (una opinión).
He notado una tendencia, en algunos profesores, a usar el término raqs sharqi como un medio para diferenciarse del bellydance estilizado y enfatizar que bailan algo más “nativo” o un estilo egipcio. También, como mencioné en el video anterior, se observa en el ámbito internacional el uso de “Oriental dance” y “oriental dancer” como traducciones directas de raqs sharqi, sin mucho cuestionamiento respecto de la relación geográfica (como es el caso de bailarines rusos, japoneses o coreanos).
Me parece muy interesante rescatar los nombres de las bailarinas de esta etapa. Habitualmente se sabe muy bien quiénes eran las bailarinas de la “golden era”, pero no se conoce a las bailarinas de este momento. Un dato que me resultó llamativo es que a Hassan al-Bilbeissi se le permitiera bailar en la capital (o, al menos, se hiciera la vista gorda con eso). podríamos pensar en alguna cuestión atravesada por el género, aunque necesitaríamos más datos, como la presencia de otros bailarines hombres . También me parece importante tener en cuenta que las fuentes históricas con las que contamos no son en primera persona, ya que no son estas bailarinas quienes nos cuentan, sino que los autores son, en su mayoría, hombres europeos de cierta posición social, por lo que conocemos está muy tamizado por las búsquedas e intereses de estos viajeros.
Me resulta bastante compleja la terminología cuando se refiere a nombres de autores, ciudades, tribus, bailarinas etc.
Rescato la importancia de la poesía y los poetas para que se produzca la música. Arte que sirve de inspiración para crear nuevo arte.
Me llamo la atención la critica que se realiza hacia la música por el efecto que causa. Atribuyendo que esa sensación solo debería causarla Dios. Creo que hoy en día y sin la necesidad de pertenecer a ninguna religión, podríamos decir que para muchos Dios está en todo y la música es también una expresión de Dios.
El acto de la silla me parece impresionante visualmente, pero muy peligroso al mismo tiempo. La autobiografía de Sol Bloom nos cuenta mucha información sobre su perspectiva y carrera como empresario del entretenimiento, pero es una lástima que no tengamos los testimonios de las mismas bailarinas: quienes eran realmente, cuáles eran sus motivaciones para bailar, donde lo aprendieron, incluso si estaban bien pagadas o no, dado la evidente fama que adquirieron en la feria de Chicago. Las fotos son muy interesantes para ver sus vestimentas, elementos y expresiones, me gustaría recopilarlas todas y hacer un glosario de bailarinas históricas relacionadas a la danza de vientre.
Buscando sobre Fatma, encontré que hay un libro sobre ella llamado “La Belle Fatma” que acaba de ser publicado en marzo de 2025, pero está en francés y es una pena que no haya una traducción disponible. Qué lindo podría ser revivir todas las danzas que nombraron en el video; el uso de un espejo me parece muy interesante porque no lo he visto actualmente. Aderer también nos da un indicio de que las vestimentas eran brillantes, y en las fotografías se ve que usaban unas pecheras con objetos parecidos a monedas y largos collares. Me imagino también telas llamativas que resplandecen con la luz en el escenario y distinguen a la bailarina del resto. Es curioso que se dijera que la música que se tocaba era de inferior “calidad” (me recuerda al pensamiento de los organizadores de la conferencia de 1932, que resaltan que la calidad de la música se había degradado), y es interesante que se la haya fusionado con elementos occidentales. Nion nos dice que la danza era una “amalgama” de elementos, por lo que imagino que las bailarinas también tomaron objetos y situaciones de lo que veían en París para ir desarrollando su espectáculo, y que la performance no se mantuvo siempre igual a lo largo del evento.
Pensaba que irónico que si bien en la época omeya empezaron a patrocinarse a los músicos, seguían teniendo un prestigio dudoso, incluso en la época de los abasidas había tantas exigencias para considerar bueno a un músico que su valoración aun era escasa. Pareciera que históricamente el arte, en este caso los músicos estuvieran en un escalón inferior a otros cargos. Hoy por suerte mucho menos pero en algún grado creo que sigue vigente.
Me llama la atención como “el código de decencia” fue tan importante como para terminar influyendo en los movimientos que las bailarinas los realizaban. Sería interesante saber si estos eran antiguamente más grandes y exagerados, y pasaron a ser más aislados y discretos. Con lo del “dolor de estómago” me imagino a un camello o un reverse.
El video es un buen resumen de toda la unidad de terminología. Deja clara la posición teórica del Estudio Sahar en cuanto al uso del bellydance y los procesos culturales, la globalización y la promoción de la danza actualmente. Sin embargo, también considero que el mercado es algo que se construye, y no veo disparatado que puedan surgir nuevas alternativas al término en el futuro, conforme a los usos y alcances.
No leí ninguno de los libros que aparecen en el vídeo así que voy a buscar el de Touma para empezar por ese. Me resultó muy claro y muy útil el identificar el pulso con algún sonido que tengamos a mano como el latido del corazón o el tic tac del reloj y muy buena la practica de aplaudir sobre un tema.
Me resulta muy fácil reconocer los pulsos pero me cuesta mucho reconocer el acento y el compás. Es muy clara tu explicación y muy importante que nos pidas practicar para lograr avanzar. Me hace pensar la importancia de desarrollar el oído y que imprescindible para la vida de un bailarín. También me hace reflexionar cuantos aprendizajes, tiempo de estudio, lectura, practica, dedicación y paciencia hay detrás de una coreografía.
En mi caso que no tengo mucha memoria visual me resulta todo un desafió aprender a dibujar los silencios y reconocerlos escritos. Bailar y tocar a la vez conlleva un dominio de la coordinación para el cual necesito mucha practica. A veces lo que mas nos cuesta lo dejamos a un costado ( al menos yo) así que también es todo un desafío pasar por esa incomodidad de seguir aunque cueste.
Ademas de la complejidad en recordar dibujos ( figuras y silencios) se agrega la dificultad desde un punto de vista matemático en las fracciones. Es muy clara la explicación pero por el momento solo puedo leerlos o escribirlos tomándome bastante tiempo. No es algo que pueda realizar a velocidad si no que debo pensarlo mucho. Me doy cuenta que es importante ejercitar, practicar y que hay un trabajo muy intelectual que implica memorizar y asociar y que al momento de bailar o tocar chinchines seria muy bueno ya tenerlo automatizado. Comprender la música leerla y escribirla es muy enriquecedor, lo siento también como una gran responsabilidad.
Me resulto mucho mas fácil comprender el concepto de puntillo que el de anacruza
Con la practica voy logrando aplaudir y cantar de manera coordinada respetando pulsos silencios etc. El nuevo desafio es el de recordar diferenciar los tacata. Me resulta mucho mas natural no vocalizar nada cuando hay silencios entre los dum y tac.
Mas que interesante y completo todo el análisis de un tema para poder coreografiarlo de la mejor manera posible. Que importante que no nos gane la ansiedad en hacer sin antes tomarnos el tiempo de escuchar, anotar. Son muchos aspectos a tener en cuenta Algunos de ellos no los había considerado antes y creo que harán una gran diferencia.
Un termino muy nuevo para mi el de Wasla
muy especifico, con una gran invitación a seguir aprendiendo conceptos muy lejanos de mi cotidianidad, a seguir ejercitando el oído ya que es imprescindible la practica para realmente incorporar la teoría.
Las primeras dos teorías sobre el origen demuestran que el ambiente de la danza buscó utilizar el exotismo como una estrategia de promoción. Las dicotomías oriente/occidente, femenino/masculino, místico/material, emocional/racional, que tenemos instauradas en nuestra forma de ver el mundo, sirven de base para este tipo de falacias de generalizaciones apresuradas, donde autores como Wendy Buenaventura extrapolan que un arte tan expresivo como la danza debe tener necesariamente un origen espiritual. El Antiguo Egipto resulta fascinante por toda la riqueza material y pictórica que nos ha llegado a nuestros días, quizás eso lo vuelve atractivo para trazar líneas imaginarias que conectan los 5000 años de historia al presente sin tener en cuenta todos los cambios poblacionales y políticos de la región. Había danzas, muchas y variadas en contextos y significados, pero nada nos afirma que existiera aquella danza del vientre que se promociona como “milenaria”. Utilizar el “arqueotipo” de diosa a nivel pedagógico no me parece tan mala estrategia escénica dado que no deja de ser la creación de un personaje, el problema es cuando el personaje trasciende los límites de la imaginación y la caracterización, y se vuelve una narrativa “oficial” de los hechos. En general, la falacia de autoridad hace que ni los alumnos, ni la sociedad en general, suelan cuestionar a una bailarina que se vuelve muy reconocida en su campo, y que predica sus opiniones personales como la verdades.
Que interesante todo lo que podemos analizar dentro de un taxim y tener en cuenta para una mejor interpretación. Me encantan los instrumentos de cuerda cuando improvisan. Creo que me resulta un poco mas fácil improvisar un taxim sin base de percusión pero es bueno expandir un poco esa zona de confort para poder crecer. También esto me ayuda a poner mas atención a los momentos de mayor intensidad, . Antes le daba importancia a las pausas pero no me resultaba tan fácil diferenciar subidas y bajadas.
Esta clase me hizo reflexionar sobre muchas cosas, recordé una frase que leí una vez que decía: “la historia es de quien la escribe ” ya que esta cargada de todo lo que traemos. Incluso una profesora nos decía una vez que no existe la objetividad ya que somos sujetos.
Por otro lado siempre me paso y me sigue pasando ser una eterna buscadora de la verdad, en el sentido de no decir una cosa por otra. Hoy me pasa también que soy mas de cuestionar aquello que muchos dan por hecho o simplemente repiten.
Nunca me intereso demasiado la historia ni la geografía pero enseñar danzas árabes es mucho mas que solo mostrar pasos o pretender que los alumnos bailen a tiempo Cada día le doy mas valor a poder acceder a todo esta información. Si tengo la posibilidad de dar clases ya sea a quien desee formarse profesionalmente o no, le transmitiré el fundamento de porque elijo usar el nombre danzas árabes para promocionar pero no de puertas adentro.
Pensaba cuanto dominio del cuerpo para marcar ondulaciones para una bailarina y cuanto dominio del instrumento para el músico para poder improvisar. Cuanta creatividad para ambos. Esa creatividad que puede aflorar solo con practica, con tiempo de estudio. Me da la sensación que si bien puede resultar un momento muy desafiante y de mucha exposición para una bailarina también es de alguna manera una prueba de que se va logrando bajar la teoría al cuerpo, no hay demasiado tiempo para pensar y a aveces eso es bueno. Cuando improvisamos con esa técnica y ese oído ya trabajado podemos vincularnos mas con el sentir y fluir.
Hola Maru, el material utilizado en esta clase es del libro “Dancing at the dawn of agriculture”? Me parece una investigación muy interesante y me gustaría ver más imágenes para analizarlas.
Hola Vero! Utilicé bastante de ese libro en las clases. Los registros arqueológicos que recopila son muy interesantes. No estoy de acuerdo con el análisis de alguno de ellos, pero igualmente es un libro recomendable.
Dale Marina, gracias por la recomendación. De Garfinkel solo encontré accesible un trabajo anterior de 1998 que es más breve, pero más allá de las interpretaciones, me gustaría tener algunos los registros a mano y el libro parece una buena referencia.
Interesante la existencia de esclavas poetizas cantantes literatas y la teoría que las relaciona con el origen del bellydance (aunque sea más musicalmente). Tengo una duda si existe alguna bibliografía que pueda relacionar la práctica de las Quiyan de Bagdad con el surgimiento de las Almeh egipcias vistas por viajeros muchas épocas después. O alguna clase de evidencia que sustente que las Quiyan no fueron un caso aislado de su época y que sus costumbres se fueron modernizando y diversificando dentro de la cultura islámica.
En esta clase se planteó cómo en el Antiguo Egipto estaba presente la danza, tanto en contextos funerarios, que es un punto fuerte en esta civilización, como en contextos de juego, de celebración, tanto de banquetes como de cosechas. Se mostró la clasificación de los estilos de danza según Lexova, quien hace un pormenorizado estudio que abarca un período muy amplio en la cronología de Egipto. También se vio la clasificación de los movimientos en la danza según Kinney, quien abarca un período más breve de la vida del Antiguo Egipto. Muchas gracias.
Que interesante que el nombre madre de los otros términos venga del francés. Me hace acordar a cuando tomaba clases de danza clásica y decían es la madre de todas las danzas.
Me llamo la atención las repercusiones que se dieron por el cuadro de Gerome al igual que el concepto de oriente tan opuesto al de occidente marcando incluso puntos tan extremos como la moralidad. Creo que a pesar de no ser lo ideal es parte de las reglas del juego aceptar que hay diferentes maneras de nombrar a la danza sobre todo para poder difundirla y llegar a mas personas.
En esta clase se hace referencia a los distintos términos que se utilizaron por los viajeros, tanto ingleses como franceses, sobre las bailarinas en Egipto, en donde observaron que hay diferencias entre las bailarinas que realizan sus performances, tanto en espacios públicos como en espacios privados, de lo que se desprende una categorización de las ghawazees. Aparece una figura muy importante como la de Napoleón Bonaparte que en sus 23 volúmenes de “Descripción de Egipto”, dedica parte de sus aportes científicos a las bailarinas de Egipto. Se nombran en una detallada lista a los viajeros que utilizaron sus diferentes términos de estas mujeres dependiendo de la época de la historia y de la adopción que hacían de los términos para referirse a las ghawazees. Muchas gracias.
Es nuevo para mi el concepto de Layali y Mawwal. Me resulto fácil reconocerlos. Muy clara toda la explicación. Aun no estoy segura que instrumento estoy escuchando y me resulta mas que complejo poder reproducir o nombrar los nombres de los cantantes. El idioma es una de las mayores dificultades que encuentro.
Que belleza que se interprete una poesía desde la música con voz e instrumento!
Que interesante correr a la danza de un espacio especifico y conocerlo como una forma de vida tanto para hombres como para mujeres. La danza como medio de expresión, de comunicación, etc
Un belly dance espiritual me hace pensar en todos los beneficios que hay en bailar mas allá de las categorías de la diosa madre, meditativa, sacerdotisas, fertilidad que algunos autores puedan mencionar.
Hoy se ha comprobado que bailar tiene un efecto directo sobre la salud mental, produce conexiones neuronales, actúa sobre la memoria etc. Muchos de los que disfrutamos de bailar y danzar a veces no somos conscientes de todos esos beneficios pero igualmente impactan en nuestra vida. Me parece super importante tomar a las teorías como teorías y no como verdades absolutas. Ver cuan fiables son los datos y tener presente la subjetividad que todos poseemos para describir o contar un hecho.
Analizar las evidencias creo que nos ayuda a seguir cuestionándonos y a seguir observando la subjetividad en cada interpretación que puede ser tan ambigua.
Algunos pueden ver una forma humana femenina donde otros ven un animal.
Incluso la forma estática de un dibujo puede darnos la impresión de ser una posición de brazos existente hoy en la danza o un movimiento de adoración etc.
Por lo tanto muchas de las evidencias aunque estén bien conservadas no podemos usarlas para asegurar o afirmar que correspondan a ciertos movimientos que usemos en la actualidad.
Por un lado todavía no logro comprender como en una época algunos seres humanos consideraban que podían hacer uso de otros seres humanos como si fueran cosas de su posesión. En el Corán se hablaba de tratar bien a los esclavos. (que paradójico que esto sea de algún modo un avance).
Qiyan, esclavas, probablemente luego de un tiempo llamadas esclavas cantoras (o poetas ) fueron muy criticadas por algunos autores haciéndolas responsables de provocar reacciones en el cuerpo y alma en los hombres . Me impacto mucho el comentario “Podían salir a la calle sin velo para distinguirse de las mujeres libres”
En esta clase aprendí que los Muwashahat no se pueden bailar solo con recursos generales que ya conocemos. Hay que conocer su timbre, su estructura y cómo se arma musicalmente para poder interpretarlo con el cuerpo. Por ejemplo, aprendí que no es lo mismo que haya solo coro y duffs que un conjunto completo con mutrib, coro y orquesta. El timbre además cambia el movimiento que elegimos para la danza.
Además, la estructura del poema (matla, dawr, khana, gita o jarcha) está muy presente en la música. Es decir, la danza también tiene que respetar esa forma y entender dónde estamos paradas musicalmente. Si estás en una parte como el dawr que tiene cierta repetición melódica, no vas a bailar igual que en un khana donde suele haber más desarrollo o contraste.
También vimos bases pedagógicas para integrar los ritmos, Como el Dawr Hindi o el Aqsaq donde si el cuerpo no internaliza ese ritmo desde la voz o desde las palmas (como es el orden pedagógico), los movimientos pueden quedar genéricos o desconectados.
Por eso aprendí que no es solo seguir la melodía, sino también entender la intención del poema, el tipo de conjunto y cómo se construye cada parte musical.
Lo que me pareció más interesante de esta clase fue como podemos desarrollar y analizar mas allá un ritmo. En este clase analizamos el ritmo Samai que no solo es un Iqa’a sino que también da nombre a el género musical que es siempre instrumental. Esto me pareció importante, porque a veces se confunde el ritmo con la forma, y en este caso está claro que aunque el Iqa’a Samai se use en varias composiciones, cuando se habla del género Samai es una forma instrumental, nunca con voz.
También me pareció muy interesante dividir el compás del Samai y sus variantes como el Samai Darij, Yuruk Samai, ya que es un método de aprendizaje fácil para comprender bien como se divide y compone el ritmo. Y eso se conecta con algo que se mencionó en clase: muchas veces los Iqa’at no empiezan en el tiempo 1, sino por ejemplo en el 3, lo que puede romper con lo que uno espera como “el comienzo” del compás.
Además, aprendimos a distinguir entre subdivisiones ternarias y binarias, entendí lo importante que es primero escuchar el pulso y ver si la subdivisión va en dos o en tres.
Observo en estas teorías como se sigue excluyendo al hombre y como se e sigue atribuyendo a la mujer ciertos espacios o roles determinados en la danza que no pueden comprobarse científicamente.
Nunca había escuchado el termino eftatahia, tampoco el de episodio en la música. Rondo lo conocía como nombre de una destreza física. Escuchando el tema Aziza paso a paso se entiende perfecto el concepto y dan ganas de ponerlo en practica.
Me encantan las presentaciones, claramente no es mi fuerte mostrarme ni causar ese impacto propio de una entrada. La fuerza es uno de mis talones de aquiles pero bailar una eftatahia es muy bello.
Fadi lo había escuchado sin saber que era. Es cada día mas fascinante todo o que hay para aprender de la danza.
Es la primera vez que escucho sobre el termino taqtuqa. Que profundos los temas que se tocan. Me hace pensar en eso que dicen algunas personas que expresan cantando bailando o con algún tipo de arte lo que no pueden decir hablando. Tampoco conocía el termino ughniya tawila, Tratare de recordar la expresión.
En esta clase aprendí que la Muwashahat tiene una estructura particular, son poemas cortos, de 2 o 3 versos, donde el título no se inventa, sino que se elige a partir de las primeras palabras del texto. Es común que se repitan ciertas palabras como Layl, Yala Lalli o Janin Aman que buscan generar un efecto emocional, llevar al oyente al estado de Tarab, de éxtasis musical o poético.
Además, se pueden incluir improvisaciones dentro del poema, donde un solista canta una parte y luego responde el coro. Es decir que hay lugar para el juego musical en vivo.
En lo musical, me pareció interesante que los ritmos como Bambi o Nawajt puedan iniciar desde la mitad o antes.
Es clave sentir el pulso, marcarlo con la voz o con la mano, y que pueden arrancan desde el primer tiempo, desde la mitad o con una anacrusa , o sea un poco antes del primer tiempo fuerte. Me parece una estrategia efectiva para terminar de incorporar los ritmos.
En resumen, la muwashaha combina poesía, música y ritmo de una forma muy libre pero a la vez muy estructurada. Por eso me parece fundamental desarrollar una escucha más atenta para entender el carácter del género, su forma y hasta cómo se interpreta.
De esta clase me quedo un poco con las diferencias y similitudes entre el Sha’bi y Mahragan. Si bien ambos comparten la percusión, las letras que hablan de la mala suerte de las persona, los crímenes, la sexualidad, problemas sociales, entre otros; también comparten la estructura musical A B A C A y el Mawal.
Tanto el Sha’bi como el Mahragat ninguno ha conseguido licencia para este tipo de música ya que lo hacen de forma “ilegal”.
Con respecto a su diferencia, encontramos que en el Sha’bi las letras buscan expresar de forma más poética los sentimientos y las emociones, mientras que en el Mahragan las letras son súper explícitas.
La primera vez que aprendí a escribir los ritmos fue con el método de Saida, me complico un poco incorporar la plica pero lo que realmente me preocupa es que se modifiquen los nombres de los ritmos dependiendo de la zona ya que de por si es bastante complejo aprenderlos y recordarlos. Aprender algo de música es super desafiante pero muy interesante. Voy a intentar tocarlos con el derbake.
Cuando aprendí el ritmo tawil lo aprendí con relleno y me cuesta un montón identificarlo sin relleno. En otros ritmos me pasa al revés cuando hay relleno me cuesta identificar la base. A escuchar mucha música!
A mi el sombati me resulta muy similar al chiftetelli. El Samai taquil lo había aprendido con complejidad media, con el relleno completo me cuesta muchísimo. En el reconocimiento de ritmos me suele pasar y me paso acá con el sombati varias veces escucho igual el golpe del dum y el tac. Entonces muchas veces percibo la cadencia pero no logro distinguir si es dum o tac. No se si me pasara solo a mi eso.
Me encantó el recorrido por las diferentes fuentes y citas, no sólo por su rigor histórico, sino también porque pienso que pueden servir como inspiración para explorar nuevos elementos o para utilizar los ya conocidos de maneras distintas a las que acostumbramos.
Por otro lado, me quedo pensando en algo que se menciona al comienzo de la clase, sobre la cantidad de disciplinas que dominaban en estos siglos las bailarinas y cómo ahora nos dedicamos a bailar y podemos complementar con otras artes, pero también podemos no hacerlo. Creo que en todas o casi todas las áreas de las artes, las ciencias, los oficios viene sucediendo la atomización del conocimiento y la especialización. Las sociedades generamos cada vez más saberes y habilidades en las diferentes áreas y el conocimiento se vuelve cada vez más inabarcable. Pienso que sería interesante pensar en este tema teniendo en cuenta esto, el contexto más macro que, según tengo entendido, podría estar ligado a la revolución industrial y sus consecuencias.
https://youtu.be/9U1bbaRLQn0?si=rkoN0yGAnqzReQFrhttps://youtu.be/9U1bbaRLQn0?si=rkoN0yGAnqzReQFr
Tema clasico de Tarkan KIS KIS,
Introducciòn, desde 0 a 0:20 m
A Estropa, desde 0:21 m a 0:43 m
B Estribillo, desde 0:44m a 1:02 m
Introducciòn, desde 1:03 a 1:29 m
A Estrofa, desde 1:30 a 1:34 m
B Estribillo, desde 1:35 m a 1:54 m
A Estrofa, desde 1:55 m a 2:14 m
Introducciòn, desde 2:15 m a 2:29 m
B Estribillo, desde 2:30 m a 3:14 m.
Formato A-B-A-B-A-B
En la época preislámica se tuvo la presencia de la música y la danza en mujeres que fueron llamadas kainas, quienes se registraron como personas que tocaban instrumentos, cantaban e incluso bailaban, pero con la entrada del surgimiento del Islam con la aparición del profeta Muhammad se introdujeron muchos cambios en todo sentido, principalmente en la península arábiga, donde las tribus árabes que eran politeístas se encuentran con Muhammad que sostenía que sólo había un solo Dios y él era su profeta. Luego, en la época de los califas Rashidun, tampoco hay mucho material sobre la danza, pero sí de la música, en estos salones como los madris en donde eran puntos de encuentro de artistas, músicos y poetas y vuelven a aparecer en escena de la época preislámica las kainas. Muchas gracias.
Muy buena clase. Algunos de los problemas con los estereotipos que se nombran entre el Bajo y Alto Egipto me recordaron a otros parecidos que se manejan entre Buenos Aires y el interior del país, o que son comunes entre las capitales y zonas rurales. Una amiga mía, bailarina inicial, hace poco compartió en un estado de su Instagram que su profesora les enseñó una danza con bastón que se llama “Saidi”. En su momento, hace más de una década, me la enseñaron con ese mismo nombre, por lo que es un error conceptual que se perpetúa hasta el día de hoy y que se replica en las mismas escuelas. Desconocía las danzas que se mostraron. En el Nizz en esa awi se ve claramente el traspaso de la tradición cultural entre las generaciones. La danza del caballo resulta muy llamativa, y su caballo “imitación” muy gracioso, pero mi favorita fue el Kaff. La coreografía de la Reda Troupe es muy alegre y las palmas resultan grandes aliados musicales.
Introducción a los ritmos árabes, con este titulo comenzamos al estudio de ellos. Dentro de la música árabe hay dos elementos, el espacio (tono) y el tiempo (ritmo). El espacio se construye con los Makam. La palabra árabe que se utiliza para los ritmos árabes se llama Iqa. Los ritmos árabes vienen en variedades de formas, estas pueden ser simples o complejos. También es importante saber que es un pulso, un compás, ritmo y fracciones.
Pulso: es un latido, es un movimiento que puede ser percibido por el oído y ser regular o irregular. La palabra utilizar en árabe para el pulso es Mawzuma o Mazura.
Compas: es la forma de dividir el tiempo musical en ua agrupación determinada del pulso. La estructura puede ser binaria, terciaria, etc.
Ritmo: es distinto al pulso. El ritmo es la organización en el tiempo de los sonidos y silencios. Es Se representa con diversos símbolos.
Fracciones: las encontramos al comienzo de una estructura musical. El numerando nos indica el numero de los pulsos por compas y el denominador nos indica que figura rítmica elegimos.
Puntillo: aumenta el valor de una nota en la mitad de su valor. Se coloca después de la nota.
Anacrusa: es cuando comienza el compás en el segundo o tercer tiempo-
Polirritmia: es la ejecución simultánea de distintos ritmos.
Estos concepto son muy importantes para realizar coreografías y bailar.
Me pareció súper interesante el recorrido histórico de los nubios, como tuvieron que reasentarse a causa de la construcción de la represa de Aswan. Que si bien se hizo un estudio recio sobre sus costumbres, la relocalizacion hizo que tuvieran que simplificar o incluso eliminar algunas costumbres. Me parece de suma importancia que a pesar de ello y de la influencia extranjera trataban de reforzar su propia identidad. Dentro de esta identidad y de esta cultura aparece la Danza en celebraciones como el matrimonio y las circuncisiones. No conocía esta Danza WASTANEYYA que se realiza luego de la procesión hacia la casa de la novia, me pareció muy enriquecedor poder contar con el video donde se muestran los movimientos que se realizan. Y como conclusión creo que es de suma importancia conocer e investigar estas danzas que representan una cultura para lograr luego poder representar dicha cultura, aunque con adaptaciones, imaginación y creatividad pero sin perder el respeto por lo que se está comunicando.
En este capitulo, aprendí las distintas anotaciones de los ritmos. Anotación entre dos lineas, anotación en una linea, anotación con notas, etc. Comenzados con las anotaciones de los ritmos, Maksum, baladi, saidi y tabl. Como anotación que usamos esta la anotación con DUM, TAC y ESS o ISS,
En este modulo, vimos el Maksum, Baladi, Saidi, Malfuf, Tawil, Karachi y Masmudi, hicimos reconocimiento de lso mismos y vimos las estructuras de cada uno de ellos.
En este modulo, vimos el Ayub, Bambi, Fox,Hayya, Wahda u Nuss y Wahda Sahira, hicimos reconocimiento de los mismos y vimos las estructuras de cada uno de ellos. Los dos últimos ritmos, nombrados fueron nuevos para mi.
De este texto me quedo un poco con cómo llega la danza Romani al contexto del Bellydance, es algo que aún no podía entender… La asociación se basa en la imagen que los no romaníes tienen de las mujeres romaníes, estos otros exóticos, sexualmente seductoras, promiscuas, peligrosas, provocativas. El texto expone cómo durante el postsocialismo el chochek búlgaro se orientalizó y este baile dejó de ser sutil y se empezó a asociar esta danza con la danza del vientre. En muchos CDs, videos y DVS de música romani presentaban a bailarinas de danza del vientre semidesnudas y hasta casi pornografricas. También cuenta cómo ha aparecido una mujer macedonia (no Romani) que bailaba danza del vientre mostraba esto como si fuera romani.
Me llamo la atención cómo está población termina autoestereotipandose ya que esto les resulta económicamente rentable, ya que nunca han tenido el control de su imagen se acostumbraron a que los conviertan en “otros exóticos”, lo que tiene que ver un poco con lo que plantea Said acerca del Orientalismo. El chochek en la Danza del Vientre está integrado en proyectos económicos y políticos que son impulsados por la precaria posición de los romaníes. Esta forma de mostrar la danza romani contrasta bastante con la danza y las intérpretes de esta comunidad, ya que una mujer romani nunca se desnudaría para mostrar su ombligo y los movimientos surgen del estómago y no de las caderas.
Hay diversos ejemplos en el mundo de la incorporación de ritmos foráneos y su transformación al utilizar instrumentos o melodías locales y tradicionales. En el caso de mi país, por ejemplo, existe el vals criollo, la polka peruana (ambos ritmos traídos originalmente de Europa) o la famosa “chicha”, mezcla de cumbia, ritmos andinos, guitarras eléctricas y rock & roll. Todos estos ritmos forman ya parte integral de nuestro acervo cultural. Pienso que las formas evolucionan y el sincretismo en la música se puede dar por diversos contextos: el zeitgeist del momento (en el caso de nuestro estudio, la voluntad de “modernizar” Egipto donde Europa era el modelo a seguir); colonialismo (influencia cultural de Francia, Inglaterra), cambios tecnológicos (cine, radio), o la experimentación de los músicos de la época. En el caso de los ritmos de origen latino en la música árabe, como la rumba, conga, bolero, tango se afianzan en la música egipcia en la década de 1930, principalmente a través de Estados Unidos, donde se vivía un gran interés por la música considerada exótica (que para ellos era la de Centro y Sudamérica). Compositores importantes como Mohamed Abd al -Wahab y Farid al-Atrach adoptaron las influencias latinoamericanas a la música árabe en sus composiciones.
Cuantos mitos sobre el origen del velo. Ahora me queda claro que el uso como elemento se inicia en occidente y que Samia Gamal no es la primera bailarina en utilizarlo como creía. Que valioso el aporte de Oscar Wilde. Voy a buscar el libro.
Con estas clases acerca de la Ughniya Tawila me encuentro con muchos más recursos para poner en práctica a la hora de componer una coreografía. Poder analizar en profundidad estos temas tan conocidos creo que enriquecen mucho más la composición. Algo nuevo que me llevo para empezar a poner en práctica, reconocer la variedad en sus partes y que la danza coincida con ello.
Me queda claro que el Tahtib es en esencia un juego marcial y no una danza. Me recuerda un poco al capoeira en ese sentido. Lo que me gustaría saber es como en la danza que bailamos se pasó del bastón grande y evidentemente rígido que se ve en el Nizzawi y Tahtib al bastón de pastor curvado en el extremo. ¿Sería algún tipo de adaptación coreográfica?
Primera vez que escucho sobre estas tres danzas tan particulares. Nunca me imagine ver bailar un caballo. Con respecto a la expresión bailar un Saidi pensé que era correcta ya que es lo que me habían enseñado. Al conocer sobre la región y las diferentes danzas supongo que ya no seria exacta esta expresión ya que es demasiado amplia para definir algo especifico.
En esta Clase 2 se puede observar cómo Khyria Mazim realiza un posteo en donde versa que no acepta que se utilice el término Ghawazee para definir a la población de bailarinas a la que ella pertenece y de la cual es quien existe inclusive en la actualidad de las Banat Mazin. Se puede ver también que se explica con respecto a cuestiones de términos tanto Ghawazee como Gipsy, haciendo un vuelco hacia los orígenes de estas tribus que inclusive se ha investigado que antecede a su estadío en India y que eran poblaciones beduinas. Por último, se estudia cómo bajo el gobierno de Muhammad Ali, las bailarinas se encuentran ante la posición de tener que redefinir su profesión y se ven obligadas a resguardarse en el sur de Egipto. Muchas gracias.
Con este apunte queda más que claro que antes de bailar una coreografía con música Nubia es importante buscar su significado, ya que en la música Nubia solía expresar sentimientos de tristeza y perdida cultural por relocalización de su pueblo al construirse la represa de Aswan. Hay donaciones que suelen hablar sobre los sentimientos del inmigrante al encontrarse en una tierra extraña, su nostalgia; como así también contar como Tajreer era una tierra olvidada, de enfermedad, muerte y desesperación. Podrían interpretarse todas estas emociones y sentimientos desde la danza o podría portarse por utilizar temas de fantasía.
Estas clases y ejercicios de reconocimiento son muy enriquecedoras para una bailarina. Yo las percibo como un salir completamente de mi zona de confort ya que es algo donde nunca había puesto foco. La veces que he tomado alguna clase de musicalidad en otros estilos de baile me han ayudado a ver cosas que durante años no había considerado Cuando veo un músico que baila o un bailarín que aprende sobre música noto una armonía, una fluidez y una sin cronicidad dignas de admiración.
En mi opinión, algo que me funciona mucho, tiene que ver con el punto 5 que es filmarse, tantas veces como sea posible, además de corregir técnica, también ir variando y probando maneras de expresión, cuando nadie te ve, es el mejor momento para jugar con la interpretación. Una buena interpretación requiere una técnica correcta. Me parece una buena manera de de practicar de forma completa una coreografía. Por supuesto que no hay que descuidar el detalle en la ejecución de pasos, pero por ejemplo, si quisiera practicar como avanzo, mi actitud, si o si me lleva a corregir mi pisada, la colocación de mi torso y brazos en conjunto. Comenzar por la expresión es una variante a la hora de llevar a cabo un ensayo y corregir de manera completa mi ejercicio.
Hola Maru!!! Tengo tan asociada la música a mi vida en todo sentido, que me es difícil imaginar desde cuando comenzó, creo que al igual que la danza, la música no tiene una fecha exacta desde cuando y como comenzó, pero si, puedo asociarlo tal vez como una adoración a Dios o a los dioses.
No sabía sobre la influencia de la música y la exigencias para los músicos en el Califato, es muy interesante, me voy a quedar buscando mas info!!! A su vez, también, ahora puedo asociar un poco mas las influencias árabes en España, que eso me queda como dando vueltas en la cabeza
Es una información completamente nueva para mi los nombres de las diferentes agrupaciones con sus similitudes y diferencias. Hay ciertos sonidos que me siguen resultando mas difíciles que otros para poder identificar que instrumento es.
Generalmente puedo diferenciar un dum de un tak en un solo de derbake pero muchas veces me cuesta identificarlos cuando hay variedad de instrumentos y no tengo aun incorporada la distinción entre tak y zak.
No estoy segura de comprender la diferencia entre taka y rak.
Necesito ponerme a memorizar de manera urgente el valor de cada figura y silencio para poder avanzar en el reconocimiento de ritmos.
La música incluida o mezclada con actitudes fuera de la moral me llamo mucho la atención
El hadiz famoso que dice: hay 4 personas que Allah no aceptara en el día de la resurrección la hechicera, el hombre que llora, la mujer que canta y la mujer que es infiel realmente me impacto,
También me sorprendió el tratado que dice que cantar hace que la hipocresía crezca, la distinción que hace un erudito entre los sumas de los vulgares y la de los elegidos y el considerar algunos instrumentos como algo demoníaco.
Como muchas creencias sobre todo religiosas, tiñen nuestra visión en muchos aspectos de la vida incluidos el arte.
Yo suelo observar mucho las expresiones y gestos de las personas (bailarinas o no) pero es algo que me cuesta muchísimo incorporar. Entiendo que es muy importante lograr transmitir y darle a cada estilo su interpretación correcta. Necesito en principio estar muy segura de la coreografía ya que soy una persona muy mental para poder intentar conectar con alguna emoción. Me gustaría poder incorporar el como si, meterme en el personaje de mostrar esa alegría aunque no la sienta etc. Es un gran desafío para mi del día a día.
Me parece enorme la importancia de todas estas distinciones y consejos. Después de años de tomar clases, solo luego de haber incorporado instancias de ensayos y entrenamientos he logrado ver mejoras. En mi caso es clave la importancia de organizarme de escribir objetivos con plazos, poner horarios etc. Nunca fui buena para organizarme y me sigue resultando muy complejo pero gracias a tu ayuda, tu guía y tu motivación voy avanzando. Voy a incorporar el escribir como me siento. Es muy útil no desconectarnos y que el cuerpo nos diga si es por ahí o hay que hacer ajustes en tiempos o intensidades.
Amo el baladi y me doy cuenta que la parte de interpretarlo de forma relajada es algo que no he tenido en cuenta. Algunas veces he incorporado pasos mas estilizados que luego entendí no es correcto ya que no representa la esencia.
Después Maru te consulto los nombres de los músicos para escribirlos correctamente
y buscarlos.
No conocía los términos me atta, awadi, engerarah, aflah.
Improvisar es todo un logro pero improvisar un baladí es otro nivel.
Esta clase esta muy interesante porque toda bailarina debería reconocer la melodía y el ritmo en una canción asi se pueden hacer los movimientos adecuados .
También saber que existen muchas variedades de ritmos en la Música Árabe. Hay variedad en género y formas (chiquitos, largos).
Si tocamos los chinchines o bailamos una cancion es fundamental reconocer el pulso qué es como un latido y puede ser regular o irregular.
Así no nos vamos de tiempo.
Me vino bien recordar la importancia de estar cerca del músico durante el taqxim o mirarlo para que se vea esa conexión con la bailarina. Me parece hermosa la parte de preguntas y respuestas y que importante poder lograrlo, al igual que poder detectar los silencios. Nunca había considerado el ritmo de base en las preguntas y respuestas y no sabia que se suele insertar un tema famoso en la parte del baladí lento. Muy interesante seguir aprendiendo sobre el baladi.
Que impactante todo lo que contas de estos zaffa. que las niñas se casaran tan jóvenes y que los hombres pudieran tener problemas por ser mayores y seguir solteros. No entendí bien que seria la dote. Tremendo lo que contas de la persona que se corto el abdomen.
También me llamó la atención que consideren que sea exitoso solo si se da en un espacio publico y poner un ritmo para sacar a una mujer que baila queriendo lucirse jaja
Que lamentable que la imagen de la bailarina sea para simbolizar la sexualidad, el paso de la soltería a estar casada y como alguien en quien no deberías convertirte.
Hola Maru!!! Ésta clase es super interesante, es cierto que toda bailarina debe saber estas cosas, en mi caso, por ej, siempre saqué el pulso por oído, pero nunca me habían enseñado como el paso a paso de cada uno. En cuanto a los libros, nunca los leí, pero me interesan leerlos, así que los buscaré
Me encantó esta clase!!! Ahora pude entender mejor la diferencia entre pulso y ritmo!!! Es más, creo que no voy a poder dejar de hacerlo en casa cuando escuché música!!!
Me ha resultado bastante compleja la lectura de este texto. Los debates sobre el sama. Los hadiz tomados como fuente autorizada con tantas ideas variadas Y enfrentadas. La música y la danza vinculadas al placer de beber vino y el libertinaje, la prohibición de ciertos instrumentos. Muy impactante el tratado que incluye a una mujer que canta como una de las 4 clases de personas que no serán consideradas para el día de la resurrección, frases como cantar hace que la hipocresía crezca en el corazón.
Rescato una frase de los fundadores lideres de los ordenes místicos del islam que dice: la música no produce en el corazón lo que no está en él, pero me sigue resultando extraña la parte que dice por lo tanto debería prohibirse a aquellos que están sujetos a una mera intoxicación.
Las distinciones entre los diferentes sama artificial y artístico sama libre y vinculado a la música siguen mostrando a mi modo de ver esa separación como en la expresión la gente común el ignorante o el novato para quien el sama puede ser veneno eventualmente pueden asistir a ritos ceremoniales pero no pueden tener parte activa en ellos.
El dhikr, ritual mas notable para los místicos y que pide recordar a Dios lo mas posible incluye la música y eventualmente la danza.
Mevlevin: la danza y la música forman una unión invisible asociadas a practicas místicas fueron atacadas principalmente por los tradicionalistas por incluir instrumentos prohibidos. En su defensa el teólogo Al Nabulusi escribió que el verdadero creyente los utiliza con buena intención y fines por lo tanto no deberían ser considerados dañinos de ninguna manera.
En vista de la gran importancia que los sufies le atribuyen a la música en su doctrina, fueron los mas atacados. Frases como que sus giros se parecen a peleas de gallo, que parece que invocaran a una entidad sorda etc.
Consideraban que la música era la tentación de diablo y que satanás estaba dentro de los instrumentos.
Me quede pensando mas allá de la religiosidad con la que todo está teñido, el hecho de darle a la música el poder de actuar sobre el comportamiento de las personas. Como y cuanto nos influye lo que vemos, escuchamos y todo que ingresa por nuestros cinco sentidos?
Creo que baladi y masmudi son dos de mis ritmos favoritos. Los que me resultan mas fácilmente reconocibles son el chiftetelli y el malfuf y aunque este considerado un ritmo fácil me cuesta mucho escuchar el tabl. Me vendría bien escuchar mas música y practicar la escritura.
Nunca había visto una danza donde los hombres bailaran con varas y las mujeres con pasos estilizados. Me sorprendió la música que utiliza Tito Seif, ya que creí que sería para un derbake. Hermosa la alegría que transmiten y admirable la destreza.
Nunca había escuchado nada sobre la historia del bolero, muy interesante todas las influencias que ha recibido y las etapas por las que ha pasado. En cuanto al estilo es uno de mis favoritos y aunque aun me falta, voy logrando bailarlo de una manera mas sentida. Su origen en Cuba me hace pensar cuanta música rica ha nacido en esa zona. Estoy empezando a comprender porque muchos bailarines eligen viajar allí para conocer y aprender.
Hace poco tome conciencia que bolero y baladi son los estilos que mas disfruto escuchar y bailar y que a la vez como explicas acá tienen cadencias muy diferentes. Me encanta lo estilizado y etereo y me pasa tal cual lo que decís a la hora de coreografiar: tengo que ser muy cuidadosa para marcar correctamente donde van los dum
Muy lindo el samai pero muy complejo el ritmo samai taquil. Desconocía que tuviera una estructura y tampoco sabia sobre la forma de llamarlo en el imperio otomano. No logre identificar desde lo auditivo cual sería un saz semai. Espero lograrlo luego de escuchar varios de ellos.
Hola Maru!!! No sabía que se dividían en Binario, Ternario, Cuaternario, si bien siempre supe como enganchar el compás, no sabía que se dividían así, ahora se me quedó esta clase en la cabeza, y cada vez que escucho una canción trato de identificar como se divide, igualmente, es un ejercicio que siempre lo hice como por “inercia “, por gusto, cuando disfruto la música.
Acá es la parte donde tengo como más “drama”, más que nada en recordar los dibujos de las figuras y silencios, lo cual, me parece que debo seguir ejercitando esta parte, ya que de una u otra forma, por más que me guste la música o no, trabajaré con ella todo el tiempo, y esto es importante saberlo y también repasarlo cada tanto.
Entendí el concepto de anacrusa, lo tengo que poner más en practica, me gusta poner el iss entre medio del dum y el tak como silencio, pero me cuesta asociarlo cuando lo canto, me parece una forma salida de loque ya se conoce, y estaría genial poder aplicarlo poco a poco
Me sorprende y a la vez no, que hayan puesto jueces europeos, ya que, estamos hablando de culturas muy diferentes, y que entre ambas se destacan en diferentes cosas, como en la música, por ej.
Si bien, no me parece mal que haya un orden en cuanto a la enseñanza sobre la música, porque hay cosas básicas que una persona al tocar o hacer música debe conocer, no me parece que la música árabe tenga que tener “cambios” en cuanto a su estilo. Creo que está genial, que la música árabe se siga expandiendo a través del mundo, tengo la sensación que aunque sea acá, en Argentina, aún se conoce poco sobre la música, entonces, considero que se tiene que seguir expandiendo, y también, no dejar de alimentar a los músicos sobre conocimiento, eso ayudaría a mejorar su: estilo, entonación, formas de tocar los instrumentos, etc.
Como dije antes, hablamos de culturas diferentes, y la música no tiene que ser exactamente igual a occidente, se destacan ambas y tienen el “condimento” exacto para gustar a las personas que disfrutan su música.
Me encantó el análisis de una canción para armar una coreo, la verdad que me sirve un montón para poder armar mejor mis coreos porque a veces me pasa que me nublo y no sé que hacer, si amo y esto lo hago desde muy chica es buscar traducciones de las canciones, hoy en día es muchísimo más fácil porque muchas canciones ya están traducidas en Youtube, pero, de chica tuve como una especie de librito o folleto, donde te enseñaba las cosas básicas, como de los diálogos cotidianos, sentimientos, etc. Lamentablemente lo perdí, pero eso me hizo como querer buscar o poder entender las letras, porque muchas veces pueden engañarte, por ej., me pasaba con Halawet Roh de Hakim, que uno la escucha y dice -wow, que alegre esta canción-, y en realidad no, habla de un engaño amoroso, entonces, a veces está muy bueno tomar esto como un pequeño ejercicio, ayuda un montón. En cuanto al Wasla, entiendo que se asocia más a las emociones, como que trata de buscar que el oyente transite diferentes emociones
Me gustó mucho esta lectura para conocer sobre la historia y evolución del vals. Es curioso que una danza que hoy puede ser considerada clásica, elegante y ceremonial (matrimonios, quinceañeros) en su momento fuera considerada escandalosa y hasta peligrosa (para la moral y la salud). Su influencia y adopción en el mundo es innegable, por ejemplo, en los ritmos árabes valseados, en el vals criollo, y en pasos que en su nombre y forma conservan vestigios de sus orígenes (Allemand right utilizado en el Square Dancing). Me parece importante también, ubicar su popularidad en el contexto de los ideales Románticos y cómo era considerado un igualador entre clases sociales, ya que todos podían bailarlo al no tener una estructura tan rígida y donde lo que se valoraba era la destreza y habilidad del o de la bailarina, más allá de su estatus socio-económico. Finalmente, como reflexión personal, podría establecer un paralelismo entre el vals y otras expresiones culturales actuales, en tanto que una expresión originalmente folclórica y/o rural es adoptada por las clases aristocráticas y ricas y luego llevada a salones lujosos con precios, que para muchos resultan ser prohibitivos. Afortunadamente, el vals ha evolucionado a través de los siglos y hoy se mezcla con instrumentos y ritmos locales para crear nuevas formas y expresiones culturales representativas de cada pueblo y cultura.
En esta clase se puede observar la época de los Abasíes, quienes fueron un gran número de califas que gobernaron en el poder de la Cultura Árabe-Islámica, dado a que se consideraban con derechos por ser los descendientes del profeta Muhammad. Es importante destacar en cuanto a la Danza que se encuentra la aparición de las Qainas o Qiyan, quienes eran esclavas que se desempeñaban en música, canto y danza como forma de entretenimiento para quienes las poseían dentro de sus casas. Por úlltimo, es deseable ver que se le dio un lugar importante a la producción de conocimiento artístico y que nos llega hasta el día de hoy como material rico para trazar un camino de la Danza dentro de la época del Islam. Muchas gracias.
Hola! Esta clase estuvo muy buena y didáctica mas para personas como yo que escucho música pero sin tener en cuenta el pulso, el compás.
Ahora si voy a escuchar la música desde otra perspectiva. Excelente explicación, me ayuda un montón.
Nunca había tomado conciencia que parte de la riqueza y belleza de los clásicos de la música árabe tienen que ver con la diversidad de ritmos. Algunos de los que nombras como conga masri, vals o jerk de hecho son de mis preferidos ya sea por los pasos característicos o por lo musical. En este caso coincido con Mohamed sobre la evolución que representa para Egipto la influencia Europea y latina.
Claramente este sera mi mayor desafió para este año. Algunos ritmos me parecen sencillos de recordar e identificar pero con muchos otros me pasa todo lo contrario, incluso no logro escuchar si es un dum o un tac. Muchas veces me suena igual un tac tac que un taca. Ojala logre desarrollar mas mi oído para aprenderlos
Escuchaba la diferencia entre el maksum y el wahda u nuss pero no podía explicarla. Me sirvió pensar en ese tac tac extra. A la vez no se porque me suena parecida la cadencia al chiftetelli. El ritmo fox lo escucho taca dum :c asi que me cuesta identificarlo. En resumen tendré que seguir escuchando y practicando.
Me encantan estos ritmos. Los pasos que van dentro de un vals o un bolero son de mis preferidos. Me los puedo imaginar mientras los escucho. Enta el hob es uno de mis temas preferidos
Creo que todos los puntos son complementarios y necesarios. Yo particularmente necesito saber el tema de memoria, poder tararearlo, así me es mucho más sencillo el momento de visualización y recordar en qué momento entra cada paso. Y si bien me ayuda esta forma, lo esencial es pasarlo por el cuerpo. Ensayar todas las veces posibles para que mi cuerpo se adapte a cada movimiento y llegue con los tiempos. La mezcla de memoria mental para recordar el tema y los pasos más la memoria corporal de pasar por el cuerpo la coreo, es lo que mejor funciona en mi caso. Luego puedo ir trabajando por sección coreográfica la expresión y la intención, “ir puliendo” y ser más detallista, una vez tenga la base bien enraizada.
Saber el origen de la música árabe es adentrarnos en la historia y entender que todo está conectado con todo. La cultura y el día a día de las personas las llevó a la necesidad de expresarse a través de cantos y poesía, siendo las tribus árabes quienes estaban en medio de dos imperios enemigos. El amor, como nexo de unión entre la música preislámica y comienzos del Islam. Con la llegada de Mohamed y la unificación religiosa, comienzan a surgir las críticas sobre lo que hace sentir la música vs la religión. No obstante, eso no paró la evolución de las canciones, de lo que dicen y su expresividad. Comienza la tradición musical, influenciada por la expansión del Islam y los salones de entretenimiento.
Si bien durante el Califato Omeya los músicos comienzan a tener una mayor preponderancia con la entrada a la Corte, y por lo tanto su arte al estar siempre presente derivó a la Gran Tradición Musical y a la necesidad de perfeccionarse, creo que el punto máximo expuesto en esta clase lo vemos durante el Califato Abbasida. Acá hay un refinamiento de lo comenzado durante los Omeyas sobre la formación de un músico y el retrato de un músico perfecto. Hay una mayor presión sobre la concepción musical lo cual deriva a la necesidad de un estudio más profundo para resaltar como músico.
Mi reflexión personal es que aunque haya sido muy criticado el arte por el Islam al tacharlo de una influencia tóxica en las personas, eso no detuvo su expansión, perfección y el aliento de los Califas por ser benefactores de músicos y escuelas de formación musical.
Nunca había escuchado sobre la longa, Por el momento para mis oídos son muy sutiles los cambios en los hanes así que tendré que practicar. Que interesante que primero los músicos árabes hayan empezado por tocar lo que habían compuesto los músicos otomanos, que luego pasaran a componer y que hoy convivan ambas.
Lamma bada me pareció bellista. Lo que no me quedó tan claro es sin la forma aaba se encuentra en algún genero musical especifico. Reconocer cada parte me costó pero ya con la ultima fui mejorando.
Conocer la historia de la música es esencial para comprender lo que bailamos hoy en día sus orígenes. Es interesante ver qué está historia se remontan a la época preislámica, entre los imperios Bizantino y Sasánida, donde la poesía y la música fueron pilares culturales. Poder ver qué con el tiempo, estas expresiones se transformaron en canciones populares y recitadas en casas nobles. Con la llegada de Mahoma, la religión unificó a la población y, en ciudades como La Meca y Medina, las casas se convirtieron en espacios de entretenimiento para músicos y bailarinas. Así entonces comprendo que marco el comienzó de la evolución musical lo que conocemos las bases de la tradición que hoy seguimos interpretando como bailarinas y futuras profesoras
Para una bailarina, reconocer el ritmo y la melodía es tan importante como la técnica misma. Esto permite que en una coreografía se puedan ejecutar los movimientos con precisión en el tiempo y de expresar con el cuerpo, ese compás. A esto se suma la armonía en nuestra danza, hablamos de ritmos pero también es importante conocer terminologías como Iqa’at o waza y usul en la tradición turca para referirnos a los ritmos, porque facilita la comunicación entre músicos y bailarinas de otras partes. El pulso es algo natural y nos movemos con él sin darnos cuenta, aunque pocas veces lo pensemos conscientemente. Siempre se trata de la atención en poder conectar cuerpo y música para poder transmitir incluso un sentimiento con el que bailamos.
Hola!! Excelente clase y excelente explicación, por lo menos para mi que nose nada de música, me encantó esta forma de aprender los Ritmos, ya que yo lo sabía con esa tablita que explicaste donde se pone Dum y Tac .
Esta forma me parece mas completa. Ahora toca practicar.
Hola! Esta clase me pareció muy enriquecedora, mas cuando explicaste las fracciones, se puede entender mejor un ritmo, hacer las prácticas es fundamental ya que nos hace mejorar el oído y asi no irnos de tiempo. Los chasquidos de los dedos, subiendo y bajando la mano me ayudó un montón con los silencios .
Me hizo acordar cuando empecé a tejer no entendía los gráficos hasta que una profe me enseñó a leerlos, con esta explicación me paso lo mismo ahora entiendo mejor los ritmos.
La Dra. Alice Thomas analiza en su artículo (2007) el antes y el después de la conferencia de 1932. Si bien hubo varios actores sociales involucrados, en su análisis la Dra. Thomas decide centrarse en los reformistas egipcios. Estos últimos, conocidos como la effendiyya, fueron un grupo de músicos de élite de herencia otomana. Influidos por teóricos europeos, pretendían realizar una sistematización de la llamada “música árabe”, categoría artificial que ellos mismos definirían. En el texto se detalla que la necesidad de llevar a cabo la conferencia estaba sustentada en un tipo de pensamiento que podríamos asociar al concepto cultural de “orientalismo” desarrollado posteriormente por Edward Said (1978): la effendiyya aceptaba que la música —y por extensión, la cultura— “occidental” era superior en desarrollo y prestigio a la “oriental” y, por consiguiente, esta última debía “reformarse” para alcanzar los estándares de la primera. Otro elemento fundamental del pensamiento reformista fueron las diferencias que la effendiyya tenía con los músicos profesionales egipcios, a quienes acusaban de haber corrompido la música tradicional hasta un estado de “desorden y degradación” —visión respaldada por etnomusicólogos europeos como Curt Sachs—. Por esto mismo, el sindicato de músicos profesionales fue excluido de participar en la conferencia de 1932. La meta de los reformistas era afianzar un sistema teórico que pudiera ser llevado a la práctica y servir de base para su desarrollo posterior de la música árabe. Thomas nos relata cómo la conferencia dio resultados mixtos: sirvió para la elaboración de programas educativos y la aparición de nuevos institutos de música, pero no fue conciliadora en aspectos clave de la teoría musical. En su investigación, Thomas resalta que, siete décadas después, la instrucción instrumental derivada del sistema formal es deficitaria e indisciplinada, aspecto contradictorio dado que eran las cualidades que los reformistas denunciaban en los músicos profesionales. Por ello, la autora concluye que las ocupaciones artísticas, como la música, no pueden guiarse únicamente por un corpus teórico para dirigir su desarrollo, ni respaldarse en la exigencia de credenciales: toda política cultural requiere la participación de los actores que la ejecutan y se sustenta de la creatividad y la reinvención constante. Concuerdo en parte con la posición de Thomas, dado que no se puede separar una disciplina de su ejecutante, y que la academización por sí misma no garantiza la excelencia de un producto cultural. Sin embargo, considero que sistematizar asegura cierto grado de homogenización en los aspectos prácticos, por ejemplo, codificando un sistema que clasifique qué tipo de habilidades son o no deseables en un ejecutante. Aplicado a nuestra área de interés —el bellydance—, podemos ver que la academización de nuestro baile conllevó a una codificación de requisitos necesarios para poder impartir una instrucción “adecuada” dentro de los parámetros del estilo. A su vez, considero que no nos corresponde juzgar como correcto o incorrecto el pensamiento de los reformistas egipcios desde la perspectiva actual. Si bien hoy en día los programas educativos pueden considerarse obsoletos, y las pretensiones modernistas de la effendiyya como un tipo de pensamiento colonial, la conferencia de 1932 en sí misma fue un punto de inflexión que dio lugar a grandes discusiones intelectuales sobre la definición de “la música árabe” y que influyó -ya sea para bien o para mal- en su desarrollo inmediatamente posterior. Ejemplos de esto es la incorporación de instrumentos y estilos claramente occidentales, incentivando a grandes compositores de la época a explorar sus propios límites y ampliar sus fronteras creativas.
Hola! Esta clase me sirvió un montón para seguir aprendiendo de como se escriben e interpretan los ritmos y sobre todo a respetar los silencios, ahora si puedo entenderlos un poco más!! Ahora me toca practicar con los chinchines .
Hola! Muy importante esta guía, ya que nos ayuda a organizarnos cuando pensamos que no podemos o no tenemos tiempo de ensayar, esta guía nos dice todo lo contrario. Todas podemos y todas tenemos nuestros tiempos para aprender . Es cuestión de constancia, confianza, y estar atenta a toda la técnica que Maru nos brinda y nos ayuda a corregirnos a la hora de hacer una coreografia.
Es la primera vez que aprendo sobre el compás y el pulso, y entendí que son lo que ordena la música. Ahora noto que los acentos y los tiempos no son al azar, sino que ayudan a seguir el ritmo. En las prácticas del vídeo pude identificar algunos de forma asertiva lo que me ayuda apartir de ahora escuchar con más atención la música y seguir practicando el oído.
En esta clase vemos desde los diferentes autores que profundizan el estudio de los ritmos, hasta la definición de Touma. Los géneros con organización rítmica temporal fija se pueden seguir y hasta nos es natural aplaudir y marcar el pulso sin tener un oído afinado (como espectadores en una presentación, por ejemplo), mientras los géneros con organización rítmica temporal libre son improvisaciones melódicas y por ende, pueden estar acompañados o no por un ritmo (Taxim, Mawal o Layali).
Hay ritmos cortos y también complejos.
El Pulso es algo natural y lo encontramos en nosotros y en nuestra vida, aunque su concepto haya nacido en el Siglo XIV con los relojes mecánicos, ayudándonos a organizar el tiempo.
Si bien en Argentina se llaman “Ritmos árabes”, es conveniente saber las palabras Iqa, Iqa’at, Wazn y Usul (Usul para ritmos turcos) para poder comprender escritos, bailarines e interactuar sobre la cultura musical y rítmica árabe con personas de otros países.
Como bailarinas, es esencial entrenar el oído y poder encontrar el ritmo y la melodía. Es un entrenamiento igual de importante que el corporal, ya que sin poder encontrar estas aristas en lo que bailamos difícilmente lleguemos a marcar e intencionar lo que queremos mostrar a la hora de bailar.
Hola. Me parece muy interesante e importante la guía. Por un lado es organizadora. Ayuda a organizar en ejes claros, concisos. Por otro lado ayuda a despejar y superar posibles dificultades que puedan sentir o tener las alumnas: espacios, tiempos, comparaciones, filmarse, etc. Dando alternativas para superarlas. También me parece fundamental el foco en el aprendizaje de una coreo como proceso. No solamente en lo individual, sino también en el aspecto grupal. Algo que me encantó de la guía es que da seguridad, confianza y compromiso para poder llevar el proceso de aprender una coreo. Confiar en la profesora que amorosamente guía. Confianza en el trabajo de una misma. Además estimula el compañerismo en el grupo. En lo personal, mi desafío es el tiempo y los detalles. A veces, por estar pendientes de lo general, se nos pierden los detalles pensando que los tenemos incorporados. Por eso destaco, en mi caso, filmarse y poder optimizar tiempos por semana.
Hola! Ahora si voy entendiendo como preparar una coreo y en que debo estar atenta al escuchar una canción. Si bien este año empecé a escuchar un poco mas de música árabe me doy cuenta que no la estaba escuchando como se debe. Esta muy bueno saber que hay canciones traducidas así la podemos interpretar mejor a la hora de bailarlas.
Hola! Me encanta tu explicación Maru, esta muy bueno saber sobre las formas musicales, y saber donde podemos encontrar al Taxím asi poder interpretarlo a la hora de bailarlo. Como asi tambien estar atenta a los silencios y al pico máximo, es decir interpretar lo que el músico va tocando y no hacer cualquier cosa. Para todo esto es importante escuchar mucha música, educar al oído.
Hola! Dos nuevas formas musicales que no conocía, me encanto saber las diferencias para poder reconocerlos.
Son muy lindos al oído. La explicación y el resumen que se hizo lo dejo todo mas claro. A seguir escuchando música.
El conocimiento nos abre puertas, nos proporciona un entendimiento más profundo de lo que realizamos. Nos aporta una mirada más amplia, más acabado y nos inspira. Aprender el inicio de una cultura, de la cual elegimos sus danzas, me parece sumamente enriquecedor. Como estudiantes, bailarinas, profesoras. Por lo cual siento que es estimulante e importante ahondar en un punto tan significativo como es los inicios de la música árabe. En el desarrollo de la clase ir viendo la evolución, no solamente en la música, sino en la poesía, las creencias, la organización social, la situación geopolítica, económica, las costumbres, los lugares de reunión e intercambio de la comunidad que se dieron en la época preislámica. En lo personal me encanta cómo está relacionada la poesía y la música en el mundo árabe, belleza del arte y la literatura. Acá me quedo con la frase: la poesía como punto de partida de la música. Por otro lado, si bien existe el inconveniente que era una cultura de la oralidad, de que hay poca evidencia arqueológica, se logra tener un esbozo o acercamiento a través de la historia y autores como Touma.
Conocer el contexto de ese momento histórico donde se desarrolló la música. Dos imperios: Bizantino, Sasánida. La situación en la península Arábiga, haciendo de tapón entre la disputa entre esos dos imperios. La importancia de las tribus de los lahmidas y gazanidas. La vida tribal de caravanas, pero también la vida en los centros de las ciudades como Maca. Me parece enriquecedor saber que tener una vida comercial muy activa generaba el intercambio con otras culturas como la persa, la griega, babilónica, romana, etc. Como se fue dando la poesía y la música en los cantos beduinos y la población sedentaria destacando el rol de la Qayna. Luego ir viendo cómo se fue desarrollando en los primeros tiempos de la era Islámica. Cómo fue mutando, evolucionando la música y la cultura. La época del profeta Mahoma. Los califas Rashidun. El rol de los músicos y mujeres y la aparición de los salones Majlis.
Hola!! El Taxim es otra forma musical que toda bailarina debe conocer, para poder ejecutar la interpretación a la hora de bailarlo.
El Taxim se caracteriza por la improvisación, por eso se debe tener mucha creatividad y conexión con el músico además de estar atentas a las pausas o silencios que tambien son importantes. Para todo esto hay que escuchar mucha música asi nuestro cuerpo y nuestro oído lo van reconociendo.
En esta forma musical se pueden hacer movimientos ondulantes ya que el instrumento es melódico.
Hola Maru!
Respecto al pulso, si bien para los bailarines es fundamental poder danzarlo, me resultó muy útil el tip de buscarlo con el aplauso, tal como lo hace el público de manera natural. También me sirvieron mucho los ejemplos de la gota de agua y la referencia al origen del concepto, inspirado en los relojes.
Quiero recalcar además la importancia de usar correctamente los términos para definir lo que conocemos como “ritmo” (ya sea Iqa‘, Wazn o Usul para el caso de los ritmos turcos —no estoy segura si las dos últimas las escribí bien).
También me pareció interesante conocer los distintos estudios sobre la teoría de la música árabe y a sus principales autores a lo largo de la historia, lo cual es de suma importancia para poder tener un contexto de la interpretación que podríamos darle a la danza. Conocer a los teóricos y la historia de la música árabe no es algo accesorio, es lo que da contexto y enriquece la interpretación de la danza.
En la segunda clase de introducción a la historia de la música árabe podemos continuar viendo como siguió desarrollándose la música en el período de los Califatos. Califato Omeya, Abassida y la zona de Al Andalus. Quiero compartir una apreciación personal de este período. Siempre que lo estudiamos me parece una época de gran florecimiento y desarrollo de toda la cultura islámica y me resulta interesante e inspiradora.
Algunos puntos que destaco:
*Se abre en este período la corte para los poetas y músicos.
*Se van a alentar y patrocinar a los músicos. Los califatos van a ser de gran importancia para el desarrollo de la música.
*Los músicos van a ir creciendo en importancia. Sus casan se convertirán en escuelas.
*Surge La gran tradición musical.
La tradición musical se va a producir combinando elementos de diferentes pueblos que se fueron conquistando. No va a ser solo propio árabe, sino que esta tradición también va a ser influenciada por otros pueblos no árabes.
*Se empieza a sistematizar, con normas, reglas.
* En la época Abbasida se le da importancia al Retrato del músico perfecto.
* Los Majlis como espacios importantes para el desarrollo de la música.
Para cerrar me gustaría comentar que, pese a la mirada negativa de autoridades religiosas con respecto a la música esta no dejó de desarrollarse, sino todo lo contrario.
Hola! La explicación de la terminologia de las palabras que usamos para conocer la Danza me pareció importante para saber diferenciar cada aspecto. En lo particular, cuando comencé la conocía como Danza Árabe y cuando empecé a estar mas tiempo me fueron introduciendo la palabra Bellydance.
Me parece que sirve al principio para poder atraer a las personas ya que la mayoría la reconoce asi “Danza Árabe” por lo menos yo, si tendría una escuela comenzaría asi.
Me parece muy interesante entender el origen de los distintos estilos musicales que bailamos. En el caso del bolero, sus orígenes en Cuba, su adopción y evolución en México, sus demás influencias y transformaciones; además del contexto histórico y cultural en el que se desarrollaron. Los sentimientos y emociones que se tratan en los boleros, el amor, desamor, deseo, soledad y la forma de expresarlos muestran ese proceso; y, al acompañar a las personas en momentos emocionales, van creando una identidad colectiva que hace que el bolero no pase de moda y cada tanto se reinvente en nuevas voces y arreglos.
Me llamó la atención el lugar que se le da a la mujer en la temática de las composiciones, primero como diosa que es idolatrada y luego como causa de dolor y desengaño; me interesaría saber qué fue lo que llevó a ese cambio. Vale la pena mencionar que también hubo mujeres intérpretes como Olga Guillot y grandes mujeres compositoras de boleros como Isolina Carrillo, compositora de Dos Gardenias, y Maria Teresa Vera, compositora de Veinte Años, ambos temas popularizados por Buena Vista Social Club que transmitieron esos sentimientos de añoranza, nostalgia por un amor imposible o perdido, y deseo que nos conmueven y acompañan.
Me parece muy importante que como bailarinas entendamos tanto el origen de los estilos y ritmos que bailamos, como su temática a fin de poder interpretarlos de manera adecuada. El ritmo utilizado (rumba masri) así como el tipo de pasos, el énfasis en los movimientos y vestuario a utilizar son la base para lograr una performance respetuosa y auténtica. Me gusta mucho la expresividad que permite el bolero, transmitir las emociones de amor, desamor, deseo, pasión a través de movimientos estilizados sobre una forma de base latina interpretada con instrumentos orientales.
Interesante ver el paralelismo entre la forma del Rondo y el de la Longa. Fue muy útil el ejercicio de prestar atención para identificar la repetición del tema principal (teslim) y las estrofas (hane) a lo largo de los temas, y como cada uno de ellas va cambiando de melodía mientras que el teslim se mantiene a lo largo del tema. Tambien me gustó saber el número de compases for hane pues permite preparar una coreo o hasta improvisar de mejor manera al conocer la estrutura y los ritmos utilizados.
Tras haber escuchado los ejemplos un par de veces se va haciendo mas fácil el reconocerla. Además, hace poner atención a temas occidentales y contemporáneos (en el pop, por ejemplo) que también utilizan esta forma.
Me dio la sensación que la danza Razif es bastante mas alegre en comparación con Dahha, mas allá de que las temáticas suelen ser similares. Es importante tener en cuenta una vez mas que en el bellydance varias danzas como estas podemos representarlas pero desde la fantasía.
Hola! La clase muy interesante. Aprender de todas las terminologias que hay me pareció fantástico, empecé a conocer a la danza como “Danza Árabe ” no me imaginaba que habia diferentes formas de llamarla. Recien cuando empecé a tomar clases conoci que tambien se la llamaba “Bellydance ” pero tambien me decían que “Danza Árabe ” era una Danza mas auténtica y “Bellydance ” era una Danza fusionada y mas estilizada.
Cuando subo algo a mis redes me acostumbre a poner #bellydance ya que me identifica mas esa Terminologia pero cuando digo que danza práctico siempre digo “Danza Árabe ” porque la mayoría de las personas que no estan en el ambiente lo entiende mejor.
Me encanto saber las diferencias de todas las terminologia. La historia siempre va cambiando y me parece que aveces hay que adaptarse pero eso va a hacer muy difícil porque no todos pensamos igual.
Me gustaría comentar que me parece necesario tener conocimiento de que existen variedad en la enseñanza de ritmos según la escuela que se estudie. Que hay escuelas que tienen un pack de 10 ritmos básicos y otras pueden enseñar 30 o más. En lo personal me ocurrió, estudiar en una escuela y encontrar que otra enseñaba muchos otros ritmos que no conocía, me generó desorientación en su momento. También conocer que no existe un método unificado y que en la Argentina circulan 3. Saber esto nos ayuda a ser flexible a la hora de ir a seminarios, estudiar en otro lado, trabajar con otros bailarines, profesores, músicos, etc. o simplemente enriquecernos de otras formas.
Me gusta la definición de Touma, que podemos ver dos géneros diferenciados de ritmos. 1- Género con organización rítmico temporal fija 2- Género con organización rítmico temporal libre. Sobre todo, para entender cuando tenemos un ritmo fijo y cuando bailamos un taxim, mawal o layali con organización rítmico temporal libre. Enriquece un montón saber estos puntos.
Por otro lado, aunque no sea muy utilizado en la comunidad belly, saber la terminología Iqa, wazan, turco usul para definir los ritmos. Que hay ritmos extranjeros que se han tomado y una variedad de formas. Algunos simples, otros más complejos. Reconocer ritmo y melodía.
Sobre la historia de los ritmos vamos a ver que empieza a ver un estudio más específico con el advenimiento del islam. Que tiene que ver con la prosodia de la poesía. Conocer algunos autores de referencia como Al Farabi, Ibn Al Akfani.
Punteo que realicé sobre PULSO
– Fundamental para bailar y entender sobre la música
– Es cómo latidos del corazón
– El pulso divide el tiempo en unidades proporcionales. Es un punto de referencia que nos ayuda a organizar el tiempo
– Pulso regular/Pulso irregular. El Taxim por ejemplo se da pulso irregular.
Que interesante que las integrantes de Taggagat traten de alejarse de esta etiqueta (pegar) ya que al cantar y usar instrumentos melódicos y no solo percusión, prefieran otros términos como cantante o artistas. Considero que tiene mucho sentido
Me sorprendió en las artes de la población sedentaria que se utilizara la danza para celebrar una victoria a la vuelta de una batalla y en el caso de Samri que la persona que se paro a bailar ( en el vídeo), tuviera todo el tiempo la cara cubierta
Reconocimientos de compas.
Me fue bastante bien en reconocer compás binario, ternario y cuaternario. Pero todos los compas mayores de cuatro me costaron un montón, de hecho, no me salía. Me resultó muy difícil poder reconocer, como si mi oído estuviera solo acostumbrado hasta cuatro. Seguiremos practicando
Algunos conceptos, punteo.
Compas
• Forma de dividir el tiempo musical en una agrupación determinada de pulsos.
• Los podemos agrupar, pensar como cajitas agrupadas de pulsos
• Tenemos varios tipos de compras, binario, ternarios, cuaternario.
• En el mundo árabe tenemos varias cajitas atípicas y una variedad enorme
• Importancia del acento para reconocer el tipo de compás
Acento
• Es un golpe un poco más fuerte que los otros golpes dentro del compás, ahí inicia el compás
Reconocer compas nos va a servir
1- Reconocer el pulso
2- Reconocer el acento
3- Cada cuanto se repite, nos va a indicar de qué tipo de compás es.
Tener en cuenta que un tema puede tener varios tipos de compas, ejemplo: presentación.
Me encantó la clase.
Por un lado, los ejercicios de encontrar el compás, me puse feliz al poder reconocer alguno de más de 4. En lo de Titanic, también pude reconocer algún que otro y eso me puso contenta. Muy difíciles algunos.
Sobre ritmo. Me encanta la clase, sobre todo aprender el método que usan los músicos. Cuando aprendí algunos ritmos en otra escuela fue a partir de la tabla dividida y solo poniendo los sonidos Dum, Tac por ejemplo. En cambio, este método nos facilita saber la duración de ese sonido. Cuánto dura ese Dum, tac o silencio. También está bueno para trabajar con músicos que usan este método.
Algo que me resulta importante es saber la diferencia entre lo que es el pulso y el ritmo. Que son dos elementos diferentes. Que el ritmo es la organización en el tiempo de determinados sonidos y silencios.
Sobre la guia para aprender a ensayar- Creo que es muy importante darme el tiempo para ensayar. Cuando lo hago me siento mas segura en las pasadas. Este ultimo tiempo que ensayamos con compañeras se siente mucho mejor.
Antes de entrar a Estudio Sahar, “Eftatahia” era un término desconocido para mí. Si conocía el uso de meyansé. He notado que algunos músicos deciden llamar a estas composiciones como Meyansé+Nombre de la bailarina, dejando claro para quién se compuso la canción. Creo que la eftatahia es el género más fácil de reconocer para el oído (además del pop), porque es la introducción a la “música árabe” de muchas de nosotras cuando empezamos a bailar. Aunque se lo presente en los primeros años, coreografiar toda una presentación me parece todo un desafío, tanto por su duración (algunas son bastante largas) como por la cantidad distinta de ritmos y bloques que pueden contener. Separar los distintos bloques de la música puede ser útil, así como reconocer la melodía principal. También considero importante conocer la diferencia entre estrofa-estribillo (A-B-A-B…) y rondó (A-B-A-C-A-D…), sobre todo por los cambios de melodía en el segundo. Si uno no está acostumbrado a escuchar con atención, puede llegar a confundirlos entre sí.
Introducción melódica (0:00-0:18)
Estrofa 1 (0:18-0:52)
Repetición estrofa 1 (0:53 -1:28)
Estribillo (se repite dos veces 1:29 – 1:59)
Estrofa 2 (2:03-2:38)
Repetición estrofa 2 (2:38-3:13)
Estribillo (dos veces, 3:14-3:46)
Solo instrumental (3:47-4:17)
Estribillo (4:18 y se repite hasta el final de la canción).
Muy interesante todo lo que nos enseñaste sobre el inicio de esta música y su conexión con la historia. Es importante saber que estaba sucediendo en esas culturas para entender como emerge la poesía, el baila y la música como forma de expresión de sus emociones más profundas, de sus penas y alegrías. Me llama la atención la influencia de la religión y que en un momento estas formas de arte eran vistas como algo que alejaba de dios porque hacía que las personas se dejaran llevar por esto como algo hipnótico. Entiendo que Muhammad como poeta pudo romper con ese prejuicio dejando su legado en sus sucesores, los califas, que se explayaron y generaron una gran tradición musical. Es muy lindo saber que las reuniones musicales y de baile eran un punto de encuentro para todas las personas de la época.
Que llamativa esta costumbre de las mujeres que cantaban y arrojaban laxantes al mar.
En cuanto a la danza mizmar y su posible influencia del tahtib, me llamo mucho la atención que fuera usada en ocasiones como excusa para pelear. Mas allá del uso de bastones es algo que no hubiera esperado que ocurriera. El uso del fuego o algo que lo simule en el centro de la ronda también es algo que me resulto interesante.
En esta segunda clase sobre la historia de la música árabe vemos como se siguió desarrollando la música junto con otras expresiones de arte a lo largo de los califatos. Durante el Califato Omeya se designa la lengua árabe como la elegida para comunicarse por ser la lengua que dios uso para comunicarse con el profeta. Durante el siguiente califato Abbasi se llega al punto culmine de desarrollo cultural y artístico. Se estima a los músicos como aquellos que tienen un talento natural, son creativos, cantan y saben tocar varios instrumentos, se les da espacio en la corte y se los valora. Es interesante ver como a medida que iban aumentando los territorios de conquistas iban sumando expresiones culturales y mezclándolas entre aquellas personas que se dedicaban a entretener a los califas.
En esta clase empezamos a hablar sobre los ritmos. Vemos algunos autores que hablan sobre los ritmos árabes. Touma habla de dos géneros musicales uno con ritmo temporal “fijo” con estructura de pulso y ritmo repetitivo y otro género con ritmo temporal “libre” donde no hay ritmo regular y pulso fijo, un ejemplo de estos últimos es el Taksim. Vimos también como los ritmos árabes fueron integrando otros ritmos extranjeros. También vimos que hay formas de ritmo más simples que otras. Fue muy didáctica la manera que utilizaste para hacernos diferenciar canciones con y sin pulso.
Hola! La feria de Chicago me pareció importante para saber como veían a la danza en otro país. Recorrer virtualmente una parte de la Feria fue genial nos llevó al pasado. Y tambien poder ver a la bailarina con tal destreza para danzar con la silla seguramente para esa época fue impresionante, y para la actualidad tambien, me quedé asombrada.
Había muchos show y dos veces al dia habia un zaafa.
Sol Bloom también fue importante porque contrato a las bailarinas para la feria de Chicago, estaba seguro que iba a ser un gran espectáculo para el público.
La clase fue un gran viaje al pasado.
Sobre los ejercicios. Están muy bueno. Puede ir haciéndolos con los compañeros y con la explicación para ir aprendiendo y despejando dudas. Algunos me costaron más que otros, sobre todos los difíciles. Pero me parece super importante para poder abordar los ritmos árabes tener esta base.
Del puntillo saber que se pone a la derecha de una figura rítmica y añade una mitad más de valor de esa figura. Entonces, si hay un puntillo al lado de una negra voy a tener que el valor será 1 ½. 1 de la negra y ½ por el puntillo.
Anacruza entendí que el percusionista puede elegir comenzar, dentro del compás, el segundo o el tercero o el cuarto pulso. No necesariamente debe empezar por el inicio, por ese pulso fuerte, el que tiene el acento. Y a ese grupo de notas que lo antecede se lo llama anacruza.
Por último, empezar a ver los ritmos árabes, con su estructura y forma de vocalizar. Me parece importan saber sobre los Dum, Tac y los silencios (que ocupan un lugar). Que son onomatopeyas de los sonidos de la percusión. Esto está bueno conocerlo porque muchas veces los nombramos de forma automática y no sabemos de dónde provienen llamarlos así. Saber que el Dum es grave y el Tac agudo. Que al silencio se lo puede nombrar como iss o ess.
Vimos lo que es el “compas” que se define como una forma de dividir el tiempo musical en una agrupación determinada de pulsos. Aprendimos a encontrar el “acento” que es el golpe más fuerte con respecto a los demás que están dentro del compas. Al encontrarlo podemos decir si el compas es binario, ternario, cuaternario y así. Es un conocimiento muy valioso para nuestra práctica de danza. Hay que hacerse el oído!
El apunte me parece muy útil para repasar el reconocimiento y la escritura de los ritmos, así como las variaciones de sus nombres y sus características. No creo que haya un método fácil de aprenderse los ritmos de una sola vez; hay que repetirlos y repetirlos hasta que el oído se acostumbre y repasarlos cada tanto para no olvidarse.
Me encontré en algunas escuelas y por internet con las distintas notaciones y vocalizaciones (inclusive con músicos que vocalizan el iss al cantar los ritmos). Personalmente, tengo más preferencia por el método de Mario Kirlis porque me permite escribir los ritmos en un cuaderno pentagramado (los de marca Istonio que se usan para enseñar música estilo occidental a los estudiantes), pero entiendo también las otras formas de anotación. Con el tema de los nombres, sí encontré al principio difícil aprenderse las variaciones de los mismos, por ejemplo, que el Nawari es el Tabl o que el Masmudi Saghir es el Baladi!
Hola! Poder seguir conociendo sobre las demas ferias nacionales es muy interesante porque además de saber sobre la vestimenta de las bailarinas tambien podemos saber que usaban elementos ya desde esa época.
También pudimos ver un pequeño vídeo que se centraba en la construcción de la torre Eiffel y de algunos países que participaron de la Feria de París de 1889.
Conocimos a muchas bailarinas famosas que las llevaban por su autenticidad como ser; Aiouche, Baya, La belle Fatma. Eran la base del Show.
Gracias a las fotos e ilustraciones podemos saber de ellas. Muy interante la clase.
En esta clase vimos las figuras musicales y los silencios y como leemos esto en una partitura. Muy bueno los ejercicios. También aprendimos lo que es una fracción musical, que el numerador es la cantidad de pulsos por compas y el denominador nos dice que figura rítmica se va a utilizar. Para mi es algo completamente nuevo así que me resulta desafiante y a la vez me encanta aprender de música.
Disfruto de hacer análisis comparativos y entiendo la relación rítmica entre tawil-malfuf y masmudi sguir y masmudi kebir. Los rellenos usualmente caen en los silencios o dividiendo algunas notas (remplazar negras en corcheas o semicorcheas), pero en general noto que la estructura general de los ritmos son similares en la mayoría de los músicos que he escuchado.
El texto de Anne Elise Thomas aborda la reforma de la música árabe a partir de La Conferencia de Música Árabe de 1932. Los reformadores intentaban imponer un enfoque más científico de la música. Sistematizar, ordenar la música árabe. Terminar con la falta de disciplina. Desarrollar planes de estudio para que la música sean parte de la educación en las escuelas públicas de Egipto y en los institutos de aprendizaje.
La autora plantea varios puntos a tener en cuenta del contexto y momento que se dio la reforma. Así, como también los resultados que se obtuve de la Conferencia de Música Árabe.
Por un lado, el carácter y la mirada de los reformadores sobre la música árabe. El enfoque comparativo que tenían sobre la música árabe y la música occidental. Donde las deficiencias que ellos creían que tenía la música árabe era comparada con las fortalezas de la música occidental. Aplicaban una visión de principios evolutivos a la música donde la música árabe no usaba armonías, sus instrumentos eran menos expresivos, además no era conocido en el mundo. Consideraban que era menos evolucionada que la música occidental. Se debía progresar porque era necesario seguir los pasos de la música occidental.
Por otro lado, excluyeron a muchos músicos profesionales. Además de las diferencias que tenían con los músicos árabes organizados en gremios. O sea, los propios ejecutores culturales de la música árabe no fueron incluidos en la reforma.
Si bien la reforma tuvo buenos resultados de algunos comités. Se logró grabaciones de música y recaudar manuscritos que fueron importante para la investigación y el estudio. La importancia del comité de educación musical que logró pautas para la enseñanza y fue base de planes de estudio para la educación pública e institutos de música árabe. No así se logró con otros comités. En especial Escala musical, modos rítmicos e instrumentos musicales.
La autora comenta la reforma en el presente. Pareciera que continúa una búsqueda entre los músicos de la necesidad de una reforma pedagógica de la música árabe contemporánea. Donde observan bajo nivel de instrucción instrumental en los institutos. Falta generalizada de disciplina en el sistema institucional entre maestro y estudiantes.
Conclusión personal:
El texto me dejó pensando en la mirada eurocentrista sobre la Conferencia de Música Árabe. Más allá que se lograron resultados importantes como en la educación musical, no se contempló el carácter propio y cultural de la música árabe. Me resuenan las palabras de la autora refiriendo que no se puede forzar las normas de un estilo musical para que se aplique en otro.
Me parece super importante la clase. Profundizar en el conocimiento sobre la música árabe me resulta fundamental y estimulante como bailarinas. Si queremos bailar es imprescindible educar nuestro oído musical. Tener un entendimiento sobre las formas musicales y su estructura nos permiten tener conciencia y un conocimiento más acabado de lo que vamos a bailar, de lo que vamos a ejecutar en nuestra danza. En lo personal me genera dos puntos. Por un lado, una mayor comprensión y conexión al generarme un acercamiento más profundo al mundo de la música árabe para poder interpretarla con la danza. Y por otro, logro disfrutarla y sentirla más.
Me pareció enriquecedor tener un método de análisis de las piezas musicales. Poder tener esas herramientas ya sea a la hora de crear una coreo, como también, cuando aprendemos una coreo que nos da el docente. Ir de lo más grande a lo pequeño. Me encantó el ejercicio de la estructura ABABABA o Estrofa-estribillo que hicimos con el tema de Britney Spears. Me gustó porque además dispara la posibilidad de analizar temas que no son únicamente árabes.
Sobre la Wasla comparto estos puntos que me parecieron importantes:
– Es la estructura más macro que tenemos.
– La wasla, en verdad es un conjunto de composiciones, no un tema musical. Adentro tiene distintas formas musicales.
– Va a mantener un misma maqam, que es lo que va a unificar la wasla
– La duración varía: corta, mediana, larga
– Me gustó la imagen que es como si nos estuvieran contando un cuento. Que los músicos no van a ir llevando. Nos invitan a recorrer emociones, picos de intensidad, momentos de relajación, distintas sensaciones. Y en este punto agrego el maravilloso concepto del TARAB.
Si hay algo que amo en la música árabe es el taxim. Si bien uno fue desarrollando un oído para el taxim, siento que después de esta clase va a haber un cambio importante a la hora de interpretarlo. Sacarle el jugo al máximo.
Puntos que me encantaron aprender o profundizar: 1-La importancia de los fragmentos melódicos y las pausas. 2-Que el taxim es la representación musical de un maqam, las escalas se representan en el taxim, siguiendo a Touma. 3- El punto cúspide y el termino qaflax. O sea, el público es dirigido por el maqam, hay una base donde se va construyendo. Esa construcción se va desarrollando hasta un punto de tensión, el momento cúspide. Para luego desembocar, resolverse en el qaflax, el cierre. Todo este desarrollo y devenir me parece hermoso, poético, el alma del taxim. Me quedo con la idea que se dijo en la clase: como bailarines DEBEMOS SINCRONIZAR CON LA MÚSICA.
Poder analizar la estructura del taxim desde el punto de vista del maqam me parece novedoso e inspirador. Poder dividir el taxim en secciones que se pueden reconocer con sus diferentes duraciones. Clasificar esas secciones musicales en 4 grupos según su duración: minúsculas, cortas, medianas largas. A partir de ahí poder pensar en los tres tipos de taxim que exponen los autores: Tipo A, tipo B y tipo C.
Por último, remarco el saber de los usos del taxim para poder reconocerlo: Como un solo instrumental, como introducción a un tema, en el medio de una pieza musical y como transición entre piezas.
Hermosisima clase.
Hola! Esta feria me pareció importante conocerla porque desde el punto de una bailarina saber que el Bellydance le daba autenticidad es genial, ya que fue una forma representativa artística.
Aunque desde esa época se queria limitar los movimientos de las bailarinas.
Tambien saber que estuvieron excelente bailarinas que introdujeron elementos para destacarse es maravilloso.
Me encanta saber que toda feria tenia su propósito, en esta de 1900 fue inaugurar el siglo XX, mostrando todo lo moderno como asi tambien el avance tecnológico, eléctrico y el avance en la ciencia.
Hola! Me encanto el video, porque resume los términos que estuvimos viendo y nos aclara un poco mas el concepto de Bellydance. Me parece perfecto que cada uno pueda decidir que termino usar y como usarlo.
El layali y el mawwal son dos formas musicales que conocía, pero me cuesta bailar. Tal vez sea porque en las escuelas o profes que tuve era fundamentar bailar taxim. Pero, tanto el layali como el mawwal no se acostumbran a bailar o directamente no se ven.
Conocía lo fundamental de estas dos formas: improvisaciones vocales. En el caso del layali que se improvisaba a partir de 1 frase. Ambas ejecutadas por un cantante solista y acompañado por un instrumento, a veces pude ser más de uno.
La clase me dio herramientas y ganas de escuchar estas formas musicales. Como una invitación a escucharlas, poder conectar y así bailarlas.
Para poder bailarla me quedo con algo que se dijo en la clase: bailar el layali, por ejemplo, como si bailáramos un taxim.
Otro punto que me inspiran es esa unión que se da entre la música árabe y la poesía. La frase del layali viene de una poesía y el mawwal se está vocalizando un poema. Partiendo de ese lugar, me inspira poder escuchar para conectar con las emociones y sentimientos que se estén expresando.
Es una exquisitez leer a Mario Kirlis escribiendo sobre el taxim. Me emcamtó, es esclarecedor. Bailar taxim requiere conocer la forma musical, lograr la improvisación (que lleva trabajo y entrenamiento), tener oído, saber técnica de movimientos, estar abierto a lo que va proponiendo la música para llevarlo al cuerpo y la expresión. Me encantaron los consejos para las alumnas, ayuda a tener herramientas y un encuadre desde dónde partir (una base). Como por ejemplo saber que movimientos realizar, la importancia de las frases y pausas, cuando sube o baja, el punto máximo y el final.
Los instrumentos de percusión son mis favoritos. Noto que en una orquesta siempre hay algún tipo de pandero acompañando al derbakista. Los sagats o crótalos tienen un sonido muy agudo, me molesta un poco a los oídos el sonido abierto si lo escucho aislado, pero queda muy bien con una base de otro instrumento de percusión más grave de fondo.
Al igual que Ali comentó antes, el Sombati me resulta un confuso, porque relleno suena muy parecido al Chiftetelli si no fuera por ese dum demás que tiene el último. Además, si se toca rápido, suena muy parecido al maqsum. El compás de Samai taquil para reconocerlo me gusta dividirlo en partes de 3+2+2+3 para reconocerlo mejor.
Una clase muy interesante! al principio sólo escuchaba el pulso y definía el compás por el acento vocal o de algún instrumento que se imponía para marcar el corte, pero mientras más avanzaba la clase me di cuenta que el uso de aplaudir me ayudó un montón para poder definir de forma más asertiva cada compás de cada tema. Voy a seguir poniendo en práctica esto con cada tema que escuche de ahora en más, muchas gracias!
Es muy interesante las caterorias en las que se puede tener una relaciòn con una mujer con otras personas: compañera, amiga, vecina, conocida, compañera de trabajo o cliente, extraña, entre otras, cada una de ellas tiene un nombre distinto y se toma un comportamiento distinto con cada una.
Ame además el video de Fifi Abdo es uno de mis favoritos, me encanta su danza baladi, además el video de Farida Fatmi, quien establece como debería ser la proyección de una Bint al Balad.
Como siempre, súper interesante y llena de información esta clase sobre baladí. Me gustó resaltar la importancia de tratar de interpretar cada estilo de danza de manera distinta; por eso me parece muy útil cuando Marina menciona los pasos que generalmente se pueden hacer con cada ritmo, y que debemos manejar los distintos movimientos, energías y expresividad en cada danza.
El baladí también es uno de mis estilos favoritos ya que permite apreciar la expresividad y habilidad de las bailarinas cuando bailan.
Me gustaría que los nombres de los músicos y canciones se pudieran ver (así como con las partes de un baladí) para poder buscar más info después, también los nombres de los autores que se mencionan.
¡Qué lindo ver videos de músicos y bailarinas de la Golden Era! Realmente ejemplifica ese diálogo que debe tener la bailarina con los músicos al interpretar un baladí, la conexión de la que habla Marina, las miradas y el juego…y al mismo tiempo bailar e interpretar un baladí, me parece maravilloso. También me parece importante tener en cuenta el respetar los silencios cuando una baila una coreo o improvisa! No es necesario llenar todos los espacios con movimientos, y de hecho ¡a los silencios hacen que nuestro baile sea mas impactante!
Me gusta ese contraste que se menciona entre interioridad y proyección, realmente el baladi permite mostrar las cualidades interpretativas de la bailarina. También aprecio mucho que Marina nos especifique qué tipo de pasos realizar y cuáles no al bailar un baladí.
Qué importante es conocer el término baladí, de dónde viene, su significado, su contexto histórico, geográfico y social, y cómo se utiliza en diferentes contextos, para poder incorporar todo ese conocimiento teórico a nuestra danza. Pienso que conocer la historia y el contexto de cada danza que interpretamos nos permite realizarlas con mayor exactitud y sobre todo, respeto.
Gracias por mostrarnos las diferentes impresiones que se tienen sobre las personas baladí y las que ellas tienen de si mismas y de otros grupos. Me gustó mucho leer las citas de Roushdy y saber el contexto de cada una de las personas que las expresan. Es una forma práctica y muy didáctica de interiorizar las diferente acepciones del término baladí.
Me pareció muy interesante el utilizar el texto de una novela (Callejón de los milagros) para poder ilustrar los diferentes conceptos asociados con lo baladí, como en la descripción de la ropa y en los sentimientos de los personajes. Conociendo estos conceptos y características, es más fácil identificar la actitud con la que debemos bailar este estilo. Ver los videos de Fifi Abdo fue un complemento ideal para materializar todos lo aprendido hasta ahora en las clases de Baladi.
Me gusta el uso de productos culturales como una película para mostrar lo aprendido hasta ahora en relación a lo baladí y otros de los elementos de su contexto, como la vestimenta, comportamiento, valores, y la contraposición con otras clases sociales. Además me encantó el formato de conversación, guiada por las preguntas, es interesante escuchar las opiniones y apreciaciones de mis compañeras.
Me pareció importante resaltar que, como dice el músico Guy Schalom, el baladi es un género que surgió entre 1949 y 1950, en las zonas rurales de Alejandría y Cairo. Así, al interpretar esta danza podemos tener en cuenta el contexto en el que se dio forma y así utilizar un vestuario acorde, como se menciona en el texto, el alto de la falda, las formas de los vestidos, el uso de las túnicas, cestos, etc.
Me gustó también saber sobre el origen musical del baladi (taqsim) y como se fueron incorporando y adaptando los instrumentos occidentales. Asimismo, conocer las reflexiones de una bailarina sobre cómo interpretar el baladí, nos ayudará mucho en nuestra danza.
Qué bueno ver estos videos y conocer más sobre la música baladi y shaabi pero también los músicos y las bailarinas. Siento que el estilo ha evolucionado desde los videos de Tahia Carioca hasta los más recientes. También me surgen dudas sobre el uso del vestuario de dos piezas y por ejemplo, el uso de las mangas de murciélago en el video de Nagua Fouad. Lo cierto es que el baladí es un estilo muy diverso, me gusta ver videos antiguos y las bailarinas contemporáneas como fuente de inspiración!
Excelente clase! y súper útil y necesario como base el saber las figuras musicales y sus duraciones, ver la tabla, repasarlas y ponerlas en práctica. Sentí que volvía a mis clases de música en la primaria y secundaria. En los ejercicios de encontrar el compás seguiré practicando, aunque me puse feliz al poder reconocer algunos.
La reforma musical árabe buscó “modernizar” la música desde una mirada eurocentrista, imponiendo criterios occidentales y dejando fuera a los propios músicos árabes. Aunque se lograron avances en educación musical, se perdió la esencia cultural del estilo. Lo que nos recuerda que no se puede medir ni reestructurar una tradición desde una mirada ajena
Estimada Marina. En este video de bienvenida se vio detenidamente qué es el nivel inicial del Profesorado Virtual en Danzas Árabes, el cual consta de doce módulos que se deben ir resolviendo uno por mes con su correspondiente asignación de evaluación para una aprobación y avance en los contenidos de primer año. Muchas gracias.
Estimada Marina. En esta lección se proporcionó el Programa de primer año (nivel inicial) en donde se pueden ver todos los contenidos que serán enseñados en el año lectivo correspondiente a este nivel. Muchas gracias.
Estimada Marina. En esta lección se dio una lista de objetivos que la alumna debe cumplir a lo largo del cursado del currículo de primer año (nivel inicial) del Profesorado Virtual en Danzas Árabes. Muchas gracias.
En este texto repasamos conceptos sobre los iqa’at árabes y su historia a través de los siglos, destacando la elección de dum, tak y taka para representar los timbres y, con ellos, los modos rítmicos en épocas más recientes. También se abordaron nociones de ritmología como pulso, tempo, compás, acento, ritmo, polirritmia y anacruza, entre otras.
Personalmente, como bailarina, prefiero interpretar coreografías en las que el pulso esté claramente definido, antes que composiciones sin organización rítmica (como el taqsim), aunque estas últimas permitan una mayor fluidez en los movimientos. La variación en el volumen tanto de los dum como de los tak dentro de un ritmo puede ser útil para determinar la intensidad del movimiento que se ejecuta (cortes más fuertes o más suaves).
Por otro lado, el hecho de que las notaciones y ornamentaciones no estén aún debidamente estandarizadas puede resultar un desafío, ya que obliga no solo a aprender un ritmo, sino también los distintos nombres y variaciones que este posee. Por ello, la bailarina debe mantenerse en contacto con las diferentes formas de interpretación de los músicos, pues acostumbrarse a una única fuente de referencia puede ser contraproducente al momento de adaptar el baile a nuevas situaciones.
La visualización es un recurso que me resulta muy útil, sobre todo si ya conozco la música y puedo representarme debidamente en la cabeza en que momento va cada movimiento. Me gusta crear mapas mentales de como se unen los pasos entre sí, para sentirme menos perdida a la hora de llevarlo a la práctica y con más seguridad al momento de subirme en al escenario. La corrección de la técnica me parece una etapa muy importante una vez que la coreografía ya se reconoce de principio a fin.
Los címbalos son instrumentos musicales de percusión con dos siglos de historia en los espectáculos de las bailarinas egipcias, cuya presencia está atestiguada por diversas fuentes. Las bailarinas podían usarlos con diversos propósitos, entre los que destacaban sus fines estéticos (por ser accesorios de los dedos y que proveían cierto estilismo en el uso de las muñecas y los brazos) y sus fines musicales (por su sonoridad peculiar). Su ejecución era también una muestra de la destreza musical de la bailarina. Villoteau nos describe la forma en la que se tocaban, el sonido que producían y el impacto emocional que generaban en su público. Sin embargo, los címbalos cayeron en desuso a lo largo del siglo XX. Actualmente, la “bailarina, música y cantante” que nos describen las fuentes ya no se concibe como tal, y esos los roles se han separado en diversos actores. La bailarina se ha ido especializando hasta derivar en una artista mucho más enfocada en la interpretación de la musicalidad desde el movimiento que en la ejecución instrumental. Aun así, si bien los espectáculos con chinchines no son los más representativos de las ejecuciones de bellydance moderno, su uso se mantiene con fines didácticos (como herramientas útiles para enseñar teoría rítmica) y, como antaño, como una demostración de destreza artística al poder acompañar una pieza musical.
Me resulta interesante que este concepto de tarab pueda vincularse para algunos autores a la música pero para otros también a otras artes como la pintura o la danza. También el hecho de que este encantamiento o estado alterado de la conciencia puede ser vivenciado de diferentes formas dependiendo en cada caso. La importancia de escuchar, independientemente de la cultura que posea cada oyente y los diferentes espacios donde puede darse este fenómeno, Las características de la música tarab también me llamaron la atención, el que suelan ser abstractas, líricas, la jerarquía de la voz, las letras cortas y la libertad interpretativa.
El lugar importante de la bailarina al ser una interprete y una mediadora por tal motivo también considerada una samia(oyente) que puede evocar recuerdos y emociones.
que interesante que muqaddina parezca un tema en si mismo tanto por su extensión, como por sus partes tan marcadas con variedad de momentos. He notado anteriormente esas frases que se repiten que me parecían bellas pero nunca había prestado atención que daban pie al ingreso de la cantante.
Aquí se suman los términos mazhab y couplet al de muqaddina que intentare recordar para poder escribirlos y pronunciarlos correctamente. La tarea de empezar a reconocer estos momentos también sera todo un desafío. Me resultó muy interesante en el vídeo ver la reacción de la gente al finalizar cada sección. Esperaba que los aplausos solo aparecieran a final de la canción. Darle una coherencia coreográfica a cada frase musical, respetar los teslim seguramente provocara un resultado mas armonioso.
Estimada Marina. En esta lección se explicó los lineamientos legales y conductuales para el uso correcto de los medios de Estudio Sahar. Muchas gracias.
Estimada Marina. En esta lección se presentó la música correspondiente al Nivel Inicial del Profesorado Virtual en Danzas Árabes para estudiar la lista de canciones que se usarán para el cursado. Muchas gracias.
Me encanta escuchar la música y bailarla con las manos para ubicar la melodía, ritmo y tiempo. También me gusta realizar el mismo movimiento pero variarlo, dándole otra textura o intensión, o variando los brazos y pies. Sobre el espacio, procuro quizá en algún parque o espacio grande solo marcar caminata como para darme una idea de cómo me manejaría en un espacio grande, pero sí también puedo adaptarme en casa. Siento que es mejor grabarme porque en el espejo no puedo ver cada parte de mi cuerpo al mismo tiempo, peor, cuando giro o debo mover la cabeza. El espejo ayuda pero para mi grabarme es muchísimo más importante.
Las palabras de Farida Fahmy muestran cómo el significado de ciertos términos puede deformarse cuando se emplean fuera de su contexto e idioma nativo. Sa‘idi, en la jerga del bellydance internacional, además de designar un iqa‘ alegre presente en una gran variedad de composiciones, se utiliza para referirse a un estilo de danza con rasgos estilísticos definidos en su vestuario, su ejecución y el uso del bastón como elemento distintivo. Esta definición del “baile Sa‘idi” resulta restrictiva y excluyente, ya que no abarca otras danzas pertenecientes a la amplia región a la que originalmente alude este término. Su empleo termina privilegiando una única danza, invisibilizando otras corrientes estéticas de la misma zona.
Por otro lado, puede observarse que el bastón ha estado presente en la danza desde hace siglos, aunque su uso escénico no ha permanecido inalterado. Ha sido adoptado con diversos propósitos expresivos, como se evidencia en las fuentes citadas. La danza con bastón actual muestra múltiples influencias, entre ellas las representaciones de la Reda Troupe, de las Banat Mazin de Luxor y ñas de reconocidas bailarinas de la Golden Age. Por lo tanto, puede concluirse que no se trata de una danza folclórica pura, sino que el Raqs al Assaya contemporáneo ha sido estilizado desde sus raíces rurales para adaptarse mejor a la dinámica escénica, tanto en su expresión individual como en las composiciones grupales. Por lo tanto, es importante no caer en la ingenuidad de querer representar a toda la población del Alto Egipto usando un número limitado de elementos que han sido sometidos a un proceso de selección.
Súper interesante ver cómo va apareciendo música desde la arabia preislámica, pero es comprensible que quienes redactaron la historia la consideren “inferior” dado que es lógico que a través de los años se complejice, sumado a que se da en un periodo previo a la revolución religiosa que tuvo el mundo árabe con el profeta Muhammad. Me hizo gracia la historia del camello y el de la mano herida. Me recordó un poco a las canciones de Um Kalthoum donde se repite la misma estrofa pero entonada de formas diferentes, con sentimientos distintos, alargando exageradamente o cortando súbitamente las vocables y me pregunto si en parte la inspiración de ella en las canciones que duraban horas vendrían de esta forma de expresarse en cantos largos y que en cierto modo el cantar fuerte y prolongadamente es alguna forma de expulsar algún dolor no solo emocional sino hasta físico quizá. Gritamos cuando nos duele algo. Sobre la llegada del profeta y los instrumentos precursores, comprendo que es parte humana querer alabar con lo mejor que podemos darle, sea nuestra energía y música ya que para mi la música es una forma de energía que une a todos. Hermosa que la experiencia de Jamilla de peregrinación logró una odisea musical y que las mujeres hayan podido incursionar con fuerza en la música ya que recuerdo que en algunas partes del mundo en la historia se prohibía a las mujeres participar de la música por lo que aparecían hombres castrados (castrati italianos) cantando o actuando como mujeres en obras. Me sorprende que a pesar de haber mujeres que puedan cantar como Jamilla o Aisha, existan mukhannathun.
Interesante que la música (sobre todo la percusión) y el entretenimiento antiguamente se relacionaran con los esclavos y los oficios manuales. De esta clase, sobre todo me guardo para repasar de nuevo en el futuro el mapa de las danzas beduinas (que trascienden las fronteras políticas actuales) y los videos.
El movimiento del cabello en ocho de las mujeres siempre es lo que más me llamó la atención, pero no creo que adhiera a sus secretos para cuidarlo. Tampoco creo que en este lado del globo sea tan halagador ser comparada con un caballo, pero considerando la importancia que tenían los mismos, al punto de que la misma danza imitaba sus movimientos, tiene mucho sentido. Los comentarios anteriores ya mencionaron la importancia de conocer los gestos de las manos y su significado para mejorar la interpretación. Me siguen asombrando la inmensa cantidad de danzas de esta zona y la clasificación de las mismas.
La música es un vehículo para inspirar emociones como “el valor” en el caso de los pescadores. Antes de la era tecnológica como la de hoy donde la llevamos a todos lados, era necesario contratar personas que la ejecutaran en vivo. Lo mismo las presentaciones de canto y baile que duraban toda la noche. También vemos que el baile es un vehículo para expresar sentimientos reprimidos, así como el Mizmar era usada como excusa para pelear y descargarse con ese otro con el que estabas en conflicto. Muy inspirador conocer distintas representaciones culturales de la península arábiga. Gracias por las clases.
https://www.youtube.com/watch?v=mabljPZNSWw En este video la protagonista principal es la voz del cantante, pero alrededor de los minutos 3 y 15 encontramos un solo de un instrumento tipo flauta (posiblemente una kawala o un nay)
Es muy satisfactorio conocer las diferentes agrupaciones musicales árabes y los instrumentos que las integran. Muchas bailarinas novatas escuchamos hablar de “orquestas” sin conocer realmente las funciones de quienes participan en ellas. Resulta interesante observar cómo evolucionaron a lo largo de la geografía y la historia de la música árabe. Los ejercicios de reconocimiento también fueron muy útiles. En cuanto a los instrumentos adaptados, debo agregar que, dado que los teclados electrónicos tienen la función de imitar instrumentos, a menudo reemplazan en la música actual a los de viento y cuerda tradicionales. Generalmente, el sonido digital se percibe más limpio y con transiciones más claras, pero menos “entero” y rústico que el sonido natural del instrumento analógico. Sin embargo, considero que el teclado resulta muy útil en una orquesta cuando se busca componer melodías complejas sin recurrir a múltiples instrumentistas.
En esta clase entendí que la gestión cultural es mucho más amplia de lo que parece. No se trata solo de administrar cosas o armar eventos, sino de entender que el gestor cultural cumple varias funciones al mismo tiempo: organiza, media y resuelve problemas según lo que cada evento o proyecto necesita.
Orozco plantea tres grandes funciones: organizar actividades, mediar y resolver problemas. Y para mí eso muestra que el gestor cultural es alguien que está siempre en el medio de todo: entre el artista y el público, entre la idea y la logística, entre un conflicto y la posible solución. No se trata solo de armar un evento porque sí, sino de entender qué se quiere mostrar, por qué es importante y cómo hacerlo accesible. Ahí aparece la parte de mediación: no todo el mundo entiende o conecta de la misma manera con esa propuesta cultural, y el gestor tiene que achicar esa distancia. En ese sentido, su trabajo también es educativo: formar públicos para que puedan disfrutar lo que se les ofrece.
Padula Perkins se pregunta si el gestor es más administrativo o creativo. En Argentina, muchas veces queda encasillado en lo administrativo, y creo que ahí está el problema: se pierde la parte de la imaginación, la investigación y la innovación. Martinelli también lo marca: un administrativo hace el trámite; un gestor cultural busca una transformación social, va más allá. Y es verdad que la gestión cultural puede transformar, ya sea en lo ético (reconociendo la diversidad), en lo político (respondiendo a demandas culturales) o en lo social (activando vínculos intergeneracionales y participación real).
También entiendo que el gestor cultural necesita ciertas condiciones. Algunas básicas, como poder moverse entre lo local y lo global, saber diagnosticar un contexto y mediar entre actores. Y otras más específicas, como comprender tendencias culturales, saber liderar, diseñar proyectos completos y trabajar en cooperación. Nada de esto es menor, y muestra que el campo cultural es enorme: teatros, festivales, empresas, museos, espacios públicos, organismos estatales…El gestor puede actuar en cualquiera de esos lugares.
En resumen, para mí la gestión cultural es un campo súper dinámico que combina transformación, administración, análisis social y mucha capacidad de innovar. No es solo hacer actividades, sino construir sentido, generar accesos y dar respuesta a necesidades culturales reales.
Cuando pensamos qué es un proyecto de gestión cultural, me quedó claro que no se trata solo de armar una actividad artística linda o mostrar un espectáculo de calidad. Un proyecto es básicamente un conjunto ordenado de decisiones sobre qué hacemos y con qué recursos contamos para llegar a ciertos objetivos. Pero en gestión cultural esos objetivos siempre apuntan a generar un impacto social real en una población específica, transformar algo en esa comunidad: un problema, una falta de diálogo, una situación de discriminación, etc.
También entendí que un proyecto no es algo lineal. No es necesario primero hacer la teoría y después la práctica, sino que todo el tiempo tienen que estar dialogando. Mientras voy planificando actividades, tengo que revisar los objetivos, revisar el contexto, y volver a pensar si lo que estoy haciendo realmente responde a lo que esa comunidad necesita. Ese ida y vuelta permanente es clave, porque el proyecto siempre se inserta en un territorio y en un país concreto, y eso influye en todo.
También vimos que no hay un único modelo correcto: cada proyecto se arma según la experiencia, la formación y la realidad de quien lo lleva adelante. Lo importante es tener claro qué queremos lograr y no perder de vista que las actividades tienen que responder directamente a ese objetivo.
Además pueden aparecer dificultades como no conocer bien el ambiente donde trabajamos, hacer un proyecto demasiado largo o rígido, calcular mal los presupuestos o incluso saltearse etapas. Por eso es esencial conocer a la población y al territorio, saber cuántas personas necesitamos, y no pensar actividades que no tienen relación con el objetivo social.
Mi conclusión es que un proyecto de gestión cultural no es solo planificar actividades: es pensar estratégicamente cómo intervenir en una comunidad de manera coherente, organizada y con impacto social real.
En esta clase aprendi que un proyecto de gestión cultural está dividido en etapas que se relacionan entre sí todo el tiempo: diseño, gestión de recursos, producción y evaluación. La primera parte es más intelectual, donde realmente tengo que pensar por qué hago el proyecto, en qué contexto se inserta, cuál es el territorio, qué objetivos tengo y cómo voy a fundamentar todo eso. Ahí también entra analizar mi propia organización o equipo, porque no se puede planificar sin saber desde dónde estoy trabajando.
Algo que me quedó muy claro es que el proyecto no se hace desde el aire, tengo que tener en cuenta mi experiencia, mis conocimientos, mis fortalezas y debilidades; pero también cómo trabaja mi equipo, qué roles tienen, quién lidera, y qué puede aportar cada uno. Además, no puedo ignorar el contexto más grande: las dinámicas económicas, políticas y sociales del momento, además de las cuestiones jurídicas que pueden habilitar o complicar mi proyecto.
Otra parte central es la dinámica territorial. Tengo que arrancar describiendo el territorio concreto de mi proyecto: país, barrio, porque todo eso condiciona la realidad donde voy a intervenir.
Y no alcanza con conocer el territorio: también tengo que entender la dinámica sectorial en la que voy a trabajar. Esto implica su historia, tensiones que suelen aparecer, que prefiere la gente y hasta quién “compite” conmigo. Saber todo esto me ayuda a que el proyecto no sea ingenuo ni repetitivo, y a pensar propuestas que respondan a problemas reales y no a lo que yo imagino desde afuera.
Lo que destaco es que un proyecto de gestión cultural es una mezcla entre pensar muy bien el contexto y al mismo tiempo organizarse para actuar de manera concreta. Y que la evaluación no es algo del final, es constante, y es lo que permite mejorar, ajustar y no repetir errores.
Nunca había escuchado el termino tabloh y fue buenísimo ver la variedad de videos porque no me imagine que era una parte tan elaborada. Se observa claramente la intención de contar una historia, la dedicación puesta en el vestuario y la coreografía y la creatividad, Mas que interesante me resulto.
Para que funcione mi proyecto, primero tengo que entender quiénes son las personas con las que quiero trabajar. No como un dato suelto, sino como un conjunto real: qué viven, qué les interesa, cómo se relacionan, qué problemas tienen y qué lugar ocupan en su contexto.
A partir de ahí recién puedo plantear hacia dónde quiero ir. El objetivo general marca la dirección, y los específicos son los pasos que me van a llevar hasta ahí. No pueden contradecirse entre sí ni alejarse del problema inicial. Y algo importante es que se tienen que poder evaluar. Si no se pueden medir de alguna manera, es como trabajar a ciegas.
Otra cosa que me parece fundamental es reconocer los límites y posibilidades del equipo. No sirve armar un proyecto muy ambicioso si el grupo no tiene la experiencia o los recursos necesarios, para no frustrarse en el camino. La redacción, la claridad y hasta cumplir horarios y fechas de entrega también forman parte del trabajo, aunque parezca más administrativo.
un proyecto funciona cuando los objetivos están bien pensados y cuando la población está bien entendida. Todo lo demás como las actividades, la redacción del proyecto, las fechas, la estrategia, termina ordenándose alrededor de eso.
Me encanto tanto la túnica típica blanca como la de fantasía con brillos. y me parece hermoso el detalle del pañuelo en la cintura que resalta los movimientos. Desconocía que debe llevarse algo en la cabeza. tampoco sabia que había un tipo de aros y pulseras que fueran correctas utilizar. La presencia que tienen Fifi Abdou y Nesma en el escenario, la sonrisa y la elegancia con la que bailan me causa admiración.
Las actividades son el momento donde el proyecto deja de ser una idea y se vuelve algo real. Y tienen que nacer directamente de los objetivos generales y específicos. Si los objetivos están mal pensados, las actividades también lo estarán, porque son su consecuencia directa.
Para saber planificar actividades hay que responder muchas preguntas concretas. Qué quiero hacer, por qué lo hago, para qué sirve, dónde se va a hacer, con qué recursos cuento, cuánto va a costar. Al principio parece un cuestionario pero en realidad te obliga a no dejar nada afuera. Si no se puede responder a alguna de estas preguntas, es señal de que algo del proyecto todavía está flojo.
Otra cosa importante es que las actividades no son solo lo visible para el público, también incluyen todo lo que pasa detrás. Y eso se nota cuando se explican las diferencias entre actividades principales, complementarias y derivadas. Las principales son las que le dan sentido al proyecto, las complementarias acompañan y enriquecen, y las derivadas son necesarias para el desarrollo de las otras actividades. Me ayudó el ejemplo del Asia Festival, porque muestra cómo una actividad principal (los espectáculos) necesita actividades complementarias (talleres) y también un montón de tareas derivadas que hacen posible que todo ocurra.
En resumen, si las actividades están claras, ajustadas a los recursos, pensadas para el público correcto y organizadas con un ritmo coherente, el proyecto tiene chances reales de funcionar. Es un recordatorio de que materializar una idea siempre exige planificación concreta.
En esta última parte del curso entendí que llegar a la ejecución de un proyecto es el resultado de todo lo que venimos construyendo desde el inicio.
Cuando hablamos de producción y planificación, básicamente estamos hablando de cómo transformar todas esas ideas, objetivos y actividades en algo organizado y posible. La producción es esa fase más operativa, la que exige gestión concreta y toma de decisiones. Y la planificación es lo que ordena todo eso en el tiempo para que cada tarea tenga su lugar, se sepa quién la realiza y cuándo se debe hacer, asegurando que todo avance de manera coordinada y eficiente.
Algo que me quedó claro es que es clave identificar cada tarea desde el principio hasta el final, agruparlas por tiempos, áreas o responsables, y después ordenarlas en secuencia. Ahí entra la idea de asignarles temporalidad, cuánto debería llevar cada cosa, y decidir quién se ocupa de qué. Porque si no se define, después se generan confusiones o atrasos que podrían evitarse.
Las herramientas como el cronograma de barras o de Gantt muestran que organizar un proyecto también implica visualizarlo. Poner tareas, tiempos y responsables hace que todo se vuelva más concreto. Y aunque el diagrama de Pert sea más técnico o quizás más complejo, igual entendí el concepto de pensar la relación entre tareas y cuánto tarda cada una. Todo eso es parte del mismo objetivo: que el proyecto avance de manera lógica y sin superponerse.
Es la primera vez que tengo contacto con parte teórica del hagalla, así que todo es nuevo para mi, el vestuario, la vara, la cara velada de la bailarina, los hombres en semicírculo. Estoy observando lo que decís sobre los aplausos. Creo que no hubiera puesto atención en eso sin tu comentario. Es interesante aprender sobre todas las particularidades y las tres partes en que se dividen a poder representarlo de manera correcta. Se nota que en el escenario a pesar de estar enriquecido con detalles de vestuario coreografía etc, se mantiene la esencia.
Gestionar un estudio de danza árabe empieza por entender qué quiero que represente mi estudio y cómo quiero que se perciba. Y encontrar mi propia propuesta, algo auténtico que marque una diferencia real. Por eso, hasta algo tan simple como el nombre se vuelve una decisión importante. Tiene que ser único, profesional y capaz de acompañar al proyecto a largo plazo. También entendí que la historia y la trayectoria, tanto mía como de los profesores que dicten clases, forman parte de esa identidad. Se trata de mostrar con claridad desde dónde nace el estudio, qué experiencia tiene el equipo y qué valores queremos transmitir. Esa transparencia genera confianza.
Los objetivos también cumplen un papel clave. No basta con “dar clases”, un estudio puede tener metas más amplias, como difundir la cultura, promover la historia o formar una comunidad. Y está bueno saber que esos objetivos pueden modificarse con el tiempo, porque el estudio también crece.
Gestionar un estudio implica pensar cada detalle con intención, porque todas esas decisiones construyen la identidad y el futuro del proyecto.
En esta clase entendí que la organización de un estudio es la base para que todo funcione como se espera. La gestión no se improvisa, se planifica. Y esa planificación se sostiene en documentos claros, digitalización, calendarios actualizados y un sistema que me permita saber dónde está cada cosa.
También la organización interna afecta directamente a la externa. Cuando adentro hay orden, programas, teoría, reglamentos, asistencias, materiales para muestras, hacia afuera se transmite seguridad y coherencia. De una manera las alumnas sienten que el estudio tiene una estructura y eso influye en la confianza, en la continuidad y en la seriedad del lugar.
Por otro lado me llamó la atención lo importante que es tener documentos concretos para cada área y la cantidad que puede haber: reglamentos, carpetas con música, vestuario, ideas de la muestra, exceles con programas y notas, devoluciones, objetivos por año. Entiendo que si quiero un estudio serio, necesito procesos serios, y estos documentos no pueden faltar. Y al mismo tiempo, que el calendario tiene que tener estructura pero ser flexible, porque la enseñanza no siempre va exactamente según lo planeado.
La idea de digitalizar todo también me pareció clave. No solo por una cuestión práctica, sino porque hoy la virtualidad es parte del trabajo docente. Existen plataformas simples hasta sistemas más profesionales, y cualquiera de ellos puede complementar lo presencial y facilitar el acceso al material.
Un estudio ordenado se construye desde carpetas, documentos, planificaciones y plataformas que sostienen todo lo demás. Y aunque sean muchas cosas a tener en cuenta, en realidad es lo que hace que se sienta profesional desde adentro y hacia afuera, y tenga una base sólida y pueda sostenerse en el tiempo sin desbordarse.
Las palabras de Farida Fahmy muestran cómo el significado de ciertos términos puede deformarse cuando se emplean fuera de su contexto e idioma nativo. Sa‘idi, en la jerga del bellydance internacional, además de designar un iqa‘ alegre presente en una gran variedad de composiciones, se utiliza para referirse a un estilo de danza con rasgos estilísticos definidos en su vestuario, su ejecución y el uso del bastón como elemento distintivo. Esta definición del “baile Sa‘idi” resulta restrictiva y excluyente, ya que no abarca otras danzas pertenecientes a la amplia región a la que originalmente alude este término. Su empleo termina privilegiando una única danza, invisibilizando otras corrientes estéticas de la misma zona.
Por otro lado, puede observarse que el bastón ha estado presente en la danza desde hace siglos, aunque su uso escénico no ha permanecido inalterado. Ha sido adoptado con diversos propósitos expresivos, como se evidencia en las fuentes citadas. La danza con bastón actual muestra múltiples influencias, entre ellas las representaciones de la Reda Troupe, las Banat Mazin de Luxor y reconocidas bailarinas de la Golden Age. Por lo tanto, puede concluirse que no se trata de una danza folclórica pura, sino que el Raqs al Assaya contemporáneo ha sido estilizado desde sus raíces rurales para adaptarse mejor a la dinámica escénica, tanto en su expresión individual como en las composiciones grupales. En consecuencia, es importante evitar la ingenuidad de pretender representar a toda la población del Alto Egipto mediante un número limitado de signos que han pasado por un proceso de transformación.
Armar un profesorado es construir un recorrido formativo que tenga sentido. Hay cierta libertad, porque no existe un único modelo ni un consenso total en música, ritmos o teoría, pero justamente por eso la planificación tiene que ser más consciente. Uno puede tomar un programa ya hecho o crear el propio, pero en los dos casos la responsabilidad es la misma, pensar qué tipo de alumnos quiero formar.
Por otro lado algo que me quedó es que un plan de estudios no puede quedarse congelado. Lo ideal es revisarlo cada año, ajustar lo que no funciona, sumar lo que falta y adaptarlo a cómo responden los alumnos. Esa revisión constante es la que mantiene vivo el profesorado y evita que se vuelva una estructura rígida.
La teoría también aparece como una parte esencial y para mí lo es. No hace falta convertirla en algo académico enorme si los alumnos no buscan algo profundo, pero sí asegurar un mínimo que dé los conocimientos básicos. Lo importante es encontrar cómo hacerla accesible y atractiva, para que no se sienta como “un peso”, y si recién estoy empezando, incluso puedo introducirla de a poco.
Todo esto se apoya en documentos que organizan la formación, características generales, lista de contenidos por nivel, planificaciones anuales y mensuales, exámenes, objetivos. Es lo que mantiene el profesorado ordenado y permite que quienes ingresen sepan exactamente qué camino están por recorrer.
Formar un ballet dentro de una escuela implica tener muy claro qué tipo de grupo quiero construir y cómo lo voy a sostener. Mas allá de si nace de manera espontánea o a través de audiciones, lo que realmente lo mantiene unido es la organización y las reglas que se puedan establecer desde un principio para evitar confusiones o roces que podrían llevar por un mal camino al grupo. También entendí que la figura del líder, del maestro, es central. Además de que tiene que ser desde un lugar autoritario, también desde la coherencia: ser organizado, ser ejemplo, marcar límites y saber mantener la distancia justa con las alumnas. Y, en el fondo, también suma la experiencia previa como haber formado parte de un ballet que ayuda a entender la dinámica interna, lo que funciona y lo que no, y eso después se refleja en la manera de guiar a un grupo propio con más claridad y seguridad.
Una muestra anual implica mostrar un año entero de trabajo, porque además de mostrarse bailando, hay que coordinar un montón de cosas detrás para que todo funcione. Se requiere ser realista con los recursos que tengo y con que cantidad de alumnos cuento, porque eso condiciona desde el lugar donde se hará hasta la forma en que voy a organizarlo. Lo que más influye y define todo es la planificación previa: anotar todas las tareas, ordenarlas, anticiparse a los tiempos, conocer las medidas, imaginar figuras y distribuciones que se vean bien desde el público. También el día de la muestra hay muchas áreas funcionando al mismo tiempo como el área técnica, backstage, luces, audiovisual y que todas se entrelazan para que el espectáculo fluya.
Una muestra refleja no solo cuánto aprendieron las alumnas durante el año, sino también cuán ordenado y consciente fue el proceso detrás.
El texto repasa los primeros trabajos históricos sobre el desarrollo del concepto de ritmo en la música árabe. De lo leído, observamos una clara asociación de este concepto con el de la prosodia en la poesía, siendo esta última de gran relevancia por la oralidad propia de la cultura árabe. Al-Farabi, reconocido filósofo medieval, tomó, como sus antecesores, los conceptos de metro poético y los introdujo en su teoría musical del ritmo. El filósofo basa su teoría en el concepto de “ataque”, que define como “un golpe de un cuerpo sólido con uno delgado” —el cual podríamos relacionar con el concepto actual de figura musical—. Una característica importante es que el ataque no tiene una duración definida; sin embargo, el tiempo transcurrido entre un ataque y otro debe ser finito, y es la duración del intervalo entre dos ataques lo que nos da una representación del tiempo. A su vez, esta duración nos permite clasificar los iqa’at en tres tipos: suaves, medios y fuertes, siendo los últimos los que menor duración tienen entre ataques. Una de las grandes aportaciones que puedo reconocer de Al-Farabi su creación de un sistema de notación rítmica inspirado en sílabas y flechas. Aunque resulte desafiante traducir sus conceptos de “duración” a la notación actual, sus descripciones ofrecen un panorama rudimentario de cómo sonaba la música árabe en su tiempo y cómo pueden vincularse con los modos rítmicos que conocemos en la actualidad. Intuyo que muchos de los ritmos que actualmente conocemos pueden tener un origen antiguo. Algunas denominaciones de Al-Farabi, como “taquil” para describir un ritmo lento y pesado, siguen vigentes en nombres como “samai taquil”, lo que nos demuestra la gran importancia de este filósofo en el desarrollo del pensamiento musical posterior.
En esta última clase pude notar cómo la ética atraviesa cada rincón de la danza, tanto siendo alumno como maestro. La ética aparece en la puntualidad, la preparación, la atención y la responsabilidad con el grupo. También se refleja en cómo nos vinculamos con alumnos y colegas, y en la coherencia entre lo que exigimos y lo que hacemos.
Después de tanta técnica, planificación, muestras y organización, lo que realmente queda es quiénes somos cuando enseñamos y cómo hacemos sentir a quienes tenemos enfrente.
Un docente debería ser empático con el alumno y sostener un espacio donde cada persona se sienta respetada y que también sienta que nos importa. Desde mi lugar de alumna, valoro que más allá que sea un excelente maestro o bailarín, me importa cuando también entiende, acompaña, escucha. No todo pasa por la técnica, si no por la humanidad con la que nos acompañan en nuestro camino de la danza. Y eso es lo que, de verdad, perdura.
Es muy interesante esta música, un poco difícil en percepción de ritmo, pero al ver a las mujeres romanies bailar, se nota como ellas expresan y entienden el significado de danzarla. Que interesante y todo un reto para nosotras, nos saca de nuestra zona de confort.
El ensayo es de finales de los 90 pero no ha perdido actualidad. En la presente década, a casi 30 años de su escritura, todavía vemos en noticias nuevas prohibiciones de la música por parte de los regímenes talibanes. El autor hace un buen análisis, citando autores y fuentes históricas, de las dos posiciones contrarias dentro del islam: aquellas que prohíben la música, en sus formas clasificadas como “sama”, y las cofradías místicas que la defienden como parte de sus prácticas religiosas. En general, ambas posturas no se refieren a la música ni a la danza de forma material, sino que el debate se centra en las diferentes sensaciones emocionales que la práctica musical genera en sus receptores (y, por extensión, en sus intérpretes y en la función de los instrumentos musicales). Por un lado, las cofradías hablan de la música como una herramienta de conexión espiritual y un vehículo para alcanzar estados “elevados” que propician la comunión con la deidad, mientras que los abolicionistas no solo rechazan la veracidad de esta afirmación, sino que condenan la música por estar íntimamente relacionada con actividades “pecaminosas y corruptoras”. Entonces, vemos dos interpretaciones distintas para un estado sentimental alterado por la sensibilidad típica que escuchar música provoca: una asociada a aspectos positivos de la espiritualidad, y otra con connotaciones peyorativas, dado que la misma incitaría a hacer el “mal”. Dado que mi postura personal es que la música y el baile deberían analizarse desde el laicismo, no puedo ejercer una opinión ni preferencia sobre argumentos de una u otra postura, ya que ambos están condicionados por las interpretaciones religiosas. Si bien se resalta que en el Corán no dice nada ni favorable o reprochable sobre la música, los hadices también son válidos para el ordenamiento legislativo de la vida en varios países, y la interpretación de estos textos requiere años de estudio en legislación islámica. En general, las bailarinas no estamos capacitadas para emitir un juicio de valor que vaya más allá de nuestro propio gusto personal por la música y el baile, y el rechazo que nos pueda provocar su prohibición, dado que las visiones abolicionistas difieren enormemente de la forma que nosotras interpretamos la música y el baile en las aulas. Por lo tanto, la conclusión que me deja este texto es que debemos hacer una revisión histórica y contextual cuando analicemos el impacto que genera la música o la danza, dado que no hay una única visión universal de lo que significa un estado emocional inducido por la sensibilidad artística, aunque en nuestra tradición lo asociemos a estados positivos. Incluso como resaltaba un comentario anterior, en occidente tenemos divisiones entre categorías de música que disfrutan distintos grados de aceptación moral y social según se traten de cuestiones académicas o populares, siendo relativamente común escuchar quejas sobre el grado de “vulgaridad” de ciertos géneros masivos, aunque no estén expresamente prohibidos por autoridades legales.
En el texto se repasa la clasificación tradicional de instrumentos árabes en tres grupos: de cuerda, viento y de percusión. También encontramos una cuarta categoría de instrumentos de origen occidental que han sido adaptados, como la guitarra eléctrica, el violín, el piano y el acordeón, entre otros. La clasificación tradicional se basa en el origen del sonido, mientras que considero que la clasificación de Farraj y Shumays me parece más acorde a la función que ocupan en el contexto musical. Los Iqa’at son dominados por los instrumentos de percusión, mientras que el desarrollo de los maqams se sustenta en los instrumentos melódicos, ya sean de cuerda o de viento. Son dos dimensiones de la música árabe complejas por separado y no sorprende que haya pocos músicos que puedan dominarlas a la vez, como mencionan estos autores. Al-Farabi consideraba la voz como el instrumento más perfecto, a lo que yo agregaría la palabra “melódico”. Es decir, consideraría a la voz “el instrumento melódico por excelencia”. Aunque no se clasifican como instrumentos, considero que las manos humanas son los instrumentos de percusión por excelencia.
Hola! Por fin pude terminar de ver estas clases! Paso para agradecer a Meli por todos los conocimientos que compartió!! Y por supuesto, también gracias a Maru por traer esta formación, siempre pensando en nuestra formación integral Cariños a las dos!!!
En esta clase vimos las figuras musicales, sus valores y también los silencios. También vimos la implementación en ejercicios de partituras musicales. Las fracciones musicales: el Numerador, que nos indica el número de pulsos por compás, y el Denominador, que nos indica qué figura rítmica va a representar el pulso en el compás. El tip de marcar con la mano me lo llevo para seguir practicando. Aprender sobre ritmos y pulso es fundamental para que en la práctica, no nos vayamos de tiempo.
El Puntillo añade 1 mitad más de valor a la figura rítmica que acompaña. La Anacruza significa que el percusionista puede elegir comenzar dentro del compás por un pulso que no es necesariamente el primero (ej ritmo Bambi).
Barras de compás: hay 5 tipos. Según la barra que aparezca, sabremos si finalizamos, si repetimos, si se subdivide un compás, si seguimos vocalizando, etc.
Ritmos árabes: se componen de 2 sonidos básicos, uno es el DUM (sonido grave) y el otro es el TAC (sonido agudo). Hay otros, pero estos son los principales.
En la vocalización, el silencio se puede representar con la palabra ISS o ESS.
El silencio ocupa un lugar en el tiempo, y este método de vocalización puede servir para respetar el espacio del silencio.
Todos estos conceptos nos sirven para todo y para practicar con los chinchines.
Muy interesante la descripción del Zaffa al Arusa, y la tradición de llevar a la novia hacia la casa del novio y el Zaffa en general como un “rito de pasaje”, una transformación que sucede en la mujer de niña inocente a una mujer casada y compartir su vida con su marido.
También se puede apreciar los roles maritales tradicionales tanto del hombre como de la mujer, en la negociación de la dote, en el compartir entre la madre del novio y la novia, en la diferencia entre la ceremonia de una niña/mujer que se casa por primera vez y la de una viuda o divorciada.
Los cambios entre el Zaffa tradicional y moderno se podría equiparar a la forma en la que los rituales de bodas han cambiado en la cultura occidental, por ejemplo en la contratación de un/a wedding planner para encargarse de todos los detalles de la ceremonia, cuando antes los novios (o novia, parientes) se encargaba de la organización, y las recepciones eran en las casas.
Con respecto al rol de la bailarina, es interesante que, por un lado, consideren a las bailarinas como poco confiables, simbolizando la sexualidad, o que tengan que detener a las mujeres que bailan “para llamar la atención” con un ritmo Zaffa pero, al mismo tiempo, es apropiado contar con su presencia en las bodas, dando estatus a la ceremonia. Creo que refleja la ambigüedad del lugar de la bailarina en la sociedad.
Me encanta Sophie Armoza!! que belleza!, las botas y el vestido mascan aun mas los movimientos de esta danza lo que no se aprecia tanto en la danza de Didem, que me encanta como bellydancer
En esta clase vimos varios conceptos sobre los llamados “ritmos árabes”, que pueden nombrarse como Iqaa o Wazn. Siguiendo lo que plantea Touma, se distingue entre ritmos con estructura libre (como el taqsim) y ritmos con estructura fija. También se mencionó que no todos los ritmos son nativos, sino que muchos vienen de influencias occidentales y turcas.
Otro punto importante fue el pulso, que funciona como la referencia para ubicarnos en el tiempo y no salirnos del ritmo. Puede ser regular o irregular, pero siempre es clave para poder bailar con claridad y sostener la musicalidad.
Esta clase me pareció clave porque entender que los ritmos están formados por sonidos y silencios realmente ayuda a que la bailarina pueda ubicar mejor los pasos y las secuencias. Trabajar el oído y familiarizarse con el pulso (sea constante o irregular), los acentos y los distintos ritmos es fundamental. Cuanto más sepamos sobre esto, más sencillo se vuelve reconocerlos en la música y aplicarlos al momento de bailar o aprender una coreografía.
Después de leer el texto, me llamó la atención cómo la Conferencia de 1932 intentó “ordenar” y reformar la música árabe desde una mirada muy influenciada por lo occidental. Se ve claramente la tensión entre los reformadores, los académicos extranjeros y los músicos profesionales, y cómo muchas decisiones se tomaron sin incluir a quienes realmente sostenían la práctica. Lo irónico es que, aunque buscaban imponer un sistema más “científico” y disciplinado, lo que termina fortaleciendo a la música árabe hoy es justamente la creatividad diaria de los músicos, su autoformación y su manera de seguir transmitiendo la tradición. Eso muestra que la verdadera evolución no nace de imponer reglas, sino de escuchar las prácticas que permanecen vivas.
Este texto me ayudó a entender mejor cómo funciona el Ritmo en la música árabe y por que es tan importante para nosotras como bailarinas. Me quedó clara la diferencia entre cuando un tema tiene un pulso fijo y cuando es más libre, como en un taxim o un mawal. También me pareció útil repasar cosas básicas como el dum, el tak, el pulso, el compás y los acentos, porque al final todo eso es lo que nos permite ubicarnos en la música. Saber los nombres, la estructura y el carácter de cada ritmo realmente hace que bailar sea más fácil y más consciente, porque entendemos mejor qué está pasando y cómo acompañarlo.
El texto muestra cómo distintos autores medievales fueron intentando explicar el ritmo árabe desde la poesía, la filosofía y la música. Cada uno aportó algo distinto, pero el más completo fue al-Farabi, que trató de ordenar los ataques, las duraciones y los modos rítmicos. Me queda la idea de que, aunque estas teorías sean antiguas, entenderlas ayuda a ver que el ritmo árabe tiene una base muy sólida y pensada, y que eso enriquece mucho la forma en la que hoy escuchamos, estudiamos y bailamos esta música.
El texto muestra lo complejo que fue (y sigue siendo) el lugar de la música en el Islam: por un lado, muchos juristas y autoridades religiosas la asociaron con el malahi (diversión, distracción, tentación) y hasta con la influencia de Satán. Por el otro, las órdenes místicas veían en el Sama (escucha, música y a veces danza) un camino directo hacia el éxtasis espiritual y la unión con lo divino. Me pareció muy fuerte ese contraste, una misma música que para algunos es peligro y desorden, y para otros es una herramienta sagrada. La sensación que me deja es que la música tiene un poder tan grande sobre las emociones y el cuerpo que ninguna tradición religiosa puede ignorarla, y por eso mismo despierta tanta fascinación… y a la vez tanto miedo.
Este texto me hizo dar dimensión de la cantidad y variedad de instrumentos árabes que hay y cómo cada uno tiene una personalidad propia. No es lo mismo escuchar un Laud o un buzuq, un qanun, un nay, una rababa o una derbake / tabla, que un riqq, daff, bendir o incluso un violín “arabizado” o un acordeón árabe. También me llamó la atención cómo muchos instrumentos occidentales (violín, guitarra eléctrica, teclado, acordeón, saxofón, batería) fueron adaptados para poder tocar maqamat e iqaat, manteniendo el color y la intención árabe. Como bailarina, siento que conocer estos sonidos me ayuda a “escuchar distinto”: no bailo igual si el protagonismo lo tiene el nay que si lo tiene el Laud o la percusión, y entender qué instrumento está “hablando” hace que la interpretación sea mucho más rica y consciente.
Es cierto que, como bailarina, reconocer los instrumentos suma muchísimo. Cuando escucho viento, automáticamente me salen movimientos más ondulados; con las cuerdas, van mas las vibraciones, y con la percusión, los golpes.
Estas tres clases me ayudaron un montón a conocer instrumentos que no tenía tan registrados y a empezar a distinguir el sonido de cada uno. Siento que ahora puedo identificar mejor quién está tocando y eso me da más herramientas a la hora de bailar.
Es interesante como puede llegar a tergiversarse a información que tenemos acera de este tema tan controversial, es importante siempre recurrir a fuentes confiables, que puedan darnos una perspectiva adecuada. Me gusta mucho la perspectiva de Shay, “las Ghawazee eran bailarinas publicas que trabajaban en forma opuesta a las awalim.
Me encanta volver al tema de los viajeros, siempre pensaré que en sus escrituras y narraciones tendremos un poco de información sobre detalles de la vida en esas épocas, claro que si, tomando en cuenta que cada quien tendrá un punto de vista distinto, según su pensamiento, pero siempre hay detalles que concuerdan entre si.
Me encanto saber sobre las agrupaciones musicales árabes, y me sorprendió ver cómo la cantidad y el tipo de instrumentos determinan si hablamos de un takht, una orquesta moderna o de otras formaciones más pequeñas o grandes. Me resultó muy útil entender qué lugar ocupa cada instrumento dentro de estas agrupaciones, porque muchas veces hablamos de “orquesta” sin realmente saber bien como está compuesta.También fue interesante ver cómo estas formaciones fueron cambiando según la época y la región, y cómo eso influye en el sonido. Los ejercicios de reconocimiento me ayudaron un montón a distinguir mejor a cada instrumento.
Me ayudó un montón entender que el samai no es solo el ritmo samai thaquil, sino una forma musical instrumental con sus hane y teslim. También me pareció interesante ver cómo viene de la influencia otomana y cómo hoy existen versiones más modernas que no siguen estrictamente la forma original. Y algo clave: no hay una “danza samai” fija, una puede bailarlo con distintos estilos, por Ej: Estilo Reda. Ahora siento que identifico mejor qué estoy escuchando y cómo encararlo desde la danza.
El la película Fatma, pudimos observar con claridad características muy cercanas a los datos de baladi de las clases pasadas, es una representación que nos sumerge dentro del mundo baladi como tal y entenderlo de una mejor manera.
Que diferencia estudiar al zaffa de esta forma tan detallada, para mí, el zaffa al-arusa siempre ha sido una de las expresiones más lindas dentro de la danza árabe, porque no se trata solo de pasos o música, sino de acompañar a alguien en un momento importante de su vida. Es una danza que vibra con alegría, con comunidad y con ese deseo sincero de bendecir el camino de la novia. Cada palma, cada toque de percusión y cada sonrisa tiene un significado profundo: es como decir “no estás sola, tu gente camina contigo”.
Me encanta porque, aunque es una tradición antigua, sigue transmitiendo calor humano, celebración y unión, recordándonos que la danza también es un acto de cariño y de apoyo colectivo.
Y entenderlo de esta forma tan explicita, con los diferentes momentos de ser, se vuelve mucho más profundo y sentido.
Que importante es conocer la historia de estas danzas que amamos tanto!.
Me pareció muy útil empezar a trabajar la expresión de emociones en la danza, sobre todo entendiendo que cada estilo (Baladí, Vals, Bolero, Zar, etc.) trae una energía y un “personaje” diferente. El ejercicio de observar caras en la vida cotidiana me ayudó a darme cuenta de cuántos detalles mínimos cambian una emoción: la mirada, las cejas, la boca, hasta la postura del cuerpo. Siento que esto va a ayudarme a que mis interpretaciones sean más claras, tambien recuerdo el ejercicio que hicimos el año pasado de enviar fotos de nuestras propias caras expresando distintas emociones como Alegria, tristeza, sorpresa, enojo. Muy interesante para seguir aportando a nuestra danza.
Me pareció súper útil ver toda esta variedad de ritmos y entender que no solo importa “qué ritmo es”, sino en qué contexto aparece y cómo cambia la energía según la forma musical o el estilo. El año pasado rendí una secuencia que combinaba varios de estos ritmos y fue hermoso y desafiante poder resolverla, así que ahora al leer todo esto, muchas cosas me cierran mucho más. También me llamó la atención cómo ritmos que parecen parecidos se sienten completamente distintos según dónde aparezcan. Siento que conocer estas diferencias me va a ayudar a interpretar mejor y no bailar todos igual. Me sirvió muchísimo agruparlos según su estilo y cadencia.
Me encantó ver cómo la música del mundo termina conectándose, mezclándose y creando cosas nuevas. Tal como menciona Mohamed Abdel Wahab, esa unión entre lo oriental y lo occidental es parte de la evolución natural de la música. Y lo más loco es entender cómo la música latinoamericana llegó a Egipto vía Estados Unidos, generando géneros y fusiones que hoy seguimos disfrutando.
La clase me pareció súper interesante, y escuchar temas de Mohamed Abd El Wahab y Farid Al Atrash con esta mirada hizo que los disfrutara aún más.
Este módulo me ayudó a ordenar mejor lo que escucho y a darle una identidad más clara a cada ritmo. Trabajamos Ayyub, Bambi, Fox, Hayya, Wahda u Nuss y Wahda Saghira, Maksum, etc. Vimos sus estructuras y practicamos su reconocimiento. Siento que mientras más los escucho, más sentido me hace.
Hoy entendí un poco más el mundo de la música: figuras, silencios y cómo leerlos. Las fracciones musicales todavía me desafían,es parte de seguir aprendiendo e ir afinando el oído pero me encanta descubrir algo nuevo y sentir que esto como un desafío para seguir avanzando.
Sentí que entendí mejor dos conceptos clave: el puntillo y la anacruza. Destaco lo importante de cómo un simple punto puede cambiar tanto el valor de una figura, y cómo la anacruza puede preparar el ritmo antes de que llegue el pulso fuerte. Son detalles que al principio parecen pequeños, pero que hacen que la música tenga otra profundidad. Esto me hace pensar que empiezo a reconocer de a poco estas cosas que igual con práctica lo que antes pasaba desapercibidas ahora va tomando más forma y claridad con lo visto en esta clase.
Excelente clase! Me llevo mucha información para mejorar a la hora de analizar un tema y luego llevarlo a escena de una mejor manera, sacándole todo el jugo. El ejercicio de Estrofa-Estribillo me parece fundamental, y estoy feliz porque veo que algunas cosas las analizaba en forma intuitiva. Con esta información voy a estar más atenta y la pondré en práctica para mejorar como bailarina e intérprete. Me encantan estas clases porque entiendo que no solo se trata de bailar, sino también de respetar la emocionalidad del tema, la intención del autor, la historia que quiere contar junto a sus picos y matices para llevar a escena la mejor versión del mismo.
Que clase más enriquecedora y que importante es entrenar el oído para poder sincronizarnos con la propuesta del Taxim. Me llevo de tarea el seguir escuchando música para poder interpretarla mejor, el no darlo todo de entrada sino escuchar por dónde viene la propuesta del músico y ser coherente con el cuerpo para evitar el ruido musical-visual al espectador. Los tipos de Taxim y sus usos me parecen claves aprenderlos, y veo como un desafío el Taxim con percusión de base. Creo que luego de ver esta clase va a cambiar mucho mi forma de analizar e interpretar un Taxim.
Esta clase me hizo tomar aún más conciencia de lo importante que es entender la música árabe para poder bailarla. Sentí que, al aprender sobre estructuras, no solo es cuestión de comprensión técnica, sino también mi conexión emocional y lo que como futura bailarina voy a transmitir.
La Wasla me encantó que se puede relacionar como un cuento o historia musical lo que me da otra visión para escuchar de otra manera, con la emoción entre lo sensible y la presencia. Es una gran herramienta que servirá al momento de armar una coreo y que es completamente aplicable de ahora en más puedo buscare ese sentimiento oculta en las canciones, para disfrutarlas a mayor piachere”
Me sorprendió un montón descubrir que el ritmo Sherk aparece también en música nubia, porque siempre lo tuve asociado a algo más occidental, como un ritmo típico de batería o muy similar. Ver cómo estos cruces aparecen en diferentes momentos y lugares me hace entender que la música es mucho más amplia de lo que pensamos. Y también me di cuenta de que varios de estos ritmos los escuché mil veces sin registrarlos… afinar el oído cambia todo.
Me gustó esta lectura porque te ordena la cabeza: clase, ensayo y entrenamiento no son lo mismo, y cada uno cumple una función distinta. A veces una cree que con solo tomar clases alcanza, y no. El cuerpo necesita fuerza, técnica y práctica real para que todo fluya. También me sirvió la idea de poner objetivos cortos y medibles. Entendí que si falta uno de los tres pilares, tarde o temprano se nota en la danza.
Esta lectura del vals me hizo verlo de otra manera. Yo siempre lo tenía como un baile mas romántico, de pelicula, de la Elite y en realidad fue re polémico en su momento esto del abrazo cerrado, vueltas, faldas volando, un escandalo para los moralistas.
También me sorprendió que venga de bailes más rústicos y campesinos, y que después haya terminado en palacios, congresos, etc. Nunca imagine que el vals era como “el gran igualador”, donde cualquiera podía lucirse si sabía bailar.
En definitiva el Vals fue un baile bastante rebelde para su época.
La lectura deja claro que el bolero no nació de un día para el otro, sino que es el resultado de un montón de mezclas culturales e históricas entre África, Europa, el Caribe, Cuba, México, todo junto. Cada etapa le fue agregando algo distinto: primero el mestizaje y la vida en las plantaciones, después la trova cubana, más tarde la radio y el cine que lo hicieron masivo, y luego su época de oro por toda Latinoamérica. También entendí que el bolero siempre sube y baja según los cambios sociales: a veces estuvo súper de moda y otras quedó medio desplazado por ritmos más “modernos”, pero nunca desapareció del todo. Y en los 90 vuelve con fuerza porque la gente necesitaba justamente eso: algo emocional, cercano y reconocible. En resumen, el bolero refleja bastante la historia latinoamericana: mezcla, resistencia, cambios, crisis, resurrecciones… y siempre vuelve porque conecta con la forma en que vivimos y sentimos en Latinoamerica.
Lo que más me quedó del texto es cómo el bolero no solo habla de amor, sino que en muchos momentos funcionó como una forma de resistencia en medio de crisis políticas y sociales. Mientras todo cambiaba alrededor, el bolero sostenía una bandera distinta: la del amor, la emoción y lo humano. Me parece fuerte pensar que, a través de estas canciones, la gente encontraba un refugio y también una manera de seguir luchando, pero desde el sentimiento. Me gusto mucho conocer de donde proviene las palabras Palenques y Quilombos.
Me parece muy importante que, como bailarinas, entendamos tanto el origen de los estilos y ritmos que bailamos como su temática, para poder interpretarlos de manera auténtica. La Rumba Masri (Rumba Egipcia) empieza a asociarse dentro del bellydance con algo romántico, casi melancólico. A la hora de bailarla, requiere un enfoque más estilizado y etéreo: aparecen arabesk, ondulaciones, líneas más suaves. Es como una hermosa fusión entre elegancia, fluidez, pasión, seducción y romanticismo. Todo esto, sumado al ritmo y al tipo de movimientos, nos da la base para lograr una interpretación respetuosa y con sentido
Me pareció una lectura súper clara sobre el vestuario baladí. Muchas cosas ya las conocía, pero igual está bueno repasarlas: la túnica tradicional (más recta y sencilla), las versiones más modernas con lycra o cierres, y el vestido estilo años 50 para cuando usamos melaya. También los detalles que nunca pueden faltar: pañuelo, pulseras, algo en el pelo, y los zapatos si se baila melaya. En resumen, todo depende del estilo que queramos lograr: más tradicional o más moderno. Es un vestuario simple pero con mucha identidad, y bien elegido suma muchísimo a la interpretación.
El baladi es, sin duda, el estilo que más me gusta. Y cuanto más pasan los años, más me doy cuenta de que muchas ideas que tenía antes eran incompletas o directamente erróneas. Me encanta entender su polisemia y cómo el término “baladi” puede significar tantas cosas distintas según el contexto. También me parece importante recordar que lo que en bellydance llamamos “estilo baladi” es una construcción, no algo literal. Aun así, dentro de la danza nos sirve muchísimo como código: si un músico dice “voy a tocar un baladi”, ya sabemos perfectamente de que se trata. Es un estilo para relajarse, sentirlo y dejar que fluya desde un lugar auténtico y bien a tierra.
Qué lindo ver videos de músicos y bailarinas de la Golden Era. Ahí se ve clarísimo ese ida y vuelta entre música y danza que hace tan especial al baladí: las miradas, el juego, la conexión. Y también lo importante que es respetar los silencios cuando bailamos… no hace falta llenar todo, a veces el impacto está en dejar respirar la música y respirar nosotras tambien.
Además, me gusta recordar que “Baladi” es una palabra muchísimo más amplia. En el ambiente del bellydance la usamos como si fuera un solo estilo o tipo de música, pero en el mundo árabe tiene un montón de significados y variantes, por eso es tan rico y tan diverso.
Me encanta la historia del zar, a veces como bellydancer tendemos solo a creer que es una danza fuerte con jugueteos de pelo, al entender más la historia podemos también crear un contexto más profundo, incluso podemos crear una historia en base a ello. Gracias por resaltar que solo lo teatralicemos y no lo ejecutemos para llamar a los espíritus jajajjajaja
Me gustó ver cómo tanto Mario Kirlis como Nesma explican el Baladi desde sus raíces: esa mezcla preciosa entre improvisación, naturalidad y diálogo entre instrumentos… y cómo eso se traduce en nuestra danza. También entender que el baladi accordion es solo uno de los tantos tipos de baladi que existen.
Me encantó ver esta selección de videos porque realmente te abre la cabeza sobre lo amplio que es el concepto de Baladi. Muchas veces, desde el bellydance, lo encasillamos en “lo que ya conocemos”, pero cuando empezás a ver distintos músicos, épocas y formatos, te das cuenta de que el Baladi tiene mil caras posibles.
Algunos videos sinceramente jamás los habría asociado al Baladi
Cuando rendí el teórico ya me había metido un poco en el tema del Zaffa y todavía me parece re intrigante cómo cada momento del ritual tiene su función y su simbolismo. Lo que sí me sigue shockeando es lo de las chicas tan jóvenes… yo lo imaginaba más como un casamiento y en realidad es más parecido a lo que hoy sería un compromiso. Me encantó esto de que aparezca el Zaffa cuando la pareja ya estaba llamando demasiado la atención, súper teatral. Y lo loco es que, más allá de todas las diferencias culturales, tiene algo parecido al casamiento católico que conocemos, pero con ese toque más alegre, rítmico y festivo que lo hace tan único. Quiero ver el Zaffa de tu casamiento. Que lindo!
Muy lindo el Samai, aunque el ritmo Samai Thaquil es bastante complejo y lleva su tiempo incorporarlo, una vez que lo haces, empezas a sentirlo mas natural y familiar. Es complejo entender su estructura, con los cuatro hane y el teslim, y cómo eso le da un carácter tan particular. También me resultó súper interesante la relación con la música del Imperio Otomano, donde esta forma musical ya existía pero con otro nombre y otro enfoque rítmico, usando el Aksak en lugar del Samai Thaquil.
Escuchar un Saz Semai y conocer obras como el Samai Shataraban de Tamburi Cemil Bey me abrió un panorama totalmente distinto sobre cómo se interpreta en la tradición turca. Es un universo enorme, lleno de detalles históricos y musicales. Espero poder escuchar facilmente las diferencias entre el estilo árabe y el estilo turco.
Qué interesante todo lo que cuenta la lectura sobre la Península Arábiga. La mezcla de pueblos, costumbres y regiones que pasaron por ahí (África, Iraq, Irán, etc.) terminó formando una identidad musical súper variada, sobre todo en la percusión. También es interesante ver cómo la música estuvo ligada a la esclavitud y cómo muchas veces fue censurada por el islam, especialmente para las mujeres. Todo ese contraste entre lo popular, lo festivo y lo que estaba permitido o no, la mezcla de nacionalidades explica mucho de la fuerza cultural de la zona. Quiero seguir aprendiendo más del estilo Khallegee / Saudi. Impactante la cantidad de Danzas que puede haber en una misma region.
Qué interesante todo lo que plantea la lectura sobre las artes beduinas de las mujeres. Ver cómo estas danzas aparecen en bodas, con las mujeres acompañando a la novia, pidiendo éxito para la unión, y cómo con el tiempo pasaron de ser rituales familiares a tener personas contratadas e incluso DJs, muestra cuánto cambió todo.
Las taggagat marcando el ritmo con palmas y percusión, las letras tan bélicas, la idea de que no se considera “danza” sino “juego” ligado a la sangre, la lealtad y el honor… es un mundo completamente distinto. Y me pareció muy interesante cómo comparar a una mujer con un caballo era algo honorable, relacionado a esa actitud fuerte, orgullosa y superior. Hasta el movimiento de los pies, que recuerda a un galope constante, tiene sentido cuando lo entendés desde ese lugar. En una misma región conviven un montón de artes.
En esta clase me llamó mucho la atención la danza Mizmar, sobre todo porque aparece el uso de bastones. Distintas regiones tienen sus propias danzas con varas y sentidos distintos. También me encantó saber que varias de estas danzas están reconocidas como patrimonio cultural. Intrigante lo de los rituales que las mujeres cantando y tirando laxantes al mar, o el fuego en el centro de la ronda… Y lo del Mizmar como danza para que el guerrero muestre su arte. En los 90 esto termina porque esta danza comienza para pelear con otra persona, el gobierno lo prohibe. Es verdad que para mi Mizmar era solamente un instrumento de viento, pero en este caso es solo percusion y es una Danza influenciada por el Tahtib.
Me encantó conocer un poco más sobre Irene Shams y entender por qué su trabajo marcó tanta diferencia, ya que venía de la danza, de la música y de la pedagogía, así que sabía exactamente qué les faltaba a las bailarinas y cómo explicarlo de una forma clara. Esa idea de que “a las bailarinas les falta formación musical” es real… y ella básicamente vino a solucionar esto. Llegó a formar a más de 2500 personas, hizo arreglos para los shows de Nesma y creó cursos pensados específicamente para nuestro oído: educación auditiva, ritmos, sistemas musicales, muwashahat, etc.
También me gustó entender mejor el mapa general:
Al-Ándalus, Imperio Otomano, Magreb, Masriq… todas estas regiones generando estilos, géneros y estructuras diferentes.
El Muwashah (poema) y la Sana (canción).
La Nawba, la Wasla/Fasl, como formatos musicales enormes.
Y dentro de todo eso, el Samai, que hoy conocemos desde su influencia otomana, pero cuya etiqueta “andalusí” no significa necesariamente que venga del Al-Ándalus.
Me llamó la atención el Saz Semai, el ritmo Aksak Semai, y cómo en el mundo árabe aparece el iqa Samai tawil/taqil, que puede funcionar como género instrumental o como estructura rítmica en piezas vocales.
Parece que todo está conectado, pero al mismo tiempo No. Gracias a gente como Irene, todo ese universo tan complejo se hace más accesible para quienes venimos desde la danza.
Es una clase con contenido importante y muy enriquecedor, es entender un poco la importancia de entrenar el oído, se diría que realmente escuchar, esto nos permite que al escuchar primero la propuesta del músico nos lleva a mantener coherencia en el movimiento y por ende lo que se quiere expresar. El que existan tipos de Taqxim o Taxim es importante ya conocer o tener la primera vas para poder identificarlo y en mi caso es lo desafiante ahora solo me corresponde poder ponerlo en práctica de ahora en más.
La clase me encantó porque fue la primera vez que escuché el layali y el mawwal. No los conocía y me sorprendieron lo lindos que suenan y lo diferentes que son. Ha sido un gran explicación me ayudó un montón a entenderlos.
La música árabe valora mucho la improvisación.
El taqsim es improvisación instrumental basada en un maqam, libre en ritmo y con un desarrollo que va creciendo, mostrando técnica y emoción.
El layali y el mawwal son improvisaciones vocales: el layali usa una frase melódica y el mawwal es un poema cantado.
Todas estas formas mezclan tradición, creatividad y conexión emocional. Permite escuchar con el alma y transmitirlo en el baile.
Esta clase es muy importante porque me permite comprender y presentar que la terminología con la que nos comunicamos acerca de la danza sí importa, ya que determina la forma en que entendemos y transmitimos las culturas. Decir “danzas árabes” no es necesariamente malo ni incorrecto, pero conviene emplearlo con conciencia como señala Maru, entendiendo que detrás de esa etiqueta existe una enorme diversidad de estilos, historias y significados.Además, utilizar la terminología adecuada sienta una base sólida no solo para nosotros como estudiantes o intérpretes, sino también para nuestro futuro alumnado. Esto facilita que más adelante puedan comprender de manera clara conceptos como el de Bellydance y su relación con otras tradiciones dancísticas de los países árabes.
Si bien actualmente no existe una normativa unificada y cada profesor o profesora propone su propio programa y enfoque, puedo intuir, desde mi poca experiencia, que la mayoría sigue líneas generales similares, aunque el contenido varíe según el país, la escuela o el contexto cultural. Aun así, considero fundamental que cada uno desarrolle una actitud investigativa, como ocurre en áreas como la medicina o la biología, donde constantemente se revisan avances, se actualizan conceptos o se reemplazan terminologías obsoletas. Por eso, más allá de que cada academia marque una pauta de estudio específica, es importante que dicha planificación sea consciente y crítica, y no se base únicamente en creencias personales o en un adoctrinamiento rígido, sino en una búsqueda genuina, abierta y espontánea del conocimiento.
Me resultó muy valiosa la explicación inicial sobre la cronología del bellydance, porque en los profesorados la información suele llegar en partes y no siempre es fácil armar una secuencia clara de todo lo que ocurrió. Los términos como MENA y SWANA no los había escuchado antes y el termino que Mena esta visto como algo más colonialista es rarisimo.
Usar el termino de bellydance es más conocido y da facilidad de comunicación. El termino de danza del vientre, es más conocido o asociado específicamente incluso a una artista especificamente cantante y ella misma lo vende como una danza insitú e incluso tambien se relaciona de forma inmediata con el temino danza árabe. Por ello volvemos a lo visto en la clase anterior el concepto es muy amplio y engloba varias cosas. Raqs sharqi entiendo se ha asociado más al estilo egipcio, de como se baila y con un caracter más estilizado.
La distinción de Oriente y Occidente, marca tambien un punto fuerte en lo que es el desarrollo de los terminos historicos, geografico y cultural de la danza, que tambien refieren a como son las diferentes danzas.
Considero que estos consejos son muy completos, y hay valor en cada uno de ellos. En mi experiencia, escuchar la música fue super importante para no hacer los pasos solo “de memoria”, sino que de manera más integral. El poder practicar frente al espejo o verse en vídeo sirvió también para hacer varias correcciones tanto de postura como de tiempos y tecnica.
Otro consejo que considero que puede ayudar es tirar la vergüenza por la ventana. Muchas veces no hacemos las cosas por miedo a lo que digan los demás o por juzgarnos en demasia. Como bien dice la guía todos los procesos son distintos, pero lo importante está en permitirse seguir bailando, incluso si aun no sale de manera perfecta. Si nos quedamos con que “no nos sale” entonces nunca vamos a evolucionar.
Otra cosa que me ha servido es cuando compas se acercaron a darme correcciones, o cuando le pregunté para ver como se hacía x paso. Está bueno poder ser receptivo a un otro, y escuchar lo que tiene para compartir.
Me encantó esta clase, me encanta el taxim y a la hora de escuchar lo sé interpretar bien, pero me pasa que a veces a la hora de bailarlo es como que me quedo trabada porque no sé que hacer, aunque también viendo esta clase me da a entender mas, que mas allá de entrenar bastante el oído, también va como en juego o conexión de la bailarina con el musico, el taxim creo que se denomina por ser a libre interpretación y eso lo hace único en su estilo
Me encantó, no sabía la diferencia entre los tres, si bien siempre conocí el Layali y el Mawwal, pero nunca sabía las diferencias entre Layali, Mawwal y Taxim, ahora sé que son la composición vocal del Taxim,con pequeñas diferencias entre Layali y Mawwal.
Ahora voy a estar todo el tiempo prestando atención y diferenciando el Layali y el Mawwal jaja!!!
Me parece interesante como la música se originó para acompañar y enriquecer la poesía con su propio sonido y ritmo, pero a la vez no son una sin la otra ya que la poesía es el punto de partida de la música. Me llama la atención como el ritmo y la melodia se forman desde algo tan simple como pasos de camello o un lamento, como en el canto beduino. También siento una posible paradoja en el ataque cultural y religioso por parte del islam al poeta y el origen musical, que lo minimizan historicamente como simples canciones folclóricas, asociados los espíritus que los inspiraban a los y la rendición emocional que la música generaba que solo debía otorgarse a Dios, y a su vez el estatus e importancia que tenía el poeta, ya que su arte estaba directamente ligado a la vida social y comercial.
Nunca, nunca había escuchado el término Eftatahia, primero lo aprendí como Presentación y con los años como Meyanse. Acá abajo dejo los links de las canciones que estudié: https://youtu.be/0xJ-evHMOBI?si=ffwovBlmrQyB7dux
La canción es Innuendo de Queen, me parece que tiene muchos cambios como de ritmos, pausas.
Comienza instrumental y recién a los 28 segundos comienza la parte power, su estribillo se repite en el 05:35 hasta el 05:50. Esta canción tiene muchos cambios y como puntos limites donde cambia de un rock a un a especie de estilo como flamenco .
No la puedo seguir analizando porque es una canción que me encanta y la disfruto un montón, jajaja!!!
Me sirvió mucho pensar en la palabra Gipsy como algo que viene de afuera ( cargada de estereotipos) y Romani como un termino que viene de adentro. La misma población se denomina Romani (idioma indoeuropeo)
Esta población esta por todo el mundo y en cada país la danza se baila de forma diferente, con costumbres distintas. Las bailarinas de belly no tomamos en cuenta esto. ya que combinamos pasos de un lugar vestuario de otro etc La real academia española decía que un gitano era un estafador la unión Romani internacional tuvo que luchar mucho para que la modificaran del diccionario.
La población Romani realiza danzas nativas sin modificar llamadas karsilama y danzas nativas modificadas. (Roman havasi)
Ambas trabajan en 9/8. También bailan chifteteli como danza. Nacida en el imperio otomano y bailada por mujeres en Estambul.
Creo que el texto me ayuda a entender mejor toda la estructura, aunque debo reconocer que se me hizo medio difícil al principio, ahora puedo comprenderlo con más claridad, es fundamental que todas las bailarinas conozcan este tipo de estructura ya que nos puede muchas veces ayudar a no pasar un papelón, he visto a mucha gente bailar fuera de tiempo como si nada, y yo observándolos y pensar -pobre, no sabe ir a tiempo-, hoy pienso y reflexiono que en muchos estudios se enseña a bailar pero no se enseña toda la estructura musical, lo cual es terrible, hay quienes les cuesta un poco y a otros no tanto, pero creo que este tipo de materia ayudaría a quien le falta aprender sobre esto.
Al principio un poco me costaba entender todo esto, porque donde estudiaba no lo enseñaban como paso por paso, tal vez le daban más importancia a bailar, y no se detenían a enseñarte como el “paso a paso” o lo enseñaban muy por arriba, entonces me ha costado, pero creo que después va todo en la práctica y en seguir reforzando
Creo que está bueno repasar los ritmos, así estes cocinando, en el trabajo o haciendo cualquier otra cosa que no sea bailar, te ayuda a memorizar mejor y como a desprender directamente del baile aunque también te ayuda a conectarme, o aunque sea es un ejercicio que lo tengo tan asociado que a veces solo lo empiezo a cantar por inercia!!! Jajaja
Estudiar los origenes de la música arabe y su contexto permite apreciar con más profundidad la danza, no solo para entender cómo se construyó sino porque permite ver la “huella” de aquellos quienes la trabajaron para que sea lo que conocemos hoy.
Si bien es una pena que evidencia arqueologica se haya perdido debido a la tradición oral, me parece hermoso que a pesar de que los registros de la epoca de la Yahilia sean casi nulos, la tradición poetica y musical trascendio el tiempo.
Si bien tribus árabes como Lahmidas y Gazanidas se encontraban en conflicto debido a la proximidad a imperios enemigos, es interesante como ambos lugares desarrollaron su propia cultura musical, independientemente de cómo los autores posterioreslas consideren “simples canciones folcloricas”.
También, me llama la atencion esa relacion “espiritual” con la música, donde se percibia que uno “se rendia” ante la misma. Opino que a pesar de la persecución que pudo generar en su epoca por las creencias religiosas predominantes, es este un factor importante de porque a pesar de las diferencias el hombre disfruta y busca conectar con la música.
Que interesante lo que habla Farida Fahmy, una vez mas nos lleva a concientizar sobre la importancia de conocer más sobre la cultura y la historia, para poder danzarla y además poder transmitirla de una forma correcta y en su correcto significado.
Que hermosa que es esta danza!!! gracias por ponerla a colación mi Mari y además que nos expongas el contexto histórico del uso inicial de la Melaya. muy importante conocer que no es una danza antigua de la Mileya, sino que es una incorporación de la misma en la danza.
El artículo de Farida Fahmy habla de la millayah laff, no solo como una prenda de ropa, sino como un símbolo lleno de historia y dignidad para las mujeres egipcias, especialmente para la bint al-balad, la mujer sencilla, fuerte, trabajadora y auténtica de los barrios tradicionales. Farida explica que esta prenda no nació para la danza, sino para la vida diaria, y que su uso influía en la manera en que las mujeres caminaban, se movían y expresaban su personalidad.
Ella cuenta que la famosa “danza con millayah” no es una danza tradicional antigua, sino una creación escénica de la Reda Troupe, quienes transformaron costumbres cotidianas en un lenguaje artístico para el escenario. Ese lenguaje tenía respeto, identidad y un entendimiento profundo de la cultura.
Con el paso de los años, Farida empezó a ver cómo en muchos países se enseñaba y se bailaba una versión totalmente distorsionada con actitudes que convertían a la mujer egipcia en un estereotipo ofensivo. Todo esto la llenó de frustración porque sentía que no solo se deformaba el arte escénico que ella misma ayudó a crear, sino que también se irrespetaba parte del patrimonio cultural de Egipto.
La lectura de este texto me hizo ver la millayah laff desde un lugar más profundo. Farida Fahmy recuerda que este elemento no nació para el show, sino para la vida real de mujeres fuertes y auténticas.
Su mensaje, al final, es un llamado al respeto: antes de bailar algo, hay que conocer su historia y honrar la cultura que lo inspira. Es un recordatorio bonito y necesario para cualquiera que ame la danza.
Aquí de verdad se me voló la cabeza, el uso del millaya sin moneditas en la cotidianeidad te saca del estereotipo que hemos creado para el montaje de un show, de verdad era de las que pensaba que el millaya venia con moneditas y que así se usaba, aunque ahora entendiéndolo en el contexto de lo “cotidiano”, claro hasta incomodo utilizarlo así al diario. 🙂
Al leer este texto sobre la historia de los romaníes en los Balcanes, no pude evitar sentir una mezcla de admiración y tristeza. Admiración por la fuerza de un pueblo que, a pesar de siglos de rechazo, esclavitud, persecución y prejuicios, ha mantenido viva su música, su danza y su identidad. Y tristeza porque, una vez más, la historia nos recuerda cómo los estereotipos pueden deshumanizar a comunidades enteras.
Lo que más me impacta es cómo la danza y la música romaní no son solo expresiones artísticas, sino una forma de resistir. Para ellos, bailar no es superficial ni decorativo: es un espacio donde se afirma quién se es, donde se transmite tradición, donde la comunidad se sostiene emocionalmente. A pesar de la discriminación, de la pobreza y de las políticas que han intentado borrar su cultura, su arte siempre ha encontrado la manera de sobrevivir y transformarse.
También me hace pensar en cómo, desde afuera, muchas veces se romantiza o exotiza lo “gitano”, sin conocer el dolor y la lucha que hay detrás. Este texto me recuerda que antes de apreciar una danza o un estilo musical, es importante reconocer la historia de quienes lo crearon. Y, sobre todo, hacerlo con respeto.
En resumen, siento que los romaníes han construido un legado inmenso a partir de la resiliencia. Su música y su danza son más que entretenimiento: son un testimonio vivo de que la cultura puede ser un refugio, una resistencia y una forma hermosa de seguir adelante a pesar de todo.
Cada ve3z me convenzo mas que en la danza y en la vida debemos informarnos muchísimo más acerca de las culturas, los grupos etno, su forma de pensar su forma de ser, y como afectan ciertos estereotipos que sin saber los vamos repitiendo de generación en generación. El termino gypsy si bien es cierto creoque todos lo hemos utilizado, es importante que tome un giro distinto, y que podamos eliminarlo, pero esto es mucho cuestion de tiempo y de informacion
Me encanta la segunda version de Djelem Djelem.
Cuando escucho sobre el pueblo romaní, siento una mezcla de fuerza y nostalgia. Ellos han construido su identidad en medio de muchos dolores, pero también con una enorme dignidad y alegría por la vida.
Su himno lo expresa de forma profunda: habla del sufrimiento que vivieron, pero también del orgullo de seguir adelante unidos. Es una canción que toca el alma porque no solo cuenta su historia… la siente.
Me resulta una herramienta muy útil para el repaso y el reconocimiento de los ritmos, la parete de la escritura tambien en el material es un ayuda memoria que en mi caso me ayuda para recordar el ritmo rápido,aun me falta mucho pero es clave practicarlos,prácticarlos y practicarlos. Destaco que aprender de estos nuevos ritmos es un mundo que desconocia completamente y la gran variedad que tiene es hermoso.
No conocía el término Eftatahia, y aprenderlo me sirve poder incorporarlo en el vocabulario de esta danza.
Algo interesnate es que los terminos como el Meyanse, Interludio tambien sirve para comunicarse con personas dentro entorno o fuera de él de acuerdo a la referencia que tambien podamos explicar,e incluso a la hora de buscar y comprender la música que vamos a bailar.
La clase en si misma considero enriquece mucho no sólo de pensarlo en la manera de bailar y sino tambien cuando uno debe armar una coreografía, porque se aprende a desglosar la música.
La danza es un mundo fascinante y todo lo que aún me falta por aprender y seguir sumando en este camino del conocimiento.
Al leer sobre el origen del vals, me llamó mucho la atención cómo un baile que hoy asociamos con elegancia, en su momento, fue algo completamente escandaloso, osado y con un toque revolucionario para la época.
Me hizo pensar en cómo la danza siempre está ligada a la sociedad y a los cambios culturales. Así como otras danzas, el vals no solo transformó la manera de bailar, sino también la forma de relacionarse, de expresarse y de compartir un espacio con otros. La historia que venimos estudiando a lo largo de la cursada, me permite valorar más la danza como un proceso que evoluciona, que parte de un principio de incomodidad para luego transformase en formas de expresión mediante el movimiento del cuerpo y su conexión con él .
Siento que para evolucionar en la danza es necesario tener noción de teoría musical y entender como se componen y cuáles son los ritmos del genero que bailamos. El poder tener noción de los mismos permite poder interpretar coreografías afines a la música, poniendo las acentuaciones y pausas en los tiempos correctos, además de ser un recurso muy util para la improvisación. Aparte de estudiar los distintos ritmos y que movimientos van con ellos, siento que me fue muy util el poder “nombrar” los sonidos por “dum” y “tak” ya que así se me fue mas fácil identificarlos en la escucha.
Si bien existen varios sonidos, los que conforman la mayoría de los ritmos árabes son el dum (D) y el tak (T). El silencio se puede vocalizar usando un iss o ess (-).
En esta lección, vimos los siguientes ritmos:
* Maksum: (4/4) D T – T | D – T –
* Baladi/Masmudi Saghir: (4/4) D D – T | D – T –
* Saidi: (4/4) D T – D | D – T –
* Tabl/Katakufti/Nawari: hay dos versiones:
(4/4) – D – T | D – T –
(4/4) T D – T | D – T –
En esta lección repasamos los siguientes ritmos usando de relleno el taka (tk):
* Maksum: (4/4) D T tk T | D tk T tk
* Baladi/Masmudi Saghir: (4/4) D D tk T | D tk T tk
* Saidi: (4/4) D T tk D | D tk T tk
* Tabl/Katakufti/Nawari: (4/4) D D D T | D – T –
Tambien vimos estos otros ritmos:
* Malfuf/Malfouf/Laff: significa “enrollado” o “envuelto”, es un rimo ciclico. Se usa mucho en los temas de presentación, y es un ritmo para desplazarse.
(2/4) D T T
* Tawil/Wahda: este ritmo se caracteriza por tener solo un dum, y ser lento.
(4/4) D – – T – – T –
(4/4) D tk tk T tk tk T tk
* Karachi:
(2/4) T T T D
(2/4) T – T D
* Masmudi: es un ritmo lento, y tiene un carácter mas formal. Al final a veces se lo cambia por un tawil.
(8/4) D D – T | D – T –
(8/4) D D tk T | D tk tk T tk tk T tk
En esta lección vimos los siguientes ritmos:
* Chifetelli: se suele usar como base para improvisaciones, es un ritmo lento. Se utiliza mucho para bailar piso o hacer equilibrio con algun elemento como un sable.
(8/4) D TT TT | D D T –
* Sombati/Wahda Sombati/Wahda Tawila: se encuentra tanto en improvisaciones como en composiciones.
(8/4) D T T | D – T –
* Fallahi: se usa mucho en la musica folclórica egipcia, y también para terminar temas.
(2/4) D ka T ka D T
* Samaithaquil: (10/8) D – – | T – | D D | T – –
La clase tiene un énfasis muy interesante en la institucionalización de la cultura y la música. La música pasó de ser una práctica cotidiana, a una disciplina sistemática gracias al patrocinio de los califas, teniendo que aportar el músico una educación mas integral, con talento natural, habilidad escénica y dominio de instrumentos y literatura. La música era vista como una extensión de la alta cultura y filosofía, que se demostraban en éstos espacios llamados majlis donde se intercambiaban intelecto y arte.
El mundo islámico actuó como un puente cultural, traduciendo a otras civilizaciones y convirtiendo el arte, música y poesía en una práctica de estatus social.
Me estoy amigando con los chinchines, y esta clase me ayuda un montón a reconocer mejor los ritmos, ahora no puedo dejar de cantarlos en mi cabeza!!! Al principio me confundía el Chiftetelli con el Baladí pero después pude diferenciarlos!!!
Me parece muy interesante como a pesar de estigma que haya podido tener la musica culturalmente, que aun asi teniendo en cuenta “el retrato del musico perfecto” quienes se dedicaban a la misma se acercaban a la figura de Adab. También, si bien entiendo que la musica no se termino de sistematizar del todo en el periodo mencionado, me llama la atención que se hayan integrado elementos de pueblos árabes como no árabes, así como el interés por traducir textos de culturas incluso que no tenían relación. Siento que gracias a esta “apertura” la musica se pudo ver enriquecida.
Siento que las consecuencias de la reforma son de esperarse cuando opiniones externas “de prestigio” son más valoradas que la voz y la experiencia propia del grupo de personas que se buscan representar.
Si bien poder entender y realizar un curriculum de la música árabe es fundamental para que perdure en el tiempo, creo que esta iniciativa estaba destinada a fracasar al imponer ideas y formas externas a la costumbre de los músicos locales. Más aún teniendo en cuenta que se despreciaba y prejuzgaba a una gran parte del grupo de estudio, y por ello mismo se los segregaba de la investigación.
Lamentablemente pienso que no es un fenómeno aislado ni de la música ni del estudio de la cultura árabe; es responsabilidad de cada alumno e investigador acercarse a las culturas con respeto, tanto para entenderlas como representarlas de manera auténtica.
De ésta clase se pueden tener las siguientes conclusiones sobre la música árabe.
Terminología fundamental: El ritmo se define mediante el concepto de Iqa o Iqa’at en plural. También se utiliza la palabra Wazn, que significa peso, derivado del verbo waq’a (caer). Entonces se vincula el ritmo con el acto físico de hacer caer los golpes.
Estructura rítmica: se distinguen los géneros; Organización temporal fija: tiene pulso y patrones rítmicos regulares, ej: Malfuf y Organización temporal libre: carece de pulso y estructura fija. Ej: Taqsim o Layali
El pulso se define como un latido, punto de referencia para organizar el tiempo. Se utilizan sonidos específicos para diferenciar golpes, dum ( golpe fuerte grave) y tac
( golpe suave agudo).
Historicamente éste sistema fué formalizado por teóricos como por ejemplo; Al- Khalil, padre de la teoría rítmica y métrica y Al- Mousili, autor más antiguo que documentó la composición de melodías.
La música arabe permite momentos de libertad que rompe con la idea de seguir siempre un reloj. El dum y el tac hacen que sea más accesible a la hora de entenderla y comunicarla.
En ésta clase aprendimos que el compás es la división del tiempo musical en grupos de pulsos y se reconoce a través del acento, que puede reconocerse por el pulso que suena más fuerte.
Hay diferentes tipos de compases.
Compás binario ( compás de 2 pulsos) ternario ( compás de 3 pulsos) por ej: un vals, cuaternario, etc. En el árabe podemos encontrar compases de 10 o más pulsos y en algunos temas como por ejemplo una Presentación compuesta de varios ritmos con compases diferentes.
Creo que algo que embellece una coreografía es bailar los acentos y es necesario entender muy bien el compás de una canción para que resulte bien.
En ésta clase aprendí que el ritmo es la organización del tiempo mediante sonidos y silencios. Las figuras son símbolos como la redonda, la blanca, la negra, etc, que representan cuanto tiempo dura el sonido. Los silencios son equivalentes a las figuras pero representan la ausencia de sonido durante el mismo tiempo. Respetar cada nota es importante cuando se baila pero me parece igual de importante el silencio, es algo que se baila también y aporta un espacio para la respiración.
Esta guía me hace reflexionar sobre lo importante que es no solo ensayar para mejorar, sino hacerlo de manera consciente, con atención y apertura. El ensayo no es solo una tarea, sino una oportunidad de crecer y conectarnos más profundamente con lo que estamos creando, también es fundamental como futuras bailarinas y profesoras poder transmitirlo, porque es parte del proceso de seguir creciendo y especializándose al igual que el compartirlo entre compañeras es una forma de complemento.
Los reformadores consideraban que a música tenia que volverse ordenada y querían hacerlo imponiendo un enfoque mas científico, también sobre la creencia de que la teoría debía generar la practica y no al revés. Eduard Lane había comentado su disfrute por la música en Egipto pero mostró claramente que muchos viajeros extranjeros consideraban todo lo contrario. La música de Egipto estaba por encima dentro de oriente y no podían permitir una degradación causada por la pereza y el abandono de músicos contemporáneos que no tenían disciplina. En la conferencia no se alcanzo un consenso en los comités de escala musical métodos rítmicos y melódicos e instrumentos musicales. No pudieron ponerse de acuerdo sobre si los maqam de la música árabe podían derivarse de una escala maestra que consistía en 24 cuartos de tonos iguales, tampoco sobre que instrumentos europeos eran apropiados para la música árabe. El logro de mayor alcance de la conferencia fue el desarrollo de un plan de estudios integral de educación musical en Egipto que pronto se replico en otros países árabes. La nuevas instituciones y planes de estudio ofrecieron oportunidades para que os reformistas determinaran tanto el contenido como el personal de este nuevo campo de conocimiento.
En el presente los músicos acusan que hay una falta generalizada de disciplina en el sistema institucional, queja irónica ya que es la misma acusación que los reformadores de 1932 hicieron contra los músicos profesiones de ese momento. Los instrumentistas que desean ser músicos profesionales deben desarrollar su habilidad a través de otros medios como la búsqueda de mejores maestros fuera de los institutos o el autoestudio.
Esta conclusión me parece mas que interesante: Una cultura musical vibrante que sea significativa para una sociedad e inspiradora para los jóvenes músicos, es mas probable que sea el resultado de fomentar la exploración creativa por parte de músicos individuales que de la aplicación de reglas musicales científicas.
Me encanta el apunte sobre los ritmos, te hace conocerlos o reconocerlos mejor, es muy util para repasarlos continuamente y poder trabajar el oído y también la parte de lectura, no conocía como la parte “más técnica” de los ritmos hasta llegar al estudio
En ésta clase logré resolver mejor los ejercicios, los fuí cantando para probar mi comprensión. Lo más dificil fué cantar el silencio de corchea más la corchea, pero se entendió perfectamente como hacerlo.
Aprendí también que el numerador indica la cantidad de pulsos que existen por compás. Por ejemplo; una estructura de dos pulsos tendrá el número 2 como numerador e indicará que es un compás binario.
El denominador identifica la figura rítmica, negra, blanca, corchea, etc, que representa el pulso del compás.
En ésta clase se explicó el puntillo, que añade a una nota la mitad de su propio valor, por ejemplo si una negra vale 1 pulso con puntillo valdrá 1 1/2.
Una anacruza son esas notas que aparecen justo antes del primer compás completo.
Vimos las barras de compás que pueden ser simple, doble, doble final, doble con repetición y subdivisión.
Se habló sobre los sonidos básicos en los ritmos árabes, que son el dum y el tak. El dum es un sonido grave que se produce en el centro del derbake y el tak es un sonido más agudo y se marca en el extremo del instrumento.
Algunos músicos vocalizan el silencio con un iss.
La conferencia de música arabe de 1932 no fué solo un encuentro académico, sino una intervención para modernizar la música árabe. Los reformadores conocidos como la effendiyya (una elite educada) creia que la música de su tiempo estaba en un estado de desorden y decadencia. Su meta era aplicar un método científico inspirado en la musica occidental para lograr el mismo grado de refinamiento. Como resultado se establecieron planes de estudio estandarizados en varios países árabes y se crearon institutos de enseñanza formal. También se grabaron 175 discos para preservar melodías auténticas. No lograron estar de acuerdo en temas como la escala de 24 cuartos de tono. Los músicos y academicos no lograban decidir si esa escala artificial representaba la esencia de los maqams, modos melodicos tradicionales.
En ésta clase se explicó el concepto de wasla, que es una forma musical macro que integra distintas formas musicales e improvisaciones y su principal característica es que todas sus partes pueden estar basadas en el mismo maqam. También recorrimos toda una guía de análisis musical para el armado de una coreografía. Los conceptos fueron bien comprendidos.
Este texto repasa como diferentes autores quieren explicar los ritmos árabes a través de diferentes miradas, desde la filosófica y/o la poesía. De verdad me encantó este texto, aunque tuve que leerlo dos veces porque no lograba poder comprenderlo bien, no tenía idea o dimensión alguna sobre los estudios sobre los ritmos árabes, es mas, hasta podía llegar a pensar que era como algo mas superficial, pero ahora me doy cuenta que no, y eso me hace comprenderlos mejor.
El estudio de los ritmos y el reconocimiento del pulso son herramientas fundamentales para cualquier bailarin, ya que permiten realizar una interpretacion más fiel a la música que se está bailando; sea para improvisaciones como la creacion de coreografias, ademas de ir a tiempo.
Está bueno poder empezar a diferenciar qué melodías tienen organizacion ritmica fija, y cuales tienen una más libre. Me gusto el ejercicio de los aplausos para poder ir identificando el pulso; al analizarlo en melodías de otro género también sirvió para entender aún más el concepto.
También, algo que me resultó interesante de esta clase fue el ver cómo a lo largo del tiempo quienes se dedicaron a estudiar la música arabe ponian al componente ritmico como foco de estudio.
En ésta clase se habló del taxim, no solo como una improvisación libre, sino con reglas y estructura, basadas en sistemas de modos musicales llamado maqam.
Se caracteriza por la fragmentación de la línea melódica con silencios. Estas pausas pueden ser de 2 a 4 segundos y sirven para conectar emocionalmente con el público. La estructura depende de la duración de sus secciones; pueden ser minúsculas, cortas, medianas o largas. Estas secciones se alternan para formar una pieza.
Por último se hablo del qafla que es la frase musical que marca el final de una sección o de todo el taxim.
En ésta clase se explicó sobre diferentes formas musicales, Layali y Mawwal, que forman parte de la improvisación de la bailarina. En comparación con el taxim, que es una improvisación solo instrumental, el layali y el mawwad son vocales. El layali se basa solo en una frase y el mawwad en una poesía. Me parecieron inspiradoras ambas formas musicales.
Me parece fundamental conocer éstas formas musicales, para saber interpretar el taxim, es inspirador, me parece un gran momento de conexión entre el músico, la bailarina y el público, un lenguaje único e inmersivo para el que lo ve y escucha aunque no conozca técnicamente lo que se está haciendo. Permite disfrutar a todo espectador.
En esta clase, aprendimos que el compás es una forma de dividir el tiempo musical en una agrupación determinada de pulsos, e identificamos los mismos en distintas canciones. Para identificar el mismo, hay que estar atentos al acento. Está bueno saber que no necesariamente el tipo de compás se mantiene en todo el tema, este puede variar.
Luego de ésta clase me planteo que termino usaría yo. Creo que llamar Danza Árabe para identificar lo que voy a transmitir por medio de la enseñanza, me resulta correcto por el fuerte peso cultural e idiomático. Sería una oportunidad pedagógica para limpiar tantos prejuicios que giran al rededor, usar el nombre pero también explicar el origen, diferenciando lo que el cine o el arte occidental inventó, la fantasía orientalista, aclarando la realidad de los pueblos árabes. Podria acompañar cada danza con una introducción acerca de su historia geográfica por ejemplo. Que no es algo solo ” exótico” sino que es una disciplina con reglas, ritmos específicos y una conexión real con la cultura y el idioma. Me pareció muy gratificante la clase y expande mucho la conciencia sobre la importancia de los términos que muchas veces se los utiliza sin pensar en lo que implica.
En esta clase repasamos la identificación de compás, y vimos lo que es el ritmo. El ritmo no es lo mismo que el pulso; mientras el pulso se trata de un latido que puede ser regular o irregular en una melodía, el ritmo organiza el tiempo en sonidos y silencios en un espacio. También vimos las distintas figuras musicales (redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa, semifusa), con sus respectivos valores en tiempo y equivalencias con el pulso para poder leer ritmos.
La verdad que el texto da a entender la complejidad de la música en el Islam, se nota que el Sama va mucho en lo espiritual, en el éxtasis. No puedo dejar ahora de pensar en el Sufi y en leer un poco más para poder comprender aun mejor su complejidad, anteriormente, me preguntaron en casa que es el Sufi y no supe que responder ya que desconocía todo esto.
Amo el Samai, tiene tanta presencia y delicadeza, antes sol o lo tomaba como un ritmo valseado y no salia de ahi, pensaba que era todo lo mismo, ahora puedo comprender mejor cual es la diferencia con el Samai Taquil, hasta incluso que no es lo mismo que el Muwashahat.
La clase me pareció sumamente interesante, el recorrido de toda la terminología muy necesario para ser capaces de nombrar lo que hacemos más allá de lo que esté en auge. El término raqs sharqi, creo que sería correcto, respetuoso con la raíz cultural y contexto geográfico. Sí reconozco que “danza árabe” es lo más reconocido para el público en general, quizas por ese sentido lo convierte en lo más apropiado. Danza del vientre y bellydance fueron creados por observadores externos como Francia y Estados Unidos.
Muchos son los términos que se utilizan en este texto que eran desconocidos para mi. Intentare recordar el nombre de ala musiqiyya (instrumento musical). La designación para decir instrumentos de cuerda de viento y de percusión ya me resulta muy difícil pero si recordare esta división en 3 y una cuarta que podríamos agregar para designar los instrumentos occidentales adaptados y adoptados por la música árabe y tengo muy presente el valor que le dan a la voz del cantante por encima de los instrumentos. Quienes no estaban de acuerdo con esta división los clasificaban en instrumentos melódicos y de percusión. En este caso me resulto interesante el hecho de que muchos músicos que tocan algún instrumento de percusión prefieren aprender a dominar varios instrumentos de esta categoría antes de aprender a tocar uno melódico y viceversa. Siendo muy pocos los músicos que dominan ambos. Mis instrumentos favoritos son los de cuerda y veo que para esta cultura también. El laud de mango corto llamado ud es considerado el sultán de los instrumentos . También hay laudes de cuello largo entre los que se destacan el buzuq de Turquia y el Guimbri marroquí. Me resulta belisimo el sonido del laud . Ahora tendré que empezar a escuchar ambos y apreciar sus similitudes o diferencias. Hay violines y violas. Rabab es el nombre genérico para los violines arqueados (aun no se bien a cuales se refiere) y suele haber de dos tipos los populares y los clásicos. El violín creería que es mi instrumento favorito.
En el mundo árabe se utilizan citaras de mesa como el qanun y el santur. La liras que encontramos son la tambura, el kis y la simsimiyya, Oboes de diferentes tamaños que corresponden a registros vocales, Gaitas, trompas y trompetas (instrumentos que se soplan en ceremonias religiosas, rituales y procesiones al aire libre)
Encontramos ideofonos como címbalos de tres tamaños y sonajeros que suelen destinarse a los niños. Membranofonos como tabla timbales panderos y panderetas. Todos los panderos se sostienen con el pulgar y el dedo indice de la mano izquierda. La mano derecha ejecuta los sonidos graves (dum) en el centro los sonidos agudos (tak) en el borde. Tambores de doble membrana.
Por otro lado me parece importante destacar que suelen denominarse sharqui (oriental) a los instrumentos no árabes que han sido adaptados. El violín ha sido adaptado con mayor amplitud y éxito. También han sido adaptados la viola el violonchelo y e contrabajo. La mandolina occidental fue introducida en Argelia por los colonizadores en el siglo 18. La guitarra eléctrica fue introducida en el norte de África en la década de 1930 y luego al mundo árabe. Fascino a los músicos modernos debido a su similitud con el ud y el buzuq
Teclado, órgano y piano: En 1922 se creo en el Cairo un piano capaz de tocar todos los cuartos de tono de a música árabe.
El acordeón es el aerofono que mas ampliamnete ha sido adaptado.
Saxofón y metales: El saxofón ingreso debido a las bandas militares junto con la trompeta y e clarinete. La baterías occidentales son ampliamente utilizadas en a música popular moderna en todo el medio oriente
Con los Sagats tengo una pequeña rivalidad, me encantan aunque después de un rato te dejan un poco aturdido por su sonido tan agudo, igualmente destaco que son fundamentales para poder reconocer mejor los ritmos, y admiro muchísimo quien tiene bien incorporado la coordinación de tocar y bailar, cosa que a mi me cuesta un montón, pero estoy tratando de poco a poco ir asociándolos mejor.
Siempre me llamó la atención de tener un teclado especifico para tocar música árabe, es mas, en casa había uno y yo quería tocar música árabe, pero no había caso, hasta que ya de grande me di cuenta que necesitaba uno especifico.
Creo que el instrumento que vos mencionas Maru que es como unsa membrana electrica , si no me equivoco es el Theremin , es conocido como el instrumento que no se toca pero que haciendo como una especie de “malabares” con las manos, emite sonido, fue creado por un físico y musico Leon Theremin, es un instrumento ruso, creado en plena era soviética, su creación fue en la década del 20, el estaba investigando sobre la detección de movimientos con ondas electromagnéticas, yo lo conocí por mi hermano que es un loco apasionado por la música y los instrumentos, y justamente este instrumento le llama mucho la atención.
No sabía sobre las agrupaciones musicales árabes y como la cantidad de instrumentos determina las diferentes agrupaciones.
La evidencia antigua que se muestra en ésta clase es preciosa y rompe con mitos que como ví, se utilizaron como una verdad absoluta. Si bien, no me incomoda ésta corriente que hasta hoy sobrevive, creo que está bueno llevar la danza a una conexión profunda con una misma, la idea de diosa, de sacerdotisa, puede ser beneficiosa a la hora de expresar lo que hacemos, pero estoy de acuerdo en que no se puede utilizar una mirada personal para resumir la historia que tanto difiere de ésta idea sobre la danza árabe. Me encanta saber que bailar, más allá del género, estilos, etc, es nuestro modo de comunicación mas antiguo y universal.
En ésta clase aprendí diferentes estructuras, de estrofa y estribillo y rondó. Quedó muy claro cómo se divide una Eftatahia y como reconocer el rondó y el fadi, que es un momento que me gusta mucho, tiene su encanto a la hora de bailar, te prepara, crecés en esa fase musical para salir al escenario con todo.
Comprender éstos conceptos es la base fundamental para el músico y la bailarina, especialmente en la danza árabe. Nos permite movernos en total sincronía con la estructura musical dándole sentido. Para el que lo vé y no conoce de música y danza por ejemplo, se convierte en algo sumamente entretenido, ya que puede captar la armonía que se genera en esa comunicación entre el músico y la bailarina. Ésto solo se logra con un conocimiento profundo de la música y su estructura. El texto es enriquecedor.
Todo lo que se de ritmos árabes lo aprendí en ésta escuela. Va quedando cada vez más claro. Creo que la manera más efectiva de anotación es entre dos lineas con reconocimiento de duración de cada nota. Los ritmos maksum, baladi, saidi y tabl me resultaron fáciles de vocalizar y escribir sin copiar ya que entiendo la posición de las plicas en el dum y el tak y los silencios de corchea.
En ésta clase repasamos más ritmos. En el ejércicio de reconocimiento no me fué mal, el relleno lo complica un poco. Lo positivo es que quedaron más afianzados.
En esta clase repasamos lectura de ritmos, y aprendimos que las fracciones en las partituras sirven para entender cuántos pulsos tiene cada compás (numerador) y que figura rítmica fue elegida para representar el pulso de ese compás (denominador).
A medida que fuimos avanzando con los ejercicios admito que me fue un poco desafiante cantarlos, pero más aún intentar seguirlos con chinchines (nomas para practicar). Creo que hacer este tipo de ejercicios es fundamental para una mejor lectura y escucha de cualquier tema.
Me fué muy bien en el reconocimiento. En el primero hice un 9/10 y en el segundo ejercicio 7/10. Cuesta más con la música centrarse en el ritmo pero estoy contenta con el resultado ya que no es fácil. Es cuestión de escuchar y de aprender la mayoría de ritmos para lograrlo.
Excelente método de ejercicio. Creo que uno de los que me cuesta es el chifetelli. Los demás con todas éstas prácticas se fueron asimilando más. Me da mucha satisfacción lograr algo y escuchar ahora con claridad diferentes ritmos y saber de cuáles se trata.
Siempre me pareció increíble o impresionante como llegan las influencias Europeas a Egipto, y siempre imaginé que tiene mucho que ver Napoleón Bonaparte en su Conquista a Egipto, y también los ingleses cuando instalan sus colonias, al igual que el Imperio Otomano, creo que estas dos fuertes potencias históricas tienen mucho que ver con la llegada de las influencias musicales, creo que no imaginaba sobre los gobernantes egipcios pero ahora que lo pienso y reflexiono, al igual que los gobernantes egipcios, muchos otros países toman a Europa como el modelo a seguir, no solo con la música sino en otras áreas también.
Me encanta la variedad de ritmos que hay, y a veces lo que se le hace difícil a un bailarín es poder contextualizarlo, por eso está bueno estudiarlos y conocerlos para saber ponerlo en contexto.
El saber ponerlo en contexto, también te lleva a la variedad de pasos que podes agregar, por ejemplo, no podes meter un paso mas estilizado en un Ayyub porque no te da, el Ayyub te da más a pasos bien a tierra…
Este módulo me ayudó a diferenciar el Maksum del Wahda, el Wahda parece tener como un tak demás que el Maksum no lo tiene, y además la velocidad de los ritmos son diferentes.
El texto cuenta sobre la evolución de las teorías del ritmo y el metro en el medio Oriente medieval y destaca la relación entre la música y la poesía, desarrollando un sistema para entender el ritmo basado en la estructura de la poesía. Al-Farabi en el siglo X definió el ataque (la unidad básica del sonido) como un punto atemporal que separa duraciones.
La teoría musical medieval del Medio Oriente no era una disciplina aislada, sino que era una ciencia matemática y lingüística. La transición de definiciones inconcretas hacia sistemas de notación precisos como los de Al-Farabi, permitió que los ritmos antiguos pudieran ser analizados y transcritos a la notación occidental.
El texto de Amnon Shiloah cuenta sobre el largo debate de la música en el mundo islámico, centrándose en cómo las autoridades religiosas, los místicos y los juristas han interpretado su legalidad. Detalla cómo la música ha sido un terreno de disputa constante debido a la falta de menciones explícitas en el Corán. Esto obligó a los juristas a recurrir al hadiz y a la interpretación analógica para juzgar su legalidad.
Es notable cómo la música en el Islam no se juzga por su valor estético, sino por su intención y su efecto en el alma.
Lo que resulta más interesante es la paradoja de la “no música” para evitar la prohibición, muchas formas de expresión sonora como el canto de himnos o la entonación del Corán, se clasifican como algo distinto a la música. Esto demuestra una capacidad de adaptación cultural, donde el arte sobrevive transformando su nombre para encajar en lo legal. Este debate no trata realmente sobre sonidos, sino sobre el control de las emociones y el espacio que se le da al placer en la vida religiosa.
En el ejército de reconocimiento logré identificar 12/17 Los instrumentos más importantes que se requieren tener asimilados, como El Mismar, Canun, Laud, Riqq, Derbake, Rababs, me fué muy bien con ellos y varios otros. Si bien es muy divertido el ejercicio, también es un gran desafío, pero definitivamente hace a la construcción del bailarín. Una buena interpretación en la danza se enriquece mucho reconociendo el sonido del instrumento.
Muy interesante saber distinguir orquestas árabes, por quiénes y cuáles instrumentos están compuestas, que están divididas por tamaño o número de integrantes con lo que varían esos instrumentos o se repiten y lo que tienen en común. La música árabe a mi parecer, es la más hermosa del mundo.
En el ejércicio de reconocimiento, tuve una excelente respuesta logrando 15 aciertos de 16. Me faltó uno que me cuesta un poco todavía que es el Simsimiyya.
Puse reconocerlos gracias a mis anotaciones de cada uno y por describirlos a través de alguna relación que me suene a mí, comparándolos entre sí, alguno sonaba parecido pero uno mas grave y otro mas agudo, o más áspero, arpeado, limpio, o como trompeta desafinada. Fuí agregando características a mi parecer a cada uno como guía.
Lo más importante que nos dice el texto es que la música árabe no es solo un montón de sonidos, sino que tiene una lógica más humana, por ejemplo; observo que la voz es la jefa, ponen a la voz humana como un instrumento perfecto. Todo lo demás, el laud, la flauta y el violín tienen que sonar tan expresivos como una persona cantando. Otra cosa es la importancia del sentir, más alla de lo que esté hecho el instrumento, si de madera o metal, se fijan en como se siente el sonido, ejemplo; largo, suave, como arrastrado o un golpe seco. También la predisposición de utilizar nuevos instrumentos si eso ayuda a expresar las emociones. Cada instrumento, despues de los ejercicios de reconocimiento, tiene un encanto particular, te traslada y emociona de maneras diferentes. Uno que me gustó muchísimo es el arghul.
El texto habla de que el Samai es una forma de música instrumental importante en la cultura árabe y turca y que aunque es muy antigua su forma actual viene de la influencia del imperio Otomano. Dentro de su estructura tiene cuatro partes llamadas hanne y entre cada una de éstas partes se repite un estribillo musical llamado teslim.
Lonque mas lo identifica es un ritmo de 10 tiempos llamado Samai Thaquil. En la última parte el ritmo puede cambiar y volverse más rapido o valseado.
El samai una la técnica con la emoción y su estructura sirve como guía aunque sorprenda en el final.
Para mí, ya viéndolo como con más sentimiento, el Zar es una práctica profundamente humana, donde el movimiento no busca ser observado, sino sanar y liberar. Ya sea en su forma silenciosa o con percusión, el ritual sigue una estructura clara que acompaña el proceso de recuperación espiritual.
La identificación de la enfermedad o malestar reconoce la presencia de un espíritu que afecta a la persona. El Al Fawatih abre el ritual y prepara el espacio para que el cuerpo y la mente entren en disposición de sanación. El sacrificio de sangre, entendido como ofrenda simbólica, refuerza el compromiso con el proceso. Durante la Zaffa, músicos profesionales especializados ejecutan cantos y ritmos dirigidos a un espíritu específico, guiando el trance para que el espíritu pueda manifestarse y finalmente salir del cuerpo. La cena y la reclusión cierran el ritual, sellando la liberación y el cuidado comunitario.
El Zar silencioso me parece íntimo y profundamente introspectivo, mientras que el Zar con percusión se vive de forma colectiva y sostenida por la música. Ambas formas me confirman que el Zar no es una danza escénica, sino un ritual estructurado de liberación espiritual, que merece respeto y conciencia cultural al ser estudiado desde la danza.
Me encanta la delicadeza del Samai Darig, es muy estilizado como si fuera que bailas entre nubes, y con el Zaffa me pasa que lo canto todo el tiempo en mi cabeza, estoy cocinando, trabajando o lo que sea que esté haciendo y lo estoy cantando. No sabía que el sherk se podía encontrar en las danzas nubias.
El texto planteado por Mari, nos permite comprender al Zar no solo como un ritual de posesión, sino como una forma de conocimiento y de relación con el mundo, donde cuerpo, emoción y espiritualidad no están separados.
Resulta especialmente valioso cómo se muestra que el Zar no es uniforme ni fijo, sino una práctica viva que se adapta a distintos contextos culturales, manteniendo su esencia de sanación y negociación con lo invisible.
La manera en que la posesión es entendida como algo que se integra a la vida de la persona y no como algo que debe ser expulsado, es de tomar en cuenta, así como el rol central de la música, el canto y la danza para identificar, comunicar y reconciliarse con los espíritus. Hay que considerar de manera significativa el protagonismo de las mujeres y de los músicos especializados, ya que el Zar aparece como un espacio donde se construyen redes de apoyo, identidad y pertenencia más allá de las jerarquías sociales tradicionales.
Desde una mirada personal, el texto refuerza la idea de que el Zar no puede ser reducido a una danza escénica, porque es un sistema simbólico complejo donde el movimiento es lenguaje, la música es medicina y el ritual es una forma profunda de habitar el cuerpo y la cultura.
Es muy interesante como Mari plantea que el Zar en los siglos XX y XXI no es solo un ritual antiguo, sino una práctica viva que ha sabido adaptarse al tiempo, manteniendo su sentido profundo. Me resulta muy interesante cómo el Zar conserva una estructura ritual clara, pero al mismo tiempo es flexible y se ajusta a las posibilidades económicas, sociales y personales de quienes participan.
La relación del Zar con la Zaffa y el casamiento en mi punto de vista es muy importante, porque muestra que la reconciliación con el espíritu se vive como un vínculo permanente, similar a un matrimonio, donde hay derechos y responsabilidades mutuas. Esto ayuda a comprender que el objetivo no es expulsar al espíritu, sino aprender a convivir con él de una manera equilibrada.
También me llama la atención la importancia de la música, el canto y la danza, sobre todo en el zar con percusión, donde los músicos especializados permiten que los espíritus se manifiesten a través del cuerpo y el trance. Y hay que tomar en cuenta cómo estas prácticas han cambiado con el tiempo, mezclando estilos musicales y panteones, lo que refleja transformaciones culturales y sociales.
Pienso que, este texto refuerza la idea de que el Zar no puede pensarse como un espectáculo, sino como un ritual complejo de sanación, comunidad e identidad, donde el movimiento y la música tienen un sentido profundo que va mucho más allá de lo estético.
Que hermosos e impresionantes documentos de éstas danzas. Dan ganas de viajar en el tiempo y estar ahi observando. La danza del caballo y Kaff fueron las que mas me atrajeron. Me sorprendió el caballo y los pasitos que hacía, los he visto realizar una marcha pero nunca bailar. Muy interesante toda la clase.
Más documentos que son oro y bellísimos! Pude observar y comparar el thatib con la manera en que lo ejecutamos cuando bailamos; los golpes en el piso que son con mucha energía, casi amenazantes, nosotras cuando bailamos pegamos contra el piso el bastón, también cuando cruzan bastones, me sorprendió la coordinación, los movimientos lentos, cuando giran el bastón por encima de la cabeza, el control de energía para no lastimarse entre sí. Poder verlo como realmente es es hermoso.
Mucha gente cree que el Said es un tipo de baile específico del sur de Egipto. El texto dice que está mal usado. Sa’ id es en realidad una región enorme, el Alto Egipto. Decir que bailas “Saidi” es como decir que bailas latinoamericano, es un nombre demasiado grande porque en esa zona hay muchísimos bailes diferentes, no solo uno. En esa región existen muchas danzas distintas, unas con bastón, otras que son solo aplausos como kaf, otras con caballos y otras que hacen las bailarinas Ghawazi. El texto dice que la comunidad de danza moderna inventó esa etiqueta de “estilo Saidi” para que fuera más fácil de enseñar, pero en la realidad es mucho más variado.
Nos dice que el Saidi que vemos en los escenarios hoy es una mezcla moderna. No es exactamente lo que se bailaba en los pueblos antiguos, sino una versión creada para el teatro y el cine que junta muchos elementos del sur de Egipto.
Es bueno saber esto para no quedarnos solo con la etiqueta. Aprender que el bastón no es solo un accesorio, sino que viene de una cultura de guerreros y de bailarinas antiguas, hace que al bailar lo hagamos con más respeto y conocimiento.
Ésta es una clase clave para desmentir algunos mitos. Desde mi ignorancia sobre la historia del velo previa a rendirla y estar mucho más informada, quedé sorprendida con su origen. Jamás imaginé que se daría en occidente a través de la obra de Oscar Wilde. Es emocionante saber al respecto, disfruté mucho los mitos que giraban al rededor de la historia de su uso. Creo que el uso del velo trasciende la cultura árabe y su práctica en occidente como lo hacemos, encanta a muchas mujeres que de repente no entienden o nunca bailaron. Muchos identifican la danza árabe con éste elemento en especial o cada vez que se la imita o parodia. Sus mitos son hermosos pero su origen muy sorpresivo.
Las melodías más hermosas tienen influencia Europea y de Estados Unidos. Es interesante saber como Egipto no se quedó estancada sino que evolucionó al querer mezclarse con sonidos de otras partes del mundo. El resultado es un arte admirable y único.
El conocimiento de ritmos para lograr una buena interpretación de un tema es fundamental. Queda claro que aprender a bailar no es solo moverse, sino que es un proceso de entender la cultura y la estructura de la música. La bailarina es casi como un instrumento más. No se trata de repetir pasos mecánicamente, sino de reaccionar al carácter del ritmo.
En ésta clase repasamos ritmos ya vistos y nuevos e hicimos reconocimiento de ellos. Cada vez se agudiza más la escucha y la lectura de sus estructuras.
En ésta clase aparecieron los ritmos con influencia occidental y mi favorito entre éstos es Rumba Masri. Me gusta la fuerza del Bambi también. El Sherk en la música Nubia me sorprendió.
Emociona que a través de la música y en éste caso del Bolero, los esclavos, entre tanta tristeza e incertidumbre encontraran esa unión en éste ritmo, que los ayudara a entender la vida, la política y la sociedad. El Bolero se adaptó al paso de los años y las influencias sin perder su esencia sentimental. Es una historia de resistencia y creatividad a la vez. El bolero es el alma de Cuba.
Es muy interesante notar que se clasifica como un género de nivel intermedio. Es decir que para bailarlo bien no basta con la técnica básica, se requiere una madurez emocional y un control corporal mayor para transmitir esa fluidez y ese carácter etéreo. La Rumba Masri es el corazón de este estilo y le otorga al Bolero solemnidad y romanticismo. El hecho que pueda ser romántico, alegre o de una pérdida, hace que la bailarina a demás de bailar tambien actúe ese sentimiento.
Bailarlo de manera ligada y estilizada es clave para darle ese encanto y respetar su cadencia.
En mi opinión, más subjetiva, el texto está acertado cuando dice que el bolero es una resistencia. Mientras hoy todo va rápido y parece que lo más importante es el dinero o la tecnología, el bolero obliga a detenernos y hablar de lo que sentimos.
Lo más valioso que plantea el autor es que el bolero humaniza, nos recuerda que todos, sin importar nuestra clase social, sufrimos y amamos de la misma forma. Es, básicamente, el diario emocional de nuestro continente quizás, por eso, aunque pasen cien años más, la gente seguirá encontrando consuelo en una buena letra de bolero cuando le rompan el corazón.
En ésta clase vimos que la Longa es una forma musical tradicional muy importante en la música árabe y turca.
Suele usar un ritmo de 2/4 (Fox), pero que en ciertas secciones, como en la cuarta parte (Hane 4), el ritmo puede cambiar a algo más movido como el Samai.
Su estructura se entendió perfectamente y logré identificar sus diferentes partes en el tema.
En ésta clase logré reconocer fácilmente la forma AABA. Me resultó más simple que otras y en los ejemplos de canciones sonaba muy claro. El tema Lamma Bada es una belleza.
Ésta clase demuestra la importancia de estudiar y entender la teoría de un estilo como el Baladi. Comprender su significado permite explorar otros movimientos más a tierra. Respetar en la interpretación su raíz para obtener un resultado puro y significativo. Me resulta un estilo, que más allá de no tener una demanda estética y estilizada, no es simple de expresar cuando hablamos de bailar a tierra. Me gusta igualmente que permita bailar lo que se siente, fluyendo desde la comprensión de lo que Baladi significa.
Éste es un estilo bellísimo, la clase muestra bien como es la interpretación, como ejemplo, en las bailarinas de la Golden Era, que mantienen esa conexión y juego con el músico. Me gustó ver otros ejemplos de música Baladi que salen de los tradicionales de grandes músicos como Gastón Chaade, que personalmente lo admiro. Es importante saber que detrás de una buena interpretación hay conocimiento de teoría, estructuras musicales y ritmos para lograr armonía con el músico.
Lo que me parece más fascinante de este texto es la búsqueda de la autenticidad. A menudo, cuando aprendemos una disciplina artística, nos obsesionamos con la técnica perfecta y las poses, pero el Baladi nos muestra que el verdadero arte, es el que se siente real. Es increíble cómo los músicos egipcios tomaron instrumentos occidentales (trompetas, saxofones, acordeones) y los “reprogramaron” para que sonaran a su tierra. Eso demuestra que la identidad cultural es más fuerte.
En el texto, la bailarina Nesma menciona que “hay que pensar en qué movimientos no hacer” para no perder la esencia egipcia. Me parece que a veces, en el arte menos es más.
El hecho de que sea un estilo de preguntas y respuestas deja claro que nadie es protagonista, es como una colaboración constante entre el que toca y el que baila.
El Baladi no es solo un género, sino que es una filosofía de vida, de lo popular sobre lo estructurado y lo artificial.
El texto es fundamental para poder llevar la interpretación a otro nivel si queremos mostrar un Baladi tradicional por ejemplo. Tener una caracterización correcta lleva a que el vestuario no solo sea algo bello, sino que cuente la historia correcta de cada danza.
En esta clase aprendimos lo que es el puntillo (añade la mitad del valor de la figura, por ejemplo, si es posicionado al lado de una negra agrega un 1/2), la anacruza (un par de notas que preceden un compás fuerte) y las distintas barras que pueden aparecer en un compás (simple, doble, doble final, doble con repetición y subdivisión), además de repasar con ejemplos.
Así mismo, vimos una introducción a ritmos árabes; como vocalizarlos usando dum, tak y el iss para los silencios.
No sabía que el Bolero termina de surgir en Cuba, no me lo hubiera imaginado nunca!!! Y que lindo que surge de una manera protestante como mas en paz, en un contexto de tanta crisis, otra forma de manifestar el malestar colectivo sin sangre, ni violencia.
Amo el Bolero, y tiene mucha pasión, y el poder conocer su Historia es hermoso
Considero que para poder bailar un Bolero, requiere de mucha expresión lo cual me parece bárbaro que se dé en un nivel intermedio, y porque no, en un avanzado también, es importante entender la fluidez de los pasos y también de la vestimenta, como también es super interesante y enriquecedor poder conocer sus raíces.
Me encantó la Longa, es como muy alegre, y ahora puedo comprender mejor que su forma musical es muy importante en la música árabe, pude comprender muy bien sus cambios de ritmos, y como vuelve a retomar su melodía principal
Lo que puedo ver en ésta introducción de la historia del Baladi, es que no se trata de buenos y malos, entre los habitantes de Bulaq, y los que respondieron a éste acto por parte del gobierno, de estigmatizarlos para su relocalización con el fin claro de industrializarlo. Sino que se trata de gente que resistió por un lado frente a las ocupaciones extranjeras y aquellos que quizás, a mi parecer, prefirieron conservar su anterior, positiva y verdadera imagen y que de alguna manera también resistieron, con su migración hacia otros pueblos, la idea de occidentalización por parte del gobierno.
La raíz de su contexto social me pareció fascinante.
Es interesante como se vá dando una construcción de la identidad de cada grupo, Baladi, Saidi, Fallahi, a raíz de una comparación entre ellos y de la percepción que tienen del otro, de las características también de las que se sienten orgullosos sobre sí mismos; como ser más creyente y religioso o tener la soltura y el carácter. Como la división esta marcada en los opuestos.
Una persona Baladi me hace pensar en una persona arrabalera acá en Argentina.
En ésta parte del curso se habla de la identidad de la mujer Baladi en el contexto egipcio. Como se utiliza la palabra baladi para hablar de matices sociales y morales más el significado de su vestimenta y su representación en los escenarios.
El curso, amplió mucho mi conocimiento sobre el Baladi. Desde como nace, su contexto, el estereotipo, su identidad, resistencia a la invasión y modernización, las diferencias con las clases más altas, el abanico de significados de la palabra, la ambivalencia en la mirada sobre la sociedad Baladi, la mirada de ellos a otros grupos de contextos sociales y económicos distintos. El rol de la mujer Baladi, su carácter, capacidad, vestimenta, diferencias con mujeres de otros contextos, del norte y sur. Interpretaciones de bailarinas como Fifi Abdo y las tradiciones baladi. Análisis de la película Fatma y la comparación con la realidad Baladi.
En éste módulo profundizamos en los rituales específicos del Zaffa (la procesión nupcial) y las tradiciones del casamiento en Egipto, basada en la información de los estudios de Edward Lane. El casamiento es un proceso con simbolismos y etapas. Preparativos, elección, contrato, dote, música, baile. El Zaffa simboliza la transformación de la novia de niña a esposa y madre.
Con la modernización, el zaffa a pasó de ser un ritual donde la novia estaba más oculta, a uno con un rol mas visible. Se mantiene la música, la procesión el concepto de privacidad.
El Zar es un ritual de curación que se practica en países cercanos al Mar Rojo (como Egipto, Etiopía y Sudán). No es un exorcismo para “echar” al espíritu, sino un proceso para negociar y hacer las paces con él, ya que se cree que la posesión es permanente.
El Zar parece ser una forma muy humana de lidiar con el sufrimiento. En lugar de ver la enfermedad mental o emocional como algo que debe ser “extirpado”, este ritual propone escuchar y convivir con ese malestar a través de la música y danza y la compañía de otros. Es fascinante cómo una creencia espiritual sirve para unir a las personas y darles un sentido de identidad y alivio.
Desde una perspectiva cultural, creo que el Zar es fascinante porque funciona como un apoyo social y psicológico. En lugar de tratar la enfermedad como algo biológico o como algo malo que debe ser extirpado, el ritual le da a la persona un espacio de música y expresión emocional en comunidad.
Es interesante cómo utiliza el lenguaje del matrimonio para explicar la relación con lo invisible, sugiere que en la vida no siempre podemos eliminar nuestros problemas o demonios, sino que debemos aprender a convivir con ellos, negociar y encontrar un equilibrio para seguir adelante.
Me parece un texto muy interesante porque muestra que el baile no es solo mover el cuerpo por diversión, sino que es parte de la identidad y la historia de un pueblo.
Es triste ver cómo una tradición tan antigua de una familia entera se va perdiendo porque las nuevas generaciones ya no quieren o no pueden seguirla. Sin embargo, es admirable el esfuerzo de Khairiyya y de la investigadora Nearing, quienes lucharon por mantener vivo ese arte, demostrando que aunque las tradiciones cambien, siempre hay alguien dispuesto a proteger la cultura para que el mundo no la olvide. Es un recordatorio de que detrás de lo que hoy conocemos como bellydance, hay raíces familiares muy profundas
En mi opinión, lo que el texto intenta mostrar es que la historia del bellydance es mucho más rica y “mezclada” de lo que parece. A veces nos gusta poner etiquetas simples como decir que todas eran gitanas, pero la realidad es que la danza evolucionó a través de familias específicas y gremios de artistas que sobrevivieron a través de los siglos. Es fascinante cómo un baile que hoy vemos en grandes escenarios empezó como una tradición familiar y un oficio organizado por el estado para cobrar impuestos.
Los textos analizan cómo los viajeros europeos del siglo XIX (como Napoleón, Edward Lane y Gustave Flaubert) describieron Egipto, especialmente su música y danza.
Al principio no podía comprender bien que eran las formas AABA, luego de escuchar varias veces las canciones me di cuenta, y son muy fáciles de reconocer
Disfruté mucho escuchar el Saz Semai, la clase muestra claramente la conexión entre la música árabe y la otomana a través de la forma musical Samai o Saz Semai en turco.
En ésta clase aprendimos sobre grandes compositores de Samai. Escuchamos algunos ejemplos de la música y los analizamos para reconocer los hane y los teslim.
Resulta muy interesante el hecho de que Khyria Mazin, quien pertenece a la tradición Ghawazy, ya no desee ser llamada de esa manera. Esto nos invita a cuestionarnos si debemos seguir utilizando o no dicho término, especialmente porque en los países occidentales no suele tener una connotación negativa. Por ello, pensar en eliminar el término únicamente a partir de la postura de una sola bailarina Ghawazy parece apresurado; considero que sería más adecuado continuar investigando y analizando el contexto histórico y cultural antes de tomar una decisión definitiva.
Amo el Baladí, y es uno de mis estilos favoritos pero a la hora de interpretarlo me siento muy goma, como que aún me falta afianzar la interpretación, creo que este estilo tiene la combinación perfecta entre folclórico y sensual, y es un desafío, por eso es muy importante conocer su historia y significado, creo que con ésta clase uno puede entenderlo mejor para después poder llevarlo a la interpretación.
La clase cuenta cómo la música y la danza en países como Qatar, Kuwait, Arabia Saudita y los Emiratos Árabes no son solo entretenimiento, sino un reflejo de la geografía y estilo de vida.
Me parece muy interesante ver como la música no es algo separado de la vida diaria. En lugar de ser solo canciones, son herramientas que ayudaban a los pescadores a trabajar o a los guerreros a prepararse para la batalla.
No sabía nada sobre Bulaq, es más, es la primera vez que lo escuché, me puse incluso a buscarlo en Google Maps y mire algunas imágenes.
El estudio de campo Antropológico es fascinante y a veces arriesgado, pero creo que hacen un trabajo importante, para poder entender como viven otras sociedades o culturas, es ponerse como “en la piel del otro”, a mi entender y fascinación por Egipto y por la Antropología, podría estar hablando horas y horas.
Creo que a medida que voy viendo las clases, voy comprendiendo mejor lo que significa Baladí, que no es solo un estilo de danza, sino, que es parte de la cultura en general, forma parte de las costumbres y está en muchas cosas cotidianas de la vida de muchos egipcios, de verdad desconocía y creo que es re importante conocer todo esto, porque te cambia un montón la visión o perspectiva de como viven también
Puedo comprender mejor como la palabra Baladí puede ser más amplia de lo que uno imagina, puede referirse desde un estilo de danza, a la cotidianidad de una persona, es como el Gentilicio de decir “el porteño”, “mendocino”, etc.
Ésta clase trató sobre el Folclore Arábigo, enfocándose en las artes y danzas de las culturas beduinas y sedentarias.
Me parece muy interesante cómo estas danzas no son solo entretenimiento, sino una forma de contar la historia de su pueblo. Es increíble que cosas como el movimiento del cabello o la forma de mover las manos tengan significados tan profundos, como mostrar el orgullo de una familia o si una mujer es soltera o casada. También llama la atención cómo separan las danzas de guerra para los hombres y las de celebración para las mujeres, manteniendo vivas sus tradiciones.
Lo que más destaca de ésta clase para mí es cómo la música no era solo un adorno, sino una herramienta para sobrevivir y unirse como comunidad.
Es fascinante ver que la música ayudaba a trabajar a los buscadores de perlas y la usaban para aguantar el miedo y el cansancio en el mar.
La danza es una forma de respeto también como en la danza Mizmar, no se trata de pelear de verdad, sino de mostrar valentía y elegancia frente a los demás.
Me sorprendió la conexión familiar y el hecho de que las mujeres cantaran desde la orilla esperando a los hombres, demuestra que toda la sociedad estaba conectada a través del arte.
En ésta clase se destaca la fluidez de género y la diversidad étnica en las artes escénicas del Egipto otomano. Es interesante observar cómo la identidad del bailarín Khawal vs Gink no solo dependía de su actuación, sino también de su origen étnico y religioso.
Además el uso de términos como Almeh o Ghawazee variaba según el viajero europeo (como Napoleón o Lane), lo que sugiere que nuestra visión actual de éstas danzas está muy filtrada por la mirada externa del orientalismo.
Me encanta ver como se muestra la identidad de las mujeres Baladi, tenía entendido que siempre fue muy conservador, pero sé que eso fue un cambio a través de los años, e visto imágenes incluso de mujeres en los años 20 o 30, que por todas las características que se dan, eran mujeres Baladí. Incluso me interesa ver la peli, ya la busqué y seguramente me ponga a verla en unos días, para poder diferenciarlas mejor.
Me llama la atención ver cómo el baile, que es una expresión de arte y cultura, terminó convirtiéndose en un tema político y moral. Hubo una contradicción entre lo que los turistas querían ver y lo que el gobierno egipcio quería mostrar al mundo, en lugar de resolver problemas de fondo, el gobierno decidió expulsarlas para intentar dar una imagen de limpieza o moral ante los ojos de Europa y los sectores más conservadores. Es un buen ejemplo de cómo el arte a veces es castigado cuando se mezcla con los prejuicios de la época.
Es fascinante ver que bailarinas como Safiyya eran valoradas no solo por su baile, sino por su capacidad intelectual para cantar y tocar música, ser una Almeh.
Me sorprendió el lado pícaro de la danza de la abeja, demuestra que el baile también tenía el fin de entretenimiento social y juego con el público, usando el humor y la actuación para romper el hielo.
EL arte era muy rico en cultura y tenía nombres y apellidos de mujeres que fueron verdaderas estrellas de su tiempo.
En ésta clase se habla del aprendizaje de la danza, no en academias formales, sino en espacios sociales como los Coffee Houses, elementos tradicionales (sable, taza, pandereta, bastón).
En esta época, el baile en el Cairo se volvió más variado y organizado. Es interesante ver cómo el lugar donde se bailaba , como el teatro El Dorado, definía el estilo, también , que las palabras Ghawazee y Awalim dejaron de diferenciar solo a las clases sociales; ahora lo que importaba era si la bailarina era de la ciudad o del campo. El baile cambió no solo en los pasos, sino también en la ropa y en el público que pagaba por verlo.
Que apasionante éste ritual y su historia. Desde un punto de vista cultural, el ritual del Zar es fascinante porque muestra una forma de medicina tradicional que no solo trata el cuerpo, sino también la mente y el espíritu.
Que maravillosos los videos!! A mi personalmente me encanta lo que es ritual. Todos los elementos que se utilizan, la vestimenta según el espíritu, la ceremonia zaffa, el trance en el que entran. Un ambiente tan especial con música, incienso y reglas claras, que nos permita sentir que estamos fuera de la rutina normal. El ritual funciona porque todos los participantes se ponen de acuerdo en seguir las mismas reglas para alcanzar un estado distinto. Uno de los mejores y más apasionante temas.
Que emocionante ver éste registro de Khyria Mazin! Se entiende la emoción de la entrevistadora al irse! También es fascinante ver cómo una danza que nació como un ritual social o familiar se convirtió en una industria del entretenimiento mundial. Hermosa raíz tiene lo que hacemos hoy.
La clase fué muy interesante, profundizar la vestimenta ghawazee, las presentaciones y oruba de existencia de otras ghawazee como Hannan, Manal, Umm Hashim y Mahasin. Quedó entendido que no representa el estilo original de la danza lo que ellas hacen, pero es un documento maravilloso lo que se muestra y el curso aclara mucho mito que rodea a este estilo. La relación entre ghawazee y gipsy que alguna vez creí que eran lo mismo, por ejemplo. Todo el curso fué sumamente interesante y también emotivo con las imágenes que se ofrecieron.
En el archivo de los primeros ritmos, maksum, baladi, saidi tabl malfuf tawil karachi masmudi chiftetelli sombati mosalas fallahi y samai thaquil se muestra la escritura de este grupo de ritmo, donde con dum tac y silencios, es posbile escribir la estructura de los ritmos. Este metodo es muy pedagógico.
Esta clase es muy interesante ya que muestra cómo la danza fue transformándose junto con los cambios sociales y culturales de la época. No se trataba solo de bailar, sino de una preparación integral: las bailarinas que aspiraban a presentarse ante las clases altas debían dominar otras artes como el canto, la poesía y la tradición musical, e incluso aprender idiomas para comunicarse con los extranjeros. Esto refleja el alto nivel de exigencia y profesionalismo que se esperaba de ellas.
La aparición de los coffee house o qahweh también marca un punto importante, ya que estos espacios ofrecieron un nuevo escenario para la danza, ligado a prácticas cotidianas como tomar café o fumar, surgidas en un contexto de prohibición del alcohol. Además, el uso de objetos e instrumentos como el sable, el bastón, la taza de café o la vasija no solo enriquecía la danza, sino que aportaba significado, simbolismo y una fuerte conexión con la vida diaria.
La clase me resultó muy clara e interesante, especialmente porque permite entender cómo la tercera etapa de la historia de las Ghawazee va transformándose y refleja importantes cambios sociales y culturales. Entre 1830 y 1890, la danza y la imagen de las bailarinas comenzaron a adaptarse a nuevas miradas, lo que se evidencia en los cambios del vestuario, cada vez más sencillo y con ciertas influencias europeas, pero sin perder completamente su identidad.
Me llamó la atención cómo la búsqueda de mayor recato, como la desaparición del escote, responde a un cambio en los espacios donde se presentaba la danza. El traslado de los eventos conmemorativos a los clubes nocturnos marca un quiebre importante en la función social de estas bailarinas. Además, la diferenciación entre las Ghawazee rurales y las Awalim de ciudades como El Cairo y Alejandría ayuda a comprender mejor que ahora ya no se trataba de algo jerárquico sino geográfico.
Definitivamente esta clase de Ghawazee es para mi una de las más interesantes, surgen nuevas características, etilos, proyección escénica.
Me encanta el volverlas a ver.
Gracias Mari
Es curioso como una mismo baile puede ser interpretado de maneras tan diversas e incluso opuestas dependiendo de la época.
Creo que la gran mayoría de las personas consideramos al vals actual como un baile elegante. No se me hubiera ocurrido que en sus orígenes fuera visto como algo revolucionario. Es la primera vez que leo sobre los orígenes del vals. por lo tanto desconocía sobre la existencia de la danza volta y la danza landler. Estas danzas fueron cuestionadas desde lo moral ya sea por el abrazo cerrado, la pierna al desnudo de la mujer aunque intentara ocultarla sosteniéndose la pollera y peligrosas poniendo incluso en riesgo la vida por los saltos. Me resulta interesante que los historiadores creían que estos movimientos se debían a ritos de fertilidad donde se utilizaban los saltos para implorar a lo divino una cosecha abundante. Debido a las tantas criticas comenzaron a surgir modificaciones como bailar en fila india, eliminar los lanzamientos de la mujer y se volvió todo mas suave. Con la llegada del romanticismo se derrumbaron barreras entre las diferentes clases. Es el congreso de Viena el vals reino supremo. Se propago rápidamente por todo el continente y a pesar de las numerosas protestas que hubo en su contra el vals fue adoptado casi universalmente por la alta sociedad. La enorme popularidad del vals genero la necesidad de espacios adecuados para bailarlo y pronto los salones de reunión se convirtieron en salones de baile mientras que nuevos palacios de danza surgían por todo el continente. Tal vez los mas opulentos fueron construidos en Viena ( la cuna del vals) ya que eran insuperables en esplendor y tamaño. La forma musical del vals moderno nació a fines del siglo 18 y esta mas asociada con la ciudad de Viena. Los músicos rurales que carecían de formación técnica pero poseían energía y un fuerte sentido del ritmo encontraron una audiencia receptiva. Al principio estas melodías eran bastante primitivas y se basaban en antiguas melodías de landlers.
Mozart incluyo un vas en su opera Don Giovanni. Era un apasionado como bailarín . Las danzas de Mozart eran refinadas y sofisticadas y si bien no desarrollo la forma del vals verdaderamente el , Martín y Soler iniciaron una tendencia que continuo durante el siglo 19 dando lugar a bellas piezas compuestas por Haydn. Beethoven y Shubert.
Creo que es re importante poder conocer la estructura y la forma musical, si bien el Taxim es único y lo considero como una mezcla de colores entre el musico y la bailarina, es importante conocer la forma musical ya que esto mismo te abre a más posibilidades de interpretación y seguridad, y eso permite que una como bailarina pueda relajarse más y poder disfrutarlo y tal vez no estar tan pendiente a lo que puede seguir
Me encanta el vestuario de Baladí, es como sutilmente sensual, como que no es necesario que la mujer muestre demás para ser sensual, y más con una cinta en la cabeza, o es lo que yo usaría, y en cuanto al calzado, en este caso un Baladí yo lo bailaría descalza ya que el ritmo amerita a bailarlo descalza ya que es un ritmo bien a tierra. En cambio el vestuario de Melaya me parece como mas tierno, parece como que habla de una mujer tierna, dulce y mas con los pompones en la cabeza y las trenzas, en cuanto a la Melaya si lo bailaría con zapatos ya que se me hace que queda más sofisticado, obviamente que uno como artista puede usar dentro del vestuario adecuado, puede variar sus usos, creo que eso es muy personal, en mi caso, ambos me gustan y estas son las maneras en que yo lo usaría.
Y para finalizar, agrego un pequeño comentario mas, que, en el caso de la vestimenta de Melaya, creo que es lindo y mas acorde usar telas floreadas, estampados llamativos, en cambio el Baladí usaría mas bien telas lisas.
¡Muy interesante como siempre! No tenia conocimiento de las tradiciones beduinas y me gustó mucho conocer la complejidad de cada baile y entender los orígenes del bellydance que hacemos nosotras. Los videos proyectados casi al final, no solo nos permite ver la danza en su contexto si no que también nos permiten conocer la danza a través de las palabras de los beduinos que las realizan.
Me gustaría que los términos árabes o los nombres de los autores que se mencionan, puedan quedar en las diapositivas para quienes vemos el video en diferido y no podemos acceder al chat en vivo.
Estas clases son muy buenas pues nos dan bastane información académica y práctica sobre los temas, mientras siembran en nosotras la curiosidad y el interés por conocer más. Por ejemplo, busqué videos en YouTube de Dahiyya y realmente es una danza impresionante!
Me encanta el Zaffa, es mas, creo que si me caso haría la entrada con esta danza, ya el ritmo de por si solo te da como una entrada nupcial, si no sabía que había diferentes tipo de zaffa ritual, pensé que era una solo en general. Creo que algo similar se hacen en los casamientos o en los 15 en Bolivia, con la diferencia que los invitados van entrando a la fiesta al ritmo de una danza y con los regalos para los recién casados o quinceañeras, y regalos hablo desde plata, muebles, electrodomésticos, etc., lo cual es un golazo, te re equipan, jajaja!!!
Como siempre, súper interesante esta clase. En Perú, tenemos una danza muy tradicional llamada marinera, y en su variedad norteña, los pasos de la pareja también intentan simular el galope de nuestro caballo de paso. Me pareció curioso porque también los bailarines se muestran orgullosos, moviendo los pies con vigor. Es una danza de cortejo con un poco de altanería; al escuchar la descripción del baddawi pensé en esta danza. Aunque, después de ver videos de baddawi, no encuentro parecido entre ambas, es interesante como los pueblos desarrollan expresiones artísticas unidas a sus labores diarias, como la agricultura, la lluvia, o en este caso, la importancia del caballo para la vida y el prestigio social. También me pareció interesante el uso del movimiento de la cabeza para mostrar lo bonito y largo del pelo de la bailarina, como señal de salud, de belleza y cuidado. Como ya se mencionó aquí, conocer los orígenes de los movimientos que hacemos enriquece mucho nuestra ejecución.
La lectura explica que el vals no apareció de la nada, sino que evolucionó de la Volta, un baile de la nobleza, y el Landler, un baile de campo. El vals pasó de ser una amenaza a la moral a ser el baile favorito de la sociedad. Lo que antes era visto como algo sucio o peligroso, hoy es un símbolo de clase y respeto. Ésto prueba a mi parecer, que las reglas sobre lo que está bien o mal en la cultura, suelen depender de la época y de cuánto miedo le tiene la gente a lo nuevo.
Al principio de la clase se nombra al Kawleeya, es un estilo que tiene mucho peso al bailarlo y me encanta, aunque “históricamente” conocía poco y nada, es mas, creo que acá en Argentina aún se tiene bastante desconocimiento.
Incluso, también desconocía un poco sobre los Beduinos, y es muy interesante todo lo que se habló en esta clase, imagino que hay mucho más para investigar, y todo eso sirve para poder entender mejor y llevar un poco la danza desde el respeto.
Muy interesante ver como la danza en los beduinos es una forma de protesta o de contar su historia, tiene un fuerte impacto y sus letras o la manera en que manejan las manos tengan significados diferentes,..
Me gustó mucho conocer sobre las artes del mar, sobre todo las tradiciones que practican las mujeres que esperan en la costa a sus parejas que han ido a ultramar a recoger perlas; lanzar laxantes al mar para que les devuelva a sus amados, o usar un gatito para predecir su arribo seguro, son ciertamente costumbre curiosas, pero principalmente pienso en cómo la música acompaña diversos momentos de la vida, el trabajo, la espera, la preparación para la batalla, etc.
Me gustan mucho los videos que se comparten para poder apreciar las danzas y su energía, descritas durante la clase. El video completo de la UNESCO sobre el Al Mezmar esta aquí: https://www.youtube.com/watch?v=LgnjjUjObPQ. Allí se puede apreciar que se refieren a los danzantes como “jugadores”, y se aprecia la ropa utilizada, el uso de la percusión, el canto y la sincronización con las palmas.
Se me hace que el Mizmar es similar al Tahtib, creo que me llamó mucho la atención, y apenas vi la imagen en seguida se me vino la imagen del Tahtib, es màs creo que antes de asociar la palabra Mizmar con el instrumento, asocié primero el Mizmar con el Tahtib.
Creo que es super interesante la importancia de la música, que no es que estaba porque sì, sino con el fin de “calmar las aguas”, me suena a una serie que vi hace un tiempo atrás, que situaba en Seúl la capital de Corea del Sur, màs especifico en Jeju donde había mujeres que se metían al mar en busca de perlas, abulones y mariscos, en este caso eran todas mujeres y tenían una estima muy alta, si bien, la serie era de fantasía, muchas de las costumbres eran cosas que en la vida fuera de la ficción eran ciertas, costumbres verdaderas, y mirando y escuchando esta clase, me remontó a eso, a las llamadas Haenyeo
Me encanta la mezcla de la música árabe y la otomana, es más, cada vez que me pongo a escuchar, sé diferenciar una de la otra, creo que esta muy claro, pero es cuestión de trabajar el oído, de entrenarlo, de generar el habito de escuchar música
Que clase tan hermosa, como nos quita ciertos detalles en técnica mal aprendidos, esta danza es increíble!!, e encanta su femineidad, su elegancia y sobre todo su delicadeza. Me encanta como Mariam habla de seguir creando a partir del Khaleeji y como ambientarlo al show!!. Lo único que es cierto aquí es que uno nunca deja de aprender! Gracias Mari siempre y por ponernos en contacto también con maestra tan Grosas!!!
Mil gracias Mariam por la clase. La ameee!!!
Me encanta ver las diferencias entre Samai y sus compositores, todos son muy delicados, y me hacen imaginar bailando como para la alta sociedad, para la clase alta, siento que son muy sofisticados y que tienen mucha elegancia y poder a la hora de bailarlo.
Coincido con lo que dice Irene, que a muchas bailarinas les falta formacion musical, y eso es algo fundamental porque es lo que hace a nuestro arte, van acompañado de la mano, y de verdad he visto muchas bailarinas y estudiantes que con la poca informacion salen al mundo a desinformar o mal informar, entonces creo que la formacion musical deberia ser algo obligatorio en todos los estudios de danza a traves del mundo., me encanta conocer un poco màs sobre ella y su trabajo siendo que conocia muy poco, ahora puedo entender mejor su tranbajo y me parece increible.
Es mas, confundia que Al-Andalus y Andalusia eran exactamente lo mismo, y ahora sè que no, que son dos cosas diferentes. Està muy claro la diferencia entre el Samai y el Muwashahat.
Increíble ver como la base de Baladí que tenemos en Argentina fue heredada del musico Medhat Gomaa, la verdad que no lo sabía. Amo que el Baladí sea algo mas espontaneo, creo que puedo entender mejor que el Baladí va mas por lo emocional, por el dejarse llevar, más que por la buena colocación de torso, brazos, etc., es hermoso ver que tiene esta libertad de ser, y que deja al artista fluir y descomprimir, ahora no veo la hora de poder llevarlo ala practica poco a poco tomando en cuenta todo lo leído.
Increíble todo el contexto de como se dio el Vals, como a través del tiempo y las restricciones floreció, se transformó y perduró en el tiempo, creo que ni en mis pensamientos más locos me iba a imaginar que el vals lo instaló Austria, siempre imaginé que era más para el lado de la aristocracia inglesa, incluso, me sorprendió leer como el vals no limitaba a las clases sociales. Así y todo, es una danza sofisticada, muy bella, y la importancia de perdurar en el tiempo, como influye hoy en dìa en las danzas que bailamos, como se asocia o acopla a otras danzas, increíble.
Me pareció muy interesante entender que la música y la danza en la Península Arábiga no eran solo formas de entretenimiento, sino parte fundamental de la vida cotidiana. Tal como se muestra, estaban profundamente ligadas al entorno geográfico y a las actividades diarias, como la pesca, la guerra o las celebraciones comunitarias.
También me llamó mucho la atención la gran mezcla de influencias culturales que existen en la región. El paso de distintos pueblos y regiones como África, Irán e Iraq dio como resultado una identidad musical muy rica y diversa, especialmente en la percusión y en la variedad de danzas.
En general, esta clase, me dejó con ganas de seguir aprendiendo más sobre estilos como el Khaleege y la enorme diversidad de danzas que existen dentro de una misma región. No tenia idea de las dos danzas mencionadas: Dahha y Razif, cada día podemos aprender algo nuevo, gracias Mari.
Leyendo el texto y viendo las clases, pienso en el contraste en los inicios del Bolero, y como siguió más adelante, como pasó a realizar canciones de protestas y luego fue al amor, al desamor. En el texto se nota muy claro en como el bolero era un símbolo de protesta y resistencia, y algo tan sano y lindo de protestar con música y baile, aunque imagino que en su momento muchos han sufrido consecuencias ante estas protestas de paz.
Esta clase continua con la descripción de algunas danzas del folclore arábigo, es muy interesante porque muestra cómo las danzas van mucho más allá del entretenimiento y funcionan como una forma de contar la historia y los valores de cada cultura.
Me llamó la atención el significado profundo de gestos como el movimiento del cabello, las manos o los pies, y cómo cada uno comunica identidad, orgullo y pertenencia. También es impactante la gran variedad de danzas que conviven en una misma región y cómo, a pesar de los cambios con el tiempo, muchas tradiciones siguen presentes y cargadas de sentido cultural.
La lectura en le Samri es una de las pruebas de como una danza puede convertirse en algo narrativo y poético de contar. y como en una misma región pueden haber diferentes tipos de danza. Que cultura tan rica!
Me pasa con el Khaleeji que no conozco tanto, me parece muy alegre y romántico pero creo que a la hora de interpretarlo en una presentación tengo que tener cuidado con la canción que voy a usar.
Pude entender mejor las diferencias entre todas, incluso las diferencias de la mujer Khaleeji, quela mujer khaleeji egipcia es como mas alegre o expresiva, y en cambio la saudí es más reservada
Me gustó mucho aprender acerca de la evolución de la música árabe a través del califato Omeya y Abbasida.
También la riqueza en todas las culturas árabes y no árabes que traían los músicos y la complejidad con el Islam que suele no avalar la música por verlo por temas de placer.
Asimismo, aumentar la riqueza de la música en el califato Abbasida con las traducciones de manuscritos de la india, influencias persas y el centro cultural de Bagdad que empieza a generar conocimiento ecléctico en los que denominan como los buenos músicos que no solo saben de todo un poco sino que son versados en prosa y tocan varios instrumentos. Me imagino la emoción de un músico detrás de las cortinas cuando estas se abren y entra el Califa a querer conocerlo.
De chica leí las Mil y una noches, me emocioné cuando se mencionó, ahora ya sé la época histórica de la cual proviene y por qué en el libro siempre hay menciones de Bagdad y Damasco.
Amé aprender de los pulsos y ritmo!
En Perú generalmente se enseña el Baladi, Saidi, Maksum, Malfuf, Khaleegy, Chifteteli pero no superamos en general los 10 ritmos.
Me gustó aprender el nombre en árabe, dado que hace un tiempo me bajé un App llamada Iqa y Makaam pero no sabía bien qué era Iqa. Y cuando quería comprar un libro de ritmos en Amazon mencionaba Iqa y otros términos árabes que ahora ya entiendo.
Me gusta la filosofía por lo cual me pareció admirable la estrecha vinculación entre la filosofía islámica y el trabajo de poner en escrito los ritmos y melodía, como lo que hizo Al Farabi. También el origen del Dum y Tak en la nomenclatura redactada por Ibn Al Akfani.
Ahora ya sé que Ritmo es Iqa, Pulso es Mazura, que hay ritmos que se adaptaron de otras partes del mundo, y que otra forma de verlo más que melodía y ritmo es como espacio y tiempo.
Hice en casa el ejercicio de las palmas, sufrí con la última canción hasta que me di cuenta que simplemente no tenía pulso.
Aprendí la diferencia entre compás y acento, así como trucos para poder averiguar el compás como buscar la partitura o buscar instrumentos que suenen fuerte en algúnas lado. Aprendí el compás binario, ternario, cuaternario y el de 6 tiempos que me resultó difícil obtenerlo.
Aprendí la redonda, blanca, negra y corchea, así como los silencios y también a leer una partitura básica. Más que solo leerla es aplaudir o pisar en ritmo para poder marcar los silencios. Es importante leer los silencios porque hay ritmos que empiezan en silencio como el Tabl y de no respetarlo, se genera confusión en chinchines.
Aprendí que el numerador es la cantidad de pulsos por medida y que el denominador es el valor de la nota por medida. Considero que la más conocida en general es 4/4. Pero a pesar que puede ser una partitura 4/4 se pueden tener semicorcheas u otras notas para tener este juego musical que hicimos de Ta Ta Ti-Ti Ta.
Por ejemplo si tuviese 7/4 y 7/8, el primero son notas negras pero que se repiten 7 veces. En cambio, si fuese 7/8 son notas corchea que son el doble de rápida de las negras pero que se repiten 7 veces.
Aprendí el concepto de anacrusa, lo que implica que puede iniciar antes del compás, es decir en una parte del compás anterior como sucede en el ritmo Bambi. Tambien los puntillos que añade la mitad del valor de la nota. Es decir si la nota vale 4 y tiene un puntillo, se contará como 6. También el iss para marcar verbalmente silencions.
Me encuentro muy conforme con la guía, ya que me siento acompañada en el proceso de la cursada. Ya que puedo consultar cualquier duda que se me genere y la profesora esta atenta a ayudar a progresar! Eso hace que pueda mejorar mi técnica y movimientos desde el lado de la seguridad y confianza! También me parece un buen consejo el grabarse mientras se baila una coreo ya que se pueden ver errores y corregirse desde otra perspectiva. Me parece una guía bastante organizada y completa de contenidos teóricos y prácticos.
Me parece una forma muy estratégica de abordar la manera de trabajar continuamente en el entrenamiento de las coreografías. El lugar habitual para iniciar ensayando es la propia casa, así que con poco tiempo pero cotidianamente, escuchando la música entre tareas o viajando, repasando la técnica tanto en el lugar como mentalmente, optimizar el espacio en el hogar para ensayar, y sobre todo, usando la tecnología y la guía del docente a favor, se puede ir creciendo paulatinamente sin necesidad de ensayar extensas horas o con necesidad de un salón. Incorporarlo con pequeños hábitos a la rutina es lo mejor. Y la compañía de compañeras por supuesto! Para crecer en conjunto y aliviar tensiones psicológicas que puede ofrecer el ensayar a solas.
En la clase se hace una presentación de la Historia de la Música Árabe dividiendo en dos grandes períodos históricos: el pre-islámico anterior al advenimiento del profeta Mahoma (profundamente oral, politeísta) en donde autores como Shiloa y Touma sitúan tipos de canto que eran considerados como “inferiores” o “primitivos”, aunque es de destacar el canto de las Qiyan entre los Lahmidas y los Gazanidas, que si bien puede generar tensión moral sus servicios, eran artistas de sólida formación poética y servicial. Por otro lado, el período islámico de la mano del profeta Mahoma (con preeminencia de la escritura, monoteísta, con surgimiento del Corán). Las ciudades santas de Macca y Medina fueron puntos neurálgicos de poder, y allí se funda la “Gran Tradición Musical”. Los teólogos monoteístas asociaron a la música al paganismo politeísta y esto hizo que se iniciara una persecución ante el éxtasis introducido por la música, ya que ese éxtasis sólo podía ser ofrecido a Dios. El Majlis es un concepto que surge como lugar de encuentro para entretenimiento y de conexión musical. Ahora, como opinión personal, me resulta llamativo esta división y me intriga saber cómo sería el momento de florecimiento cultural preislámico previo al ataque y persecución religioso. Sin dudas, el islamismo enriqueció la cultura musical árabe, pero a la vez la “reprimió” persiguiendo las formas que se desviaran de ceñirse a hablar sobre Dios. A su vez, encuentro fascinante la música islámica dedicada a la alabanza de Dios, ya que como forma de comunión con algo superior y extático genera efectos muy profundos.
Retomando la clase anterior, y partiendo del período islámico, se relata cómo se inicia el “Califato Omeya”, integrado por la sucesión de 14 califatos en donde hubo gran prosperidad comercial. Un gran evento es el establecimiento de la lengua árabe como lengua oficial del imperio, con fuerte conexión con la religión islámica, tomándola como la lengua de Dios. Durante su esplendor, se promovieron las artes musicales y la formación de las Qiyan. Aquí se comienza a sistematizar la escritura y estructura de composiciones, y comienza a tomar más formalidad el arte del músico. Luego, con el surgimiento del “Califato Abbasida” y su extensa duración (37 califatos) se crea la identidad islámica, instalando su capital en Bagdad. En esta época se instala la imagen del “músico perfecto”, en donde surgen requisitos como dominio de varios instrumentos, canto, escritura, virtuosismo y creatividad. Aquí fuertemente se instala la cultura del “Majlis”, puntos de reunión social tanto recreativos como de tratamiento de temas políticos y estratégicos. Me parece muy importante reconocer en qué momento comenzó a formalizarse y estructurarse como arte la escritura de la Música Árabe, ya que es parte del material escrito que nos llega hoy en día.
Esta clase se inicia recomendando cuatro autores teóricos sobre la Música Árabe (Touma, Sawa, Kirlis, Farraj). Los métodos de enseñanza si bien son variados, coinciden en que melodía y ritmo son dos elementos básicos. Touma dice que toda estructura musical está compuesta por espacio (tono, melodía) y tiempo (ritmo). Existen géneros con patrón ritmo fijo, aunque hay géneros que no tienen ritmo o tienen patrón rítmico temporal libre (taxim, maxim, o layali). La palabra que define los ritmos árabes es diversa, siendo diferentes tanto en Egipto como en Turquía. En cuanto a la historia se mencionan como principales pioneros a Al Kindi, Al Farabi y Al Afkani, lo cual me asombra como a su vez eran filósofos y teóricos de la Música Árabe. El concepto de pulso me parece fundamental igual que a Marina, ya que es el latido, el modo de “latir” en la performance por así decirlo, para sincronizar los pasos con la música y que el bailar sea “armonioso”. Es el modo de “fraccionar” o contar aquello que se repite en el tiempo, ya sea regular o irregularmente. La idea de “hacer palmas” para detectar el pulso de una canción es un gran recurso ya que considero algo “intuitivo” el captar un pulso, y las palmas mismas van llevando a encontrar ese punto de fraccionamiento/repetición.
El compás es una herramienta para dividir una composición en grupos de pulsos. Desde el siglo XVI se grafica con las barras de compás. Las “cajas” más comunes están compuestas por dos o cuatro pulsos, pero las composiciones árabes son más complejas extendiéndose en más divisiones. Hay compases binarios, ternarios, cuaternarios, y así. Para saber cuándo se fraccionan las cajas de compases, se debe tener en cuenta el “acento”, que es el golpe más fuerte que se repite cuando se marca el pulso. El mejor camino para ir reconociendo los patrones de la música es primero escuchar: ESCUCHAR MUCHA MÚSICA. Empezar marcando el pulso con las palmas, y luego contar los tiempos dividiendo en compases, poniendo énfasis en ir marcando el acento.
Me parece importante destacar lo importante que es comprender como la cultura, la vida cotidiana y las experiencias de los pueblos fueron moldeando la forma de ver la música y expresarla. El canto y la poesía surgieron para poder descargar sus emociones, e inclusive contar sus historias y valores dentro de las comunidades, especialmente en contextos complejos donde las tribus árabes convivían entre la influencia de grandes imperios.
Aun cuando gran parte de la información material se perdió debido a la tradición oral resulta sorprendente cómo la tradición poética y musical logró mantenerse viva y transmitirse a lo largo del tiempo. Esto muestra lo importante que era la música dentro de la sociedad.
En esta segunda clase pude percibir cómo la música árabe fue creciendo y transformándose junto con otras formas de arte a lo largo de los distintos califatos. Durante el Califato Omeya se eligió el árabe como lengua principal para comunicarse, ya que se consideraba el idioma que Dios utilizó para hablar con el profeta.
Después, en el Califato Abasí, se nota un momento de muchísimo desarrollo cultural y artístico. En esa época los músicos eran muy valorados, se los veía con talento natural y creativos, que sabían cantar y tocar varios instrumentos, los mismos, tenían lugar dentro de la corte.
Además quería agregar que me parece interesante como a medida que se expandían los territorios, se iban sumando distintas culturas y expresiones artísticas, que después se mezclaban entre quienes se dedicaban a entretener a los califas.
En se ven diferentes autores que investigaron y analizaron los ritmos, hasta llegar a la definición propuesta por Touma. Se explica que los géneros que tienen una organización rítmica fija en el tiempo, eso hace que sean más fáciles de seguir, ya que, por ejemplo: se pueden marcar con aplausos. En cambio, los géneros con organización rítmica libre como el taxim, se basan más en la improvisación melódica y pueden tener acompañamiento rítmico o no.
El pulso es algo que forma parte de nuestra naturaleza y está presente en nuestra vida cotidiana, aunque su concepto teórico haya surgido alrededor del siglo XIV con la aparición de los relojes mecánicos, que ayudaron a organizar el tiempo de forma más precisa.
Como bailarinas, entrenar el oído es fundamental para poder identificar tanto el ritmo como la melodía.
Me parece que poder comprender la música desde este lugar no solo mejora la técnica, sino que también hace que el baile tenga más sentido y conexión con lo que estamos expresando. Aprender a escuchar realmente la música nos permite bailar con más conciencia y profundidad, y no solo repetir movimientos.
En la clase pude aprender que el compás funciona como una forma de organizar la música, ya que divide una composición en grupos de pulsos. A partir del siglo XVI empezó a representarse de manera escrita mediante las barras de compás. Las estructuras más habituales suelen ser de dos o cuatro pulsos, pero en la música árabe muchas veces aparecen estructuras más largas y con mayor cantidad de divisiones, lo que la vuelve más compleja. Existen distintos tipos de compases, como los binarios, ternarios, cuaternarios, entre otros.
Para poder reconocer cómo se dividen estos compases es clave prestar atención al acento, que es el golpe más marcado y que se repite de forma regular cuando seguimos el pulso de la música.
Para nosotras es importante comprenderlo ya que nos ayuda a mejorar la técnica de los movimientos.
Durante la primera parte de la clase se hizo un repaso por los conceptos de teoría musical vistos previamente (pulso, compás y acento) practicando con algunas canciones en el ejercicio de su escucha. Se inició la sección de la temática “ritmo” aclarando la importancia de no confundir ritmo con pulso. El ritmo es una organización del tiempo en determinados sonidos y silencios. Los sonidos van a estar representados por “figuras musicales” tales como redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa y semifusa, con diferentes valores según cantidad de tiempos que representan. También los tiempos de los silencios se respetan y van a estar representados por diferentes figuras. Considero que es primordial una base de teoría rítmica para facilitar la comunicación entre músicos y colegas, además de qué una buena bailarina debe saber bailar no solo los sonidos sino también los silencios.
En el transcurso de gran parte de la clase se trabajó para afianzar las nociones en torno a notación musical, y se fue ejercitando el palmeo, canto y silencios con diferentes figuras en pentagrama para ir ganando lectura teórico-musical. Ya casi adentrados al final de la clase, se distinguieron las nociones de numerador y denominador, siendo el numerador un concepto que se refiere a la cantidad de pulsos por compás, y el denominador otro concepto que señala qué figura rítmica ha sido escogida para representar los pulsos de ese compás. Considero importante esta parte del aprendizaje de la ritmología ya que no basta solo con saber cantar un ritmo determinado o como dibujarlo con figuras, sino saber leer bajo qué numerador y denominador está estructurado, ya que eso le da forma a la base para cantar los ritmos a tiempo.
También es importante destacar que la figura de referencia general es la redonda que vale cuatro tiempos, luego el resto de figuras serán subdivisiones de ese tiempo inicial (una blanca es 1/2 de redonda, una negra es 1/4 de redonda, así sucesivamente).
En esta clase se diferencian los conceptos de “puntillo” y “anacrusa”. El puntillo es un punto que se añade a la derecha de una figura y lo que hace es añadirle medio tiempo de valor a esa figura (por ejemplo, si una negra tiene un puntillo al lado no vale solo un tiempo, sino un tiempo y medio). En su lugar, la “anacrusa” es la forma de denominar a aquellas notas que anteceden al inicio de un compás, que puede suceder en los ritmos Bambi y Mugrabi. Luego se añaden ampliaciones sobre las barras de compás, distinguiendo en barra simple, doble, doble final, doble con repetición y como subdivisión, lo cual indica cuantas veces se repiten los patrones rítmicos o donde propiamente finalizan. Ya adentrándonos en los ritmos árabes propiamente, se esbozaron nociones sobre la forma de cantarlos, utilizando el “dum” para cantar los golpes graves y “tak” para los golpes agudos. A su vez la utilización del “iss” es común para señalar dónde hay un silencio.
Creo que esta clase fue importante, porque entender que los ritmos no solo están hechos de sonidos sino también de silencios me ayuda mucho a ubicarme mejor cuando bailo. Me hace tomar más conciencia de dónde van los pasos y cómo se arma cada secuencia.
También me parece súper importante trabajar el oído y acostumbrarme a sentir el pulso, ya sea parejo o irregular, y reconocer los acentos y los distintos ritmos. Siento que mientras más me meto en esto, más fácil se me hace escuchar la música, reconocer qué está pasando y poder llevarlo a una coreografía.
En la clase pude comprender, aunque me resultó un poco difícil, que el numerador y el denominador son los números que aparecen en el compás y que sirven para organizar el ritmo. El numerador es el que te dice cuántos pulsos o tiempos tiene cada compás, o sea, cuántos golpes contas antes de que vuelva a empezar el ciclo.
El denominador, en cambio, te dice qué figura musical vale un tiempo, o sea qué tan largo o corto es ese pulso.
Me gusto comprender la diferencia entre puntillo y anacrusa. El puntillo hace que una nota dure un poco más, sumándole la mitad de su valor, mientras que la anacrusa son las notas que aparecen antes de que empiece el compás completo.
También me resultó muy interesante ver las barras de compás y cómo marcan repeticiones o finales. Es de suma importancia a mi parecer poder entender que cuando se usa el “dum” es para graves, el “tak” para agudos y el “iss” para los silencios. Siento que esto ayuda mucho a entender y sentir mejor el ritmo.
En la clase entendí que la wasla es como una especie de “suite” dentro de la música árabe, donde se tocan varias partes seguidas pero todas dentro del mismo maqam. Es decir, puede haber partes con ritmo, partes cantadas y partes más libres como el taqsim, pero todo mantiene el mismo clima musical. A la hora de bailar, entender la wasla me hace pensar el baile como un recorrido y no solo como pasos sueltos. Me ayuda a estar más conectada con la música, entendiendo que aunque cambie el ritmo o la intensidad, todo sigue dentro del mismo clima musical.
Siento que esto me permite bailar con más musicalidad, escuchando los cambios y adaptando la energía, en lugar de hacer siempre lo mismo durante toda la coreo!
Para poder comprender el Taxim me hace pensar el movimiento de una forma más libre y expresiva. Me da la sensación de que no tengo que contar tiempos exactos, sino más bien escuchar la melodía y dejar que el cuerpo acompañe lo que va pasando en la música.
Va acompañado de la interpretación y emoción, prestando atención las pausas y las intensidades, como si fuera un tipo de conexión entre la música y el cuerpo.
El layali, al basarse en la voz como instrumento, me invita a moverme de forma suave y contenida, escuchando cada sonido y cada pausa. El mawwal, en cambio, al tener letra y un contenido más expresivo, me transmite una carga emocional más fuerte, que se puede llevar al cuerpo desde la interpretación y no desde el conteo.
En este texto de teoría a del ritmo y metro en el Medio Oriente medieval, encontramos distintos autores.
Al-Khalll ibn Ah Mad, estudio la teoría sobre los ritmos y métrica árabe. El logro descifrar el sistema métrico que regulo la poesía pre islámica, estableció que la poesía había sido construida sobre 16 metros, cada uno con su pie métrico (pie métrico: unidad de medición) que a su vez estaba compuesto por sílabas largas y cortas. Escribió un tratado llamado Libro del Ritmo.
Al-Kindi tuvo acceso a las traducciones árabes de la antigua teoría musical griega, solo pudo copiarlas sin poder analizarlas.
Al-Farabi, definió un ataque como el golpe de un cuerpo largo y sólido, contra uno muy delgado. Mientras más delgado sea el cuerpo golpeado, más apropiado será el término – ataque – para describir el contacto. Define el ritmo como el movimiento a lo largo de las notas, con duraciones, largo y proporciones bien definidas y como sonidos musicales producto de un ataque.
Define tres tipos de ataques, ataque suave, anotado como la silaba “ta”, ataque medio “tan” y ataque fuerte, anotado como “tann”.
El artículo brindado es muy rico exponiendo de qué manera en 1932, en El Cairo, se llevó adelante una reforma estructural tanto en la forma como en los modos de la música oriental, dando origen así al surgimiento del concepto “Música Árabe”. Esta reforma tenía como eje la sistematización y orden de la música oriental que los miembros del comité consideraban que le faltaba a dicha música, y tomaron como referencia a la música occidental que consideraban “depurada y perfeccionada en su orden”. El objetivo, además de lograr un consenso sobre el “maqam” (sistema de escalas), era generar una identidad y una teorización que sea capaz de facilitar la comunicación entre músicos y a su vez impulsar su enseñanza obligatoria en primarias como parte del plan de estudios. Si bien varios de los objetivos propuestos en la reforma se cumplieron, hubo otros que generaron mucha discordia y dificultad de acuerdo. Ahora quisiera pasar a la reflexión un poco más crítica, ya que este artículo movió varios puntos de vista en mi. Primero, si bien un orden y sistematización son necesarios para poder darle un marco a la música oriental, considero que ese afán de llevar a cabo la reforma estuvo cimentado más bien por impulso de occidente. No hay que olvidar que Egipto y África Septentrional fueron colonias europeas, entonces que se valore a la música autóctona como “ruidosa” o “corruptora de la paz” es una apreciación meramente moral, occidental y colonialista. A los colonialistas les “servía” que se depuren los estilos autóctonos para poder inocularlos con estructuras europeas y así continuar con sus ansias expansionistas hasta en el terreno de las artes. Si bien la reforma fue un antes y un después y elevó las artes musicales dándole forma y categorización, no quisiera dejar de mencionar que lo propio de la música oriental es aquel “desorden” del que los colonialistas se quejaban, ya que hay “desorden” si se lo escucha con oídos europeos ungidos en la razón, la proporción, la lógica y la medida.
En esta clase analizamos el método de Irene Shams para analizar los temas musicales para poder hacer una interpretación más cercana a los mismos. Así mismo, vimos también lo que es la Wasla, y exploramos la forma musical de Estrofa-Estribillo (A B A B A B A).
Creo que como bailarín, es fundamental tomarse el tiempo para conocer la pieza que se va a interpretar no solo por respeto a la misma, sino porque otorga más recursos para hacer una interpretación que se sienta más real.
En esta clase aprendimos lo que es la forma musical del Rondó (A B A C A D A) ademas de ejemplos como Aziza de Hossam Ramzy. También, aprendimos lo que es la Eftatahya y ejemplos como Saher al Sharq Eteen o El Ard.
Dejo algunos puntos para resaltar de la clase:
* A diferencia de la estructura Estrofa-Estribillo, en el Rondó las estrofas van a tener melodías diferentes.
* El comienzo se conoce como Eftatahya, que es el momento donde se presenta a la bailarina. Puede venir acompañado de letra.
* Luego le sigue el Fabi, unos primeros compases de percusion o Malfuf.
* Si bien la forma musical va a tener una serie compases diferentes que pueden o no compartir la misma melodía a lo largo del tema, la idea del mismo es que sea como un círculo. Por lo que al final se vuelve a la melodía de entrada.
La clase comienza definiendo lo que es la “forma”, entendida como la estructura, compuesta por elementos grandes que a su vez contienen elementos más pequeños (se realiza una analogía con la estructura de un libro). La “wasla” es una gran estructura que contiene varias formas musicales diversas, y se divide en 1) la obra musical (la propia wasla), 2) movimientos, 3) tema, 4) sección, 5) frase, 6) motivos o células. Luego se hace una recomendación de cómo subdividir una música que la bailarina quiera interpretar. Lo primero, es escucharlo de principio a fin (cuenta como forma de ensayo). Lo segundo, es analizar la forma de la canción, sus partes (de lo grande a lo pequeño), la cual se suele dividir asignando letras a cada parte(parte A, B, C, o A, B, A, etc.). Lo tercero es analizar los temas principales, si hay frases musicales nuevas y variadas, detectar las células y timbres, etc. Lo cuarto es analizar los ritmos, cuales, cuantos y en qué partes, así como ver las partes que no tienen pulso. Lo quinto es específicamente la detección del timbre, los instrumentos, como están dispuestos, si hay instrumentos folklóricos o foráneos, etc. En sexto lugar, si hay improvisaciones musicales o vocales, si tienen ritmo o son libres, etc. En séptimo lugar, analizar la textura, composición de pregunta y respuesta, etc. Como octavo paso hay que situar la historia y contexto del estilo, si es folklórico o moderno, región o país. En noveno lugar, si hubiera letra, analizar la emocionalidad de la composición. En décimo lugar es hacer una conclusión de los pasos anteriores, y como onceavo lugar ya es el armado de la coreografía. Ahora, volviendo a wasla, su traducción es “conexión” o “enlace”, y puede durar desde los 10 hasta los 60 minutos de duración. El propósito del wasla es ir llevando al espectador a la experiencia del tarab, a través de sus diferentes “secciones” o partes, que pueden abarcar desde un taxim, un samai, un layali, etc. Se trata de una forma clásica de estructura casi inutilizada hoy en día pero que ha tenido su período de esplendor durante la conocida “golden era” de la música árabe, de los años 30s a 60s. Considero potencial conocer y manejar el concepto de “wasla”, ya que es una forma clásica musical que como bailarinas debemos tener noción para poder entender cómo se fue estructurando la música el siglo pasado, para entender la estructuración musical de los shows de Bellydance actuales. Hacia el final me pareció interesante el ejercicio con la canción de Britney, ya que es más fácil a fines pedagógicos explicar la estructura ABABA con música occidental para luego extrapolarlo a la música oriental.
En su definición más esencial, es una improvisación instrumental melódica dentro del repertorio árabe. Según Touma, es la representación instrumental de un maqam. Puede ser interpretado por instrumentos de cuerdas (kanun o laúd, por ejemplo) o de viento (nay o saxo, entre otros), así como puede tener base percusiva. Es muy importante considerar que un taxim está compuesto de melodías y silencios, ya que es importante bailar la melodía pero también “bailar” o “interpretar” los silencios. Un taxim puede dividirse en secciones minúsculas, cortas, medianas o largas, con variaciones infinitas de las mismas en las diferentes composiciones. Según Farraj, existen cuatro usos posibles del taxim: como solo instrumental, como introducción a una pieza, en medio de una pieza o como transición entre piezas. Es muy importante (al momento de interpretar) tener en cuenta los momentos de baja/meseta y los momentos de pico/altura de la composición, ya que eso va a matizar la intensidad con la que se interprete cada parte, llevando por momentos de relajación y tensión al público. Es muy bueno el recurso de dibujar la línea melódica de un taxim como si fuese un gráfico de ejes cartesianos, así sabemos de qué intensidad partimos hacia qué intensidades vamos. Como bailarina considero al taxim como una de mis piezas favoritas y a su vez más difíciles de interpretar a pesar de verlo en primer año, y es un estilo que requiere de una conexión íntima muy fuerte para poder expresar el lamento o la alegría de la melodía y precisión de los movimientos.
Esta clase es una extensión de lo comenzado en la clase anterior introduciéndonos al concepto de Taxim. Tanto el Taxim como el Layali y el Mawwal son tres formas de improvisación dentro del repertorio de música árabe, diferenciando que el taxim es instrumental, siendo que el Layali y el Mawwal son formas más bien vocales. El Layali es un canto solista que se basa en un texto, versos que suelen ser simples pero que se repiten constantemente, variando su alargamiento en alguna palabra, pero siempre de tenor romántico o melancólico, con una base melódica. Tanto el Layali como el Mawwal pueden ser considerados como versiones cantadas del Taxim. Es muy importante ligar estas formas al concepto de Tarab, ya que guarda enorme relación con climas de éxtasis o de explosión emocional que se producen entre el músico y la audiencia. Ahora bien, por su lado, el Mawwal es un tipo de improvisación pero que tiene estructura de poema (en contraste con el Layali, que es un verso que se repite) con una base melódica. Puede tener varias estrofas, y primordialmente trata de temas amorosos. Estos temas no son comunes en la formación general de las bailarinas, y los encuentro tan importantes que sentí que esta clase fue de sumo aporte para mí, inclusive para profundizar en nociones sobre el Baladi más adelante. El núcleo para captar la esencia del Taxim, Layali y Mawwal es escuchar mucha música, MUCHA, de compositores eximios como Mohamed Abdel Wahab, Wadih El Safi, Fairuz, entre otros.
El texto es rico y ahonda aún más lo iniciado en clases anteriores en torno al Taxim, Layali y Mawwal. Queda bien explicitado que las tres son formas de improvisación dentro del repertorio árabe, con sus respectivas diferencias. Se trata para el músico de una oscilación entre la estructura de la teoría musical, y la libertad creativa que da el Taxim para improvisar. A mayor libertad creativa, mayor dominio del estilo. Se desglosa nuevamente el concepto de Taxim, que parte de un maqam. Por lo general, el Taxim arranca de manera muy incipiente, para de a poco ir subiendo y llegar a un punto de clímax, aunque pueden presentarse varios clímax en una composición inclusive. Farraj y Shumays (2019), dividen en cuatro tipos los taxim: solo instrumental, introducción a una composición, en medio de una composición y como transición entre piezas. En cuanto al desarrollo y estructura, Nettl observó que según su duración, las secciones podían ser minúsculas, cortas, medianas, o largas, identificando a su vez tres tipos de Taxim en torno a estas duraciones: tipo A, B o C. Por otro lado, también existe el Taxim Mawzun es una improvisación instrumental pero ya interpretada sobre una iqa’, es decir, base rítmica. Me quedo con la frase de Farray y Shumays (2019) sobre el arco narrativo del Taxim: la modulación podría compararse con un viaje en el que el conductor (el músico) lleva a sus pasajeros (el público) en un recorrido (sayr) a través de múltiples paradas (ajnās) dentro de una región particular (el maqām). Este es el centro de la interpretación, partiendo de un inicio suave para progresivamente ir subiendo hasta dar con el punto de clímax. Como reflexión personal quizás algo atrevida, comparo el progreso de un Taxim a las fases de un orgasmo pero llevado a su dimensión mística; iniciando de manera sutil, pasando progresivamente por diferentes instancias hasta llegar al punto de paroxismo en los momentos de clímax “espiritual” entre los instrumentos, los performance y el público.
En esta clase me pareció importante saber cómo se organiza la música en estrofas y estribillos para poder interpretar mejor los cambios de energía e intención al momento de bailar.
El termino Eftatahia me parece importante conocerlo y aprenderlo para poder incorporarlo en el vocabulario específico de la danza para poder comunicarnos mejor. Algo interesante es que términos como el Meyanse o el Interludio también sirven para comunicarse con personas dentro del entorno de la danza o incluso fuera de él, de acuerdo a la referencia que podamos explicar. Esto es clave tanto a la hora de ensayar como al momento de buscar y comprender la música que vamos a bailar.
Me parece importante saber la anotación con notas musicales, en esta clase vimos ritmos Maqsum, Baladi y Saidi.
Entender que el DUM, al ser el golpe grave y fuerte, generalmente coincide con los tiempos más acentuados del compás, mientras que el TAK, más agudo.
Ver el ritmo escrito en un pentagrama ayuda a entender mejor la duración de cada sonido y no solo su orden
En la clase de hoy, vimos la anotación de ritmos Malfuf, Masmudi y Karachi. La escritura del masmudi me parece una estructura más extensa y pesada. Al verlo anotado, se percibe esa densidad rítmica, los movimientos se vuelven más amplios, sostenidos y con mayor presencia.
En esta clase vimos los ritmos Chiftetelli, Sombati, Wahda, Tawila, Fallahi, Sama’i Thaqil.
El chiftetelli es un ritmo lento, sirve como soporte para la improvisación y es muy elegido en trabajos de piso o en secuencias de equilibrio con elementos. Su compás amplio permite movimientos más sostenidos y controlados.
El Sombati / Wahda Sombati / Wahda Tawila
Aparece tanto en pasajes improvisados como en piezas coreografiadas. Tiene una cualidad más introspectiva y profunda, lo que lo hace ideal para desarrollar interpretaciones más musicales y matizadas.
El Fallahi Es un ritmo ágil y enérgico, muy presente en la música folklórica egipcia. Por su dinamismo, suele emplearse también en los finales de las composiciones, aportando un cierre vibrante y festivo.
Y el Sama’i Thaqil es un ritmo más complejo por su métrica irregular. Es habitual en la música clásica árabe y su estructura genera una sensación más sofisticada y elaborada, invitando a una interpretación cuidadosa y consciente de los acentos.
Me gustó mucho la estructura de este módulo, la parte teórica del samai, la parte técnica, y la coreo de Reda. Conocer su origen y estructura nos permite, como bailarinas, facilitar su interpretación y hacerlo desde el respeto y el conocimiento; y, personalmente, familiarizarme un poco más con esta forma musical. Además, la clase incorpora otros conceptos vistos en el Estudio como maqam, wasla, etc. y me ayuda a comprenderlos mejor, el ponerlos en contexto. También me gustó conocer su origen en el Imperio Otomano y cómo los desarrollos históricos y culturales (la caída del imperio, la aparición del fonógrafo, etc) afectan las expresiones culturales como la música.
Muy útil el resumen inicial! La comparación entre el Semai árabe y el Saz Semai otomano me fue me ayudó mucho a asentar los conocimientos aprendidos en la clase anterior. Busqué en YouTube algunos de los compositores mencionados y encontré canciones realmente hermosas. Me encanta hacer los análisis de ritmos en conjunto, pues me ayuda mucho a interiorizarlos en mente y cuerpo.
¡Qué clase maravillosa! Estuvo llena de información: historia, ritmo/estructura, poesía…Me gustó mucho conocer las diferencias y orígenes de la muwashah, muwashahat y finalmente, el samai; así como las diferencias y relación entre la forma samai, saz semai, y samai como ritmo. Además escuchar poemas andalusí (ahora después de esta clase puedo utilizar el término con propiedad!) de hace casi un siglo (con las salvedad de que la música tiene otro origen) me encantó. Siento que cada tema en danza árabe es como un hilo que jala a mucha más información y conexiones históricas y culturales y agradezco a Irene y al Estudio por ayudarnos a comprenderlas.
Qué interesante este tema, para mi siempre ha sido un poco completo esto de entender los maqamat, el sistema pentatónico, aunque está formado solo por cinco notas, aporta claridad y simplicidad que ayudan a comprender mejor el Maqam. Este último es un sistema musical más complejo y expresivo, al entender que ton tantod maqamat, podemos saber qué tan complejo es este sistema y además que rico y poderoso es!. Es como que tiene su propio carácter y emoción. Este sistema Maqam crea una experiencia musical profunda, creería que en este tema, no solo importan las notas, sino también la forma en que se interpretan.
Gracias mi Mari siempre son increíbles tus clases!
La clase inició con un ejercicio de reconocimiento musical, separando en la lógica ABAB la canción “Luxor Baladna”, identificando su estrofa, estribillo, interludio y demás partes. Luego la clase prosiguió presentando el concepto de “rondó”, en donde hay un tema principal (A) pero que luego las estrofas poseen melodías diferentes, variando entre cada una pero volviendo siempre al tema principal (A). Esta forma musical es muy común en las composiciones de presentación de las bailarinas, siendo conocidas estas presentaciones como Meyance, Opening Song o el término más utilizado en Egipto, la Eftatahia. Esta forma cobró vida en los night clubs egipcios y tiene como fin presentar a la bailarina, es la bienvenida y la primera impresión que da del espectáculo al público, por lo que suelen ser coreografías muy virtuosas las que acompañan estas piezas musicales. Puntualmente la forma Eftatahia suele empezar con una melodía potente de entrada, luego se prosigue con un “fadi” que es el repiqueteo del derbake previo a ingresar a la canción propiamente dicha, y recién ahí comienza la melodía principal de la composición. A lo largo de la eftatahia pueden haber diferentes secciones con diferentes tipos de ritmos, quizás con algún taxim, para luego volver a la melodía principal a modo de cierre, en la mayoría de los casos. Ahora volviendo al rondó, se analizó la canción “Aziza”, la cual tiene estructura de rondó que inicia con un tema principal (A) y tres episodios B, C y D que se suceden uno a uno volviendo al tema principal (A) como eje. Me parece una clase muy valiosa para distinguir las diferencias entre estrofa-estribillo, rondó y eftatahia, que están relacionadas pero con sus particularidades es necesario poder distinguirlas bien para plasmarlo en las performances.
Qué interesante la clase!!!, me encantó conocer más sobre esta danza Mizmar, es tan importante entender sobre estas danzas, que como bailarinas debemos conocer, sobre todo para entender mas los contextos de cultura en los que nos estamos relacionando. Mil gracias Mari por tan valiosa información.
El material bibliográfico ofrece un recorrido por lo visto desde el inicio del curso en relación a nociones teóricas de la estructura musical árabe, pasando por el tiempo y espacio, hasta nociones más complejas como escritura musical, notación y lectura. Considero que la formación musical es vital para las bailarinas, tanto reconocer las estructuras como poder replicarlas por escrito o cantando, ya que esto brinda mayores herramientas a la hora de armar una coreografía. Pero sobre todas las cosas, considero que facilita la comunicación con músicxs también, ya que tener mayores recursos de teoría musical hace que lxs arreglos o cambios en la partitura sean entendidos de ambos lados, tanto bailarina como músicx.
La clase presentó al inicio diferentes formas de escritura y nomenclatura de los iqa’at. Dependiendo del maestro, pueden utilizar múltiples formas de notación. La mayoría de los ritmos los aprendí en cuanto a su escritura con la metodología de la Maestra Saida, la metodología de Mario Kirlis, pero considero que la forma de escritura que empleo desde ahora con el Estudio (al menos para mi) es mucho más dinámica para el reconocimiento y correcta división. Se vieron tres ritmos: maksum (que inicia con un dum fuerte), baladi (que inicia acentuando dos dum al principio), saidi (que acentua con dos dum casi al tercer tiempo) y tabl (que tiene como característica iniciar con un silencio). Estos cuatro ritmos (al igual que el malfuf) me parecen vitales para la bailarina inicial, ya que son los más populares y basales. También considero que aprender la escritura y lectura es un arte aparte, ya que nos hace simbolizar los ritmos de manera escrita, y eso organiza mejor hasta a el propio oído.
Es interesante lo que plantea Nesma con respecto a no utilizar los brazos en pose al interpretar un baladi, a la semifexion y a la expresión como si estuvieras en la cocina. poder verme natural aunque tenga un publico delante.
Por otro lado que maravilla que Said Qor convirtiera a los acordeones al sistema makam. Esto simbolizo en 1950 la occidentalización de la música egipcia. Durante muchos años baile o escuche baladis con o sin taqsim desconociendo el verdadero vinculo entre ellos.
Me enseñaron a reconocer partes de un baladi pero nunca había escuchado los términos tahmela sakat awadi tet sari y aflah
En esta lectura teorías del ritmo y el metro en el medio oriente medieval me parece importante destacar que uno de los primeros en estudiar los ritmos y la métrica árabe fue Al-Khalil ibn Ahmad. Él analizó la poesía árabe y descubrió que estaba organizada en 16 metros, formados por combinaciones de sílabas largas y cortas, algo parecido a unidades de medida llamadas pies métricos. Sus ideas influyeron mucho en la forma de entender el ritmo en la música.
Más adelante, músicos y pensadores como Ishaq al-Mawsili y Al-Farabi siguieron desarrollando estas ideas. Al-Farabi fue especialmente importante porque explicó el ritmo como una organización de golpes o ataques con duraciones específicas, comparándolo con la estructura de la poesía. También clasificó tres tipos de ataques (suave, medio y fuerte) según el tiempo que hay entre un golpe y otro.
Estos estudios ayudaron a sentar las bases para comprender cómo se construyen los ritmos en la música árabe y cómo se relacionan con la poesía y el lenguaje.
En el Islam existió un largo debate sobre si la música es permitida o no. Como el Corán no da una respuesta clara, muchos estudiosos recurrieron a los Hadith para justificar distintas posturas, aunque muchos de estos textos eran ambiguos o discutidos. Por eso nunca hubo un acuerdo total. Mientras algunas autoridades religiosas rechazaban la música, en el Sufismo la música y la danza tuvieron un papel muy importante en los rituales espirituales. Esto muestra que la relación entre música y religión en el Islam ha sido compleja y llena de distintas interpretaciones.
La lectura me hizo pensar en lo importante que es la interpretación dentro de la danza. Muchas veces cuando se aprende nuestra danza se pone mucha atención en la técnica o en los movimientos, pero no siempre se reflexiona sobre las emociones que se transmiten. El Baladi, el Zar o el Bolero, tiene un contexto cultural y emocional específico que ayuda a que la danza tenga más sentido y profundidad.
Para que el público pueda conectar con la danza, la emoción debe sentirse real y no exagerada. Esto implica no solo entender la música, sino también reconocer nuestras propias emociones y sus matices. Creo que trabajar la expresión emocional es una herramienta fundamental para lograr una interpretación mas profesional dentro de la danza.
La clase sobre instrumentos de percusión me permitió comprender mejor la importancia que tiene el ritmo dentro de esta danza. Instrumentos como el Darbuka, los Qaraquebs, las Panderetas, los Panderos, las Tabla y los Timbales cumplen un rol fundamental, ya que marcan la base rítmica que guía los movimientos de la bailarina.
Aprender a reconocer estos instrumentos ayuda no solo a identificar los ritmos, sino también a interpretar mejor la música al bailar. De esta manera, puedo responder con mayor precisión a los acentos, pausas y cambios musicales, logrando una danza más consciente y conectada con la música.
En esta clase pude conocer mejor cómo están conformadas las agrupaciones musicales árabes, quiénes las integran y qué instrumentos suelen utilizar. Me llamó la atención que estas formaciones pueden diferenciarse según su tamaño o la cantidad de músicos, ya que a partir de eso cambian algunos instrumentos, se agregan otros o incluso se repiten dentro de la misma agrupación.
Me resultó muy interesante descubrir que, dependiendo de la cantidad de integrantes, podemos hablar de una Orquesta Árabe Moderna o de otras formaciones más pequeñas o más grandes. Ahora comprendo mejor cómo se compone realmente y qué función cumple cada instrumento dentro del conjunto.
También me pareció muy enriquecedor ver que estas agrupaciones no siempre fueron iguales, sino que fueron cambiando con el paso del tiempo y según la región. Esto hace que el sonido también se transforme, incorporando nuevas formas y estilos musicales.
A través de este texto pude aprender cómo fueron nombrados y clasificados los instrumentos musicales en el mundo árabe a lo largo de la historia. Me resultó interesante saber que pensadores como Al-Farabi y Ibn Sina ya habían propuesto formas de clasificación hace muchos siglos, tomando distintos criterios para ordenar los instrumentos. También comprendí mejor la clasificación más conocida que los divide en instrumentos de cuerda, viento y percusión, según la manera en que producen el sonido. Me llamó la atención que los instrumentos de cuerda siempre hayan tenido un lugar tan importante dentro de la música árabe. Además, fue interesante descubrir cómo con el tiempo se incorporaron instrumentos occidentales que se adaptaron para poder tocar los Maqam. Todo esto me ayudó a entender mejor la riqueza y evolución de la música árabe.
Es interesante saber que es el Samai y cómo se desarrolla dentro de la música árabe. Me resultó interesante descubrir que es una forma musical instrumental con una estructura particular, compuesta por varias secciones llamadas hane que vuelven siempre a un estribillo o teslim. También aprendí que gran parte de la pieza se interpreta con el Samai Thaqil, un ritmo de diez tiempos que tiene una estructura poco común para quienes estamos más acostumbrados a los ritmos occidentales.
Además, me llamó la atención saber que este género se desarrolló especialmente a fines del siglo XIX y principios del XX, influenciado por la música del Imperio Otomano, y que compositores como Tamburi Cemil Bey tuvieron un papel importante en su difusión. También comprendí que no hay que confundir el samai con el Muwashahat, ya que este último es un género cantado que puede utilizar distintos ritmos, entre ellos el samai thaqil.
Todo esto me ayudó a entender mejor cómo se organiza esta música y cómo influye en la danza. Saber diferenciar entre la forma musical y el ritmo me parece fundamental para poder escuchar la música con más atención y comprender mejor cómo interpretarla al bailar.
Al analizar la relación entre la música de Latinoamérica y Egipto, me doy cuenta de que el vínculo entre las culturas del mundo es mucho más profundo de lo que solemos notar. Como menciona Mohamed Abdel Wahab, la evolución musical no ocurre de forma aislada; es necesario que existan esos puntos de unión y combinación entre lo oriental y lo occidental europeo para que el arte avance. Ese puente permitió la creación de nuevos géneros y ritmos que hoy disfrutamos, demostrando que la cultura es algo vivo que se transforma al viajar.
Esta clase fue fundamental para entender la complejidad técnica de la percusión árabe a través de un recorrido por ritmos que definen tanto el folklore como la música culta. El estudio de métricas variadas —desde la elegancia del Samai Darig, hasta la estructura clásica del Samai Thaqil permite comprender cómo la escritura organiza el sentimiento de cada composición.
Esto amplía nuestra visión sobre la riqueza rítmica del mundo árabe, demostrando que cada ritmo cuenta una historia geográfica y social distinta.
En este modulo se incorporo ritmos que tienen una influencia occidental, muchas veces los tenemos incorporados sin saber el contexto de donde provienen, acá pudimos analizarlos mas profundamente.
Me gustó haber profundizado en el ritmo khaliji, lo había bailado en una ocasión, pero nunca tuve la oportunidad de estudiar mucho ese ritmo que tiene tanta cultura!
Lo primero que me llamo la atención fue la colocación del brazo de los bailarines que utilizan el bastón ya que es tan diferente a la técnica que utilizamos hoy con el codo a nivel del hombro. Los diferentes estilos en cada bailarina pero compartiendo a mi modo de ver una semiflexión en los brazos, la presencia escénica y la sonrisa. Nesma con delicadeza y sencillez, Randa mas visceral y Ekatreina mostrando la esencia de un show en destreza vestuario y coreografía. Muy interesante observar las diferencia y las similitudes y también observar que podría llegar a tomar de cada una para potenciar mi danza.
La Conferencia de Música Árabe de 1932 presentó muchas adversidades, desde el hecho que habían diferentes gremios de cantantes y bailarines, instrumentos e incluso segregación entre ellos. Me parece díficil intentar medir a la música árabe bajo la vara de la idea victoriana de música, además de un jurado extranjero para juzgar la música árabe. No obstante, entiendo la necesidad de un estándar y agradezco que se haya dado porque ahora podemos tener el lujo de estudiar un profesorado que nos da pautas globales que aplican para cualquier practicante del Raqs Sharqi. Comprendo que no son completamente estándares pero quizá de no haber realizado el ejercicio estaríamos más en cero. Con ello se pudo realizar el plan de estudios de la música egipcia.
Me interesa mucho lo que se menciona de música faranoica, espero lo estudiemos en algún momento!
En la danza la expresión emocional juego un rol importante, no solo la expresión en si es también qué o el como lo transmitimos lo que realmente conecta al público. A veces me pasa dentro de la danza árabe que a veces nos concentramos en aprender la técnica y los movimientos que obvio no está mal, pero dejamos de lado lo importante que en sí que considero lo engloba como un todo, el transmitir una emoción que sea clara y a la vez el sentimiento de esa emoción es lo que realmente permite generar conexión no solo para uno sino también para el público, es muy interesante el ejercicio de observar las expresiones de las personas en la vida cotidiana, porque pequeños detalles como la mirada, la posición de la cabeza o la boca pueden cambiar completamente la emoción que se transmite y se que nos puede ayudar mucho a que nuestras interpretaciones sean más naturales y creíbles al momento de bailar
Son muchísimas {as diferentes opiniones de lo que se ve reflejado en un bolero ya sea en situaciones sentimientos, visiones etc. Desde algo amplio como puede ser el amor hasta algo muy especifico como el vinculo entre dos personas ya sean pareja amigos etc. El bolero ha ido sufriendo modificaciones a lo largo de la historia atravesando procesos colectivos. Ha recibido la influencia de países como Francia y España en el uso de instrumentos como la guitarra el cajón el violín y una influencia determinante de cuba y república dominicana con la clave y el cinquillo por ejemplo. Su padre fue Pepe Sanchez el compositor y creador del primer bolero titulado tristeza. Hubo periodos donde había quienes potenciaban la difusión y el crecimiento y quienes contribuían a la declinación (1920 a 1940) La radio facilito que el bolero se escuchara en muchos países . Tango y bolero eran rivales y con el fallecimiento de Carlos Gardel el bolero desarrollo mas fuerza. Luego hay un decaimiento del bolero debido a que el ritmo del son logra acaparar mayor atención y también debido a la popularidad de ritmos americanos como charleston y fox trot. Entre 1940 y 1960 la época de oro del bolero. Desde Puerto rico emigrara con fuerza a Estados unidos, aparecerá en Cuba el bolero son, en México se consolida el bolero ranchero, en Puerto rico se difundirá el bolero Morubo y en Peru Bolivia y Ecuador primara el bolero rockolero.
En el auge del bolero sera importante la aparición del trió los panchos que innovaran con armonías diferentes en las voces
Me llamo mucho la atención la cantidad de artistas que se nombran en este texto a los cuales conozco y escucho del ambiente de la salsa como Willie Colon, Tito Rodriguez, Cheo Feliciano, Giberto Santarrosa entre otros a quienes admiro mucho.
La crisis entre los 60 y los 90 se debió a la difusión y comercialización, luego ingresara con potencia a los canales comerciales a través del cd, dvd programas de cable y por el mundo del cine.
En los 90 aparecerán nuevos ídolos incorporando en sus repertorios boleros adaptados a las nuevas exigencias y criterios musicales como Luis Miguel, Gloria Estefan. Es interesante la visión de Knights señalando que el actual auge del bolero tiene que ver con una industria de la nostalgia que es una respuesta frente a los cambios acelerados que marcan esta época
Que interesante como se generó esta apertura cultural entre Oriente y Occidente
Desde las expediciones de Napoleón y la influencia británica, Egipto no se limitó y evoluciono en su arte cómo es la música, todo este tema es bastante interesante por el mismo hecho que lo desconocía, y me ayuda a i en el enriquecimiento de conocimientos en esta hermosa danza. Que importante lo que menciona Mohamed Abdel Wahab “el arte solo avanza cuando se construyen puentes” que gran acierto en que integrando nuevas armonías e instrumentos no se pierde la esencia propia sino, que lo hace aún más mágica. Desde mi punto de vista entendiendo esto es que la cultura que no se nutre y se aísla, se pierde a la larga.
Amé la clase sobre todo la diferencia entre un delirio y una buena improvisación! Aplica para todo, inclusive cuando se realiza una exposición académica ante un jurado o una exposición en el trabajo, no lees un papel palabra por palabra como sería una coreografía sino que tienes la estructura en la PPT, en tu cabeza pero con ello vas comentando cada punto acorde al momento y a cómo detectas tu audiencia. También lo importante de los matices para que el público no se duerma con lo lento o sature con lo rápido, que permita expresividad. Lo de las repeticiones ayuda bastante para poder dar expresividad diferente y poder ir al ritmo adecuado. También es importante tener un buen final y siempre dar la mejor actitud! Comunicación sobre todo para que se sepa acá inició, acá terminó. Lo bueno es que Marcos nos enseña la señal del final para que la bailarina se prepare. Considero como auto-tarea practicar posibles remates. Marcos recomienda giros para los finales que es una manera de comunicarse y que hará que el músico acompañe con remates.
Recuerdo en videos de historia que los Egipcios podían escuchar horas a Oum Kalthoum cantando las mismas estrofas de diferentes formas. La improvisación es preciosa para poder disfrutarla y saborearla con todo el sentimiento no solo artístico sino cultural. Lo que nunca me había puesto a pensar es que el Taksim en sí puede verse como si fuese una película hasta el punto máximo de clímax. Tuve un pequeño curso de Iqa tiempo atrás y si bien como escala musical parecería algo menor entiendo cómo la varianza del Iqa, extenderlo, enriquecerlo, podría dar paso a un Taksim. No conocía mucho de la relación entre el Samai y los Taksim, es algo que debo indagar más.
Asimismo, me llamó mucho la atención que podamos clasificar los Taksim en 3 tipos, voy a escuchar más música árabe para poder comprender si es más de secciones minúsculas, alternadas, o largas.
La Wasla es como una gran estructura musical dentro de la música árabe clásica, no es una sola canción sino un conjunto de varias composiciones (pueden ser 5 o más), algo así como una colección completa tipo Harry Potter pero en música, donde todo tiene un orden desde lo más grande a lo más pequeño: la Wasla contiene formas musicales (instrumentales y vocales como Muwashahat, Longa, Tawil, muchas de la época dorada alrededor de 1920), dentro de eso hay piezas, luego frases musicales, después ideas más pequeñas hasta llegar casi a las “notas”; todo esto ocurre dentro de un mismo makaam y con una coherencia, porque no puede ser algo mezclado sin sentido sino que debe contar una especie de historia musical elegante, más clásica que pop, y en conciertos pueden tocar varias waslas (3 o 4), algunas largas incluso de una hora como las de Oum Kalthoum; además, si analizas una canción dentro de la Wasla puedes ver estructuras tipo A (estrofa), B (parte distinta), volver a A, repetir B y terminar en C, lo que ayuda a entender la forma general, y dentro de eso los temas se repiten pero con variaciones (más intensidad, diferente interpretación o más instrumentos, como pasar de pocos a toda la orquesta), también hay ritmos específicos como el Baladi y dinámicas de pregunta–respuesta entre instrumentos o voz, así que en resumen la Wasla es una experiencia musical completa donde todo está conectado, evoluciona y se desarrolla de forma coherente y expresiva. Sobre la interpretación por la letra, yo he usado Notebook LM que lee audios para traducir canciones que no tenían traducción en internet, y preguntaba alguna referencia o fuente. Si bien la traducción sonaba poco natural al español, me ayudaba a comprender de qué trataba, las emociones y hasta le pedía contexto de las canciones. Me ayudó muchísimo para un tema. También lo descompuse como pude pero ahora con esta base voy a hacerlo de forma más profunda.
Me resulto mas que interesante esta clase mas allá de la complejidad en los términos. Por un lado me hace pensar en que a pesar de haber escuchado varios de ellos no podía dar una explicación de su significado. En el caso de tónica si es una expresión completamente nueva para mi, al igual que sistema tonal. Siempre sentí una inclinación y un amor especial por la música y hoy estoy cada vez mas cerca de iniciar mis estudios en un conservatorio o profesorado.
Me gustó esta mini clase de introducción a cómo se analiza la música para poder bailarla haciendo una mejor interpretación. En principio esto se divide en 11 partes que van desde identificar los ritmos , los tipos de instrumentos usados, si son de origen árabe o no, etc. También se menciona cómo hacer el análisis de una canción asignando una letra del alfabeto a cada parte (me gustó el ejemplo con la canción de Britney, creo que lo deja muy claro). También se menciona la importanciai de tener la traducciónd e una canción y saber en qué contexto ésta se compuso. A veces este contexto puede ser histórico, como grandes cambios que le suceden a una población y el tema de la canción resulta ser de nostalgia por el pasado.
En cuanto a la Wasla (Waslat en plural) menciona que se le considera una súper forma ya que dentro de una de ellas pueden haber 5 canciones o más. Éstas pueden tener distintos ritmos y variar desde partes vocales a instrumentales, pero todas tener el mismo makam.
Esta es la primera vez que escucho a Irene y me pareció muy clara y amena. Muy valioso que hiciera hincapié en el hecho de no utilizar el termino andalusi como sinónimo de al andaluz. Me resulto muy útil ver el vídeo con la coreo de Samai que iba marcando los momentos de khana y teslim y me llevo por sobre todas las cosas el mensaje de la importancia para toda bailarina de formarse y capacitarse en el aspecto musical.
Durante la clase se estuvieron analizando las estructuras de distintas canciones. Se empezó con el análisis de la estructura de Luxor Baladna para luego explicar lo que es la estructura de un Rondó. Básicamente, el Rondó posee una estructura de un “Tema principal” que se repite una y otra vez con Distintos “Episodios” que se van intercalando a lo largo de la canción. Estos “Episodios” son distintos entre sí y la canción siempre termina con la melodía del “Tema principal”.
Por otro lado, se habló sobre lo se conoce como:
presentación = apertura = opening song = meyanse = eftatahya
La palabra Eftatahya se usa en Egipto para definir una introducciòn que puede se rmeódica y, a veces, hasta cantada en la que la bailarina entra y se presenta como tal mostrando sus habilidades para la danza. Algunas Eftatahya puede ser una canción en sí misma y suelen usar la estructura de ROndó.
Cuando la Eftatahya es sólo una pequeña introducción, suele estar seguida de un “Fadi” que son como unos compases de percusión de algún ritmo previo al inicio del tema principal.
Me pareció interesante saber que el término “Meyanse” proviene de una palabra en francés que se fue deformando y que es poco conocido fuera del ambiente del bellydance.
En esta clase, aprendí mucho sobre las diferencias de las estructuras de presentación (Eftatahya) tanto gral como la de Rondó.
Saber estas diferencias hacen que podamos armar mejor una coreografia asi como afinar el oído.
Quedo muy claro en cada ejemplo la estructura de ● Estrofa- Estribillo
● Rondó
Me parece muy importante que una bailarina conozca estos aspectos para cuando tenga que hacer un tema de presentación y asi brillar en una apertura de un show.
El documental Reel Bad Arabs me resultó muy impactante al evidenciar cómo, a lo largo de más de mil películas de Hollywood, se ha construido una imagen estereotipada y deshumanizada del pueblo árabe. No solo se les retrata como violentos o con actitudes lascivas en escenas altamente orientalistas —con bailarinas y harenes—, sino que incluso a nivel físico se les presenta como inferiores, con una estética descuidada que refuerza prejuicios. Me llamó la atención cómo estas representaciones parecen tener raíz en antiguas crónicas europeas, perpetuando una mirada externa y sesgada. Un ejemplo especialmente fuerte es el de la película Reglas de compromiso, donde se construye una escena para generar compasión por una niña árabe, pero luego se revela como “enemiga”, provocando en el espectador una sensación de traición emocional que termina reforzando el rechazo. A nivel de personalidad, también se les muestra como torpes o ridiculizados, como en la icónica escena de En busca del arca perdida donde el personaje árabe es fácilmente derrotado. Me quedó muy presente la frase “si no podemos ver la humanidad del árabe, ¿qué queda?”, ya que resume el problema de fondo: la deshumanización sistemática. También me hizo reflexionar pensar qué sienten las personas árabes al ver estas películas en sus propios contextos, enfrentándose a representaciones constantes de violencia hacia ellos. El documental muestra además cómo la islamofobia se ha expandido en el cine, especialmente tras el Atentados del 11 de septiembre de 2001, donde en lugar de presentar a los responsables como un grupo específico, se termina estigmatizando a todo un pueblo. Esto resulta aún relevante en la actualidad, considerando los conflictos vigentes en 2026. Es muy triste y, a la vez, cierto reconocer que hemos crecido con estas imágenes en el cine y los medios; me incluyo, ya que muchas de estas películas formaron parte de lo que consumimos en televisión o DVD, lo que incluso pudo haber influido en que, en algún momento, haya reproducido ciertos estereotipos no solo hacia el pueblo árabe, sino también hacia otros, como ocurre con la representación recurrente de los rusos como “villanos”. Además, en lo personal, he percibido cómo se orientaliza y sobre-erotiza a la mujer árabe: al mencionar que practico danza árabe, he recibido comentarios que la asocian con harenes o con bailar “para un sultán”, lo que refleja directamente estos imaginarios construidos por los medios. Esta exotización presenta al mundo árabe como un espacio violento, descontrolado y opuesto a lo que Occidente considera “moralmente correcto”, muchas veces ligado al Cristianismo, lo que a su vez contribuye a la constante estigmatización de la Islam. Finalmente, me pareció interesante cómo, desde otros espacios culturales, especialmente el humor, cómicos pertenecientes a comunidades árabes, negras, judías y otras minorías han logrado cuestionar y desmitificar estos estigmas, ya que a través de la risa el público puede reconocer lo absurdo y ridículo de muchos de estos prejuicios que durante años se han normalizado.
Lo que resalto de esta clase es la distinción entre el periodo preislámico, el rol de las tribus árabes ( respecto a los 2 grandes imperios (Sasánida y Bizantino), en esta época encontramos la oralidad al transmitir sus historias, lo que luego será un “problema de autenticidad” al no dejar gran cantidad de escritos, también comentamos un poco de los valores de lealtad, honor, etc. En cuanto a autores vemos que Shiloa nos dice que hay gran exposición de los árabes al resto de las comunidades (persa, griega, babilonia, entre otros), que va a influir en ideas musicales y de sonidos aunque no hay grandes evidencias arqueológicas. Si quisiéramos conocer como era la música en esta época solo contamos con fuentes tardías.
Luego tenemos al autor Touma, que distingue el canto Beduino (sencillo, ingenuo y limitado a 2 variantes el juda y el nasb) y de las qaina (más artístico, en el cual podemos distinguir 2 géneros, ¿sinad? o ¿hasar?)
En cuanto al periodo Islámico, vemos que lo define Muhammad, cuando el fallece se genera un vacío de poder ya que había logrado unir a muchas personas, lo sucede un Khalifa en cuanto a religión y poder político. Durante el califato Rashidun se compila el Corán y el islam se empieza a expandir principalmente en Makkah y Medina, en cuanto a la gran tradición musical, Shiloa nos menciona 2 elementos: la elite aristocrática de ese momento y la presencia de esclavos enviados a estas zonas que van a influenciar porque también eran artistas y se expresaban través de la música. Sobre esto último hubo una especie de ataque de los teólogos musulmanes ya que se consideraba la música a costumbres extranjeras y al politeísmo.
Hola! Me activas la clase de Marcos Otero por favor? Si es a través del mail tiene que ser a: andriu5058@gmail.com porque con el que estoy registrada para ver el campus no me funciona . Muchas gracias Maru.
Lo que destaco de esta clase es cómo, a medida que el Califato Omeya se expandía desde la Península Arábiga hacia el norte de África y España, también se consolidaba el árabe como lengua común.
En cuanto a la música, se empieza a patrocinar a los músicos y predomina el panegírico, con canciones de alabanza y poemas musicalizados. Los kalifas incluso adoptan una costumbre sasánida de separarse de los músicos con una cortina. A su vez, los músicos ganan importancia, forman escuelas en sus hogares (donde también se entrenaban esclavas) y había una especie de competencia entre califas por tener a los mejores.
Shiloa destaca que acá surge una gran tradición musical, como forma de vida e identidad, combinando elementos de distintos pueblos. Empieza a construirse un arte más “oficial”, impulsado por los kalifas, aunque no totalmente aceptado por lo religioso ya que la musica era considerada mas un pasatiempo o placer, lo que hace que no se termine de sistematizar.
Respecto al califato Abassida destacamos que en esta época se define la idea del músico “perfecto”, que no solo debía tener talento natural, sino también ser creativo, buen intérprete, cantante, tocar uno o más instrumentos, saber escribir y tener cultura.
La música se desarrolla principalmente en las cortes de los kalifas, palacios y casas de clase alta, donde se destaca el majlis como espacio de reunión, ya sea formal o informal, con fines políticos, culturales o festivos.
Además, algunos kalifas se destacaron como músicos, como Harun al-Rashid
En este tipo de clases tomo mayor conciencia de los pocos conocimientos musicales que poseo en cuanto a términos entre otras cosas como por ej el sistema pentatonico que si bien es usado en varias partes de mundo, lo desconocía. Voy a tener presente esta connotación emocional e incluso espiritual del sistema Tab y el hecho de que no utilicen micro tonos (aunque aun no se bien a que se refiere) Tendré en cuenta escribir maqam con q para diferenciar la foma en la que se escribe en Turquía (makam) y la complejidad para poder clarificarlos debido a su dinamismo. Este tipo de contenido despiertan en mi un mayor anhelo de acercarme al mundo de la música de una manera mas académica. Gracias.
Que hermoso e interesante este texto, donde profundiza sobre el tarab, me hace pensar sobre el musico, la música que hace y la bailarina como en uno solo, también, en que mas de una vez, sin “querer” sentimos o somos tarab, ya sea al bailar o al escuchar o porque no también, al ver alguien bailar
Siempre me ha gustado mucho el género mejansé, aunque no sabía que también se le conoce como Eftatahia. De hecho, la canción que analizamos, Aziza, ya la había escuchado antes y siempre me pareció muy mágica, especialmente en el episodio 3, por lo que disfruté mucho desglosarla; fue como saborear un platillo por partes, apreciando cada detalle. Además, aprendí bastante sobre la estructura rondó, donde se regresa al tema principal con variaciones muy melódicas, y siento que este recurso lo he escuchado en muchas canciones, sobre todo en las que se usan como presentación.
A partir de ahora, quiero escuchar más música con esta perspectiva e identificar cuáles de las canciones que ya conozco siguen esta forma.
Evaluar cuáles son Rondó y cuáles son Estrofa-Estribillo como el ejemplo de Luxor Baladna.
Esta bueno el planteo de organización, en mi caso me gustaria mejorar mi tecnica por lo cual es mi objetivo y sera parte de mi entrenamiento para poder cumplir el objetivo.
Hola! No sabia sobre el Tarab, y me resultó interesante saber que no hay una única definición de la palabra ya que es interpretada desde diferentes aspectos. En especial para las bailarinas del Bellydance que tambien pueden generar una transformación en la gente a través de la música e interpretación, ellas encuentran la conexión entre el público y la emoción que les genera la música. Pero también me pareció interesante que no todas las bailarinas son Sammi’ah ya que no todas pueden escuchar la letra de una canción e interpetarla, es decir que no todas pueden expresar físicamente lo que expresa el Tarab, ese estado de mucha emocionalidad entre el artista y el público.
Ahora comprendo cuando en una clase nos dicen que escuchemos la musica, la letra y expresemos más sentimientos. No solo la técnica es importante es un combo que toda bailarina debe tener si quiere dar un excelente show.
Me pareció interesante ver cómo el vals evoluciona sin perder su esencia por el movimiento circular, el compás de tres tiempos y su carácter expresivo. Es un buen ejemplo de cómo la música y la danza se transforman con el tiempo, pero siguen transmitiendo emociones y conectando con las personas.
Aprecio el repaso a lo que vimos en 1er año sobre qué es tono/espacio, qué es tiempo/ritmo, qué es pulso, cuyo término en árabe es Mawzuma. Igualmente recordar el concepto de Iqa (que serían los ritmos) versus lo que vimos a finales de 1er año que fueron los Maqam (las escalas o mapas melódicos). Personalmente confundía a veces el Iqa edl Maqam. También recordar las influencias de Al Khalil Ibn Ahmad, Ish Aqq Al Mawsill, Al Kindi, Al Farabi, Ibn Al Akfani y Askar Al Halabi Al Qadiri que no solo fueron músicos sino algunos fueron filósofos y de profesiones diversas que contribuyeron a la música.
Es vital como bailarinas distinguir entre tempo (velocidad) versus pulso, ya que los pulsos se dan en un tempo. Para aprender de pulso recuerdo que nos enseñaban dando palmadas. También cómo el compás divide los tiempos a través de los acentos.
Lo que sí me cuesta es memorizar las diferentes notas como redonda, blanca, negra.
Sobre los sonidos en la danza, el Zak no lo conocía mucho. Me gustaría saber si en algunos ritmos suele usarse más un Zak que un Tak.
Conocía la forma de Saida por el primer año que estuve en La Pink y la nomenclatura de Mario Kirlis tanto por su libro como el DVD de ritmos que sacó con Saida. En lo personal me gusta más el método de la escuela Sahar porque es tal cual los músicos representan las notas, inclusive, marcando los silencios lo cual es súper útil. Por ejemplo, cuando he diseñado mis coreografías y quiero trabajar con capas, tengo que hacer una subdivisión del Iqa porque necesito ver qué parte del cuerpo golpea en qué tiempo, y de no conocer exactamente dónde cae cada pulso y los silencios que a veces caen a inicios de tiempo (como en el Tabl) no podría diseñar cómo hacer las diversas capas con el cuerpo para que sea armónico y tengan coherencia con lo bailado.
El bolero nació en Santiago de Cuba y se expandió por América Latina, especialmente en México. Se caracteriza por sus letras románticas y su expresión profunda de emociones como el amor y la nostalgia.
El bolero nos invita a conectar con nuestras emociones incluso hoy en día.
Al fusionarse con el bellydance, permite explorar movimientos más fluidos, lentos y expresivos, donde predominan ondulaciones, movimientos de brazos delicados y trabajo de torso que acompañan la melodía.
Se trata de la interpretación. Invita a conectar con la emoción de la música, transmitir sensibilidad y contar una historia a través del cuerpo.
El bolero es el resultado de un largo proceso histórico, cultural y social en América Latina y el Caribe. Como plantea el texto, no tiene una única definición: puede ser un discurso amoroso, una forma de entender el mundo o incluso una manera de atravesar las experiencias humanas. Surge del mestizaje entre influencias europeas, africanas y caribeñas, y crece acompañado de los cambios políticos, económicos y sociales de la región.
Reflejando la historia misma de América Latina, con sus mezclas culturales, sus desigualdades y sus transformaciones. A pesar de crisis, cambios de moda y contextos adversos, sigue vigente porque responde a la necesidad humana de expresar y comprender el amor. En este sentido, el bolero no solo cuenta historias románticas, sino que también funciona como una forma de resistencia cultural, manteniendo viva una “cultura del amor” frente a un mundo cada vez más acelerado y globalizado.
Esta clase me permitió comprender mejor su energía, ritmo dinámico y carácter festivo. Fue interesante ver cómo la música guía movimientos más saltados y expresivos, aportando alegría y vitalidad a la danza. Me resultó especialmente útil para reconocer su estructura y aplicarlo en la práctica corporal
No tenia dimensión de lo amplia que puede ser el tarab, y es muy interesante incluso tener en cuenta que hay diferentes posturas, también es muy interesante ver que abarca mas de lo que uno cree y que no esta referido a un solo sentimiento o sensación, me encanta porque es flexible y no tiene una definición única, creo que el tarab también habla de como uno se siente en el momento, escuchando una canción o viendo a alguien bailar, como que habla un poco del estado de animo de cada persona individualmente, y todo podemos sentir un tarab pero en diferente grado.
Lo poco que conocía en cuanto al Dabke, lo tenía asociado a que era un baile alegre que había comenzado en las bodas y con el paso del tiempo se volvió como “más político”, pero que lindo e interesante como fue surgió, habla mucho más de sus costumbres y no es tan superficial u obvio, no tenia idea que se ejecutaba a través de personas tomadas de las manos para levantar sus viviendas o calentarse las manos en el invierno, me encanta el Dabke, y así como esto me gustaría ir conociendo un poco mas.
Al fin conozco la forma musical que usaba Umm Kulthum, cierra una vez mas una incógnita, una pregunta que siempre me hice, de algo que siempre me llegaba muchísimo, la forma musical que ella usaba, jamás había escuchado el termino Taqtuqa, es mas, es muy enriquecedor e importante el hecho de aprender que se usaba para hablar sobre los matrimonios a temprana edad o de feminismo, me abre el panorama a que estas cosas también se pelean o se luchan para poder concientizar sobre estos temas que en la actualidad siguen sucediendo. Incluso me acabo de anotar los artistas que están anotados en esta clase para escuchar aún mas.
Creo que una de las cosas que mas me sorprendía en las orquestas de Umm Kulthum era lo enorme, y masivo que eran sus músicos, y ahora comprendo porque es importante tener una gran orquesta para que la Ughniya Tawila suene y sea lo hermoso que es!!!
Que lindo y enriquecedor poder ver cada estructura dentro de los clásicos que conocemos, muchos años me pasó que solo conocía tal vez la primera parte de una canción, porque al ser tan largas hoy en día las orquestas las acortan o tocan solo una parte, entonces cuando empecé a ver que canciones como Fakkarouni o Enta Omri tenían letra, me enamoré aún mas, y ahora poder conocer que tiene diferentes estructuras me enriquecen mas
Creo que ahora me siento con mas recursos a la hora de componer, fue muy enriquecedora estas clases de Ughniya Tawila, te brinda mas herramientas y por supuesto te hace enamorar mas de los clásicos de la música árabe, otro puntito mas para que se te ponga la piel de gallina cuando bailas.
Creo que es muy importante también, a veces conocer un poco lo que dice la letra, para poder darle a nuestra coreografía la interpretación corporal de lo que dice la canción, creo que eso es un plus, te suma un montón
A pesar de la modernización, se mantienen elementos cohesivos como la música y la procesión. Esta permanencia de lo simbólico en un mundo globalizado me hace pensar en la identidad… Aunque la novia hoy ocupe un lugar más central y visible, el concepto de privacidad y respeto por las etapas del proceso sigue vigente. Es una lección sobre la resiliencia de los significados culturales ante el paso del tiempo.
Súper interesante la clase!! Si bien tenía un leve conocimiento sobre las Qainat, me ayudó muchísimo para ubicarme en tiempo y espacio. Diferenciar entre los distintos periodos y su importancia histórica. Las cuestiones religiosas, las alianzas estratégicas, las costumbres y las formas de transmitir el arte.
Me pareció muy interesante esta clase, la importancia del Califato Omeya, como se establece la lengua árabe como oficial por una cuestión religiosa. Como se le da importancia y espacio a los músicos y poetas y la diferencia a otras culturas ya que los califas competían por tener los mejores artistas cultivando su educación y desarrollo.
También destaco que la gran tradición musical (a diferencia de otras culturas), se crea al combinar elementos de diferentes pueblos que fueron conquistados con la cultura árabe.
Y siguiendo con el Califato Abbasida, se siguen patrocinando y elevando la calidad de los músicos y poetas de la época.
La clase explica qué es el compás como un grupo de pulsos que se repiten y que se separan con barras. Muestra que pueden ser binarios, ternarios o cuaternarios según la cantidad de pulsos. Para entenderlos mejor, aparece el acento, que es el golpe más fuerte y marca dónde empieza y termina el compás. Lo que más me sirvió es la parte práctica: aplaudir para encontrar el pulso, ubicar ese golpe más fuerte y ver cuándo vuelve a repetirse. También suma ejemplos como el vals (3 o 6) y el baladí (4), y es de gran utilidad para mejorar el entendimiento al momento de bailar o crear coreografías.
Voy a investigar más sobre los autores que nombraste en un principio, sería interesante conseguir y leer sus libros.
Me parece algo muy importante y básico para una bailarina tener en claro la noción de ritmo, melodía y pulso.
Si bien, a través de los años son conceptos que se van incorporando de manera orgánica y escuchando mucho repertorio musical, creo que hay que tenerlos en cuenta como bien decías a la hora de dar una clase en los comienzos de alumnas que quizás nunca escucharon música árabe y nunca tomaron una clase de danza.
Que bueno aprender la parte técnica y teoríca, la diferencia entre pulso, acento y compás, para poder entrenar el oido a la hora de escuchar música. Definitivamente voy a prestar más atención ya que tenemos tan normalizados los tiempos de los ritmos árabes que quizás no nos ponemos a escuchar con tanto detalle.
Me sirvió muchísimo la primer parte de la clase para practicar el compás en cada canción. Luego se vió la definición de ritmo y las figuras básicas para comenzar a leer música (negra, blanca, corchea y los silencios) que si bien tenía conocimiento, siempre es buen momento para repasar y tenerlo claro.
Muy buenos ejercicios para practicar todo lo aprendido hasta ahora, en mi caso se me dificulta cuando hay corchea y silencio de corchea juntos. También ví por primera vez las fracciones, el numerador indica el número de tiempos por compás y el denominador indica la figura rítmica elegida para representar el pulso de ese compás.
En esta clase vimos la definición de puntillo (es un punto que se coloca a la derecha de una figura y añade la mitad de su valor) y anacruza (son notas que preceden al compás), son conceptos nuevos para mí.
También vimos las distintas barras de compás y la vocalización de los ritmos.
Me gustó practicar ejercicios más complejos, ya que no tengo tanto conocimiento en la escritura básica de los ritmos (siempre los ví representados en dum y tac).
El concepto de tarab me resultó muy interesante porque muestra que no solo puede estar presente en la música, sino también en otras artes como la danza o la pintura. Me llamó mucho la atención entenderlo como un estado profundo de emoción o éxtasis que cada persona puede experimentar de distintas maneras, dependiendo de su sensibilidad, su cultura y el contexto. Desde que conoci este termino me gusta pensarlo desde el Rol de la bailarina como intérprete y mediadora, ya que no solo expresa la música con su cuerpo, sino que también transmite emociones, recuerdos y sensaciones. Tambien suelo asociarlo con esos momentos en los que una canción, una danza o una performance me generan emociones tan profundas que me cuesta ponerlas en palabras.
Me sorprendió descubrir la variedad y complejidad de estas formas musicales dentro de la música árabe, ya que no conocía cómo una estructura más breve como la taqtuqa pudo convertirse en composiciones mucho más extensas y elaboradas como la ughniya tawila. Me pareció muy interesante cómo la participación del público, a través de la repetición y la conexión emocional, también influyó en esa evolución artística.
Además, entender que cada forma tiene su propia definición y lugar dentro de la tradición musical me hizo valorar mucho más su riqueza cultural. También me llamó la atención la profundidad de las temáticas mencionadas, que van más allá del amor romántico e incluyen aspectos sociales y emocionales. Todo esto me permitió ver la música árabe clásica como un arte profundamente expresivo y en constante transformación.
Me resultó muy interesante comprender la verdadera dimensión de la muqaddima dentro de la música y la danza árabe. Muchas veces es la parte más conocida para quienes bailamos belly, ya que suele ser el fragmento que más se conoce y se interpreta en la actualidad. Sin embargo, entender que pertenece a estructuras mucho más extensas como la ughniya tawila le da una profundidad completamente distinta.
Estas clases sobre la Ughniya Tawila me dejaron nuevas herramientas para pensar la composición coreográfica de una manera mucho más profunda. Analizar estructuras tan ricas dentro de músicas que muchas veces conocemos solo desde la práctica, permite comprender mejor cada parte y crear interpretaciones más conscientes.
Me resulta muy valioso aprender a reconocer cómo cada sección tiene su propia intención, energía y desarrollo, y cómo la danza puede acompañar verdaderamente esos cambios. El Mazhab, por ejemplo, con su capacidad de cautivar desde el inicio y preparar emocionalmente al público, demuestra que cada parte cumple un rol fundamental dentro de la experiencia. Entender estas estructuras no solo enriquece la musicalidad, sino también la capacidad expresiva de la bailarina.
El Tarab me permitió entender la música árabe como una experiencia mucho más profunda que solo lo musical. Me resulta fascinante cómo une emoción, arte e interpretación, generando estados intensos difíciles de explicar con palabras.
También me llamó la atención la importancia de la escucha, la poesía y la improvisación como parte fundamental de esa conexión. Como bailarina, comprender este concepto enriquece aún más la interpretación, ya que implica no solo bailar, sino también transmitir y mediar emociones profundas a través del arte.
Que enriquecedor ver como Irene explica la Ughniya Tawila, como te hace sentir la música y explica que esto tiene una estructura justamente para hacerte llegar a esos sentimientos, como la música también tiene muchos picos, donde llega a su punto máximo, repite o cambia, también pienso en como los músicos y cantantes pensaban para armar todo esto, es mucha practica y coordinación para hacer piezas hermosas que aún seguimos disfrutando
En esta clase se repasaron fundamentalmente conceptos de escritura musical, canto y pulso continuando con lo visto en la parte 1. Se abordó primero el ritmo Maksum, ritmo de 4/4, que se nomencla dum-tak-tak-dum-tak. A partir de aquí vimos que los ritmos pueden tener una base y pueden tener relleno, escuchando pistas de ritmología. Lo importante es saber bien la base para luego jugar con rellenos en cada ritmo. Luego se introdujo al ritmo Baladi, también de 4 tiempos, cuya 80% de estructura es similar al maksum, a diferencia que comienza con dos “dum” bien marcados (dum-dum-tak-dum-tak). Se revisaron nociones del ritmo Saidi, siendo un ritmo de 4/4 que se canta dum-tak-dum-dum-tak (dos dum bien marcados en el medio). Se dio paso al ritmo Katakufti (antes nombrado Tabl, aclarando que tabl es el nombre del bombo característico con el que se toca el ritmo, no del ritmo en sí); su patrón es de 4/4 se caracteriza por su silencio inicial y su carácter a tierra folclórico, siendo nomenclado como dum-tak-dum-tak (siendo el primer dum profundo, y el siguiente tak-dum pegados). Se dio paso al Malfuf o Laff (cuyo significado es envuelto, por su cadencia cíclica); este ritmo de 2/4 es conocido por ser usado en las Opening Songs y por su patrón de pasos como deslizados, chassés, presentación, giros, etc. Luego se prosiguió con el ritmo 4/4 Tawil o Wahda que significa “largo”, en su interior contiene un Malfuf pero con relleno se vuelve “estirado” –por eso los pasos comunes son ondulaciones, omis, cortes con shimmie, y se canta como DUM-takatakaTAK-takatakaTAKa (las mayúsculas indican el acento de Malfuf). Se presentó el Karatchi (ciudad de Pakistán que le da nombre al ritmo) y a diferencia de los otros es muy particular: su compás es de 2/4 (ritmo corto), el primer tiempo es en un tak (se escribe taktaktak-dum). Finalmente se presentó el ritmo Masmoudi, que es de 8/4 (más largo que los anteriores) se canta DUM-DUM-TAKa-takataka-DUM-takatakaTAK-takatakaTAKa, con dos dum bien profundos en el inicio (en su interior contiene un Baladi como base resaltado en mayúscula, después de la mitad es un Tawil y se suele bailar con cortes y grandes ondulaciones, shimmies, estiramientos). Toda esta clase estuvo enfocada en diseccionar cada ritmo en su pulso, nomenclado, escritura y canto, y es importante diferenciarlos porque son típicos en las composiciones promedio, y algunos ritmos contienen en su interior a otros (polirritmia), es por eso que los acentos y los silencios, además de reconocer los tiempos es fundamental para esta etapa del profesorado.
El inicio de la clase fue un repaso de los ritmos vistos durante la parte 2 (Maksum, Baladi, Saidi, Malfuf, Katakufti, Malfuf, Tawil, Karatchi y Masmoudi). Se presentó el ritmo Chifteteli significa “doble cuerda” (ritmo de Turquía y relacionado a Grecia, zona del Mar Egeo) que es un ritmo de 8/4, usado como base de improvisaciones, trabajo de piso, equilibrio con elementos, etc. Se canta como dum-taktaktaktak-dum-dum-tak, es más bien un ritmo lento y cadencioso. Pasando al Sombati, ritmo también cadencioso de 8/4, bautizado así por Riad al Sombati, músico egipcio. Se nomencla DUM-TAKTAK-dum-tak (siendo los dos dum bien pronunciados, similar al Chifteteli solo que la primera mitad tiene acento de Malfuf lento, marcado en mayúsculas). El ritmo Fallahi está relacionado a los campesinos y música folklórica egipcia. Es un ritmo alegre y rápido, muy cortito, siendo cantado du-kataka-du-katak (al ser tan rápido se omite pronunciar algunas letras al cantar). Depende el contexto dependerá la coreografía, puede poseer pasos reda o folclórico, o si está en una composición de presentación puede ser con giros o shimmies, suele ser un ritmo final. Finalmente el ritmo con el que cierra la clase es el ritmo Samai Taquil, ritmo de 10/8 (de los más largos). Se suele confundir el “Samai” con el “Samai Thaquil” con el Muwashahat. El Samai se relaciona a Turquía (estilo musical), y el Muwashahat es una forma de poesía y música de la zona de Al-Andalus. Respecto al ritmo turco, se lo nombra “Samai Thaquil”. dum-s-s-tak-s-s-dum-dum-tak-s-s (s son silencios). Al cierre de la clase se practicó la escucha de varios ritmos para la detección de ellos, lo cual me parece el ejercicio más interesante para diferenciar cada ritmo visto en las tres partes.
El esquema de la clase está dividido en una sección musical para poder reproducir cada ritmo y un archivo con la escritura, historia y características de cada ritmo. Me parece un excelente recurso como base que condensa un poco de dato contextual, escritura y audición. Es la base, después depende de la bailarina ampliar escuchando más música o profundizar en la escritura estudiando algún instrumento o teoría musical. Es recomendable tener estos archivos impresos o como material de trabajo, ya que funcionan bien como soporte para releer y aprender bien la teoría. Me sorprendieron algunos datos que no sabía, como la etimología de Katakufti en griego, o que Thaquil (del Samai) significa pesado. El archivo es una muestra de investigación detrás que es muy fructífera para introducir de manera seria la teoría musical para las bailarinas.
En esta clase basada en la bibliografía de George Sawa, se presentan a cuatro figuras clase de la historia de la música en Medio Oriente: Al Khalil Ibn Ahmad, Ishaq Al-Mawsill, Al Kindi y Al Farabi. Sobre Ibn Ahmad (718-786) podemos decir que fue el creador de la prosodia árabe, utilizando su conocimiento de la disciplina musical y descifrando el sistema métrico del preislamismo. Descubrió 16 metros, y su “Libro del Ritmo” fue el tratado más importante que logró producir. Al-Mawsill (+850) señaló que así como es el ritmo a la música, es la prosodia a la poesía. Su obra más destacada es “Libro sobre la Composición de las Melodías”, aunque fue más de la praxis que de la teorización. Siguiendo con Al-Kindi (+870) tuvo acceso a las traducciones árabes de la teoría musical griega y al no ser músico sus teorías no aplican del todo a oriente, pero sí ha hecho elaboraciones de modos rítmicos árabes. Al-Farabi (+950) es el teórico más reciente de los cuatros y que mayor obra se ha recuperado. Elaboró extensos conceptos, entre ellos destaca el “chronos protos” (tiempo primero, duración más pequeña entre dos ataques), las nociones de ritmo conjuntivo, ritmo disyuntivo y ritmo aditivo (siendo este un ciclo rítmico compuesto de ataques y duraciones). Cada duración la entendía como parte rítmica, y si esas partes se combinan se crea un modo rítmico (lo que entendemos como ritmo). Extensas obras generadas como “Gran Libro de la Música”, “Libro de los Ritmos” y “Libro para la Comprensión Básica para los Ritmos”, redefinió el término iqa’ e introdujo tres tipos de ataque (suave de un silencio de corchea, medio de un silencio de negra y fuerte de un silencio de blanca). A su vez, dependiendo del tipo de ataque, puede haber tres tipos de iqa’at (suave, medio y fuerte también). Habiendo ubicado las épocas, las elaboraciones y los recorridos de los autores, se desea exponer que el texto ha sido de una dificultad relativa de primera lectura ya que cuento con más formación de baile que de teoría musical en extensión, pero luego de algunas lecturas se van captando conceptos principales. El texto de George Sawa es muy bueno en rescatar formas diferentes a occidente de nomenclar la música, y los gráficos ayudan mucho a traducir las notaciones orientales.
Términos que son significativos en el Islam, Samâ, significa escuchar o la música escuchada, incluye la danza practicada principalmente por muchas cofradías místicas. El concepto de samâ se contrasta con el de ghina (canto). En el Islam la música estaba asociada con la pérdida de la vergüenza y el libertinaje,
El texto explica que, según ciertos hadices islámicos, la música y los instrumentos musicales son asociados con conductas inmorales y pecaminosas. El término maâzif se interpreta como instrumentos musicales vinculados al tarab, es decir, las emociones intensas producidas por la música y la poesía. algunas personas usan la música para buscar placer y diversión Hay además, instrumentos considerados prohibidos, como el mizmar (flauta o pipa de caña), el ‘ud (laúd), el tanbur y diferentes tambores y panderetas. También aparece la idea del diablo como inspirador de la música, ejemplificada en hadices donde se relaciona el canto y los instrumentos con la influencia demoníaca.
Entre los instrumentos condenados aparecen:
el mizmar (flauta o caña),
el ‘ud (laúd),
el tanbur,
tambores y panderetas.
También se critica a las cantantes esclavas (qiyan), frecuentes en la Arabia preislámica (jahiliyya), por su papel en fiestas, propaganda contra Mahoma y rituales considerados paganos.
Para distintos ritmos, como el Baladi, el Vals, el Bolero y el Zar, se debe tener en cuenta distintas expresiones, como emociones, alegrías, tristezas y enojos. Un ejercicio para lograr estas expresiones es la observación. No se puede bailar sin tener en cuenta que cada ritmo se baila de distintas formar.
Tarab no tiene una unica deficinion. Es un fenomeno lleno de aristas historicas, linguisticas y artisticas que no tiene una unica definicion.
Segun el musico Rasy, desde una perspectiva linguistica es un estado de arrebato, extasis o encantamiento que se da entre el artista y público. Lo llama como un modelo de retroalimentación externa. Tambien es un campo cultural. La cultura del tarab es un fenomeno urbano natico de ciudades como el cairo, beirut o damasco. despues de la 2da guerra mundial. Este musico lo relaciona intimamante el tarab con el arte de la musica arabe pero desde una mirada mas amplia el concepto tarab tambien es un estado de dicha o felicidad respecto a un objeto artístico (cuadros, poemas, etc).
Algunos autores señalan a artistas como iconos y ejemplos para hablar sobre Tarab:
-Said elogia a la bailarina Tahia Carioca como simbolo cultural, encantadora y con un poder secreto inalcansable por otros artistas.
-Virginia Danielson dice que la cantante Umm Kulthum generaba una profunda conexión emocional, que lograba magistralmente mediante la improvisación y su potente voz.
En el contexto bellydance contemporáneo, comprender el Tarab a través de este entramado cultural resulta imperativo para el artista. Cuando una bailarina interpreta estas piezas, abandona la ejecución puramente técnica para convertirse, ella misma, en una Sammi ah que baila, esta pasa a ser una mediadora que absorbe la poesía y la música, devolviéndolas al público.
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¿Qué estrategia de estudio aconsejás para incorporar los ritmos?
Hola Gaby! Para estudiar los ritmos te recomiendo que primero intentes encontrar la escritura en el audio de ejemplo. Una vez. Que ya hayas entendido cómo es el ritmo, hay que memorizar. A mi a veces me sirve aprender un ritmo asociándolo a un tema donde aparezca. En general retengo bien melodías y suelo aprenderme un ritmo así. Otras veces lo asocio a una secuencia coreográfica. Por supuesto que hay veces donde debemos simplemente hacer trabajo de memoria. Cantar el ritmo siempre ayuda!!! Besos!
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Hola Maru , me darías un ejemplo de cómo tengo que hacer un artículo desde un informe de los Gypsies?
Hola Nan! Vos te referís al punto de la parte teórica sobre los gypsy donde dice que se van a analizar artículos actuales de la situación de los gypsy? Si vos querés crear un artículo sobre la situación actual de la población romani, lo primero que tenés que hacer es elegir una zona específica o una población específica. Luego lee un poco sobre la historia de esa población romaní particular para interiorizarte de las problemáticas que tuvieron desde que llegaron a ese país hasta la actualidad. Una vez que tengas ese conocimiento, ahí tenés que empezar a buscar en google noticias en diarios e ir viendo cuales son las que se repiten. Podés elegir un rango de tiempo específico. Y luego te diría que busques si en la UNESCO, Unión Europea, Unión Romaní, u otra organización internacional, hay algún informe sobre alguna de las problemáticas que identificaste para esa población. Ese sería el paso a paso, de forma breve. En el caso de esta materia, encontrás que nosotros ya les proporcionamos el material a analizar. Besitos!
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Hola Mari, me podrías explicar la pauta del examen que habla de la relación teorico-práctica
Hola Pame! La pregunta apunta que intenten relacionar lo estudiado a nivel teórico con el repertorio actual del Bellydance. En la mayoría de las escuelas se enseñan las versiones escenificadas de las danzas. Estás han alcanzado una difusión masiva y es raro incluso encontrar la versión nativa de las mismas.
Otro de los puntos a relación es cómo el uso de la técnica de la danza clásica, contemporánea o las formas de realizar coreografías en el Moiseyev han llegado hasta nuestros días gracias a Reda y el Firqat.
Ahí tienen varios puntitos para relacionar. Un beso enorme!
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hola mari!!! yo quería saber cuando vos tocas los chichines lo haces poniendo dum y tac en derecha , ka en izquierda?, o es indistinto? porque cuando yo hice el profesorado me decían que mientras suene el ritmo no importaba la mano con que se lo tocara, y me acostumbre a pasar un sonido de una mano a la otra. Pero cuando hice el curso de osvaldo, y otros seminarios con músicos , ellos insisten en derecha dum y tac y ka en izquierda. Tengo que re aprender y se me hace muy cuesta arriba
Hola Ro! A lo largo de los años me pasó lo mismo que a vos, dependiendo del maestro la técnica para tocar los chinchines es diferente. Hay quienes dirán que debemos respetar la derecha o la izquierda para el Dum y para el Tac, hay quienes tocaran de la misma forma todos los sonidos y quienes enseñan a realizar variaciones en los mismos. En mi caso les muestro cuál es la forma en la que los toco pero ustedes son libres de tocarlo de la forma en que deseen mientras logren que el sonido sea limpio, fluido y vaya a tiempo. Besos!
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Tengo dudas respecto a la posición de Andrea Deagon. En el texto de Dox (2005) se la menciona como una bailarina que contribuye a la construcción de la noción del Bellydance Espiritual. Y en el texto de Deagon (1998) pareciera que ella tiene una posición más crítica sobre los mitos del origen.
Alguien podría aclararme esta duda? MUCHAS GRACIAS!!
Hola Vani! Cómo estás? A veces vas a encontrar que los autores a lo largo del tiempo van cambiando de opinión. Andrea Deagon tiene un artículo super interesante donde critica las teorías del origen simplistas, y propone causas múltiples. Por otro lado tiene artículos donde habla de la transformación de la bailarina y de como el símbolo de la diosa la ayuda en esta transformación. Creo que si bien ella pertenece a la rama del Bellydance espiritual, supo hacer a un lado las teorías del origen que no eran académicas. Espero que te haya servido!! Besos!
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Eliminado Danzas Nubias con El Hosseny
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perdón por mi ignorancia pero no se que es un jane y un teslin. Gracias!
Hola Ro! Cómo estás? El Hane y el Teslim son dos componentes que forman la estructura del Samai. El hane sería como una estrofa y el teslim como un estribillo. Una estructura de ejemplo sería: HANE TESLIM HANE TESLIM HANE TESLIM HANE TESLIM
Besitos!
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me encantó esta clase!!!!!!!!! gracias Mario!!!!!
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Hola mari. Una pregunta, más que nada una curiosidad, en la clasificación de Kinney ¿cuando habla del saludo. Esto de que algunos eran con palmas juntas otras separadas, tenia que ver según a quién lo hacían, si era a algún faraón u otra persona?
Hola Fabi! Cómo estás? El grupo de saludo es dividido a su vez en subgrupos según las distintas posiciones de las manos. Las diferentes posiciones de saludo pueden variar por: el lugar donde se pintaron, el momento histórico en que se hicieron o asociado a que danza se dibujó esa pose (por ejemplo no es lo mismo si la posición de saludo aparece junto a “juego de hombres” que si aparece junto a “brazos en forma de diamante”. Por lo tanto no existe una única razón por la cual tenemos varios tipos de saludos. Besitos!!
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En el saidi shimie los talones están siempre apoyados?
Y las rodilla? Minimamente flexionadas?
Hola Pao! En el saidi shimmie tenés que tener las rodillas en demiplie (semi flexionadas) y los talones totalmente apoyados. El movimiento tiene que nacer del trabajo de la cadera. Un beso enorme!
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Hola Profe teniendo en cuenta lo visto en las tres clases se me ocurre preguntarte si el término bellydance no aplica también a “la movida o ambiente” de las bailarinas, Por ejemplo sé de estudiantes que bailan con una profe X y van a Colette invitadas por Y . X e Y son artistas reconocidas entre profesoras/es y alumnas/es de bellydance. Me gustaria conocer tu opinión
Hola Dani! Muy buena pregunta! Creo que en primer lugar tenemos que diferenciar cuando hablamos con amigos, compañeros o colegas y cuando vamos a escribir de manera formal. Cuando uno tiene que escribir o hablar de manera formal debe aclarar “la comunidad del Bellydance” o “el ambiente del Bellydance” o cualquier sinónimo que quieras utilizar para referir al conjunto de personas que practican esta disciplina.
Cuando hablamos entre amigos o con confianza, solemos omitir algunas palabras y es común que se use solamente la palabra Bellydance sin ninguna palabra aclaratoria al comienzo. Si la ubicamos en un contexto oral correcto la persona que nos escucha nos va a entender.
En mi opinión es mejor agregarle adelante la aclaración, sea un contexto formal o informal. Muy interesante tu observación! Besos!
Hola Profe ¿Me pasarías un link de un mapa de la liga árabe? Gracias
Hola Dani! Cómo estás? El mapa de la Liga Árabe lo encontrás en el sitio web oficial de la misma: http://www.leagueofarabstates.net/ar/aboutlas/Pages/CountryData.aspx
Un cariño enorme!
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Para hacer un breve resumen a ver si entendí bien todo! 😀
El Samai está compuesto por Hane y Teslim. Cada Hane termina en un Teslim (un estribillo, el cual se siempre se repite) y el último Teslim de todos utiliza un ritmo ternario como el vals.
La diferencia con el Bashraf (debo reconocer que no sabía qué era esto jajaja) es que el samai usa ritmo samai (10/8) y el Bashraf usa ritmo 4/4 y el último Teslim no utiliza vals.
Lo único que no me quedó claro es en cuántos veces se repite el HANE-TESLIM. 3? o pueden ser más?
La verdad tuve que verlo dos veces para terminar de enteder todo, especialmente porque no sabía qué era Hane y Teslim! Gracias! Excelente clase!
Hola Vani! Claro, Hane y Teslim son como estrofa y estribillo y se van intercalando el uno al otro con las características que mencionaste. La estuctura general en que se repiten hane y teslim son 3. Por supuesto que hoy en día hay quienes salen de esta normativa. Me pone muy contenta que te haya gustado! Besitos!!
Dónde puedo conseguir el libro del maestro Mario Kirlis? Lo estuve buscando en google pero no está :O No se edita más?
Hola Vani! Mario vendía su libro en el espacio colette en los días y fechas donde hacía shows. Ahora deberías escribirle para poder comprárselo, no se com estará vendiéndolo en este período de cuarentena. Besos!
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Mari, de cuanto tiempo tiene que ser nuestra coreo?
Hola Ro!! Aprox 2 minutos está bien! Un besote!
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Hola Mari ¿Como estás , Profe? Quería consultarte sobre las ferias mundiales. En la clase virtual decias que eran como ciudades dentro de otra ciudad (al menos la de Chicago era así). Quería preguntarte si lo más cercano que podemos imaginar a una feria en cuanto a dimensiones es el Parque Temático “Tierra Santa”. Gracias
Hola Dani!!! Cómo estás? Sabés que siempre doy el ejemplo de Tierra Santa cuando doy clases en Argentina. Sería el ejemplo más cercano, pero no exacto. La Feria mundial era mucho más grande. Hay un video de terminología que podés encontrar el curso de CLASES DE HDB EN VIVO, donde tenés algunas fotos. Besitos!
Hola Mari. Leí en la revista “Infoarabe” que los Kawals es un nombre despectivo para un grupo de hombres que se vestían de mujer y bailaban. Tengo entendido que reemplazaron a las gawazee
Hola Dani! Cómo estás? Sobre los Kawals vas a estudiar en la materia de viajeros. Fue un término utilizado para un grupo de bailarines contemporaneos a las ghawazee y awalim. Encontramos la definición y características de los mismos en textos de viajeros europeos en Egipto como Lane o Flaubert. Si era despectiva su definición o no, dependía de cada viajero. Las definiciones no son iguales en todos ellos. Besitos!
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Hola Mary
Si tuviera alguna duda en el abordaje de lo textos puedo dejar mi pregunta en esta sección
Muchas gracias
Dany
Hola Dani! Cómo estás? Podés consultar sobre textos o temas en donde desees. Yo veo todas las preguntas. Un cariño enorme!
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Hola Mari ¿Cómo estás? Quería preguntarte por el texto de Dox. El autor habla de un “OTRO CULTURAL” y creo entender como una identificación que tenemos con bailarines de medio oriente. ¿Consideras que el hecho mas visible y notable de esta realidad es la adopción de un nombre artístico? . Espero tu respuesta. Besos Dany
Hola Dani! El concepto del “Otro cultural” o el de “otredad” parte de una concepción del mundo binario: nosotros y ellos, nosotros y los otros. El nosotros sería occidente en este caso y el otro sería oriente. Nosotros podemos intentar buscar cierta identificación con esta otredad al como vos decir, utilizar un nombre artístico, utilizar le vestuario, bailar la danza, adoptar ciertas costumbres. El punto en cuestión seria: que OTRO estamos representado? Un otro “real” o un otro “construido por occidente”?
Un beso enorme!
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Maru, que tema usamos?
Mari podés usar el ritmo Fallahie si querés.
Mari buen día, quería preguntarte hasta que fecha tengo para poder entregar esta evaluación de terminología
Hola Gaby!! Tenés un mes, desde el momento en que comenzaste la Certificación, para entregar esta evaluación.
Hola Mari, en el texto de El Hadidi, “De Abisinia al Cairo…” aparece la palabra amárica. ¿A qué refiere esta palabra? ¿ Cuál es su significado?. Muchas gracias! Gladys.
Hola Mari!!! con respecto a esta época de viajeros, hay también descripción de la danza persa, yo no tengo los escritos pero se los escuché a una profe de persa, y me acorde de tus clases, porque el contexto es muy, muy parecido, ingleses describiendo la danza de shiraz y sus ropas
Hola Ro! Sii hay también descripciones de danza persa y de otras danzas. Tenemos viajeros europeos en varias partes de Asia y África en esta época, que nos van describiendo su encuentro con la danza. Me pone contenta que te hayas acordado de las clases!!! Un besito enorme!!!
Hola Gla! Cómo estás? Amhárica seria la palabra. El amhárico es un idioma, y también una cultura que podemos encontrar en Etiopía. Un besito enorme!!!
no la veo
Hola Ro! Para poder verla tenés que finalizar las tareas que tenés pendiente. Una vez que las entregues se te activa esta clase especial. Besitos!
conocía esta historia, porque además de estudiarla en la escuela secundaria, la estudie en tu profesorado viejo, y estoy leyendo el libro Fuego Persa de Tom Holland, no se si lo conoces pero es muy interesante
otra cosa, Roxana, la esposa persa de Alejandro Magno era hija del sátrapa de Bactriana
Hola Ro!!! Siiii, la había dado ahí esa historia ,que lindo que te la acuerdes!!! y me encanta que sigas por tu lado estudiando y leyendo sobre esta cultura tan apasionante!!! <3
Excelente! muchas gracias!
Hola Ro! Me alegra saber que te gustó!
Hola Maru, tengo una pregunta con respecto a la fuente que nombra a la bailarina Cengi y describe que hay movimientos con el vientre y shimmy de hombros. Se puede afirmar que está relacionado con la historia del bellydance? Shay también describe un bailarín, con movimientos que pueden ser encontrados en el bellydance actual. Son suficientes estas descripciones para relacionarlos con la historia del bellydance?
Hola Lore! Cómo estás? Para mi no son suficientes estas descripciones para afirmar que lo que bailaba la bailarina era Bellydance. Nosotros solo tenemos la descripción, no tenemos videos y encima de eso, es una descripción que no sabemos hasta que punto coincide con la realidad.
En la Historia del Bellydance hay viajeros como Lane o Poole que han aclarado en sus escritos, por ejemplo, que una cosa era la danza de la población romani y otra la danza de las ghawazee. Es una pregunta que no podremos responder con certeza, nos quedará el interrogante pendiente.
Un besito enorme!!!
Hola profe! Tengo una duda en el punto 2 de la evaluación. Al completar la guía de análisis, debo incluir datos tanto del contexto nativo como del contexto escenificado, en cada uno de los ítems? Por ejemplo cuando habla de los participantes, aclaro quienes son en cada caso?
Hola Aldy! Cómo estás? En ese punto completá la guía solo con datos del contexto nativo. Sobre los participantes si, aclará quién es quien en cada caso. Un beso enorme!!
Muchas gracias profe!
Hola yo tambien estoy como loca viendo si era hasta hoy o si tengo hasta el 2 que fue cuando empezé, ta. Me esta costando muchisimo
No te preocupes Flor que siempre la primer materia es un poquito más complicada por ser un primer encuentro con el material y porque es bastante teórica. La segunda materia te va a resultar sencilla seguramente.
Ya pedí la clase de hosseny de danzas hagalla y no me apareció todavía
Hola Mai!! Ahí la volví a activar, avísame si te aparece así me quedo tranquila. Besotes!
Hola, en la rotación de pecho…¿el pecho va hacia arriba y hacia afuera?, ¿o es sólo hacia afuera? Sería. 1.Lateral. 2. Afuera (arriba?). 3.Lateral. 4. Adentro (abajo?). Graciaas
Hola Grecia! Cómo estás? En la rotación de pecho tenemos lateral afuera (un poquitito arriba sube), latera y adentro. No es elevar el pecho hacia el techo sino sacarlo hacia una pared imaginaria. Un beso enorme!
¿La diferencia entre saidi shimmy y el de hip de cadera, es que en el último se hace relajado, mientras que el saidi se contraen glúteos?
Hola Grecia! La diferencia entre ambos es que en el saidi shimmie usamos la técnica del descaderado, no hay relajación de la cadera y la cadera de mueve en un plano vertical. En el shimmie de cadera la misma se relaja y no solo se mueve en un plano vertical sino que un poco hacia adelante y atrás también. Un beso enorme!
Hola!
Una consulta, con respecto al exámen de viajeros. Debería comparar y desarrollar tomando como referencia bibliografía de la materia donde se encuentran los textos de Flaubert, Edward Lane y Napoleón Bonaparte. Es así, no?
Pregunto porque en las clases virtuales también se mencionan otros viajeros y viajeras.
Gracias!
Hola! Cómo estás? Para la parte de comparación De Fuentes vas a utilizar la bibliografía, pero podes hacer alguna mención de viajeros enseñados durante las clases virtuales. Un beso enorme!
Buenísimo, gracias!!
¿El video se corta?
Hola Grecia! El video está completo no te preocupes, continua unos minutos mas en negro pero no hay nada allí.
recuerdo haber visto este dibujito, no se si en tv o vos lo habrás compartido antes!
Hola Ro! Lo compartí en el Instagram! Que buena memoria! ♥️
Hola! Quisiera saber cómo sería el ritmo Heavy Roman con dum y tac. Gracias
holaa, cómo se llama el tema que menciona en el min 16?
Hola Abril! Es Raks al Hawanim
Hola Sole: acabo de añadir la anotación en esta página así ya la tienen. Un beso enorme!
Buen día, Soy Gaby Candel, por favor podrían activarme la entrevista con Jorge Bernal. Mil Gracias.
Buen día Gaby! Ya te la activo! Cariños!
Hermosa clase!. Gracias!
Hola profe Marina! ¿Cómo está? No entiendo bien la consigna sobre el tipo de artículo.. Será con un formato como los de la bibliografía que nos comparte? O de estilo periodístico?
Hola Aldi! Cómo estás? El artículo es para una revista de divulgación dentro de la Comunidad de Bellydance o un material que entregarías a tus alumnos donde les contás sobre ese tema en particular. Es similar a los que les escribo en este curso. Un beso enorme!
Muchas gracias profe!!
Hola Mari! Tengo una duda sobre cómo se escribe el libro que recomendaste… “Qalila y Dibna” ? y para qué fecha lo necesitamos leer? Gracias 😀 Me encantó la clase !!!
Hola Cele!! El texto de Calila y Dimna lo voy a subir esta semana y hay que leerlo para la otra. Les voy a subir la versión original en castellano antiguo, pero se que se vende el libro modificado a un castellano moderno, por si alguno le interesa.
Hola compas!! con el permiso de la profe Mari, aquí les dejo el enlace por si les interesa descargar el Corán que me envió mi profesora de Islam de la Comunidad Ahmadia de BsAs, Argentina: https://drive.google.com/file/d/1UsDkIaZ_uxgHGBaDro3wpdhaQ_AUkYq_/view?usp=sharing
Muchas gracias Cele por compartirlo!!!!!
Buenas noches! Para el exámen de la materia,Teorías del Origen, se puede agregar contenido (diapositivas, imágenes)!?
Hola Vani!!! En esta materia no, es únicamente ustedes hablando. En otras materias se te va a volver a pedir que te filmes dando una clase y ahí la consigna va a incluir el uso de ppts o imágenes, para ver como dan una clase utilizando este recurso. Un besito enorme!
Hermosa clase, Mari! súper interesante el nuevo término MENAT/MENAHT. Ya lo he visto mucho en USA y en UK también.
Muchas gracias Cele!! Sii tal cual, también veo que está usándose muchísimo en esos paises ese término. No parecería estar muy difundido entre otros paises.
hermosa clase, Mari!! ❤
Gracias Cele!❤️
Otra hermosa clase profe!! Qué increíble cómo han influenciado las ferias mundiales!!
Muchas gracias Cele!!! Sii las Ferias Mundiales son muy importantes y por eso vamos a dedicar uno de los últimos módulos a desarrollarlas en detalle. Muchos de los temas que vimos ahora se van a ir profundizando en futuras clases.
Me encantó la clase, Mari !! ❤ voy a buscar la autobiografía de Bloom! y es increíble la influencia de las ferias mundiales. De hecho, luego de esa situación que se va dando en EE.UU., Jamila Salimpour aparece con toda esta nueva versión de la danza y la llama Tribal; que dicho sea de paso, es una palabra que desde hace unos años se está dejando de utilizar por la connotación que tiene. Y también, en el festival Kan Zaman de marzo 2021, estuvimos hablando sobre el término “Bellydance”, ya que refiere a una parte del cuerpo… hay muchas bailarinas europeas y de UK que ya lo están dejando de utilizar a este término desde este año; y hasta estadounidenses también, y se han volcado al término “Raks Sharki” o “MENAHT”. Es como vos decís, Mari, hay que elegir nuestro término justificándolo. Gracias!!! ❤
Fantástico, Mari!!! me remonté al Museo Egipcio de Torino… estuve 4 horas recorriéndolo y así y todo me faltó 1 piso completo!!
Me pone muy contenta que te haya gustado la clase Cele! Cuando fui a Italia no llegué a ir a Torino, me quedé con ganas de visitarlo. Dicen que es uno de los mayores museos de egiptología del mundo.
¿Como puedo solicitar la activación de esta clase?
Hola Lau! Activada!
Maestra, te escribo para solicitarte la activación de esta clase
Hola Lau: Activado!
Maru en tecnica reda esta subido el video de halishie puede ser ?
Si Eve! Gracias por avisarme! Ya está arreglado.
Maru donde esta la pleyliste para poder escucharla?
ahi la encontre Maru! ajajaja estaba más abajo del modulo
jajaja buenísimo!!!
Hola!!! Queria saber si para armar la coreografía puedo tambien tomar como base a las bailarinas que se muestran en “The Romani Trail” es un documental de 1982. Gracias!!
Hola Lauri! Podés inspirarte en eso también, pero tené en cuenta que el mayor porcentaje de inspiración debe provenir de las fuentes trabajadas en el material del módulo. Un beso enorme!
Buen día, Soy Omar Darío Santillán, por favor podrían activarme la entrevista con Jorge Bernal. Gracias.
Una clase súper clara, me gustó mucho como fué explicando cada detalle sobre la imprivisación y su estructura al igual que los tips que fue dando súper útiles. La parte práctica maravillosa! Muchas gracias! Una clase completísima!
Muchas gracias Gla por la reseña!
Hermosa clase!!! La parte teorica es super clara y entendible, inclusive para los que estamos recien iniciando. La practica tambien fue hermosa! siempre contando las 4 repeticiones quede. Gracias una vez mas por acercarnos estas clases tan interesantes.
Hola buenas tardes Mari, Estudio.
Sobre la coreografía II del módulo de II danza Romani Turca. Quería saber bien cómo se realiza, no logro apreciarlo bien, el movimiento que se efectua con las manos. Que se pronuncia Chat, ¿se escribe Kat?.
¿Haría como un sonido? Me parece un movimiento interesante. 😀
Gracias
Hola Ani! Cómo estás? El objetivo es producir un sonido, muy similar a cuando hacemos un chasquido con los dedos. No es nada fácil de lograr, hay que practicar mucho para que suene y luego, para que suene fuerte. Hay diversas formas de realizarlo según la cultura, y la danza. Por ejemplo es un movimiento que vemos en ghawazee también. Es muy importante que los dos dedos índices estén tensos para poder realizarlo, ya que el sonido se produce al “caer” por resbalarse un dedo índice sobre el otro. Espero haberte ayudado Ani!! El nombre del chasquido es parmak şıklatma, pero algunos lo llaman cat Un beso emorme!!
Hola. Buenas tardes Estudio, Mari.
Me gustaría saber, si es posible, sobre los temas para practicar. Tema 1-2-3-4. Si hay posibilidad de saber los nombres de los temas o los autores.
Muchas gracias
Maru pregunta, como es el nombre de la autora que no la encuentro en google nada ajaj. kealinomoju entendi yo xD
Jajaja era parecido! KEALINOMOHOKU
Besitos!
Hola! Esta disponible el chat de zoom de esta clase para descargar? Porque ví la clase grabada y anote como pude algunos nombres de pasos y otros no entendí bien como escribirlos. Gracias!
Hola Mel! Paso por acá todos los términos:
– Reggada
– Emidyazin
– Aarfa
– Alaoui
– ain
– Adgoune
– Bounte
– Aarache
– jara
– aaricha
– khawia
– hchicha
– aawade
Besotes!
Me gustaría solicitar la activación de la clase gracias!
Hola Ali! Cómo estás? Clase activada!
Hola Mari, hola Estudio.
Para la clase de Jorge Bernal donde hay que solicitar activación. Está bien pedirla por acá?.
Gracias, besotes
Hola Ani! Cómo estás? Sii podés pedirlo por acá sin problemas. Ya está activada la clase. Besotes
Holi!, tengo una duda la negra se puede representar con la cabeza para arriba o para abajo?. Esa duda surge del ejercicio de clase de ritmo,gracias.
Que consideran cómo un kick? Gracias
Hola Eri! El kick es una pequeña patadita que, en el caso de los módulos que vos venis estudiando, puede realizarse en el paso Uno y medio hacia adelante o hacia el costado/diagonal. Te lo traduzco como patadita, pero hay que tener en cuenta que se produce por el deslizar del dedo pulgar del pie en el suelo, no tiene la fuerza de una patada.
Un beso enorme!
Hola Eri! En música árabe, si la cabeza va abajo o arriba depende del método de escritura. En algunos métodos la cabeza abajo simboliza el Dum, mientras que la cabeza arriba simboliza el TAC. En otros métodos es a la inversa. En las clases que siguen vas a ver que vamos a ir explicando eso y también les contaremos cuál es el que elegimos nosotros. besos!
Hola Maru! Quería saber, si de las mil y una noches, hay que leer todo el archivo o si son solo algunos cuentos en específico. Besos!
Hola Belu! Cómo estás? Son solo algunos cuentos en específico, en las consignas de examen te indica cuales tenés que leer. No te preocupes que no son las 1001 noches. Un besito!
Buenas tardes, soy Celeste Acuña. Podrían activarme la entrevista con Jorge Bernal ? Desde ya muchas gracias
Hola Cele! cómo estás? Ya te lo activamos. Un beso enorme!
Prof le escribo para solicitar el acceso, gracias !
Hola Ali: Acabamos de activártelo. Besos!
Buenas tardes prof quiero solicitar esta clase gracias.
Hola Ali: Acabamos de activártelo. Besos!
María Belén Miceli
Hola! Ya se encuentra activado el curso. Besos!
Nahed Haimi Arroyo Ramírez
Hola!! activado!
Micaela Quiroga
Hola! Ya se encuentra activado el curso. Besos!
Micaela Quiroga
Hola Mica! Me aparece que ya tenés el curso activado. Vamos a usar el mismo link durante todo el año. Besos!
Rosa María Mariño
Hola Ro! Activado!
Rosa María Mariño
Hola! Ya se encuentra activado el curso. Besos!
Gina K. Pastrana U.
Hola! Ya se encuentra activado el curso. Besos!
Paola Jara Vilches
Hola Pao! Ya tenés el curso activo. Besitos!
Evelyn Andersson
Hola Eve! Activado. Besos!
Florencia Klot
Hola Flor! Listo! Besos
Flor Munafo
Hola Flor! Activado! Besitos!
Hola Maru, tarde pero seguro. Por acá es la inscripción al curso del Dr. Botta?
Hola Adri! Sii perfecto!! Para todo te anotas a través de los eventos que anunciamos acá en el link de agenda. Ya tenés activado el curso. Besitos
Lorena Siehe
Hola Lore! Activado! Besotes
Hola Mari, Estudio.. Para inscribirme al curso. Ana Eva Plaza Stevan.
Gracias…
Matilde Valenzuela
Hola!! Activado. Besitos
Hola Ani! Activado! Besotes
Hola! me gustaría inscribirme en este curso. Muchas gracias. Apellido y nombre: Celeste Acuña
Hola! Activado Cele! Besos
Celeste Acuña
Hola Cele! Ya está activado!
Nahed Arroyo
Hola! Activado!
Hola. Me quiero inscribir. Pero esta ves se que solo vere las clases grabadas. Laura Perez Machado
Hola Lau! No hay problema! Ya está activado.
Luxor – Laura Rubiano
Hola Lau! Activado! Besitos
Luxor – Laura Rubiano
Luxor – Laura Rubiano
Activado Lau!
HOLA MAESTRA MONICA PUERE
Justito Moni! Ahi te lo activo.
flor munafo
Activado Flor!
Belén Miceli
Belén Miceli
Activado Belu!
Belén Miceli y haría las clases en vivo
Activado Belu!
Laura Perez Machado
Laura Perez Machado
Activado Lau!
Hola me interesa ver la proyección Nahed Arroyo
Celeste Acuña . Gracias.
Me anoto Rosa María Mariño
Carolina Miyagui
Florencia Klot
Hola yo me anoto para las clases en vivo
Activado Ro!
Rosa María mariño
Activado Ro!
Me anoto para las clases en vivo
Activado Mica!
Buenas tardes. Quisiera recibir la activación de la película “Danseuse” para el lunes 18 de abril de 2022. Desde ya, muchas gracias.
Hola. Consulta técnica: Tengo a completado el módulo 1(marcado como tal), pero no me permite acceder a la evaluación.
Hola Ivana! Nos podrías confirmar si podés verlo? nos aparece que está habilitado.
Hola prof bella, me gustaría activar la clase de Ingrid correspondiente a este módulo gracias
Hola Ali! Activada!
Lorena Siehe
Lorena Siehe
Activado Lore!
Lorena Siehe
Activado Lore!
Lorena Siehe
Activado Lore!
Lorena Siehe
Micaela Quiroga
Activado Mica!
Quiero inscribirme.
Saludos
Flor Munafo
Activado Flor!
flor munafo
Muy buena la clase, Marina! Útil para organizar conceptos en cada contexto. Tengo una consulta, teniendo en cuenta que el término Manat es un concepto nuevo, ¿hay algún significado étimológicamente de la palabra? ¿O dónde surge el nombre? Gracias
Ahí revisé el video de nuevo y lo encontré =)
<3 buenísimo!!
Hola Car! Me pone contenta que te haya gustado la clase, sii justo te iba a decir que en el video está explicado. Ahi leí tu comentario donde me decís que ya lo encontraste. Un beso enorme!
Lemo Gisella Daiana, me anoto para las clases en vivo!
todo activado Gise!!!
Flor munafo. Anótame Maru. Clases grabadas Maru. Intentaré el vivo pero por la beba no prometo nada
Activado Flor! Mirá Eli es un amor así que podés intentar hacerlas en vivo. Es voluntaria la participación y podés tener la cámara apagada o prendida.
Yo quiero apuntarme mi Mari
Activadas Gaby!!!!
Ornella Ayelen Fissore
Activado Orne!
Sabrina García Witzler.
Virginia Scocchera
Ornella Ayelen Fissore
Anotada. No me lo pierdo.
Angélica Güerci
maestra yo por favor. en vivo
Ya te activé el curso Moni!!!
Adriana clase presencial de derbake
Me anoto
Tania Ferreira
Flor Munafo
Activado Flor!
Hola Mari yo estoy interesada… Gabriela Candel
Activada Gaby!!
Mari.. re interesada… Ana Eva Plaza
Activado Ani!
Genial. ¡¡¡ la previa para la clase del sab. a la mañana.
gracias.
Activado Lau! Siii te veo mañana!!
Belén Miceli
Activado Belu!
Yo maestra porfavor.
Muchas Gracias
Ya se había hecho Moni la activación =(
Maestra, yo por favooooor
Ya se había hecho la activación Lau =(
holiiiiii Yooooooooooo, espero no sea tarde
Ya se había hecho la activación Flor, el próximo año la pasamos de vuelta.
Valeria Aliotta
Micaela Quiroga
activado!
Micaela Quiroga
Activada!
Lorena Siehe
en vivo
activado!
Evelyn Andersson
Eve las haces en vivo virtual o grabadas?
Florencia Munafo. En vivo
Activado!
activado!
Luxor – Laura Rubiano Lozano
Luxor – Laura Rubiano
Activada!
Nahed Haimi Arroyo Ramirez
Holaa! Lo haces en vivo virtual, o las ves grabadas con examen?
GRABADA 🙂
activado!
Nahed Arroyo
Activada!
Presente. Gracias
Activada!
Me conectare desde el telefono hasta que llegue a mi casa.
gracias
activado!
Ornella Ayelen Fissore
Orne grabadas con examen o en vivo?
activado!
Yo maestra monica puere . En vivo
Flor Munafo
Flor, grabadas o en vivo?
Activado!
Belén Miceli, grabadas con examen
activado!
Belén Miceli, grabadas
Activado!
Anotada. SEgun el dia y horario elegiré como curso. gracias
Lau es los miércoles de 18 a 19h. Apenas sepas si lo haces grabado o en vivo avisame. Besote
Ah..si si. ahi me di cuenta que estaba publicado. Estaré en vivo- igual es posible que deba chequear e lo grabado. hay dos dias que cortaré antes. gracias.
Activado el curso!
Gina Pastrana – Grabadas
Activado!
Gabriela Candel Albán
Gaby las vas a hacer en vivo o grabadas con examen?
activado!
Lorena Siehe – grabadas
Activado!
Rosa María mariño asistir a la clase virtual
Activado!
Rosa María mariño lo veo grabado
activado!
Carolina Miyagui-clases grabadas. Gracias!
Pd: clases en vivo
Activado el curso!
Activado!
Ana Eva Plaza Stevan
activado!
Ana Eva Plaza Stevan
Activado!
Ana Eva Plaza Stevan (que emoción este curso) intentaré llegar a la presencial, por ahí un poco tarde. Diría que voy a poder ir haciendo ambas. Si llego tarde volveré a ver la grabación y si hay algún día que no llegue a la clase la veo grabada.
Activado!
hola maestra , yo por favor. espero poder presencial, aunque lo mas seguro es que sea grabadas. Muchas gracias
Activado el curso!
Buen día Maestra, yo quiero anotarme al curso. Intentaré realizarlo presencial
de antemano muchas gracias Maestra por esta gran oportunidad
Activado el curso!
wow que interesante, muchas gracias Maestra, ya quiero saber más de cómo Pangalo contrató a las bailarinas
Siii, super interesante Lau! Siempre se enseña que Sol Bloom fue quien contrato a las bailarinas argelinas y que era el encargado de las concesiones en Midway, pero no estaba muy divulgado quién fue quien contrató a las egipcias. Les estoy preparando el material para contarles todo, tengo bastante material nuevo. <3
Micaela Quiroga
Que genial Maruuuu!!! Gracias por estos consejos!! Soy tan pero tan desorganizada que me vendría super empezar a emplear algunos de estos tips. Muchas gracias!!
Que bueno que te gusten los consejos Mica! Después contame si te sirvieron y aplicaste alguno. Besitos!!
Rosa Mariño
Karina Eliana Lugo. En vivo
Te active el curso Kari
Leticia Martin, en vivo. Gracias, Maru!!
Me registras por favor yo la vería grabada Nahed Haimi Arroyo Ramírez
Leticia Martin, en vivo. Gracias, Maru!!
activado el curso!
Yo maestra porfavor.
Mónica Puere.
En vivo.
Activado Moni!!
Tanto danza árabe como danza de medio oriente hacen referencia a zonas geográficas que son amplias, englobando a gran cantidad de países y que, además, van variando.
Los países que entran en ambos términos son heterogéneos, que pueden tener ciertas semejanzas entre ellos, pero que no son iguales, por lo que no se podría generalizar que todos los países hacen la misma danza.
En mi opinión, estaría bien el uso alguno de estos dos términos para llamar la atención de aquellas personas que no están familiarizadas con el ambiente, ya que son palabras y términos que se usan/escuchan, por lo que están más “acostumbrados”. Creo que el uso de los distintos términos va variando de acuerdo a quién va a ser el receptor
Muchas gracias por tu comentario Belu! Me parece importante notar la heterogeneidad que comprenden ambos términos. Que los países se agrupen bajo una organización, no implica que sean homogéneos, solo que comparten una o algunas características en común. También coincido en que el uso de los mismos a veces tiene que variar dependiendo del receptor, si queremos llegar a ese público específico.
Hola como están. Bueno a mi juicio creo que el término bellydance es una palabra que no es de común uso y es un término que debe ir introduciendose a medida que el alumno va progresando en sus estudios. De modo que por una cuestión comercial me parece más adecuado usar la denominación danzas arabes aunque los y las bellydancers solo se dediquen a la danza del vientre y las bailarinas arabes traten de abarcar lo más posible se dejan afuera algunos temas relacionados con la cultura turca
Con respecto al termino “Danza Árabe”, y en mi opinión, creo que es uno de los términos mas conocidos por la gran mayoría (incluso quienes no están dentro del ambiente del Bellydance). En mi caso conocí esta danza con este termino y es también el que utilizo para responder cuando me preguntan que bailo. Luego de haber tomado el curso coincido con que “Danza Árabe” es un termino muy amplio para definir lo que hacemos, ya que dentro del mismo podemos ubicar hasta 22 países que forman parte de la Liga Árabe, los cuales cada uno cuentan con gran variedad de danzas. No es solo una danza, sino que hay muchas mas y cuando tomamos clases solo aprendemos una pequeña porción de todas ellas.
Algo similar ocurre con el termino “Danza de Medio Oriente”, este termino fue construido por Occidente y con una mirada desde la alteridad. También refiere a una zona geográfica muy amplia y confusa, con carácter ideológico.
Muchas gracias Mica por tu comentario!! Esta muy bien que hayas destacado la amplitud geográfica que abarcan ambos términos y sobre todo, la concepción de estos desde un “nosotros” que entiende a la alteridad cómo opuesta y diferente. También conocí esta danza bajo el término danza Árabe, fue mucho tiempo después que pude aprender que habían otros términos.
El término Danza Árabe es muy amplio ya que no abordamos en su totalidad las danzas que se realizan en los países pertenecientes a la liga Árabe, sin embargo es el término más comercial que yo utilizo para llegar a un publico que desconoce el trabajo, ya una vez ingresan a la academia puedo explicarles con mayor profundidad la diferencia entre cada uno de los términos, que si bien son entendidos como similares sus contextos y significados son distintos. Danzas del medio Oriente también es un termino que está en el imaginario del grueso de la población no conocedora, repleto de fantasías y estereotipos propios de la palabra Oriental
Muchas gracias Shani por compartirnos tu opinión. También coincido con vos en que uso el término Danza Árabe para llegar a la gente que no conoce aún sobre esta danza. El término danzas de Medio Oriente acá no está muy difundido, más bien el de Danza Árabe. Estoy segura igual que si pondría ese término en alguna publicidad, como decís vos, la gente lo entendería.
Un besito!
Me gustaría dejar mi aporte ya que si bien hoy haré la clase de manera sincrónica, la clase 1 la tomé grabada.
Fue muy fructífero poder escuchar la clase. Más aún imagino para quienes estuvieron presentes y lograron realizar intercambios en vivo.
Como varias de mis compañeras, considero que la terminología en sí debe ser utilizada siempre teniendo el cuenta el contexto que rodea a cada situación. Por ejemplo, danza árabe es un término que más allá de muchos factores beneficiosos o no, tiene un impacto comercial que resulta positivo a la hora de convocar gente nueva.
Reflexiono entonces, ¿Cómo logran instaurarse ciertos términos y otros no?. ¿Será posible que en los próximos años se posicionen otros términos que quizá sean mas adecuados? Si es que existe un término que se considere como tal. Es por eso que en vez de decir: términos adecuados o inadecuados prefiero mencionar: términos que puedan tener criterio o justificación de quien los elige.
Muchas gracias Marina por esta clase.
Creo que cuando se asigno nombres tenia como objetivo definir lo que suponía ver desde su occidentalidad (orientalismo), ya que me parece que al medio oriental no era importante o necesario, con en el paso del tiempo se volvió una designación mercadologa que responde nuevamente a las necesidades del extranjero. Por ejemplo en México los términos mas viables son danza árabe o Bellydance y cuando como profesora les hago cuestionarse las zona geográfica o el termino en el idioma que se establece entonces se abre todo un panorama. Seguimos Aprendiendo 😉
Yo prefiero usar comercialmente el término Danza Árabe porque en Colombia es más fácil que el público no conocedor indentifique este tipo de danza con ese nombre. Dentro de la escuela prefiero usar el término Raqs Sharqi porque nos especializamos en el estilo desarrollado en Egipto. No me gusta el término Danza del Vientre porque refuerza una exotización con la que no me siento cómoda. Tampoco me gusta el nombre Bellydance porque siento que refuerza una influencia colonizadora de USA sobre la danza. Hay una charla que tuvieron Nawarra Dancer y Karim Nagi acerca del nombre de la danza. Él habla de Arabic Dance porque está en USA y es una manera de señalar a las danzas de los que hablan árabe (aunque excluye a Mauritania, Somalia y Etiopía). En esa charla comentaban que tal vez en vez de buscar un término que lo englobe todo es mejor usar términos diferentes y especializados: Danza Egipcia, Danza Regada de Marruecos, Danza Tunecina de los cántaros, Danza Hagalla de Egipto, Raqs al Nasha’al de Arabia Saudita y así. Ellos exponen que de esa manera no se juntan cosas que no tienen porqué englobarse en un sólo término, que es una característica del orientalismo como lo analiza Edward Said
Durante un tiempo usé el término “Danzas de Medio Oriente” para incluir al Raqs Sharqi y a otras danzas de la regió. Sin embargo, trabajando con una internacionalista de acá de Colombia, Odette Yidi, nos hizo ver que es un termino que tiene una carga colonial muy grande. Nos sugirió en el Foro usar SOANA: Sur Oeste de Asia y Norte de África que es geográficamente correcto y no tiene una connotación colonial evidente, al menos por ahora
Yo prefiero usar comercialmente el término Danza Árabe porque en Colombia es más fácil que el público no conocedor indentifique este tipo de danza con ese nombre. Dentro de la escuela prefiero usar el término Raqs Sharqi porque nos especializamos en el estilo desarrollado en Egipto. No me gusta el término Danza del Vientre porque refuerza una exotización con la que no me siento cómoda. Tampoco me gusta el nombre Bellydance porque siento que refuerza una influencia colonizadora de USA sobre la danza. Hay una charla que tuvieron Nawarra Dancer y Karim Nagi acerca del nombre de la danza. Él habla de Arabic Dance porque está en USA y es una manera de señalar a las danzas de los que hablan árabe (aunque excluye a Mauritania, Somalia y Etiopía). En esa charla comentaban que tal vez en vez de buscar un término que lo englobe todo es mejor usar términos diferentes y especializados: Danza Egipcia, Danza Regada de Marruecos, Danza Tunecina de los cántaros, Danza Hagalla de Egipto, Raqs al Nasha’al de Arabia Saudita y así. Ellos exponen que de esa manera no se juntan cosas que no tienen porqué englobarse en un sólo término, que es una característica del orientalismo como lo analiza Edward Said
Hola Johana, me resulto muy interesante tu reflexión, coincido en que “Danza Árabe” como nombre comercial es el mas acertado y si el alumno esta interesado en aprender mas sobre historia poder acercarle info sobre todos los términos posibles. Tampoco estoy muy de acuerdo con la utilización de términos “colonialistas”, pero es interesante tener en cuenta que “oriente” no se mantuvo pasivo con respecto a “occidente”, sino que han tomado y adoptado bastantes cosas, no solo fueron impuestas.
Melisa Buenahora. En vivo preferentemente, Si por cuestiones laborales no llegue, podré ver las grabaciones? Mil gracias!
Si Mel! podés ver las grabaciones sin problemas.
Activado!
En mi caso prefiero no referirme a la danza como “Danza Árabe”, mas allá de haber estudiado que es un termino muy amplio tampoco me gusta utilizarlo ya que creo que esta asociado a ciertos estereotipos que los medios de comunicación masivos divulgan, que desdibujan y difaman una sola forma de bailar y la estética también de la bailarina. Po eso decido utilizar el termino Bellydance por como este surgió en la historia haciendo foco en los movimientos particulares del vientre y las caderas, pero también me pregunto si hoy en día se podria seguir llamando Bellydance cuando en gran cantidad de performances predominan mucho mas los movimientos de cabeza, brazos, giros o piruetas…
Hola siempre use el término danza árabe, por qué para todos es más fácil reconocer ese término, me ha pasado una vez que baile le dije danza oriental y me presento como “nos va a presentar una danza japonesa” me sirve mucho esta clase pero me cuesta decirlo con mis palabras lo que explicaste de me medio oriente profe igual lo seguiré mirando al videito hasta que pueda tener un concepto más claro para poder explicarlo! Danza árabe súper entendido gracias
Me registras por favor yo la vería grabada Nahed Haimi Arroyo Ramírez
Activado el curso!
Virginia Scocchera – Clase en vivo
Activado!
Hola Mel, yo quiero inscribirme (grabadas)
Activado!
Principalmente, yo uso el término “Bellydance” porque es más cercano a lo que nosotros realizamos, más a esa noción de show/espectáculo para un público, de mostrar destreza, virtuosismo. Además, si nos ponemos a pensar, el repertorio que generalmente se hace/se enseña, está muy ligado a un solo país de la región, aunque ahora se están dando oportunidad de visualización de otras danzas de la región. Pero tengo consciencia de que hay parte de la comunidad que no les gusta usar el término.
También uso Danza Árabe, especialmente cuando hablo con gente que no conoce o no llega a entender cuando uso Bellydance. Termino aclarando que lo que hago, no es una representación fiel de lo que se entiende por árabe, que no es una única danza, sino que cada país es diferente y tienen sus propias danzas.
Prefiero usar el término Bellydance a pesar de que existen personas no lo conocen, me parece que si uno quiere comenzar a transmitir y a instruir a un grupo de alumnos sobre el uso de un término, debería comenzar uno mismo a utilizarlo sin utilizar un segundo término opcional y animando al otro que también se pregunte o nos pregunte por qué no es lo mismo que danza árabe o danza oriental. Me parece que le da otra riqueza a la comunicación que podemos tener con el otro.
Por otra parte, lo analizo haciendo una analogía con otros términos que hemos aprendido de nuestro lenguaje, que en muchos casos han sido por repetición, por ejemplo como cuando aprendimos a hablar de niños sin saber leer y escribir. Nos repetían tanto un palabra que la terminamos asimilando. Creo en algún momento de tanto que la expliquemos la palabra bellydance va a ser de uso más cotidiano. De todas formas siempre contamos con que nuestros aspirantes a alumnos u otras personas que no están familiarizados puedan buscar en la web, como hoy en día todos lo hacemos y hasta terminamos más interesados en lo que hallamos que en alguna explicación verbal de otro interlocutor.
El desconocimiento de la palabra bellydance, creo que también lo podemos usar como algo positivo porque quizás podemos utilizarlo para atraer publico que siente curiosidad por entender de qué le estamos hablando.
Gaby Candel Clase grabada. Gracias Mariiii
activado Gaby!
Gaby Candel para las clases grabadas Mari porfa
Maru yo por favor
listoo activado!
Buenas tardes solicito la activación de la gracias
Hola Ali! Activado!
Maru! yo quiero presencial
activado Mari!
Es realmente interesante ver y estudiar cómo se va modificando y adaptando el origen del bellydance en base a una época en donde hubo distintos cambios sociales en relación a la mujer; cómo intentan dejar de lado los estereotipos de sensualidad y sexualidad que la gente tiene cuando uno habla de belly. Son teorías respetables, pero que se contradicen o no tienen el suficiente sustento en evidencias, además dejan de lado que el los hombres también bailaron y bailan, el que no toda danza estuvo ligada a algo místico o religioso.
Con lo que tiene que ver con la búsqueda de info también hago de buscar los libros o artículos que se citaron en el libro/paper, para profundizar y ver por completo lo que el autor usó para escribir. Y termina siendo como una cascada, porque el buscador recomienda artículos o textos similares y así sigo buscando y encontrando otros. Google académico lo uso mucho y otras páginas del mismo estilo, Scribd también, aunque no todo está gratis, pero se puede acceder a X libro o artículo si subís un libro, como si fuera un trueque. También algunas universidades tienen algunas publicaciones públicas o proyectos de difusión cultural en donde suben artículos, videos realizados por profesores o especialistas (esto lo encontré buscando más info sobre flamenco, la Universidad de Cádiz junto a otras instituciones, tienen un programa de este estilo).
Después, si es un artículo, me fijo en la bibliografía, en dónde se publicó (revista, año, si es tesina o tesis), leo el abstract (a veces el título parece que puede servirme, pero cuando leo el resumen me doy cuenta que no o que muy poco me puede servir). Lo mismo con los libros; a veces se puede descargar por capítulos, entonces descargo eso solo.
Lo que me pasa a mí con el inglés es cuando usan alguna palabra o término que tiene varios significados en español y ahí, por contexto, es ver cual de todos es el que hace referencia.
Con el tema de la escritura estoy un poco acostumbrada por la facu, porque varios trabajos había que presentarlos como papers, sobre todo los trabajos de laboratorio, y teníamos que respetar un orden (título, autor, resumen, intro, materiales y métodos, resultados, conclusión, discusión, referencias); y casi todos nos pedían que usemos las normas APA para citar
Como backup uso el Drive, y ahí tengo dividido en carpetas. Soy medio de la vieja escuela en donde me gusta hacer apuntes a mano, donde puedo usar distintos colores para marcar distintos tema, hacer esquemas y demás, pero empecé a hacer los apuntes directamente digitales porque ya no tengo más lugar en mi casa donde poner carpetas (cosas que pasan jajjaja). Estoy escaneando los apuntes que tengo a mano y los subo al drive. Con los libros, si son originales, lo que hago es subrayarlos con lápiz y uso los post-it para señalar la página y los que son más grandes para anotar. Si son fotocopias, resaltador y lápiz y hago anotaciones en el margen, subrayo y también uso las notitas autoadhesivas. Con lo que es digital, también subrayo
Buenas tardes prof, quería saber si aún puedo ver la clase especial de Douglas Felis sobre Román Havasi, si me la pueden activar gracias
Activado Ali!
Maru! Me activarías el curso? Por ahora, vería las clases en diferido
Activado Vir!
Hola! Lorena Siehe
Activada!
Yo!, Gabriela Candel Alban
Activada!
Yoooo. presente.¡¡¡
Mil gracias
Activada!
Rosa Mariño !
Activada!
Luxor – Laura Rubiano
Activada!
Hola mi Mari, por fin pude ver la clase. voy comentando acerca de como elaborar una clase, pienso que es muy importante el poder establecer una enseñanza del bellydance junto con la teoria, ya que asi podemos también dar un significado y un contexto mas profundo al momento de danzar.
al presenciar la clase de El siglo XVIII y XIX en Egipto, lo que me llama más la atención es que de verdad es muy importante aclarar que cada escrito, carta, o libro que realizan estos viajeros “como fuente primaria”, debe ser interpretado con una visión de esa época, sin juzgar o pretender dar una opinión a favor o en contra, debido a que nuestra percepción es distinta a la que se utilizó al escribir estos documentos. Es necesario abrir nuestra mente y no cerrarnos a un pensamiento, todos los días se aprende algo nuevo. Gracias Mari.
Como siempre me encanta Flaubert, el describe de una forma tan detallada que de verdad lleva a tu imaginación a estar en ese momento, en esa escena.
Lo que más me gusta de leer las cartas o textos que escribieron los viajeros es como se ve plasmado ahí las ideas y pensamientos de aquella época, como van describiendo a los egipcios como exóticos, extraños, sobretodo a las bailarinas. Como tienen esa fascinación o atracción hacia ellas pero las comparan o rechazan por los idearios de las sociedades europeas de la época.
A pesar de que los textos están sesgados y condicionados, son fuentes muy importantes
Es una película que une comicidad con intriga , danza, virtuosismo y la nostalgia de inmiscuirse en la época dorada del cine egipcio por unas horas . Realmente la recomiendo!
Belén Miceli
Activada!
Me encanta como podemos ampliar nuestros conocimientos con esta experiencia de mirar películas, me impresiona mucho mirar la danza que posee Samia Gamal, ya que no es una danza tan elaborada, ni estilizada, es una danza más natural, ella siente en el cuerpo la música y así la baila, sus camellos, mayas y ochos verticales son espectaculares y sus manos delicadas y siempre vivas, van mas con la melodía y la voz del cantante.
Por otro lado el mensaje de la opereta final para mi es muy significativo, al ser profesora y bailarina de algunas danzas, es maravilloso ver que quieren con esta presentación hacer entender que el arte es uno solo y debe unirse.
Gracias Mari por la oportunidad
Me encantó
Me anoto! Virginia Scocchera
activado!
Evelyn Andersson
activado!
Micaela Quiroga
activado!
Micaela Quiroga
Activada!
Belén Miceli
activado!
Me anoto ¡¡¡¡ gracias.
Laura
activado!
Maru, dejo mi opinión sobre la película:
En mi opinión es una muy buena película tanto por los participantes de la misma, pudiendo ver tanto a Farid como a Samia actuando y mostrando sus habilidades artísticas, como en la danza y música. Por ciertos momentos sentía que estaba viendo algún musical de Hollywood de la época, sobre todo en las partes de danza porque sentía que tenían una atmósfera y estética más occidental (no digo que eran como las películas de Fred Astaire, Ginger Rogers o de otros bailarines de la época, pero sentía que tenían ese aire). Podía notar en esas partes esa modernidad que Egipto estaba buscando, pero manteniendo lo “nativo” o adaptando la modernidad a su gusto y necesidad, y no como una imposición externa. También es muy valiosa porque se puede ver las distintas incorporaciones y modificaciones en la danza si lo comparamos con las descripciones que se tienen del siglo anterior: hay más desplazamientos, mayor dinamismo, empleo de otras danzas, lo del armado de coreografías y la presencia de un maestro de baile, dejando de lado la improvisación, etc.
Me anoto, pero no puedo hacerlo en vivo porque trabajo. Lore
activado!
Me anotas por Favor Nahed Arroyo lo verè grabado
activado!
Nahed Arroyo
Activada!
Maru , Yo por favor lo veré grabado
activado!
Me gustaría anotarme: Angélica Güerci
activado!
Yo Maru, me anoto!!! Daiana Rodríguez
Súper enriquecedor este artículo. Me encantó!
Gracias Angie!!
Hola Maestra, me inscribo a este curso, Laura Rubiano
activado!
Me anoto flor munafo
activado!
Yo Mari flor munafo
Activada!
Yo me apunto mi Mari. Gabriela Candel Albán
activado!
Maru , yo por favor
Activada!
Me anoto!
activado!
Ana Eva Plaza Stevan
Activada!
Ana Eva Plaza Stevan
activado!
Hola profe. Me anoto aqui
Activado!
Buenas noches yo me anoto por favor
Activada!
Me anoto!
Activado!
Ornella Ayelen Fissore
Activado!
Ornella Ayelen Fissore
Gabriela Barredo Vacchelli
Gabriela Barredo Vacchelli
Activado!
Constanza Wanzo
Activado!
Holiii quisiera anotarme, gracias!!! <3
activado!
Me encanto la clase como siempre, hay muchos datos nuevos de los dos cursos anteriores que tuve la suerte de seguir, me encanta siempre poder ir actualizándonos en estos conocimientos.
Estuve buscando acerca de la mención que realizó una de nuestras compañeras acerca de el baile de los siete velos como origen en la comunidad gitana, me llamó mucho la atención pero no pude encontrar mas que historias que hablan del movimiento de sus faldas y sus manos. Por ejemplo:
https://danzaorientalenlared.wordpress.com/historia-de-la-danza/
Tuve la suerte de comprarme el libro de Salome de Oscar Wilde, esta espectacular! los dibujos son maravillosos y la edición es maravillosa. Deben tratar de conseguirlo chicas!!
Luxor – Laura Rubiano
Luxor – Laura Rubiano
Maru me anotas para ver ambos grabados? gracias!
Si Cami!! Ahi te anoto
Plaza Ana Eva
Me encanta en cada una de las clases recibir mas información. Loie Fuller es una de mis artistas favoritas, me encanta su inventiva, su forma de lograr poner su marca y además de todo el habernos dejado como herencia esta danza tan maravillosa y las wings como tal. Me gustaría que nos cuenten cuando saldrá la autobiografía, me encantaría leerla.
Gracias Gaby!!! Me encanta Loie Fuller y nos quedaron varias cosas afuera de la clase por falta de tiempo. Ya le dedicaremos un curso a las wings de más clases para poder ver todo de forma completa. Gaby dijo que la autobiografía al español saldría el año que viene, esperemos que pueda publicarla <3
Es muy interesante conocer sobre el baladi en el contexto de significado, y como esta riqueza de conocimientos pueden ayudarnos en nuestra danza.
Pienso que es muy importante el entender y estudiar sobre la cultura que estamos danzando, ya que así nuestra formación es integral y además podemos llevar nuestra danza ya a un significado de respeto y valoración añadiendo características especificas referentes a su cultura.
En mi opinión estaría entre estos dos, bellydance y danza árabe. Ya que en Ecuador se vuelve un lenguaje más acertado facilitando la comunicación con respecto a la danza que queremos ofrecer. Posterior a ello ya en el campo de enseñanza es muy importante analizar estos términos para que nuestras alumnas puedan generar su propio criterio dándoles las herramientas adecuadas.
Estoy feliz!! en cada clase aprendo algo nuevo a pesar que ya había tenido previamente el curso en la Certificación de Bellydance. Gracias mi Mari por siempre tomarnos en cuenta para seguir enriqueciendo tus presentaciones y clases.
Mi Mari muchas veces yo sigo teniendo problemas con la búsqueda de información, ya que de igual manera a parte de las páginas que encuentro en internet, es difícil encontrar bibliografía, ya que los libros casi todos están para comprar, no hay mucho presupuesto jajajja, Por otro lado de los libros que tengo, ya realizo un seguimiento mejor, me fijo mas en la bibliografía de donde provienen y de que año. Gracias por tus tips.!!!
Gaby, la verdad que sí, es todo un presupuesto la investigación porque no son libros que suelan estar en bibliotecas de universidades o públicas. Por lo tanto, para poder adquirirlos tenemos que comprarlos. Por ahí es un poco más económico comprar los libros en formato digital, como por ejemplo kindle de amazon. Al principio estaba un poco negada a comprar libros digitales, porque siempre preferí el papel, pero acá en Argentina no podemos importar libros (en teoría si podemos, pero en la práctica los libros vuelven de la aduana) y tuve que acostumbrarme al digital si quería seguir actualizada. Hay algunos libros que pueden descargarse de forma gratuita, pero al haber escrito uno, se el trabajo que demanda la escritura y por eso no comparto links para descargar libros, me parece importante reconocer el trabajo de cada autor y hacer un esfuerzo en comprarlos. Probá con Kindle!! igualmente tengo en proyecto hacer una biblioteca virtual acá en el campus, en el verano me voy a poner en campaña.
Lorena Siehe
Lorena Siehe
Yooooo Gabriela Candel Albán, presencial
activado!
Gabriela Candel Albán
Gabriela Candel Albán Sincrónica
activado!
Ornella Ayelen Fissore
Yensi
Danzas Etnoidentitarias y Profesorado Danzas Arabes 3er Año.
Palabrasanta.or@hotmail.com
ARGENTINA
enviado!
Utilizo el termino Danza Arabe, mas alla de que es un termino muy amplio porque contiene diversos paises, culturas, idiomas y danzas, es el termino con el que conoci la Danza hace muchos años, es un termino en nuestro idioma, tambien es una manera clara de comunicarlo porque la gente entiende de q se trata cuando lo menciono. Si bien tambien utilizo el termino Bellydance porque dentro del ambiente hoy es el mas utilizado, no me queda comodo, no me representa porque es un termino en Ingles. Por eso decido seguir utilizando Danza Arabe pero a sabiendas de que es un termino amplio que igualmente contiene, en mi opinion, las danzas que practicamos aunque no sean todas, forman parte.
Plaza Stevan Ana Eva
Danza Etnoidentitarias
pz.anita13@gmail.com
Argentina
enviado!
Plaza Stevan Ana Eva
activado
Rosa María mariño lo realizó de manera asincronica
Ana Eva Plaza Stevan Presencial
activado!
Presencial, me olvidé de aclararlo.
activado!
Evelyn Andersson
Danzas Etnoidentitarias y Profesorado Bellydance
evelyn.andersson@gmail.com
Argentina
enviado!
Micaela Quiroga
Danzas Etno-identitarias
nadirabellydance@hotmail.com
Argentina
enviado!
Luxor – lo realizaré de forma sincrónica
activado!
Luxor – intentaré realizarlo de forma sincrónica
activado!
Florencia Klot
No se si podre estar sincrónica las 2 horas… Seguro asincronica
activado!
Plaza Stevan Ana Eva
Programa de perfeccionamiento en Historia del Bellydance
pz.anita13@gmail.com
Argentina
enviado!
Lorena Siehe – Khaleia
Perfeccionamiento en Historia del Bellydance
Introducción música árabe
loresie@gmail.com
Argentina
enviado!
Lorena Siehe – primera mitad sincrónica, la otra mitad asincrónica
activado!
Lorena Siehe 1 clase sincrónica, otra asincrónica
activado!
Lorena Siehe
activado!
Gabriela Barredo
Gabriela Romina Barredo Vacchelli
activado!
Anabel Aiello.
Perfeccionamiento en historia del Bellydance.
Argentina.
anabel.aiello@gmail.com
enviado!
Nombre y apellido completos: Solange Estevez.
Nombre del curso o carrera de la cuál querés solicitar el certificado. Programa de perfeccionamiento en Historia del Bellydance
Email al cual querés que lo enviemos: profesolangeestevez@gmail.com
País de residencia. Argentina
enviado!
Utilizo el término Danza ärabe de manera comercial y para dar a conocer lo que quiero ofrecer, pero una vez ya he capturado el público tenemos la clase de teminología y cada uno decide con qué termino quedarse pero ya con el conocimiento de que no son sinónimos
Me parece muy interesante ver cómo a través del tiempo ha cambiado la perspectiva de lo que es la danza y cómo se cree que surgió, así mismo como se van desmintiendo mitos o verdades que en su momento fueron verdades absolutas, argumentado con fundamentos.
En mi caso lo más complejo ha sido la cantidad de información que se encuentra, en su mayoría falsa o sin sustento, el no saber con qué quedarme, qué fuente es confiable y cuál no.
Normalmente, cuando quiero buscar sobre un tema busco la bibliografía y solo me remito a los libros que allí se mencionan y si puedo acceder a la bibliografía de esos libros fantástico! pero a veces también termino en un bucle de información infinita
Esta clase es muy interesante de ver cómo los viajeros cuentan desde su perspectiva y vivencias los encuentros que tuvieron con las bailarinas y la danza, el problema es que cada uno cuenta cómo le fue en la fiesta y pienso que no se puede juzgar que por una experiencia personal un gremio total. En el caso de Flaubert, me parecen un poco grotescos y despectivos sus escritos, y no me gusta leerlos.
Varias cosas:
1) con respecto a la preparación de una clase teórica me parece que lo más importante es saber a qué publico está dirigido, para saber de qué manera abordar el tema, con qué leguaje y qué contenidos ofrecer. Entonces la preparación es la clave.
2) Respecto a las escritos hechos por los viajeros, es interesante ver plasmada la perspectiva de la época en la que fueron escritos, como la sociedad juzgaba al otro por ser distinto y siempre lo hacían ver como inferior o no desarrollado. Particularmente, no me gusta leer la manera en la que degradan a las bailarinas, pese a que admiro su capacidad descriptiva.
Me parece interesante el tema de la época del Casino Badía y lo importante que fue para dar a conocer la danza a ese publico no nativo, así como se fueron tomando elementos externos y mezclándolos con lo propio para responder y adaptarse a lo que se estaba demandando en el momento por toda clase de público. Y cómo se construyó mutuamente entre locales y extranjeros la danza que se hace en su momento.
Describe las características de los personajes principales (personalidad, situación laboral, anhelos, etc.)
Mounir (Farid el Atrash)
Trabajaba en el telégrafo, era laudista y cantante. Su situación laboral cambia cuando lo despiden de su trabajo por distraido. Se enamora de Nadia, la protagonista. Es un artista pero tiene que trabajar en algo que no le gusta. Es un hombre encantador y carismático, pero mentiroso
Nadia,
Es una mujer muy sensible, que va cambiando su personalidad a través de la película, al principio era muy insegura pero despues va tomando más carácter
Hermanas Zeinab y Rasmia,
Dos hermanas que no estaban de acuerdo con los prometidos que habían escogido para ellas, vivían en una situación muy difícil porque estaban en una época donde tocaba hacer la voluntad de su padre. Al principio se les ve como mal a actitud pero luego cambian su manera de portarse con Nadia, Al final ayudan a Munir a cumplir su cometido.
Describe las escenas de danza, como es la enseñanza de la misma?
La clase de danza se desarrolla como una clase de ballet actual, estirando , pero no se ve una escena de bellydance o movimientos propios o típicos que conocemos
Anota los consejos que lee Mounir en el libro “Cómo conseguir a tu amada”, ¿que sucede al seguir los consejos?
Las mujeres necesitan seguridad.
Si llora burlate de sus lágrimas.
Si odia el licor entonces emborrachate
no tiene que i detrás de ellas
A él le iba bien no sé cómo, pero el amor no fluia al seguir esos consejos.
Cuál es la visión del amor que se percibe en las canciones.
Habla de su situación actual y lo que vive, de cómo va cambiando el amor a través del tiempo, y como se siente respecto al amor, cuando esta enamorado y cuando se siente rechazado, las canciones son muy poéticas
Analizá la letra de la Operetta final, la mirada hacia la relación entre la música occidental y “oriental”.
La unión entre oriente y occidente cada uno representado por un personaje
Curso de Paulo Botta
Nombre y apellido completos: María Constanza Wanzo
Nombre del curso o carrera de la cuál querés solicitar el certificado: Danzas aprendidas durante el año con la Company.
Email al cual querés que lo enviemos: constanza.wanzo@gmail.com
País de residencia: Argentina
enviado!
Gina Katherine Pastrana Urueña
Profesionalización en Historia del Bellydance
ginakatherine@gmail.com
Colombia
enviado!
Luxor – Laura Rubiano Lozano
La Cuestión de la Mujer en Egipto / Carolina Bracco
Perfeccionamiento en Historia del Bellydance
luxordanzaarabe@gmail.com
Colombia
Nota: Maestra una pregunta ¿es posible que los certificados indiquen que son expedidos en Argentina?
enviado!
Sabri Flores
activado!
Gabriela Romina Barredo Vacchelli 😀
activado
Quiero! Gabriela Romina Barredo Vacchelli
Quisiera anotarme Nahed Arroyo
activado!
Quisiera anotarme Nahed Arroyo
activado!
Anótame mari
activado!
Me anoto!
activado!
Melina Pontoriero
Melina Pontoriero. Cursada asincrónica.
activado!
Soledad Ortiz López
Asincrónico
activado!
Soledad Ortiz López
Asincrónico
activado!
Soledad Ortiz López
Asincrónico
Micaela Quiroga
Asincronica
activado!
activado!
Micaela Quiroga
Asincronica
activado!
Gabriela Candel Alban. Sincrónica
activado!
Gabriela Candel Albán
Programa de perfeccionamiento en Historia del Bellydance
La Cuestión de la Mujer en Egipto / Carolina Bracco
gabycan@hotmail.com
Ecuador
enviado!
Gabriela Candel Albán
Introducción Musica Arabe
Buenos días prof. En qué parte está el enlace para rendir el examen? Gracias
Hola Ali! está al final de todos los módulos. Si clickeas en el contenido del curso que es el boton azul podés verlo. Avisame si lo encontraste.
Vanina Bahamonde – Sincrónica
activado!
Vanina Bahamonde – Sincrónica
activado
Cynthia cecilia Membrives Ferroni
Sincrónica , muchas gracias
activado!
Cynthia cecilia Membrives Ferroni
Virtual sincrónica
Gracias
activado!
Hola buenas! Quería comentarles que los links de los apartados 1 y 2 me aparecen que no están más disponibles, creo que el video ya no estaría más en youtube. Estará en algún otro medio/canal? Gracias!
Daiana Naimid Rodríguez, sincrónica
activado!
Daiana Naimid Rodríguez, sincrónica
activado!
Daiana Naimid Rodríguez
Melin Pontoriero. Modalidad sincrónica
activado!
Florencia Klot
activado!
Hola Mari.. abajo también pedí el de Danza Entno con la Compañía y perfeccionamiento en historia del Bellydance.
Me faltó
El curso con Paulo Botta y la Cuestión de Género con Carolina Bracco.
Plaza Stevan Ana Eva
pz.anita13@gmail.com
Argentina
enviado!
Rosa María mariño de manera asincronica
activado!
Rosa María mariño asincronica
activado!
Mehilym Ibarrola
activado!
Hola quisiera inscribirme
Me inscribo Maru.
activado!
Me anotas Nahed Arroyo
activado!
Daniela Arévalo. Asíncronica
activado
Cynthia cecilia membrives ferroni , sincronica
activado!
Cynthia cecilia membrives ferroni ,sincrónica
activado!
Cynthia cecilia membrives ferroni , sincronica
activado!
Hola Estudio Sahar, hola Mari.
Más que una pregunta es compartir que me pareció super interesante en texto de Deagon, Dancing At The Edge of the world. Más allá del Hagalla y estudiar sobre el ritual, me pareció super interesante lo plantea en su texto. Creo que es super disparador para reflexionar y debatir, que es el Rol de la bailarina en la sociedad y/o comunidad. Sobre todo el rol que cumple en medio oriente como en la cultura occidental es un estudio y debate super interesante.
Lorena Siehe
activado
Mehilym Ibarrola.
activado!
Lorena Siehe
activado!
Luxor – Laura Rubiano
activado!
Rosa mariño
activado
Mehilym Ibarrola. Me encanta!!!
activado! <3
Rosa mariño asincronica
Activado!
Nombre y Apellido: María Drach
Nombre del curso o carrera de la cuál querés solicitar el certificado: Danzas aprendidas durante el año con la Company.
Email al cual querés que lo enviemos: edmariadrach@gmail.com
País de residencia: Argentina
Nombre y Apellido: María Drach
Nombre del curso o carrera de la cuál querés solicitar el certificado: Danzas aprendidas durante el año con la Company y la cuestión de la mujer en Egipto / Carolina Bracco
Email al cual querés que lo enviemos: edmariadrach@gmail.com
País de residencia: Argentina
Es muy interesante conocer acerca de la cultura baladi y ya no solo establecerlo como un ritmo o como una forma con características especificas para bailarlo, sino conocer un contexto completo de vivencias que permitan enriquecer nuestro pensamiento con la diversidad de su cultura, y con ello, poder también enriquecer nuestra danza, para poder bailarla con un conocimiento técnico, interpretativo y sobre todo con mucho respeto.
Micaela Quiroga
Asincronica
activado!
Micaela Quiroga
Asincronica
activado
Gabriela Candel Albán. Sincronica
activado
Gabriela Candel Albán
Luxor – Laura Rubiano
activado
activado
Gabriela Candel Albán
activado!
Nahed Arroyo
activado!
Flor munafo anótame maru
activado
Inscribime maru
activado!
Anótame maru
activado!
Melina Pontoriero, cursada sincrónica.
activado
Fue muy interesante observar detalles que habíamos visto en cuanto a los Ibn al Balad y los Afrangi, y como acentúan los estereotipos de estos dos tipos de clases sociales.
Me encanta ver al pueblo defendiendo lo suyo y sobre toso que son unidos y agradecidos por que Fatma los ayuda sin esperar nada a cambio y como ellos son recíprocos.
Te agradezco infinitamente mi Mari siempre por hacernos llegar esta información tan preciada, que nos permite ampliar aun más nuestro conocimiento, para entender esta cultura tan lejana a nosotros pero a la vez en muchos aspectos tan parecida.
Luxor – Laura Rubiano
activado!
Angélica Güerci, sincrónica.
activado
Quiero inscribirme.lo hare asincronicamente
activado!
Angélica Güerci. Cursaría sincrónica en febrero y asincrónica en marzo
activado!
Mkcarla Quiroga
Asincronica
activado!
Ornella Fissore.
activado
Ornella Ayelen Fissore. Sincronica.
activado!
Quiero anotarme <3 gracias
anotada!
Quiero anotarme <3
activado!
hola, quisiera anotarme. soy Gabriela Christin. Gracias!
anotada!
Sole Ortiz
Asincronico
activado!
Mehilym Ibarrola
activado!
Quiero anotarme. Gabriela Romina Barredo Vacchelli
activado!
Gabriela Romina Barredo Vacchelli
activado!
Quiero inscribirme! Forma sincrónica y asincrónica.
activado!
Hola me interesa!
activado!
Me gustaría saber si se puede ver grabada esta charla y si podes comentar cómo aprendiste a liderar el grupo para que no haya competencia entre las integrantes.
activado!
Angélica Güerci. Me gustaría conocer tu experiencia
Activado y anotado para hablarlo!
Ornella Fissore
Activado Orne!
Ornella Fissore
activado!
Patricia Erdellan Kohan Schkolnik, sincronica
activado!
Patricia Erdellan Kohan Schkolnik, asincronica
activado!
Sabrina Garcia Witzler. Conocer como fuiste desarrollando tu carrera y que comenzaste a enseñar primero y en que modalidad(talleres, seminarios, etc). Que formato o modalidad recomendás para quienes están comenzando a enseñar.
Activado! Todo anotado para que lo hablemos.
Sabrina Garcia Witzler.
activado!
Malena Bernal Lassaque.
Me gustaría saber que sentiste al estudiar la carrera, si te frustraste mucho, cuanto tiempo le dedicabas al estudio y como fue que empezaste a dar clases luego de que te den el titulo.
Activado! Bárbaro Male me lo anoto.
Malena Bernal Lassaque
activado!
Patricia erdellan kohan schkolnik
activada
Buenos días Marina! Quería contarte que acabo de ver la clase y me pareció súper interesante, pasó rapidísimo y me quedé con ganas de seguir escuchando. Lamentablemente por un tema de horarios y trabajo no puedo conectarme en vivo aunque me encantaría si puedo alguna vez.
Espero que la próxima clase, muy feliz de haber empezado el curso.
María Cecilia
Hola María Cecilia! Me pone muy contenta que te haya gustado la clase. Si alguna vez te coinciden los horarios para poder conectarte, te espero! Cualquier duda que tengas podés escribirme por acá. Un besote enorme!
Hola quiero anotarme.modalidad asincronica
activado!
Me anoto. Modalidad asincrónica
activado!
Me anotoo!!!Mod asincrónica
activado!
Quieroo.Mod- Asincrónica
activado!
Mehilym Ibarrola
Activado!
Virginia Scocchera.
Me anoto de manera asíncrónica
activado!
Micaela Quiroga
activado!
Micaela Quiroga
Activado! Mica escribime si hay algo en particular de lo que querés que hablemos.
Hola Marina! quiero anotarme, asincrónicamente por ahora. Gracias.
Gabriela Christin.
activado!
buenas tardes. La verdad que conocía poco del tema de la terminología para referirse a las bailarinas aunque sí sabía de las diferencias sociales o con respecto a la vulgaridad de las mismas. Me pareció muy enriquecedora la primer clase ya que completó un poco la información que ya tenia y al mismo tiempo, me dejó con ganas de saber más, sobre todo en referencia a los distintos autores.
Luxor – Laura Rubiano
activado!
Luxor – Laura Rubiano
Activado Lau! si hay algún tema en particular que te gustaría que hablemos escribime.
activado!
Luxor – Laura Rubiano
asincrónico
activado!
Daniela Arevalo. Sincronica
activado
Daniela Arévalo. Asíncronica
activado
Daniela Arévalo. Asincronica
activado!
Quiero escuchar la charla!
activada! Escribime que te gustaría que tratemos o si tenes alguna duda en particular.
Consulta: Quedará grabada?
solo por 24h Gaby
Quiero escuchar la charla. 🙂
activado!
Haber si alcanzo a que me inscribas Nahed Arroyo
activado!
Florencia Rodas. Me interesa cómo tener tu propia clase
activado! Barbaro Flor anoto entonces esto.
Florencia Rodas
activado!
Lorena Siehe
Me interesa mi Mari … Gaby Candel. gracias
activado!
Me interesa mi Mari. Gaby Candel. graciiaaassss
Activado!
Brenda salvatierra.Asincronica
activado!
Hola. En mi ciudad, Posadas, siempre escuché el termino danzas árabe,s y la explicación siempre tenia que ver con el hecho que hace referencia a los países árabes. En algunas escuelas a las que asistí, las profes explicaban cuando enseñaban alguna danza que no perteneciera a la liga. Con respecto al termino de danza del medio oriente, lo vi alguna vez en Internet, pero no es utilizado en mi ciudad.
En mi caso, y por mi experiencia, elegiría el termino danzas árabes, ya que esta instaurado y la mayoría de las personas lo reconocen y asocian con la “odalisca”, como le dicen a la bailarina.
sincronica
activado!!
asincronica
Hola Patri! Este curso también fue en enero y ya finalizó.
asincronica
Hola Patri! Este curso fue en enero, ya finalizó.
Lorena Siehe.
activado!
Me parece muy interesante conocer los nombres y biografía de las/los bailarines de esa época. Así como las danzas que bailaban y su vestimenta.
Estos contenidos me ayudan a entender mejor la evolución de la danza.
Gracias.
Jeanette Benitez Ocampos, me apunto de modalidad asincrónica por favor.
activado!
Jeanette Benitez Ocampos, modalidad asincrónica por favor.
activado
Poniendome al día.
Super interesante. Sabía muy poco del Islam. Tener esta clase me ayudó a conocer, comprender, entender imágenes que uno ve pero no se pregunta porque?. No sabía que el Islam toma a los otros profetas y que Muhammad es el último que cierra la profecía de Dios hablando al mundo. Me sorprendió que también esté el arcángel Gabriel.
Hola Ani! Si, por ejemplo Jesus, Abraham, y Moises son considerados profetas dentro del islam y María también es importante para el islam.
Maru.
No encuentro y no sé cómo se como se escribe, cuando hicieron a Bagdad capital en el califato Abaside.
Muy interesante en lo cultural toda la época del califato Abaside. Florecimiento la cultura y la importancia que le dieron. Pensaba si habrán quemado las bibliotecas los mongoles.. tipo noooo…
Y también me interesó el modo de enseñanza a través de fábulas, tipo.. tenían una pedagogía.
Hola Ani! Se escribe Madínat as-Salam, esa es Bagdad.
Cuando pasemos a literatura árabe vamos a ver una de las fábulas que utilizaban para enseñar.
Hola Mari
Algunas consultas
Las bailarinas que vimos el período es de 1830 hasta cuando aprox?
Tenía dudas el nombre de algunos viajeros, como se escribe. Uno es quien describe a la bailarina Aziza de Aswan Floubert y no Ducan?
Y la comitiva de Francia que describe a Badawiyya de Qena como se escibirian?
También no llegué a escribir la autora que describe los tres tipos de danzas que vió en esa época.
Gracias Mari.
Me quedé pensando la importancia de estudiar y reconocer como parte de la historia a estas bailarinas. Las habíamos visto en otra clase pero ahora siento que fue todo más profundo y marcando la importancia de ellas.
Ornella Fissore
activado!
Ornella fissore
activado!
Luxor
activado!
carina figueroa
activado!
carina figueroa. tema: motivacion
activado!
carina figueroa
activado!
carina figueroa
activado!
carina figueroa, modalidad asincronica. gracias.
activado!
carina figueroa
activado
Hola Mari, hermosa clase. Está muy bueno conocer los métodos de enseñanza de esa época, para poder compararlo con la actualidad. Fue muy interesante conocer las dos versiones de la danza con sable., para poder compararlas. Blanc observó una danza con características eróticas, y Colette una bailarina más guerrera. ¿Es asi?
Rosa María mariño
activado
Rosa María mariño
activado!
Rosa María mariño
activado!
Rosa María mariño
activado!
Gaby Candel Alban. Gracias Mari
activado
Gabriela Candel Albán. Gracias Mari
activado!
Gaby Candel Albán. Gracias Mari
activado!
Buen día Mari.
Estoy repasando las clases.
Me quedó una pregunta. Para poder saber mejor a la hora de justificar, ¿cuáles son los autores actuales que no están de acuerdo con el mito de que las ghawazy= gypsy?. Está muy difundido este mito.
Gracias Mari
Verónica Pignataro, asincrónico
activado!
Florencia Klot
activado!
Florencia Klot
activado!
Ana Eva Paza Stevan. Gracias Mari
activado!
Ana Eva Plaza Stevan
activado!
Plaza Stevan Ana Eva
activado
Me encanta y me ordena cómo está planificado el cuerdo. Estaba pensando la necesidad de hacerme un cuadro sinópico con todos los viajes, el año y la nacionalidad.
Angélica Güerci. Asincrónica.
activado!
Angélica Güerci. Asincrónica.
activado!
Melina Pontoriero. Asincrónicamente.
activado!
Nahed Arroyo Asincronico
activado!
Daiana Galvan
activado!
Daiana Galvan asincronica
activado!
Ornella Ayelen Fissore
activado
Lorena Siehe
activado!
Lorena Siehe
activado
Asincronica
activado!
Patricia erdellan kohan schkolnik
activada
Patricia erdellan kohan schkolnik
activado!
Brenda Salvatierra asincronica
activado
Excelente clase. Me encantó, fascinante.
Quería dar mi opinión en las preguntas que se realizó al final de la clase.
Coincido con los comentarios de mis compañeras. Quería agregar que aprender sobre historia en Estudio Sahar me permitió re pensarme, a mí misma, en lo atravesada que estaba por la fantasía occidental hacia las danzas de oriente. Así como también sobre el mito del origen apoyado en la Diosa. Estudiar desde un lugar cultural, histórico, contextualizar, etc. permite tener un conocimiento más acabado y profundo. Nosotras bailamos danzas de otra cultura, tener esta comprensión desde estas dimensiones permite una ampliación en el saber, un apoyo interno de entendimiento y respeto por la cultura de la danza que representamos. Por lo tanto, considero que sirve muchísimo en mi cotidiano para poder seguir desarrollándome como bailarinas.
Malena Bernal
activado
Luxor
activado
Verónica Pignataro
activado
Maria Drach
activado
Maria Drach
activado!
Solicito que me activen el documental Reel Bad Arabs.
Muchas gracias!
Hola Gaby! activado
Daniela Arévalo sincronica
activado!
Daniela Arévalo
activado!
Daniela Arevalo
activado!
Me interesa! Quiero presenciarla!
Activado!
Me interesa!
activado!
Me interesa!
activado
Me interesa!
activado
gabriela christin
activado!
¡Buenas! ¿Quedó grabada?
Hola Meli! Si se había grabado y subido al campus pero ya se deshabilitó.
Melina Pontoriero. Asincrónicamente. Gracias.
activado
Me interesa, Sabrina García Witzler.
activado
Hola Mari, este período en bisagra, cambia todo un montón. El origen de la danza como la conocemos hoy.
En cuanto a las ghawazi y Awalim, destaco esta información que nos das, sobre la distinción. Antes se distinguían por la clase social, y ahora por la zona geográfica. Y lo asocie con las Maazin que viven en zonas rurales. Un concepto muy importante para tener en cuenta, incluso actualmente. Hermosa clase.
Si totalmente Lore, es un período sumamente importante y clave para la danza, por eso quería que lo veamos con detalle y profundidad.
Algo que les recomiendo es que se hagan una linea de tiempo con las etapas que les voy enseñando y los cambios generales que se producen, así pueden entenderlo a nivel sincrónico y diacrónico.
Que fascinante saber de las qasidas. La narración me hizo acordar a algún que otro cuento de las Mil y una noches.
Vamos a leer cuentos de las mil y una noches <3
carina figueroa
activado
Gaby Candel Albán
activado
Ana Eva Plaza Stevan
activado!
Plaza Stevan Ana Eva (grabado)
activado!
carina figueroa
Flor munafo
activado!
activado!
Hola! Es muy interesante conocer esta etapa de las Ghawazi, su repertorio y las diferencias en las distintas regiones.
Lorena Siehe
Micaela Quiroga
Modalidad Asíncrona
activado
activado!
Lorena Siehe. Asincrónico.
activado
Verónica Pignataro
activado!
Verónica Pignataro
activado!
Florencia Klot
activado!
Florencia Klot
No se aun si sincronica, voy a tratar. Que bueno Susana Mangana dando este curso aca, otra grossa. Gracias infinitas!!!
Activado! Sii fue mi profe en un programa que hice en la UCA y me encantó, por eso quería traerselas.
Hola! Quisiera hacerla de manera sincrónica. 😀
Activado!
Hola! Es posible que la haga de manera asincrónica.
activado!
Florencia Klot
activado
Florencia Klot <3
activado
Florencia Klot
activado
Gabriela Christin- asincrónica
activado!
Hola Mari, todo entendido. Muy interesante para tener una cultura general. Una pregunta, las qainat, en qué época estaban, no me acuerdo.
Lorena Siehe, de manera asincrónica.
Activado!
Patr
activado!
Lorena Siehe
activado
Me encantó la clase de Al andalus!! Ninguna duda.
Creo que tomar tus clases cambiaron mi forma de ver la danza. Se cayeron muchos mitos. Y es muy importante conocer sobre la historia y contexto de estas culturas. Coincido con mis compañeras.
Me gustó que se leyeron ejemplos de cada género. Eso me facilita comprender mejor. Me gustaron los proverbios que tenían que ver con la amistad.
Me interesó el tema de las qasidas y como siguieron vigentes y Oum Kalthoum las tomo para cantarlas.
También me interesó la lectura de la sura 31, que hablaría en contra de la danza, ¿no? si se la considera frívola. Pero, por otro lado, el jadise que cuenta que el profeta no tenía ningún problema con la música.
¿Conoces si hay algúna sura o jadise que nombre específicamente a la danza? Hermosa clase.
Carina Figueroa. Trataré de hacerlo de manera manera sincronica. Gracias
Activado!
Hola Mari, muy interesante la clase. Gracias por las recomendaciones! Los de Mahfuz que habías recomendado hace un tiempo, los leí en verano y me encantaron! Así que voy a tratar de conseguir estos que recomendaste ahora.
Nahed Arroyo de manera asincrónica por favor
Activado!
Naheds Arroyo asincrónico
Gabriela Candel. Maneras de como sintetizar nuestras ideas para poder dar la clase de una forma comprensible.
Gabriela Candel Alban. Sincrónica
Activado!
Gabriela Candel Albán. Sincrónica. Gracias Mariii
activado!
Lorena Siehe
Gabriela Romina BArredo Vacchelli
Aviso que puede que la haga de manera asincrónica.
activado!
Muy buena la clase. Comienza a hablar sobre la tercera etapa de la historia de las Ghawazee entre los años 1830 y 1890. Se menciona cambios en el vestuario tendientes a la simplificación e imitando sólo algunas cosas europeas. Entre esas cosas, se menciona la desaparición del escote como para volverlo más recatado. La danza pasa a presenciarse en los clubs nocturnos y ya no en eventos conmemorativos como sucedía antes. Ghawazee pasa a ser el nombre que reciben las bailarinas rurales, mientras que las Awalim son aquellas que danzan en las ciudades de El Cairo y Alejandría.
En esta primera clase, se empieza a ver los distintos términos y sus significados, relacionados con este tema. En una primera instancia Ghawazee se veía relacionada con una tribu y es un término tanto plural como singular. Almeh (plural) era otro término también usado por los viajeros para distinguir a las bailarinas. De acuerdo con las diversas fuentes, algunos usaban la palabra Almeh o Ghawazee para referirse a las bailarinas. Napoleón las mencionó como Almeh. Edward Lane usa ambos términos. Ghawazee para las más privadas y las Almeh para las públicas. En general se ve que, independientemente del término que use cada viajero, ellos hacían una distinción entre 2 clases de bailarinas.
En esta clase se menciona el origen gypsie de las primeras ghawazee. También se comenta cómo una de las Ghawazee más conocida, Khayriya Mazim, empieza a pedir que no se utilice este término para definirla por la connotación negativa que éste tendría en su país. En el alto Egipto hasta se lo connsidera un término vulgar. En cuanto a la historia en sí, se menciona cómo durante el gobierno de Muhammad Ali se prohíbe a las bailarinas en la ciudad de El Cairo y éstas se ven obligadas a irse más hacia el sur. Aumenta la asociación de estas bailarinas con la prostitución.
En esta clase se mencionan a alguna de las bailarinas más conocidas de la época y que fueron nombradas por los viajeros. Entre ellas están: Saffiya de Esna (muy prestigiosa y bailó hasta que se casó), Kuchuk Hanem de Esna (originaria de Damasco, fue íntima del viajero Flaubert quien escribe mucho sobre ella. No se destacaba en la danza en sí, pero sí sabía venderla), Hasna de Luxor y Qena (quien nunca pudo trabajar en El Cairo por las prohibiciones), Aziza de Aswan (cuya danza no era auténticamente egipcia), Badawiyya de Qena (quien llegó a bailar con doble sable y se crée que fue retratada en algunas pinturas), entre otras. Luego, se mencionan 3 tipos de danzas: en la primera sólo se danzaba sin actuación, en la segunda había actuación y era una danza que fue más bien considerada lasciva por algunos viajeros y en la tercera se hacía la danza de la abeja, la cual implicaba hacer de cuenta que se era atacada por una abeja mientras se danzaba. También se vio la vestimenta usada y sus distintas partes.
En esta clase se comienza a ver cómo va evolucionando la danza y, aquellas bailarinas que pretendían actuar para las clases altas, debían de ser más preparadas y saber de canto, recitar poesía y tener conocimiento de la tradición musical. En algunos casos, hasta debieron saber idiomas para poder comunicarse con los extranjeros. La aparición de los coffee house dio un nuevo contexto para que la danza fuera ejecutada. En estos lugares también llamados Qahweh, se tomaba café y se fumaba: vicios que surgieron como resultado de la prohibición del alcohol. También se menciona el uso de algunos instrumentos para danzar como el sable, el bastón, un vaso de agua, la taza de café, una vasija y también instrumentos pero más bien como parte del decorado de la bailarina.
Hola. Trataré de hacerlo de forma sincrónica. Saludos.
Micaela Quiroga
Modalidad Asincronica
Activado!
Activado!
Hola. Lo haré de forma asincrònica. Saludos
Micaela Quiroga
Modalidad Asincronica
activado!
activado!
En esta clase se mostró brevemente el estilo de vestimenta usado por las hermanas Mazin. Básicamente tenían 2 estilos de trajes: el faraónico el cual consistía de una pollera con sobre falda y un cinturón con tiras de tela, además de una corona. Y el Luxor el cual es un vestido largo con tiras de canutillos. Luego, se vieron videos de otras Ghawazee como Mahasin, Manal, Umm Hashim y Hannan. Estas 3 últimas, del alto Egipto. En la actualidad se conoce más sobre las ghawazee del alto Egipto que de las del bajo. Otro de los temas mencionados es cómo poco a poco esta es una tradición de danza que está empezando a decaer. En parte por el advenimiento del Raks sharki y la preferencia de la gente por este estilo de danza, y también porque muchas de ellas cuando se casan dejan de ejercer la danza y prefieren no ser relacionadas con la misma.
En esta clase se menciona la cuarta etapa de esta danza. Comienza a surgir en los clubes nocturnos el término Raks sharki para designar al belllydance. También se mencionan las diferencias que hay en la actualidad entre el estilo del Alto y del Bajo Egipto. Mientras que en el Alto Egipto se usa un estilo en donde se marca el compás con los pies, es un estilo más fuerte y no tiene pasos acrobáticos ni de equilibro, en el Bajo Egipto los pasos suelen ser más acrobáticos, hay baile con sillas, usan túnica como vestimente, no se marca la percusión con los pies y en las bandas se suele ver la presencia de todos los instrumentos.
Hermoso curso de literatura! Me parece muy importante la aclaración de las diferencias entre samai y muwashaha. Estaría bueno si lo podes agregar en el curso de mito, porque, por lo menos en Argentina, es un mito.
Y de literatura actual, me quedo con las recomendaciones de la clase pasada. Ya fui al blog y bajé el libro que recomendaste de la autora marroqui. Gracias!
Angélica Güerci. Modalidad asincrónica
activado!
Angélica Güerci. Modalidad asincrónica.
Activado!
Rosa María Mariño
Rosa María mariño
activado
Gabriela Christin- asincrónica
activado!
Gabriela Christin- asincrónica
Activado!
Plaza Stevan Ana Eva asincrónico.
Activado!
Sabrina Flores. Sincrónica
activada!
super emocionada por iniciar el curso. Me encanta el hecho de poder aprender de la historia de esta hermosa danza.
Cuando pienso en las normas APA, me acuerdo cuando estaba estudiando mi carrera de traductora, ahí aprendí un poco sobre cómo utilizarlas y realmente sirven para hacer algo mas formal. De igual manera, las voy a tener que revisar.
Me encantó. Siempre que estudié filosofía en alguna materia de la Facu o de psico social nunca hubo ninguna referencia a la filosofía del mundo islámico y me parece tan interesante como la filosofía occidental que siempre nos dan. Excelente, reflexionaba en los Mutazilies y en su pensamiento con respecto a la libertad del hombre se asemeja a lo que sería el concepto de libre albedrío. Obvio que no es el libre abedrio donde uno tenga la elección sin una causa y efecto, a malas decisiones un juicio final a la hora de ser evaluada el accionar de la persona.
También estaba pensando como determina el pensamiento filosófico, religioso la moral y el organizar la vida social de las personas.
Quiero decir, con los mutazilies hay una forma de accionar y pensar desde la noción de justicia, de tomar uno las propias decisiones y ser enjuiciado en el más allá mientas que Asharies te dice…peraaa cheee.. mira que Dios es Onmipotente. y esa pequeña diferencia de pensamiento te cambia todo el paradigma.
Bueno, no tengo más nada que agregar al excelente resumen que realizó mi compañera en la sección de preguntas y que leí recién.
Quería agregar la importancia de esta clase. Hay mucha confusión y mitos sobre las ghawazee en la comunidad del bellydance, tanto su pasado como en la actualidad. Por eso me parece fundamental esta clase. Agradezco la claridad que se ofrece sobre el tema.
Ahora puedo pararme desde otro punto (saliendo de los mitos y confusiones)
Este curso de profundizar sobre las ghawazee fue excelente y fundamental.
Jeanette Benitez Ocampo- Modalidad asincrónica 😀
activado!
María Cecilia Cataffo – Sincrónica – Muchas gracias!
Activado!
Luxor – sincrónica
Daniela Arévalo. Sincronica
activado!
Hola, Maru! Me anotás? Leticia Martin, modalidad sincrónica.
Activado!
Patricia erdellan kohan schkolnik
Sincronica
activado!
Edith Romano!
Quiero realizarlo de forma asincrónica.
Activado!
Edith Romano! Asincrónica
activado!
Carina Figueroa
Daniela Arevalo. Sincronica
Activado!
Volví a ver la clase. Me encanta…. Me quedé con ganas de profundizar la ultima parte de Avicena con su concepto de Hombre.
Me quedo super pensando.
Flor munafo
Activado!
Verónica Pignataro
Activado!
Me pareció super interesante conocer sobre la feria ya que no tenia idea de que se llevaban a cabo estos eventos. Me encantaron las imágenes, y creo q es una pena que no existan mas aquellos lugares con toda la infraestructura que utilizaban para las ferias, ya que me hubiese encantado visitarlos. De todas formas, con la información compartida me pude hacer una idea bastante clara de como era. Gracias!
Que emoción saber que formamos parte de la feria!!! También me encantó conocer a las bailarinas que formaron parte de esa época de la danza!
Me quede impactada con el Código de decencia! También con conocer a Loie Fuller y sus danzas; no sabia que ella fue la creadora de las Wings!
Fue cortito el video pero con muchísima información! Me encanta! gracias!
Recuerdo que en algún momento escuche el termino Menat pero no me acordaba a qué se refería! Gracias por explicarlo; de todas formas no soy muy buena en geografía, creo que me voy a tener que hacer un mapa para recordar mejor! Por otro lado, me encantaron las representaciones de las escenas de danza!
me encantó aprender un poco la pronunciación de las palabras y su significado! Y también conocer los distintos tipos de danza, no sabia que eran tantos!!!aparentemente esta gente se la pasaba bailando!!!
Rosa María mariño
activado!
Clase para re pensarnos, sobre todo desde donde nos paramos cuando hablamos de otras religiones y culturas.
Trataré de mirar las pelis para la próxima clase
Genial la clase! Cuánto material para reflexionar. Me sentí interpelada como mujer occidental. En cuanto a la película “La fuente de las mujeres”, la ví hace mucho, y hace un mes la busqué para recomendarsela a mis alumnas y ya no está ni en youtube ni en ninguna plataforma. Si la encuentran, me dicen donde se puede ver?
La encontré!! https://www.tokyvideo.com/es/video/la-fuente-de-las-mujeres tiene algunos anuncios pero está completa.
Gracias Mari!!!! Qué genia!!! Es mucho pedir si encontras le peli de la bicicleta verde.. podrás pasar el link?
Acá está Lore! https://gnula.nu/drama/ver-wadjda-la-bicicleta-verde-2012-online/ Tenés que ir cerrando los anuncios que te va abriendo hasta que finalmente se pone la película (opción castellano).
Me encantó como comenzó este curso de mitos! Bueno, primero, contarles que todos esos mitos, los he estudiado como verdaderos en algún momento, y peor, los he repetido.
Y en tus clases fui descubirendo que no eran asi. Pero está bueno, este “picadito” de mito tras mito.
La imagen del mito del origen del bellydance en el Antiguo Egipto, me hizo recordar el libro de Patricia Passo, que dice que a partir de esa imagen, no solo se sabe que esas bailarinas están bailando bellydance, sino, que afirma que están haciendo el paso del camello. El libro es del 2011, bastante actual.
Por eso me parece tan importante que puedas esclarecer todos estos mitos.
Coincido con vos Lore, en que es bueno poder ver todos los mitos juntos en un solo curso, para poder tenerlos bien presentes. Al verlos por separado y entremezclados entre cursos y clases, generalmente suelen olvidarse algunos. Con respecto al libro que mencionaste, lamentablemente aún se siguen perpetuando argumentos que no pueden ser comprobados científicamente. Nosotros no podemos afirmar que fue una bailarina esa figurilla, tenemos que hablar en condicional, siempre considerado la posibilidad de que quienes postulan que era una posición de agradecimiento, o vinculada a la guerra, etc. estén en lo correcto.
Daiana Galvan
activado!
Sabri Flores
activado!!!
Sabri Flores
La Danseuse o la Bailarina, dirijida por Stéphanie Di Giusto y estrenada en el 2016, es una película que logra plasmar en escena entre realidad y fantasía la vida de Loïe Fuller, la famosa bailarina nacida en Illinois que gracias a su creatividad y perseverancia, logra colocar su performance en altos estándares del arte con un contexto de danza diferente al establecido en la época, por medio del uso de largas extensiones de telas con varillas de madera para poder moverlas, esto con el uso de una iluminación adecuada para mostrar una obra diferente.
Es muy interesante en el contexto en el que presentan a Loïe Fuller en la película, en el minuto 4:24 puede verse como ella lleva una corona de flores mientras lee los diálogos de Salome de la obra de Oscar Wilde, semejando mucho a la imagen original de Loïe Fuller que se uso para la obra de Salomé en la que ella participó.
Llama mucho la atención la planificación y el desglose minucioso en dibujos y planos tanto para su danza como para la iluminación que se debería utilizar para lograr el efecto deseado al espectador.
Su primera presentación en la película es espectacular, detalla de muy buena forma como pudo haber sido la obra de Loïe Fuller en esa época, el detalle del juego de luces, los colores y los ángulos de proyección, describe muchas formas y significados, justo los que ella quería brindar al público como mensaje.
Las frases que describen a Loïe Fuller en publicaciones:
“Un sueño florar en escena”
“Un canto animado a la flor”
“Es una belleza fugaz, pero mayor que la vida”
Y la ultima: “Una flor de ensueño que surgió de la oscuridad” de Jean Lorrain, nos permiten vivir un poco de las sensaciones y pensamientos que pudo haber tenido su público al verla.
La experiencia de ver esta película para los que estudiamos danza es importantísima, una joya, se puede decir que Loïe Fuller fue una de las bailarinas que revolucionaron la danza, y en nuestro caso, parte de los orígenes del uso de las que hoy en día se conocen como Wings o Alas de Isis.
Hola! Necesitaría que me activen el documental, por favor.
Hola Edith! ahí te activo el documental.
Hola Mari, bueno, muchos temas diferentes se vieron en esta clase de mitos. Por un lado, en cuanto al bellydance y la fertilidad y el parto, agrego, a cerca de lo que comentó la compañera, que yo también hice cursos especiales para parto y había movimientos iguales o parecidos al bellydance. Su objetivo era la buena “colocación” del bebe, y ayudar al canal de parto y ayudar cuando se puja en el parto. Ni el bellydance, ni ningún curso o yoga, ayudan a que un parto no sea doloroso (el dolor ayuda a pujar). Coincido con la investigación que citas Mari, a algunas mujeres las puede ayudar, en estos aspectos. Y a otras, no. Pero, hay algo importante. Algunos estilos de bellydance pueden ser perjudiciales para una embarazada que nunca bailó, por ejemplo , un derbake o un raks al assaya con saltitos. Por esto, es importante conocer este mito.
Por otro lado, en la actualidad, el mito de las ghawazi y awalim y las ghawazi “gypsy” está muy arraigado en la comunidad de bellydance y se sigue encontrando en muchas escuelas, webs y artículos. Hermosa clase!
Hola Lore: Excelente tu comentario! En la clase no mencionamos que algunos obstetras no recomiendan realizar algunos estilos del Bellydance como el derbake o lo que sea saltado. Y como vos decis, si, está muy arraigado en la comunidad de Bellydance y seguramente llevará mucho tiempo poder lograr cuestionarlo. Gracias!
Chicas ahi pegue el link de los 2 videos pero veo que solo aparece uno solono se pq me pasa eso con los otros modulos me paso lo mismo .Que estare haciendo mal? Yo copio el link lo pego , doy un enter y asi voy haciendo con cada video.pero desp cdo lo cargo me aparece sienpre un video menos.En este caso eran dos y veo q figyra un solo link
Hola Bren! Cómo estás? Capaz pega todos los links de una y no por separado, no es necesario que les de el enter para que se forme el hipervinculo porque yo lo pego despues en la compu y lo veo así. Probemos eso!
Quedé encantada con esta clase. Me pareció una forma súper entretenida e interactiva de visualizar!
Increíble poder ver incluso desde cerquita la calle del cairo, gracias a él video y la tecnología.
Muchas gracias profe 🙂
De acuerdo a lo observado en la clase puedo vislumbrar que los dos conceptos resultan amplios.En cuánto a la denominación “Medio oriente”considero que es aún más compleja ya que no existe consenso en cuanto a los países que lo conforman , entiendo que quizás tiene que ver con diferentes miradas políticas, ideológicas , etc .
Mencionando ahora el concepto de Danza Árabe puedo concluír en que resulta también muy amplio ya que nuestra danza no representa a todos los países árabes y también deja de lado a algunas culturas que también influenciaron en nuestra danza y no están incluidas en la liga árabe. De todos modos considero que desde una óptica comercial utilizar ese término nos puedo ayudar a captar al público que no conoce en profundidad del tema .
Me encanto la clase, quisiera preguntar algo Mari, tu crees entonces que seria correcto decir que el origen de la danza, los primeros hallazgos se pueden dar desde las gawhazee y las awalim y posterior a esto en 1930 en los night clubs?. Gracias por tu ayuda.
Hola Gaby! Creo que podrías decir dos cosas:
1. si vos querés referirte al origen del estilo que hoy bailamos, es decir el Raqs Sharqi, el mismo se desarrolla a inicios del siglo XX en Egipto a partir de la tradición previa que se venía bailando entre ghawazee y awalim desde al menos el siglo XVII, sumado a influencias de otras danzas no solo de occidente sino también de “Medio Oriente” (Ej: países árabes + Irán)
2. Si vos querés referirte al origen de la danza en Egipto, tenemos evidencias de la misma ya desde el predinástico, pero no tenemos evidencias sólidas para poder realizar una linea de evolución de la danza desde el Antiguo Egipto hasta la actualidad.
Hermosa clase como siempre mi Mari, me la repetí para poder afianzar unos conceptos que no los tenia muy claros. Me encantan estas clases de Mitos!!! puedo ir cerrando ya los temas vistos y ahora queda todo mas claro. Gracias Siempre
Me pone muy contenta Gaby! Esa era la idea del curso <3
Ma encantó esta clase, los aportes de Sofi estuvieron muy interesantes, es distinto aprender a parte de la teoría con las vivencias de una persona y poder culturizarnos con su visión.
Me quedo con la frase de Margot Badrán: “Para la juventud, mujeres y hombres de la revolución, la libertad, la igualdad y la justicia son innegociables. Esta es la esencia del nuevo feminismo”.
Me encantó por que forma parte de mi pensamiento en cuanto al feminismo se refiere, que busca la igualdad tanto para hombres como para mujeres, ya que pienso que debemos situarnos hombro a hombro y no unos mas que otros.
Gracias por estas clases Mari, siempre son enriquecedoras.
Genial clase como siempre mi Mari, es tan importante sabes de estos tips, por que nos permite poder ya de una vez por todas ir desmintiendo mucha información que se encuentra en muchísimas páginas web y además en muchos libros también.
Justo se me vino también a la cabeza la película de Farid Al Atrash que vimos hace algún tiempo cuando representaban en la Opereta, el a Oriente y Samia Gamal al occidente, ambos con su arte y como podían conjugar bien entre ellos con un beneficio mutuo. Recomendada esa peli.
Gracias mi Mari nos vemos la proxima clase 🙂
Sii totalmente Gaby, la película de samia Gamal y Farid Al Atrash es un buen ejemplo de como ambas artes se apreciaban y conjugaban.
ame la clase mi Mari, que interesante que es la historia de Egipto, me quede con ganas de mucho más.
Una pregunta, cuando hablamos del Djet entonces sería como la forma final de los egipcios y las cosas en el espacio terrenal verdad?. o también esto implicaría el ámbito espiritual?.
Hola Gaby! Cómo estás? El DJET sería el tiempo o mejor dicho No tiempo, donde todas las cosas son como deberían ser. Pero no es en el espacio terrenal, porque el espacio terrenal está sujeto al Neheh (el tiempo cíclico, de las estaciones, de los días y noches, etc.). Espero que se haya entendido la respuesta. Un besito enorme!
Hermosa clase! Me encantó la participación de Sofía. Sus vivencias y opiniones aportaron un montón a contextualizar la clase. Además, de que es muy dulce! Muy interesante concocer sobre el feminismo en otras partes del mundo y sus particularidades por cada región.
Hola Mari, genial la clase. Hasta hace muy poco, yo creía que Khariya era la última ghawazi. Y este mito sigue muy arraigado. ¿Tendrá que ver porque la familia Maazin fue la más “estudiada” por decirlo as, en occidente? Y por lo tanto, la más popular. Y apenas se conocen en textos o videos otras bailarinas de ghawazi. Son la referencia de ghawazi en textos y workshops, no? Con más llegada al bellydance comercial creo yo.
Hola Lore! Si, creo que es una sumatoria de factores. Por un lado con el paso del tiempo hubo una disminución de ghawazee en el norte del país, por el otro lado, el estilo de ghawazee del norte no es tan diferente del raks sharqi (el del sur si es diferente, y por ello muchos asumieron que en el norte no había). Por último, los primeros estudios modernos que se realizaron sobre las ghawazee fueron realizados en el sur del pais, ya que todo parecía indicar que allí iban a encontrar. Y despúes hay varias que fueron dejando de bailar. Entonces, si creo que tiene que ver con el hecho de que la familia Mazin fue la más estudiada y la de mayor accesibilidad.
Una clase Super interesante, conocer la experiencia de sofia, como vive su desarraigo y su cultura fue muy enriquecedor. Susana siempre tan clara en todas sus ideas. Hermoso taller y hermosa clase. Muchas gracias.
Hola. Me estoy poniendo al día con el taller.
Interesante clase de Susana Mangana.
Su llamado a que reflexionemos, a desconstruir nuestra mirada occidental sobre la mujer occidental y sobre la mujer musulmana. La mirada del pensamiento crítica para poder ir más allá.
Excelente, coincido, la postura sobre respetar, no excluyente o de superioridad, sobre la lucha por los derechos de las mujeres en el mundo musulmán.
Desde que bailo siempre escuche y me enseñaron que el origen de la danza era con las sacerdotizas, pero claro, nunca lo dudé ni pedí mayores explicaciones, ahora recién me doy cuenta que hay mas que solo lo que me contaban. Me encanta poder conocer la verdadera historia. De todas formas, entiendo que se intento modificar la historia para mejorar la imagen de la danza y la bailarina. Creo que el fin era bueno, pero no creo que haya sido la mejor manera de hacerlo.
En mi caso cuando doy clases utilizo el termino “Danzas Árabes” porque así reconoce en mi ciudad. Por mi parte, preferiría utilizar el termino “Bellydance”, pero no lo hago porque al ser un término de la lengua inglesa, confunde a la mayoría de las personas. Lo que suelo hacer, es que una vez que asisten durante un tiempo a las clases, voy introduciendo de a poco la terminología correcta acompañado de la explicación correspondiente.
La canción es super conocida!!! no sabia que provenía de ahí…recuerdo escucharla en muuchos de los dibujos animados de mi época, sobre todo cuando hipnotizaban a las serpientes! El video de la bailarina me impacto, qué movimiento de caderas!!! impresionante!!
Dejo mis comentarios sobre cada uno, porque la verdad que hay mucho que decir:
Del primer video, Dunya, la danza de trance con velo me parece que tiene lindos elementos expresivos como para utilizar actualmente y crear misterio pero me parece que seria interesante agregarle desplazamientos.
Sobre el video de Delilah, la danza ritual, me parece que el hecho que la haga una embarazada y sin musical, solo el acompañamiento vocal, hace a la danza mas impresionante, aunque yo le hubiese agregado algún acompañamiento musical. Sin embargo tiene mucha expresión y lindos movimientos de manos y brazos.
Del tercer video, Le’ena como sacerdotisa, de entrada tengo que decir que no es de mis favoritos. Me impresionó bastante el uso de las dos serpientes, aunque sean boas, y el pecho descubierto. En algunos momentos me pareció mas una danza griega o cortesana. Cuando habló dijo que ella era la sacerdotisa de las serpientes que traía la sabiduría de Gaia (ese nombre, Gaia, me resonó, yo lo conocí como la conciencia colectiva cuándo apareció en el libro que traduje para mi tesis). En si, todo el acto me parece muy oscuro y extremo, pero hace que el show sea bastante intenso y llamativo.
Me encantó esta primera clase de los mitos en la historia del bellydance. El primer mito me pareció muy interesante porque empieza revelando el verdadero significado del término Raqs sharki como “danza del este” haciendo referencia a la región este del mundo árabe más conocida como Masriq. También se menciona que el término se usó originalmente para todas las danzas que provenían de esa zona y sólo a partir de los años comprendidos entre 1920 y 1930 comenzó a adquirir el significado por el que lo conocemos hoy en día.
Luego, se continúa con el mito de si el bellydance tenía su origen en el Antiguo Egipto. Se habló sobre la imposibilidad de conocer cómo se bailaba realmente en esa época como además las dificultades para acceder o volver a encontrar los sitios arqueológicos en los que se sabía que había imágenes de danza.
Se continuó mencionando sobre si una conocida estatuilla “Bird lady” podía ser una representación de una bailarina en su pose de baile. Al igual que con lo anterior, no es posible conocer el contexto en que era realizada esa posición por lo que actualmente se le suelen llamar “las celebrantes” a toda estatuilla en una forma similar.
Finalmente, se cuestionó si era posible que la danza hubiera surgido exclusivamente en un contexto sagrado y si era realizada sólo por mujeres. Se mencionó que en una tesis doctoral publicada en el año 2008, se clasificaron distintos tipos de danza según su función y, en ellas, participaban únicamente los hombres y no siempre en contextos sagrados.
En esta clase se mencionaron 3 de los mitos más difundidos con respecto al bellydance.
El primero de ellos, fue sobre si esta danza ayudaba a la fertilidad en las mujeres. Se aclaró que no había una experiencia científica suficientemente contundente como para hacer esta afirmación. Se exploró el posible origen de este mito en las corrientes filosóficas de las décadas del 60 y del 70 que buscaron conectar la danza con cierta creencia en la tradición hacia la diosa madre.
Se continuó con el mito sobre si las Awalim eran cantantes y las Ghawazee eran bailarinas. Se comentó que los distintos viajeros llegaron a usar estos términos indistintamente. Se hizo un breve resumen en cómo fue cambiando el significado de estos términos a lo largo de los años y cóo se los utiliza indistintamente en la actualidad, pero diferenciando el tipo de zona geográfica en el que se desarrolla la bailarina/cantante.
Finalmente, se exploró sobre si las mismísimas Ghawazee eran originalmente las romaníes (gitanas) de Egipto. Se mencionó que en un libro muy conocido de la autora Buonaventura, se había descrito así. Sin embargo, investigadores con evidencias más actuales demostraron que no todas eran de ese origen étnico.
En esta tercera edición de mitos en la historia del bellydance se elaboraron otros 3 mitos que suelen difundirse dentro de este ambiente.
El primero de ellos, era sobre si Khairiya Mazin sería la última Ghawazee. Esto no sería cierto ya que aún pueden encontrarse algunas de estas bailarinas en el Alto Egipto, pero no es tan fácil o es casi imposible hacerlo en el Bajo Egipto (con posibilidad de que ya no hayan más Ghawazee). Las razones de que sucediera esto se entremezclan con cuestiones culturales (el no verse a la danza como muy decorosa) y hasta políticas (como cuando Nazer en 1952 posiblemente haya obligado a estas bailarinas a irse más hacia el sur ya que buscaba ejercer un control sobre lo que se mostraba de Egipto al mundo y troups como las de Reda eran más contratadas para cualquier demostración social, dejando de lado a estas bailarinas). El hecho de que el Raks sharki como lo conocemos, haya ganado cada vez más presencia también posibilitó que cada vez hubieran menos de estas bailarinas.
También se barajó si es que el Raqs sharki surgió como respuesta a la demanda occidental. Se vio que esto no era así ya que los clubes nocturnos surgieron para satisfacer la necesidad de un público autóctono que, hasta ese momento, sólo llegaba a ver esta danza en un contexto social como ser bodas o circuncisiones.
Finalmente, se discute si fue la bailarina Badia quien inauguró el primer night club. Se menciona una cita de Buonaventura la cual contenía algunos errores históricos ya que habían Casinos (entendiéndose por casino como un lugar de entretenimiento en donde se podían encontrar distintos tipos de shows y no como un lugar de apuestas) como El Dorado que ya estaban desde 1870. Badia abrió varios Casinos, uno de ellos el Opera recién en 1926.
Hola, gracias Susana por este curso tan interesante. Donde vimos una cultura muy compleja, y nos sacamos muchos prejuicios de encima. Saludos!
En esta última clase de mitos, se vio el mito de si el vestuario que usan las bailarinas sería una creación de occidente, más específicamente de Hollywood. A partir de relatos de viajeros y algunas imágenes, se observó que ya había vestigios de lo que ahora se le llama Badla desde mediados del siglo XIX. A su vez, hay evidencia de que ya desde antes de 1930 se podía ver el vientre en las bailarinas. Finalmente, si se considera unas imágenes de supuestas bailarinas orientales en postales estadounidenses de 1900, se puede observar que lo que la bailarina usa en la parte de arriba del vestuario, no es lo mismo que usaban las bailarinas en ese entonces.
Finalmente, sobre si la postura de apertura de piernas en la danza era algo más bien moderno en la danza, se observó que ya desde el s. XVIII había evidencia de estas aperturas de manera parcial y que sólo hacia el s. XX pudieron verse aperturas de piernas totales.
en esta reseña quiero agradecer a Susana y también a Marina por darnos tanta riqueza de conocimiento. Lastimosamente por cuestión de salud no pude estar la última clase pero pude verla en modalidad asincrónica y me encantó. El poder quitarnos de la cabeza tantos mitos en los cuales encasillamos al uso del velo, y poder realmente entender cual es la realidad y el significado valioso que corresponde el usar el velo para las mujeres que lo llevan.
Como seres humanos muchas veces generalizamos mucho y damos opinión de temas y realidades de otras personas que muchas veces ni siquiera comprendemos.
Este curso me ha hecho entender mucho sobre el significado del velo pero a la vez sobre tener la mente mucho más abierta, para poder entender la realidad, el significado de libertad y el pensamiento de otras culturas.
Amé el curso.
Mil gracias Susana y Mari.
Hola Mari, me vino re bien el repaso de vestuario. En las fotos donde mostrás la versión occidental del badla, ¿las bailarinas tenían “velos”? Una tenía una tela transparente, y la otra también tenía una tela en la mano, no?
Con respecto al mito de la apertura de piernas, la verdad, es que hace mucho, cuando vi a una bailarina acá en Argentina hacerlo, me pareció que era moderno y con influencia de ballet. Y nunca más volví a pensar en el tema. Y ahora que mostras el video de la bailarina Nabawiya Mustafa, (que es una bailarina que me encantá, me parece re particular su estilo y flexibilidad); yo había visto ese video. Pero nunca lo relacióne. Gracias Mari, por mostrarnos y enseñarnos, con tu mirada y conocimiento tan amplio.
Las awalim eran las que bailaban con shamadam? o también las ghawazi?
Buenisimo el aporte de Sofia. La importancia de escuchar en primera persona. Clase super interesante. Aclarar mitos sobre el uso del velo, saber sobre el feminismo musulmán, las voces disidentes me parece fundamental. También me encanta que la Dra. Susana Mangana nos recomiende libros y películas para seguir re pensándonos y viendo las realidades de las mujeres en los países musulmanes.
Que hermosa clase! me doy cuenta que mi pensamiento iba por bien camino: usar velo no tiene porqué estar mal visto. Creo que se juzga demasiado al otro en general y no se llega a comprender que la cultura de cada país es diferente por lo cual lo que nosotros en argentina consideramos “bueno” puede ser considerado de manera contraria en otro país. Creo que deberíamos intentar ser mas abiertos y no juzgar tanto.
Excelente inicio de curso. Algunas de las cuestiones mencionadas en él tuvieron que ver con que no todo el mundo musulmán es el mismo, que no hay que generalizar. Se mencionaron los distintos tipos de ropajes que usan para cubrir su cuerpo las mujeres. Se hizo una diferenciación entre lo que es ser árabe y musulmán ya que de los primeros hay sólo 350 millones y, de los segundos, hay 2 mil millones. Además, se vio qué connotación tiene el uso del velo al separarse lo público de lo privado.
Algo que me pareció muy interesante fue la crítica que se hizo hacia ciertas cuestiones del mundo occidental. Si bien, desde nuestra perspectiva, parecería que la mujer musulmana sería sumisa, es cierto que en nuestra cultura muchas veces se ha promovido este tipo de imagen de la mujer a través de telenovelas y películas en donde la mujer sufre y necesita de ser rescatada por un hombre. Por otro lado, mientras que existe un discurso feminista en donde se promulga la igualdad con el hombre, siguen existiendo canciones que, a través de su letra, denigran importantemente a la mujer. A su vez, se mencionó la hipersexualización que hoy día puede verse en las niñas y el cómo los cuerpos de las modelos son antinaturales y fabricados con cirugías.
Si bien a través de esta observación no se busca negar la existencia de cierto tipo de ataques hacia la mujer de los que alguna vez hemos tenido noticias, estos son generalmente de tipo terrorista y no representan lo que pasa en todo el mundo musulmán. A su vez y, a partir de lo anteriormente mencionado, no podemos decir que en la cultura occidental la mujer sea poseedora de una completa libertad ya que se nos son impuestos ideales de belleza fabricados e imposibles de alcanzar para una gran mayoría y, en algunos casos, llegaríamos hasta “ocultar” nuestros propios rasgos naturales a través de las cirugías.
En esta segunda clase sobre los significados del velo y la situación de la mujer en Oriente Medio, se estuvieron comentando las películas y los libros que fueron recomendados por la profesora. En la película “La fuente de las mujeres” se destacaron 2 de los diálogos en donde se puede apreciar que sus protagonistas se encuentran lejos de ser mujeres sumisas de su comunidad.
En la película “La bicicleta verde”, se puede ver la dicotomía que hay dentro de la sociedad marroquí de la mujer que, si bien puede trabajar y estudiar, no puede resolver o hacer cosas que a nosotras nos serían cotidianas como abrir una cuenta en el banco. Sin embargo, en una película (esta vez francesa) llamada “El manual de la buena esposa” también se ve reflejada esta misma situación para la mujer occidental y que esto sucedió no hace demasiado tiempo atrás.
En “El libro de mi destino” un diálogo de una mujer refleja cómo su vestimenta fue elegida por los hombres y ella debió vestirse de distintas formas porque así le fue dictado pero muchas veces, esos dictámenes provinieron de los gobiernos de turno reflejando que los derechos de las mujeres muchas veces se vieron promovidos o cercenados según las necesidades del gobierno de turno.
En esta clase, contamos con el testimonio de cómo es su vida en occidente de Sofía (nombre adoptado al llegar a Uruguay) quien es una refugiada Siria. Llegó a Latinoamérica en el 2014 y nos contó que en Siria hay mujeres que tampoco usan el hiyab. También nos habló de que en su familia tiene 2 hermanas que no lo usan y que las opiniones al respecto de esto son diversas entre los 11 hermanos. También mencionó la situación en Siria en donde las casa que puedan haber quedado en pie fueron totalmente saqueadas y que su familia apenas tuvo tiempo para salir con lo que llevaban puesto.
Luego, se continuó analizando las reformas y derechos que ganaron las mujeres a partir del islam llegando a tener más derechos que cualquier otra mujer en el mundo las cuales tardaron cerca de un mileno en llegar a alcanzar esos mismos derechos. Se enfatizó en el hecho de que las mujeres mayormente usan el velo por elección más allá de que en occidente se lo vea como un símbolo de su represión y sumisión y finalmente, se mostraron algunas escritoras que tenían una voz disidente con respecto a estas costumbres.
En esta última clase de “Los múltiples significados del velo…” se llevó a cabo una actividad en grupo en la cual se leyeron algunos de los versículos del Corán (conocidos como aleyas), en los que se habla específicamente sobre la mujer.
Primeramente, se mencionó cómo está conformado el Corán y se hizo una breve reseña de las distintas etapas de prédica que tuvo su profeta. A continuación, se empezaron a discutir los distintos versículos del Corán. Se buscó desmitificar algunas cuestiones generalizadas en el occidente como que los hombres puedan casarse con cuanta mujer quisieran. En principio, esto sólo lo pueden hacer con autorización de la primera esposa. Muchas veces, se introducen cláusulas al momento de casarse en donde se le prohíba esto al hombre. Y también, el hombre sólo puede tener más de 1 esposa sólo si tiene la capacidad económica para tenerlas. Es así que menos del 2% llega a tener más de 1 esposa.
Hola Mari, cuantas veces leí y estudié que Souher Zaki fue la primera en bailar un tema de Oum Kalthoum. Incluso me dijeron que Oum Kalthoum, en un principio no quería que sus temas sean bailados. Gracias por toda esta valiosa información.
Me interesa. Gracias.
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Viviana Alioto
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Flor Munafo
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Soledad Ortiz
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Cuánta información para procesar!! La parte de las bailarinas me encantó así como también lo de la ropa. Me gustó mucho ver como se mantiene el tema de los elementos y la manera cómo utilizaban la taza y el vaso. Gracias!!
Gabriela Candel Albán.
Gracias mi Mari
Hola. Carina Figueroa.
Flor Munafo
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Nahed Arroyo asíncronico
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Muy interesante la clase de filosofía. La diferencia entre los mutasilies y los asharies, como los mutasilies sostenían que el hombre tiene libertad individual y por eso tiene responsabilidad de sus actos, y como los asharies sostienen que Alá lo decide todo. En ese aspecto, pienso que sus pensamientos son opuestos.
Me encantan las clases de mitos! Es como un picadito de temas interesantes del belly.
Pregunta con respecto a la mileia; ¿la usaban las mujeres de la clase baja urbana o de la clase media urbana? o las dos? La bint al balad representa la clase baja de ese momento? o la clase media? o las dos?
¿La bint al balad se puede representar bailando con mileia? bailando con bastón también? bailando con sisha? como bailaba Fifi abdo? y también bailando un baladi progresion sin elemento? Qué musica acompaña a la representación de la bint al balad?
Con respecto a Raqsat al Shamadan, me habían dicho que solo se bailaba y se originó en el contexto del zafa de la novia. Pero esto no es así, verdad?
La danza con candelabro se relacionaba con las awalim? o cualquier bailarina bailaba con candelabro?
Gracias!
Hola! Bueno, Al Kindi nos dice que la religión y la filosofía tienen el mismo objetivo, conocer la verdad. Solo que tienen diferentes metodologías.
Al Farabi, es más político. Nos dice que la filosofía es producto de la razón y es el medio para alcanzar la felicidad, pero, dentro de una comunidad, donde hay que cooperar para que funcione.
Y de Avicena, vi la película hace tiempo, hermosa. El sistematiza las ciencias.
Qué lindo saber sobre el sufismo. Siempre me llamó la atención los giros derviches.
Me quedó una frase que citaste del profeta: “Conocerse a uno mismo, es conocer a Alá”. Justo estoy haciendo yoga, y mi profe nos estaba hablando que el fin espiritual es conocerse a uno mismo, para conocer el universo entero, que es de donde venimos. Y también se hace meditación en quietud o movimiento. Como la espiritualidad, a veces coincide, aunque sean lejanas las porpuestas, no?
Con respecto a las clases, como docente de otra área, es prácticamente lo mismo, sólo varia la temática. Por otro lado, con respecto a la temática de los escritos y fuentes, es siempre interesante recordar a quienes dejaron evidencia de nuestra amada danza en aquellas épocas. Uno puede darle más sentido a la danza al saber un poco más de su historia. Con respecto a los término de ghawazee y awalim, eran temas que ya habíamos visto con anterioridad así que fue bueno recordarlos, pero sobre todo me interesa el hecho de darle nombres a esos bailarines. Gracias Mari por compartir tanta información !
Quiero!!!
activado
En esta maravillosa clase sobre mitos en la historia del bellydance, se abordan cuestiones tales como si Souher Saki fue la primera en bailar un tema de Umm Kulthum, o si Samia Gamal fue la primera bailarina en usar el velo o si de verdad existe la famosísima danza de los 7 velos. En el primer caso,se mostraron videos en el que otra bailarina hace uso de un tema de Umm Kulthum para mostrar su danza y también otro video en donde la misma Umm baila uno de sus temas una danza inspirada en otra folclórica de origen turco. También se cuenta que Samia Gamal en realidad popularizó el uso del velo en la danza ya que no existe tal danza en la historia. Ni la diosa Inanna danzó al descender al infierno y, además, lo que se quitaba eran distintas prendas. Además, en la historia de Salomé tampoco se menciona que ella haya usado velos cuando danzó para pedir la cabeza de Juan el Bautista. Una de las primeras menciones de esta danza proviene del famoso autor Oscar Wilde el cual en su libro “Salomé” menciona que ella habría bailado esta danza. A partir de esto, es que surge que muchas bailarinas hayan usado el velo para interpretarla a Salomé previo al uso que le dio Samia Gamal.
Mari, que linda clase de la religión del Antiguo Egipto.
Los conceptos de la cosmolgía dualista, y del tiempo Nejeh (cíclico) y djet (permanencia), son muy interesantes.
En esta clase sexta clase sobre los mitos en la historia del bellydance, descubrimos que las famosas Isis Wings son en realidad un invento más moderno y que, en el Antiguo Egipto, Isis no era la única diosa representada con alas. Muchos eran los tipos aves cuyas alas eran representadas junto a diosas, dioses y humanos y, en el mito de Isis y Osiris sobre el día y la noche, Nephtis hermana de Isis la acompaña en su búsqueda usando alas.
Luego, se discutió sobre si la danza con la melayya era una danza en sí misma que realizaban las mujeres egipcias de clase media. Se vio que en realidad el uso de la melayya en una danza fue un invento de Mahmoud Reda que llevó este elemento al teatro y que no existía propiamente una danza con la melayya.
Finalmente, se habló sobre el origen del Raqsat al-Sham´adan (danza del candelabro). Se conoce que esta danza comienza a aparecer como tal entre 1880 y 1890. Sin embargo, las ghawazee o awalim también hicieron bailes con objetos sobre sus cabezas. Muchas veces estos objetos eran botellas que podían contener o no una vela en su interior. Más tarde, en la década del 40´ comienza a aparecer en las películas.
En esta primera clase sobre Estudios culturales, se comenzó a definir y diferenciar los términos islam y musulmán y se dió un pantallazo general sobre lo que se irá viendo más adelante. En principio se menciona al Islam como una religión monoteísta cuyo profeta principal es Muhammad. Islámico es un adjetivo usado para cosasy musulmán es la persona practicante del Islam. Para el musulmán, el Islam está en absolutamente todo, como una forma de vida, llegando a ser más importante el pertenecer a la comunidad que a la patria.
A su vez, se menciona que los países árabes serían 57 siendo Indonesia el país con mayor cantidad de población musulmana. Sin embargo, aquellos que conforman el mundo árabe serían sólo 22 y estos se dividen en 3 regiones: El Magreb, el Masriq y la Cuenca del Nilo.
Finalmente, se menciona cómo era este mundo árabe durante la época pre-islámica o Jahiliyyah (época de la ignorancia) que duró hasta el año 570 d.c. que es cuando nación el profeta Muhammad.
En esta clase se hizo una breve reseña sobre la historia del profeta Muhammad en la cual se contó desde su nacimiento hasta su uerte y cómo entró en guerra con la ciudad de Makkah. También se habló sobre cómo está compuesto y fue escrito el Corán y cierta terminología relacionada al mismo. Los Arkan al din serían los 5 pilares de la religión islámica y los Hadicez los dichos y hechos del profeta. Se menciona cómo en la religión islámica se consideran a los profetas de la religión judía, pero consideran que Muhammad sería el último profeta y que ya no vendría ninguno más.
En esta clase sobre estudios culturales se comenzó a ver los inicios del imperio Persa y el hecho de que esta población fuese de origen indoeuropeo.
Uno de los aspectos que más me llamó la atención de la clase fue el hecho de que Ciro el grande, primer rey de los Persas, fuese relacionado con una historia en donde él era el nieto del rey Astiages de los Medos. En esta historia, Ciro termina siendo parte de una profecía en la que él derrotaría a su abuelo, por lo que cuando éste nace, decide hacerlo abandonar por uno de sus sirvientes de confianza. Finalmente crece, y se cumple la profecía al derrotarlo.
Personalmente esto captó mi atención ya que son muchas las historias que conozco en donde un bebé de sangre real es abandonado y, luego de sobrevivir siendo criado por gente de origen plebeyo, termina por recuperar su lugar en el mundo. Historias como las de Edipo rey o incluso la misma historia de Paris el de la guerra de Troya contienen este mismo suceso haciéndome preguntarme qué es lo que podría haber en común entre estas culturas.
Sabes que yo también pensé lo mismo. ¿Porqué se repetirá este suceso en diferentes civilizaciones que no tienen que ver una con la otra?
Hola Mari, es verdad, en la secundaria me enseñaron que el Antiguo Egipto era politeísta. No se si se habrán actualizado y si se seguirá estudiando.
Qué importante el Reino Antiguo, con la construcción de las pirámides y la esfinge.
Mari, sabes que cuando fui a Egipto, no me animé a ver las momias, me daba impresión, ahora me arrepiento.
Si vi y me explicaron sobre Akhenaton, hermosos los frescos. Y Tutankamon.
Que civilización impresionante!! Nos sigue fascinando hoy en día!
Nahed Arroyo
activado
Amé esta clase y el cómo nos vamos interiorizando cada vez más en todo lo que respecta a la cultura y a la historia de medio oriente.
En esta clase se estuvieron mencionando a los primeros 4 kalifas, los rashidum por correctamente guiados, quienes eran elegidos por ser las personas más aptas para el cargo. A partir del surgimiento del kalifato Omeya, este cargo se transfiere sólo entre los miembros de una familia, sin embargo, los omeyas fueron derrotados y les siguieron los abásidas.
Durante este kalifato la capital pasó a ser en lo que hoy es Bagdad y se caracterizó por ser un período de mucho crecimiento. Se crea lo que hoy se conoce como la identidad islámica a partir de tomar lo mejor de las otras culturas. También se tradujeron al árabe muchos textos antiguos. Se desarrolló la cuentística: época en la que apareció “Las mil y una noches”. Se creó un ejército organizado como habían tenido los persas. Además, surgieron varias sharia (ignoro el plural) como un conjunto de las prescripciones de la ley. Distintas escuelas del derecho fueron desarrollando su conjunto de leyes para dirimir en todo aquello que no estuviera claro a partir del Corán.
Feliz de poder hacer estas clases sobre historia y cultura. Amé esta nueva parte sobre la historia de Al Andalus. Me pareció muy interesante conocer cómo durante el período de dominio de esta región evolucionó muchísimo la cultura desde el aspecto del protocolo con la ayuda de Siriab durante el emirato de Abderramán II. Se menciona también cómo Al Andalus pasa a ser de un emirato a un kalifato y sus implicancias y cómo comienza su caída con el avance de los cristianos del norte de España y los dos imprerios que sucedieron a los kalifas que fueron el de los Almorávides y luego, el de los Almohades. Finalmente, ya siendo el reino de Granada, terminan de ser expulsados los musulmanes en el año 1492 d.C. por el rey Fernando II de Aragón.
Hermosos los ejemplos que se dieron sobre literatura pre islámica. Es interesante saber que la oralidad estuvo mucho en esa época y que sólo conocemos por lo que fue escrito algunos siglos más tarde.
Las poesías qasidas se caracterizaban por ser rítmicas para que así pudieran ser mejor memorizadas. A su vez, poseían 3 partes las cuales comenzaban generalmente describiendo a la mujer amada, a la cual se pierde. Luego continuaban hablando de un viaje o del animal sobre el cual iban viajando y, finalmente, hablaban sobre sus valores éticos o se autoelogiaban, o hacían una sátira sobre otra persona, entre otros. Estas 3 partes se llamaban: Nasib, Rahil y Qasid.
hola Mari. podes dejar el link que diste en la clase por aca. Muchas Gracias.
En esta clase, me pareció muy interesante el cómo algunas poesías antiguas (llamadas qasidas) se mantienen vigentes al día de hoy. Cantantes como Uhm Kulthum cantaron algunas de ellas y fueron creando otras para hablar de temas tan diversos como el amor, la religión y la política. En la actualidad, la qasida pasó a ser un género musical en sí mismo.
A su vez, se vio cómo el Corán es considerado una obra literaria e sí misma que fue terminado de compilar durante el gobierno de los kalifas Rashidun (los rectamente guiados) más específicamente, durante el kalifato de Utman.
Luego, se comenzó a ver la poesía típica que surgió durante el kalifato de los Omeya. Ésta habría sufrido influencias bizantinas y persas. En este kalifato, no hubieron tantas presiones y restricciones del islam hacia la poesía, por lo que este género volvió a surgir.
Lorena Siehe
activado!
Muy interesante todo el curso.
Estaba pensando que muchas veces las pelis “pochocleras” nos pueden ayudar a acercarns a la historia, pero como vos aclaras, también pueden estar llenas de estereotipos, como la pelí 300.
Hola. Quisiera que me habiliten la conferencia. Gracias
hola!! activada
Hermoso curso Mari, muy original y como decis, está bueno a veces hacer un paneo general. También sirve esta forma para aprender.
Una pregunta, en el mapa de la región del saidi estaba ´pintado de naranja la parte del sur, pero solo la que rodeaba el nilo. Esa es la región del saidi? o todo el sur de egipto, del cairo para abajo?
Y un comentario, sobre lo que comentó la compañera, que hizo un curso de fantasia gypsy, y también le enseñaron danza ghawazi y kalbelia. A mi, muchas veces me enseñaron que kalbelia y ghwazi también eran gypsy, no fantasía, sino danzas “gypsy”. Y eso también vale aclarar, que no es así. Es la teoría de la peli docu, latcho drom, no?
Durante esta clase de historia de la literatura árabe. Se conoció cómo se desarrolló ésta durante el período del gobierno de los Abásidas. Éste fue un período de gran esplendor sobre todo durante el gobierno de Harid al Rashid ya que surgieron muchos poetas. Se modernizaron los temas a tratarse en la literatura ya más relacionados con la vida cortesana en donde podía llegar a descrebirse el palacio, los jardines, la sensualidad de una mujer en particular, etc. A estos poetas se los llamó modernistas. También hubo un grupo de poetas neoclásicos que buscaban mantener los antiguos temas de los que se hablaban en la poesía pre islámica a ser los guerreros, sus hazañas, entre otras cuestiones. Ya hacia el siglo XIII ocurre una gran crisis en el Islan ya que los mongoles atacan Persia y Al Andalus comienza a perder parte de su territorio. Durante este periodo no se crea tanto de nuevo sino más bien empiezan a surgir las compilaciones. Es así que en esta época, surge el libro de “Las mil y una noches” tomando cuentos de regiones hoy conocidas como Irak, Siria, Egipto e India que hasta el momento eran transmitidos de boca en boca.
En esta clase, hablamos de todo lo relacionado con la poesía Andalucí y con sus distintos géneros.
En esta época, más exactamente en el año 959, hubo una fractura en el mundo árabe ya que empezaron a haber 2 kalifas. Esta poesía tuvo mucho de llanto sobre las ruinas a medida que fueron avanzando los españoles y recuperando lo que antes era su territorio. Hubo poesía del tipo Udri que era amorosa platónica y, dentro de esta, podía haber la que fuese más sensual o más casta. Ya para los s. XX y XXI fue el apogeo de los Muwashahat (palabra en plural al finalizar con t). Ésta se caracteriz´ó por intercalar estrofas llamadas Qufl y Bayt. En la primera siempre se mantenía el mismo tipo de rima en todo el poema, en la segunda, la rima iba cambiando de estrofa a estrofa. Finalemnte, terminaba con un Jarcha que era escrito en el dialecto de la región, mientras todo lo demás era escrito en árabe culto. Los Zejel, en cambio, eran otro tipo de poesía que eran escritos en dialecto y poseían tb esta cuestión de ir cambiando la rima en ciaertas partes. En cuanto a la prosa, recomendó 2: “El collar de la paloma” de Ibn Hasm y “El filósofo autodidacta” de Ibn Tufay. A este último, se lo considera como la primer novela de la historia.
Me gustó mucho este comienzo de la clase sobre filosofía islámica. Empezar a ver las diferencias entre las distintas escuelas del pensamiento me hace dar cuenta de lo amplio que puede llegar a ser el mundo islámico y cómo pueden haber diferencias entre ellos.
Se comenzó viendo el significado de Kalam y Mutakallimun siendo el primero la ciencia del pensar y, más adelante, es como se le llamó a la teología. El segundo, es como se le llama a los oradores quienes se especializaron en todo aquello que pudiera atacar al islam para poder defenderlo.
Dentro de estas escuelas del pensamiento, surgieron los Mutazilies quienes se diferenciaron del resto de la comunidad islámica por considerar que el pecado era un estado intermedio entre la fe y la infidelidad y que el hombre tiene libertad indivdual por lo que es responsable de sus acciones. Luego le siguieron los Asharies, quienes se opusieron a ellos en el tema de racionalizar tanto todo, creer que los fieles verían a Dios en el día del juicio final y la omnipotencia de Allah quien era quien decidía si una persona iba a creer o no. Era un regalo de Dios el tener Fe.
Muy lindo el curso, aclaraste varias ideas que me las habian trasmitido como ciertas y resultaron ser mitos. toda la informacion fue super interesante y ojala se venga la segunda parte.
Acabo de terminar de ver la clase y ya quiero ver la película sobre la vida de Avicena. Claramente me salió mi lado histórico cinéfilo.
En esta clase me la pasé escribiendo a una velocidad nunca antes vista, tanto que tuve que parar el video varias veces sino no terminaba de escribir todos los conceptos.
Básicamente se empezó hablando sobre Al Kindi un filósofo que consideraba a la religión superior que a la filosofía, pero que ambas servían para buscar la verdad. Una lo hacía a través de la razón, mientras que la otra, lo hacía a través de la voluntad divina. Para él el Alma es la intermediaria entre el mundo físico y el espiritual y es perfecta por venir de Dios. Cuando el Alma se una al cuerpo, ésta debe irse purificando durante la vida en la tierra para volver a morar en el mundo de la divinidad.
Dios es el Uno verdadero, es causa de todo y no puede dividirse. Sólo puede ser descripto diciendo aquello que NO es.
Al Farabi: Se le consideraba “El maestro segundo” ya que el primero sería Aristóteles. Hizo comentarios sobre textos de Platón y Aristóteles. Para él, a diferencia de Al Kindi, la filosofía es superior a la religión. Estudiar la realidad en forma racional en un contexto social permite extraer normas que nos lleven a la perfección. Una de sus obras “La ciudad ideal” profundiza sobre este concepto diciendo que el objetivo del hombre es alcanzar la felicidad lo cual sólo puede hacer guiado por un filósofo-gobernante-profeta. A su vez de la religión, dice que esta permite que la masa de la gente alcance conocimientos y que, además, esta es particular ya que varía entre regiones. La lógica es el método para llegar a los conocimientos superiores.
Avicena: este filósofo también fue médico y sus escritos al respecto fueron usados como manual de medicina en Europa durante mucho tiempo razón por la que fue conocido como “El príncipe de los médicos”. Dentro de su filosofía, unió el pensamiento, griego, con el persa y el árabe. Él sistematizó la filosofía y consideraba que ésta podía dividirse entre teórica y práctica. Su parte teórica tenía por objetivo captar la verdad, mientras que su parte práctica, hacer el bien. El fin de la filosofía era perfeccionar el alma conociendo. Finalmente, él consideró que la creación era por emanación intelectual. Esto es: Dios emanó un primer intelecto que, al poder pensar, emanó a otro intelecto y así sucesivamente.
En esta clase se habló sobre el sufismo al que se le dio una pequeña introducción.
Los sufistas se consideran como una ramificación del islam. El paraíso es la meta ya que es lo más cerca que se puede estar de Dios. Entre sus prácticas podían estar el hacer una vigilia nocturna con rezos o recitar los distintos nombres de Allah a lo largo del día ya que así creían que podían llegar a conocerlo. Solían hacer reuniones al aire libre en las que usaban la música y la danza como un medio para concentrarse a la hora de hacer los rezos. Más tarde empezaron a reuirse en tariqas (si se escribe así). El aprendizaje sufista podía llegar a ser muy largo. Éste consistía en etapas o estaciones (makam) en las que se requería hacer un esfuerzo o sacrificio para pasar a la siguiente. éstas podían ser “el arrepentimiento”, “la confianza absoluta en Dios”, “el abandono de todo”, entre otras. También era común que los distintos maestros remontaran sus cadenas de autoridad o de garantes hasta el mismísimo Profeta.
En cuanto a los maestros sufíes más importantes, me llamaron especialmente la atención Rabiya por ser una mujer y, además, cortesana que usó la danza para expresarse. Rumi, el cual es bastante conocido y he visto que habían libros escritos por él. Ibn Arabi ya que en parte fue muy influenciado por su mujer para ir desarrollándose. Al Halah, porque decidió renunciar a todo signo exterior como sufista ya que para él esto no era importante, restó importancia el tener un maestro para poder estar iniciado en este tipo de filosofía y, además, consideró que el sufismo no tenía por qué ser para personas elegidas sino para todo aquel que quisiera iniciarse.
En este módulo estuvimos conversando sobre la filosofía en Al Andalus la cual fue muy rica y estuvo muy influenciada por distintas influencias filosóficas tanto occidentales como orientales.
Entre la gran variedad de pensadores vimos a:
Iban Hazm de Córdoba quien propuso un ppio. de clasificación de la filosofía.
Ibn Al Sid de Badajoz quien se ocupó mucho de la gramática y la lengua.
Avempace el cual fue considerado un filósofo moderno por estar más allá de la fe. También consideró que el destino humano estaba regido por los astros y no por Dios. Creía que el hombre tenía que vivir con lo justo.
Ibn Tufay quien escribió la obra “El filósofo autodidacta” en la cual cuenta la historia de cómo un hombre iba adquiriendo conocimiento por la observación y pasa del estado solitario al estado en sociedad.
Maimónides, de origen judío, llegó a ser médico en la corte de El Cairo y fue conocido como “el Moisés de Egipto”. Santo Tomás de Aquino tomó muchas de las ideas de él. Escribió “La guía de los perplejos”. Averoes quien fue considerado el gran comentador de Aristóteles.
En esta última clase sobre mitos vimos los últimos 4 mitos de este curso.
Se abordó el mito sobre si había una danza Gypsy. Se explicó que, como la comunidad romaní se encuentra muy distribuida existe más de un estilo romaní (como prefieren llamarse ellos para evitar el prejuicio del término gypsy). Es así como lo que en realidad se baila es un “estilo fantasía romaní” en donde se toman algunos de los movimientos que representan la vida cotidiana de la danza romaní turca y la vestimenta de la danza romaní rusa. Explicó que la vestimenta usada en Turquía eran una babuchas y remeras tapando el ombligo, mientras que en Rusia, se usaban polleras campana plato y se mostraba parte del vientre. Luego se habló sobre si existe una danza Saidi. Se explicó que en realidad Saidi es una región en Egipto ubicada a los costados de una parte del Nilo y que en ella se puede encontrar muchos estilos de danza. El verdadero nombre de lo que llamamos Saidi es Raks al Assaya.
Luego se habló si en el Zar la bailarina imita los movimientos de un ritual en el que se busca expulsar un espíritu. Se acalró de que en realidad esto no es como un exorcismo sino que lo que se hace es buscar apaciguar a ese espíritu para que, de ahí en más, ayude a la persona en su vida.
Finalmente, se aclaró que en el Zar la líder no siempre tiene que ser una mujer aunque, la mayoría de las veces, sí lo sea.
Ana Eva Plaza Stevan
activado!
En esta clase sobre La historia del Antiguo Egipto, se vieron algunos conceptos y sobre forma de medición del tiempo.
En principio, el Faraón representa no sólo una autoridad política sino también al dios en la tierra. Él es el intermediario entre el mundo de los dioses y el del hombre. Nace de los dioses y suele ser llamado como un dios. El Faraón garantiza el orden cósmico. Esto último lo hace diferente a un emperador.
A su vez, Egipto se encuentra dividido entre el Bajo Egipto (el norte) y el Alto Egipto (el sur). Esta concepción del país como dividido en dos partes y, a la vez siendo uno, influencia a la manera de ver el universo de los egipcios. Se conciben a los opuestos como parte de un todo. La dualidad conforma la unidad. El Faraón “ilumina las Dos Tierras” más que el disco solar. Él hace que las Dos Tierras estén más verdes que un Nilo crecido.
En cuanto al tiempo, tenían 3 estaciones las cuales tenían que ver con la crecida del río Nilo: inundación, germinación y cosecha. También tenían dos formas de llamar al tiempo: Nejeh o tiempo cíclico y Djet o tiempo estático.
Finalmente, se comenzó hablando sobre el inicio de Egipto como las 2 regiones que se unieron y Menez como su primer Faraón.
En esta clase sobre Antiguo Egipto se comenzó a hablar sobre aspectos generales de los distintos reinados.
El primer Faraón, Menez, logró establecer una ideología que hizo ver que la unificación de Egipto estaba predestinada. Su soberanía adquirió una cierta idea de dualidad al decirse que el Faraón gobernaba en el Alto y Bajo Egipto. Menphis es la primer capital del reinado por permitir controlar tanto el sur como el norte del territorio. Con Menez también se genera la teología Menfita en la que no sólo se buscó afianzar su poder sino que también se empezó a presentar una cosmología de cómo surgió el mundo.
Me pareció interesante a este respecto, la aclaración sobre que en realidad Egipto no tenía una religión politeísta sino que detrás de la multiplicidad ed diosas, yacía la unidad.
Luego siguieros 2 dinastías Tinitas en las que, al ya haber más fuentes literarias, este período pudo ser mejor estudiado. Es asó como se sabe que ya se usaba el calendario solar por la mención de la estrella Sotis la cual indicaba el inicio de las inundaciones.
Luego, le siguió el Reino Antiguo del cual aún hoy no se sabe cuántos Faraones tuvo en realidad. Esto en parte podría deberse a que, cuando había una catástrofe, si se consideraba que el Faraón había hecho algo malo para que esta sucediera, se borraba ese evento de la historia. Durante este período fue que se empezaron a construir las primeras pirámides escalonadas en Saqara y se menciona a Imhotep como a un arquitecto de esa época (entre otras profesiones).
En esta última clase sobre historia de Egipto. Terminamos de ver un poco más sobre los diferentes gobiernos que hubieron.
Durante el segundo período intermedio ocurre la invasión de Egipto por los Hicsos. Estos fueron llegando gradualmente al gobierno y con la ayuda de los muchos extranjeros que habían contratado para llevarse a cabo muchas obras. Ellos respetaron mucho a la cultura que ya había en Egipto y, cuando logran ser expulsados, comienza el Imperio Nuevo.
A partir de este período, se toman algunas precauciones para que no haya más invasiones. Se empiezan a llevar a cabo más matrimonios cosanguíneos y así mantener la pureza. Los Faraones comienzan a ser enterrados en el Valle de los Reyes. Como hubo una relativa paz, se llevaron a cabo muchas obras.
Durante este período estuvo el Faraón Akhenaton quien inició una reforma religiosa. Estableció a un Dios único quien era Athon. Esto no fue bien recibido a tal punto que, su hijo, Tutankaton decidió cambiar su nombre por Tutankamon.
Luego, le siguieron los Ramésidas quienes fueron una dinastía que, en realidad, no poseían sangre real sino que era una familia de origen militar de los cuales muchos eran visires y a través de los matrimonios lograron llegar al poder.
En esta última clase de este curso, se habló sobre algunos de los reyes persas que existieron. Desde Ciro quien fue el primero hasta Dario III quien fue derrotado por Alejandro Magno. Se menciona al monumento la Estela de Behistún usado por Dario I para legitimar su poder al mostrar como que Dios mismo le dio el poder para gobernar. Con este gobernante surge la palabra Sátrapa el cual era un gobernador. Esto venía de que las Satrapias eran las provincias a las que les designaba a un “sátrapa” (gobernador) el cual normalmente era alguien de ese mismo territorio y no necesariamente alguien cercano a él. Es así como “sátrapa” en realidad quiere decir protector.
que lindo! me aclaro bastante las ideas, sobre todo me gusto lo de raqs sharki, porque de verdad q no lo tenia claro. El resto ya lo conocía del profesorado del Bellydance!!!! gracias!
Rosa mariño
activado
Patricia erdellan kohan schkolnik
Hola! Soledad Ortiz
pensar q me enseñaron en base a esa idea de q la danza nacía como ritual de fertilidad o adoración a algún dios. Con respecto al parto, creo q dicen q ayuda porque forma una buena pared abdominal, lo q ayuda mucho a la hora de pujar en el parto. Calculo q puede ser x el manejo del cuerpo. Pero habría q hacer estudios entre bailarinas. No se, es lo q se me ocurre.
Lo de los termino de gawazee y awalim ya lo habia visto pero ya no me acordaba y me ayudo mucho. Gracias!!!
El termino “danza árabe” nos permite comunicarnos con personas que no están dentro del ámbito de la danza y comprenden mejor lo que hacemos bajo este término, que en Argentina, creo que es el que más se utilizo en los años 90, cuando hubo un despliegue importante de esta danza en el país. Tiene que ver con una zona geográfica que tiene características similares en cuanto a la historia y cultura. Para el ámbito más académico queda chica esta denominación ya que no incluye algunas danzas y sonidos músicas de otras regiones que influenciaron e inspiraros a las danzas que bailamos en la actualidad (como la turca o persa). El término “danza de medio oriente” fue construido por occidentales entre el siglo XIX y XX y tiene cierto sesgo del punto de vista que tenían ciertos países que veían a otros como seres diferentes, con intereses exóticos y colonialistas.
Gabriela Romina Barredo Vacchelli. Asincrónico. 😀
Paula Morales * sincrónica
Activado!
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Hola! me anoto como asincronico
activado!
Angélica Güerci
activado!
Para mi el termino de Danza Árabe es el que más se “adapta” a lo que quisiera enseñar a futuro, porque si bien es un termino que engloba a todo un territorio geográfico, con culturas diversas entre los 22 países, es con lo que el público en generalestá más familiarizado. Yo si usaria Danzas Arabes, hace un tiempo me ensañaron danzas folcloricas turcas, que si bien Turquía no es un país Arabe, ah tenido influencia de los árabes por minimo que parezca, entonces ¿porqué no enseñar una cuarta parte de cada uno de los 22 países o de algunos de ellos? Es desafiante para el profesor y un descubrir una cultura rica de diversidad de danzas. Lo mismo me pasa con Danzas de Medio Oriente es un termino TAN extenso y rico, que tal vez por ahí el publico poco conocedor se sentiria un poco perdido.
Veronica Pignataro
Asincrónico
activado!
FLORENCIA KLOT
Muy interesante la clase, con estos mitos que conocía y que realmente siempre me sorprende que no sea ciertos y me pone a pensar en cuánta cantidad de información engañosa hay en internet. Muchas gracias Marina por aclarar.
me encanto conocer a las viajeras! que hermoso habrá sido poder estar en los harenes viendo a las bailarines en toda su expresión. un tesoro terrible. gracias marina por tanta información. me explota el cerebro!!!
que lindo poder apreciar la danza así, fuera de los escenarios grandes! yo creo q soy un alma vieja, de otros tiempos, xq veo estas danzas y me parece q es lo q quiero bailar, hasta la música me llega más que la actual. Amé el video, gracias!
En esta primer clase, se comenzó conversando sobre el libro de Buonaventura mencionando algunos de sus aspectos generales. Éste fue el primer libro especialmente dedicado a la historia del bellydance ya que muchos otros libros anteriores sólo le habrían dedicado algún capítulo a esta materia. Sin embargo, éste no representa una investigación científica sobre el tema ya que de por sí ella no era académica y, además, cita muy pocas fuentes bibliográficas para lo que le correspondería a una investigación más extensiva sobre el tema.
Entre algunas cuestiones, el libro cuenta con afirmaciones que no pueden ser sostenidas desde un punto de vista más científico. Entre ellas encontramos el supuesto rito a la diosa madre: una creencia muy difundida en la época en que el bellydance se empezó a popularizar cada vez más en occidente. También menciona un posible origen religioso de la misma cuando, en realidad, la danza como la conocemos hoy surgió a mediados del siglo XIX y de una combinación entre distintas danzas como el que tenían las ghawazee que luego fue enriqueciéndose con estilos más europeos.
En esta primera clase sobre la terminología en el bellydance, se estuvieron comenzado a explorar algunos de los términos usados para definir esta danza. En principio estos términos fueron:
Danza árabe – Danza oriental – Danse du ventre – Danza del vientre – Bellydance – Menat dance – Danza de Medio Oriente – Raks sharqi
Se discutió con respecto a si alguno de estos términos era realmente el correcto. En la práctica no habría un consenso respecto de cuál usar, sólo se tiene en cuenta los pros y los contras de cada uno.
Con respecto al uso del término Danza árabe, se sabe que La Liga árabe engloba a una cierta cantidad de países muy distintos entre ellos de los cuales no se llegan a bailar todas sus danzas. Sin embargo, la gente conoce a la danza mucho más por este nombre que por cualquier otro, con lo cual dependiendo de a qué público quiera dirigirme, se usará este término u otro. También se hizo un breve repaso sobre el significado de este término a lo largo de la historia ya que, originalmente, sólo refería a las danzas realizadas en países como Argelia y Túnez (publicaciones de diarios españoles de mediados de siglo XIX).
Distintos autores manifestaron su opinión respecto al uso de este término para definir a la danza: Buonaventura sostuvo que éste no ubica a la danza en un contexto cultural del todo correcto. Stavrou sugirió que éste refiere a una locación “vaga” de un área geográfica definida de forma arbitraria. Shokry destacó que culturas como la turca, la cual no es considerada árabe, también ha aportado a esta danza de manera que este término no llegaría a englobarla. Y, finalmente, Zuhur destacó la vastedad del término considerando la gran variedad de danzas que existen en cada país.
En cuanto al término Danza de Medio Oriente, también puede encontrarse una gran ambigüedad de su uso ya que en ámbitos académicos tanto como periodísticos no existiría un consenso de cuáles países son los que se encuentran englobados. En su surgimiento, entre los siglos XIX y XX, podía incluir desde el Imperio Otomano (actual Turquía), Persia (actual Irán), la zona de los Balcanes (que incluye a 12 países) e incluso, India. A su vez se destaca la base ideológica que existiría tras este término ya que éste fue fabricado por Occidente en un contexto de relaciones conflictivas entre Europa y algunos de los países mencionados.
A su vez, en un ejemplo aportado por una de nuestras compañeras desde el Uruguay, se mencionó la posibilidad de que éste sea confuso ya que habría quiénes podrían confundir la palabra Oriental como proveniente de dicho país.
En este último video se hace un breve resumen de las críticas a los términos utilizados para esta danza.
En primer lugar, el término “danza árabe” posee 2 críticas principales. La primera, es que árabe es un término muy amplio que abarca a una gran diversidad de culturas las cuales no llegan a ser representadas en su totalidad, por los distintos estilos de baile que se enseñan. La segunda, es que el término excluye a culturas como la Persa o la Otomana que también influenciaron a esta danza.
En cuanto a “danza oriental”, la crítica principal menciona a los prejuicios y las connotaciones negativas que muchas veces se le da a la danza a ser el que es sensual, exótica, antigua, mística e inferior a la danza occidental. La otra crítica refiere a que no existe un consenso de cuáles son los países considerados como orientales con lo cual no deja de ser un término impreciso.
Finalmente, en cuanto al término Bellydance y sus traducciones a otros idiomas, se menciona a Amira Jarmakani quien escribió que este término apareció por primera vez en 1851 año en que se celebró en Londres una feria mundial. En ella aparecieron por primera vez en Europa este tipo de bailarinas. Más tarde, volvió a aparecer en dos ferias de París de los años 1889 y 1890, hasta que llegó a la feria de Chicago en 1893.
En cuanto a la feria de Chicago, se menciona que el empresario Sol Bloom fue quien contrató a estas bailarinas para los shows. Dentro de estas ferias que solían ser ciudades especialmente construidas para la ocasión, esta el sector que representaba a Egipto conocido como “la calle del Cairo” en donde se hizo muy famosa una bailarina conocida como “la Bella Fatma de la calle del Cairo”. A continuación, se menciona cómo los medios de comunicación trataron de inmoral a este baile pidiendo que nadie vaya a verlo, lo que logró que se popularizara aún más. Además, se aclaró que no existe ningún video sobre cómo se bailó durante esta feria ya que la cámara apenas había sido patentada el año anterior por Thomas Alva Edison (hay dudas sobre si realmente la desarrolló él mismo – tendría que buscar info para confirmar).
Hermosas las coreos y la vestimenta de los videos. El paso donde se colocan los bastones en el pecho en parejas me encanto.
justamente hoy pensaba que tal vez el término ghawazee haya sido un error de comunicación entre los viajeros y los nativos, algo que también sucedió en la conquista de diferentes países.
Me pareció muy acertada la manera en que Lane realizó sus investigación, haciéndose paras por uno de ello. Me recordó el dicho : ” a donde fueres, haz lo que vieres”.
Con respecto a Flaubert, me llama la atención el hecho que haya viajado por recomendación de los médicos. También me interesa el hecho de las descripciones de las bailarinas que realizó.
Hola! Este capítulo es el mito más arraigado en las escuelas de bellydance.
Lo estudié asi, y por eso, me costó mucho entender cuando Mari, vos explicaste que era un mito.
Hola! Bueno, en estos capítulos se observa como la autora le adjudica mucha influencia de occidente a esta danza. Pienso que, en ese sentido, tiene una mirada orientalista.
Por otro lado, en mi opinión, puede ser que el bellydance se hizo muy comercial y con una puesta efectista muchas veces. Pero eso lo hizo popular también. Así, más gente se intereso por esta danza, y algunas de esas personas, se interesan por el aspecto artístico o étnico de la danza.
Egipto también aprovecho este aspecto y se hizo comercial con todos los festivales para turistas bailarinas, no?
En cuanto al tema de la visión del cuerpo en Egipto y occidente, en este momento, no se si es tan asi como lo plantea la autora en ese momento. En Egipto hay bailarinas curvilineas, pero no “gorditas” (como yo, jaja). Salvo algunas que fueron famosas. He escuchado que los managers las incitan a que se hagan modificaciones en su cara incluso. No sé si es cierto.
Creo que la autora tiene una visión muy romantizada de la danza.
Hola buenas tardes:
Que interesante conocer el punto de vista de la autora, es muy importante entender el texto en su contexto histórico.
con respecto a la crítica de la autora de la danza en la actualidad, existimos muchos artistas que siempre tratamos de encontrar tanto el propósito como la sustancia a lo que vamos a danzar y sobre todo contextualizar la danza dando siempre a parte de una buena técnica y un buen show, un estudio profundizado de la misma, tomando en cuenta siempre que al no ser nuestra cultura, debemos estudiar la misma para poder generar una danza con significado.
Claro que también existe el otro lado, en donde estarían el grupo de bailarines cuya danza no tiene todo lo necesario, o solo se basan en lo estético, o en una secuencialidad, sin investigación, y solo para preparar un show. Hay ambas caras de la moneda y si creería siempre prudente la no generalización.
Al principio de esta clase, se habló sobre la importancia de dar el contenido de la historia del bellydance de manera cronológica para que ésta pudiera ser entendida.
Luego, se continuó con el significado u origen de los términos que se fueron viendo en la clase anterior.
Menat dance, me pareció uno de los más exóticos. Este término proviene de la palabra MENA que designa a la región de Medio Oriente y Norte de África.
SWANA en cambio, es un término que también designa una región, pero a diferencia de MENA, éste es considerado un término decolonialista por quienes lo usan.
Raqs Sharki o danza del este del mundo árabe originalmente se lo utilizaba para designar a otro tipo de danza.
Danse du ventre, es un término francés del que se derivan otros términos. Apareció por primera vez en los periódicos franceses para referirse a una pintura de Gerome “La danse de l´almeé”.
Danza del vientre, derivado del término anterior, aparece por primera vez en 1884. Bellydance sería el término similar, pero en inglés. Aparece pro primera vez en 1876 en la Feria de Filadelfia.
En lo personal, prefiero el término bellydance porque éste refleja la influencia del mundo occidental en la danza, al mismo tiempo que se evita referirse a nuestra danza como la única representativa de todas las danzas de Medio Oriente. Sin embargo, en lo cotidiano una usa más el término danza árabe ya que es con el cual es más normalmente conocida.
Esta clase me pareció particularmente interesante porque una empieza a ver los inicios de la gran difusión del bellydance.
Además, y más allá de las cuestiones históricas con esta danza, es interesante conocer un poco sobre lo que eran las ferias mundiales. También pueden verse los prejuicios que empezaron a acompañarla primero, a través de la censura que provino por parte de la comisión de mujeres y, segundo, por cómo de alguna manera se habían subdividido en el predio las construcciones y temáticas que representaban el avance y lo occidental (White city) y lo arcaico y hasta desordenado de lo oriental (Midway).
Sin embargo, me resultó interesante el ver cómo Sol Bloom (empresario que llevó la danza a esta feria), supo ver más allá de la sensualidad que se le adjudicaba al mencionar la gran destreza que estas bailarinas poseían.
Mi Mari Queridaaa:
Te envío por aqui el link de la evaluación del modulo 10.
Por fiiiiinnnnnnnnn termineeeeee
https://drive.google.com/drive/folders/1lOoMtv45w1DHYHvz-uJtVU5ON3e0ewUA?usp=drive_link
Un beso enorme
Gaby
Hola. Este video parece que carga hasta el minuto 2:40 y el resto me aparece oscuro…
me quedo bien en claro la definiciones de folklor
Angélica Güerci. La realizo en vivo
activado!
Lorena Siehe
activado!
me partio la cabeza ver el video este.
me quedo mas que claro todo, especialmente islam, musulman y arabe.
lo que desconocia era que moises, jesus y abraham eran considerados profetas.
estoy de acuerdo en diferenciar el nombre de la danza al representarla
desconocía la existencia del pasaporte.
la verdad fue impactante el video de los niños buscando el termino gitano en el diccionario. lamentablemente aun sigue esa discriminacion.
vi varias veces latcho dom.
no me salia el nombre del roman havasi
el segundo video se ve bien como es el karsilama-
el primer video de roman havasi se me hizo una mezcla de street sha bi y tabla jaja.
en el segundo note mucha gestualidad por parte del bailarin, la cual no me quedo muy clara.
el cuarto video no se ve….
descargados
visto
solicito activacion
activado!
activacion
activada!
no me quedo clara esta parte :
Los gitanos macedonios, entre 130.000 y 200.00023 , están representados actualmente por cuatro partidos políticos romaníes y más de treinta ONG activas24
En el texto se examina la música y cultura de los gitanos balcánicos (Roma o romanies) y su diáspora en Europa y América del Norte. Tambiern vemos cómo la música romani se ha entrelazado con la política cultural, la identidad étnica y las relaciones sociales en diferentes contextos geográficos y sociopolíticos.Se abordan temas como la historia y la migración de los gitanos balcánicos, su música y sus prácticas culturales, así como las formas en que estas se han adaptado y transformado en el contexto de la diáspora. La música romani fue utilizada tanto por las comunidades gitanas como por las instituciones estatales y los grupos étnicos dominantes para negociar poder, resistir la opresión y afirmar identidades culturales. En países como Macedonia, Bulgaria, Rumania, Serbia y Estados Unidos vemos la diversidad de experiencias y estrategias de resistencia entre las comunidades gitanas, así como las tensiones y negociaciones que surgen en el encuentro entre la música romani y las políticas culturales locales e internacionales.
activacion
activado!
esta disponible aun?
Todavía no se había dictado Patu. Sii ahí te lo active.
Gabriela Romina Barredo Vacchelli. Lo voy a ver después de la primera quincena.
activado!
Gabriela Romina Barredo Vacchelli. La vería desde el celular. 😀
activado!
patricia erdellan kohan schkolnik
activado!
Me puedo registrar aun soy Nahed Arroyo
activado!
Flor munafo en vivo
activado!
Ana Eva Plaza
activado!
Angélica Güerci. En vivo.
activado!
yooooooo Gabriela Candel
activado!
Gabriela Candel Albán. Gracias Mari
activado!
Rosa Mariño vivo
activado!
Rosa María Mariño en vivo
activado!
Presente Profe !!!
acá Post Clase jajajaja
activado!! =)
Lucila Rocio Veliz.
activado!
Sabri Flores ☺️
activado!
Micaela Quiroga
Materias: Zar y Romani
Día: Sábado 27/01
Plaza Stevan Ana Eva. Maru va a estar dictado en inglés? Grabada
Carina Figueroa
activado!
Carina Figueroa
activado!
Nahed Arroyo grabado
activado!
Lorena Siehe
activado!
María Gabriela Raffo – en vivo
activado!
María Gabriela Raffo – ¿puedo acceder a la grabación Maru? ¿O ya no?
Hola! Las grabaciones de los cursos están disponibles hasta una semana después de finalizado el curso, después las eliminamos. De este curso ya no están. Besitos!
María Gabriela Raffo – ¿Puedo acceder a las grabaciones Maru?
Hola! Este ya finalizó hace un tiempo, así que las grabaciones ya no están disponibles.
Flor Munafo
activado!
Buenas tardes! Me podrían activar la película Habib el Omr? Gracias!
Hola! Activado!
Gracias a esta clase pude re-explorar terminología que hace un tiempo siento la necesidad de debatir en pos de llegar a fundamentos que refuercen nuestra práctica, como bien lo expresa la maestra Marina. Quizás, contengo una opinión demasiado atravesada por la subjetividad personal, pero durante la clase no pude evitar recapitular no sólo mi trayecto en la docencia, sino, sobre todo, en mi trayecto como estudiante y perteneciente a una familia musulmana. Creo que el concepto Danza Árabe sigue siendo representativo de comunidades árabes que se encuentran fuera de los países que conforman la Liga Árabe, como es el caso de nuestro país, ya que dentro de estas pequeñas comunidades aún se practican danzas sociales. De esta manera puedo entender que este término sea mucho más representativo a la hora de comunicarse con el público y así también organizar la danza para su aprendizaje. Mientras era una estudiante pequeña de esta danza siempre manejé el concepto de Danza Árabe y jamás fue cuestionado. Cuando entré en la adolescencia me enamoré de las danzas folklóricas y populares (luego etno-identitarias) y así es que comencé a redefinir el término con el que me refería a mi práctica, usando Danza de Medio Oriente o Gran Medio Oriente, esto si fue muchas veces cuestionado y poco comprendido en el ámbito laboral. Lo que continuó sucediendo a medida que mis estudios y la par mi práctica iban cambiando. Considero que es demasiado necesario seguir ahondando en cómo nombramos lo que hacemos porque ello conlleva una responsabilidad. El movimiento mismo analizado en la historia fue cambiando y continúa haciendolo ¿por qué entonces los términos no mutarían, si éstos responden a lo concreto?
Me encanto el curso mi Mari, como siempre impecable, super práctico y puntual, con todos los tips para realizar el proyecto que quiero.
Gracias siempres
Angélica Güerci. Lo realizaré de forma sincrónica
Nahed Arroyo asincrono
activado
activado
patricia erdellan kohan schkolnik
sincronica
activado!
Patricia Erdellan Kohan Schkolnik.
sincrónica
activado
Ana Eva Plaza sicronico
activado!
Luxor – Laura Rubiano asincrónica
Carina Figueroa – clase asincronica
activado!
activado!
Luxor – Laura Rubiano asincrónica
activado
Hola!! Solicito, por favor, que me activen el documental. Muchas gracias!!
activado!
Es muy interesante conocer la postura sobre la música y su permisibilidad dentro del islam: cómo existen muchos puntos de vista que plantean un análisis profundo acerca del significado de la música; cómo esta es usada en un contexto teológico y místico, incluso con entonaciones del Corán, así como también se le puede atribuir una característica de algo prohibido, que crea adicción y que forma parte del mundo pagano y pecador para muchos creyentes.
Existe un debate desde los primeros siglos del islam sobre la samâ, la cual desde el punto de vista teológico, místico y legal discuten sobre la legalidad e ilegalidad de la música y la danza, desde la negación total de las mismas, hasta su aceptación en todas sus formas y medios musicales. Uno de los ejemplos más relevantes en cuanto a su aceptación es para los místicos o sufíes quienes incluso eran tildados como encarnadores de manifestaciones de despilfarro.
Lo cierto es que una de las principales causas a las que se otorga este debate interminable es el hecho de que en el libro sagrado el Corán, no se encuentra nada expresado acerca de la música. Según expresa Amnon Shiloah, se cree que los Califas tenían un apasionado amor por la música, convirtiéndola en parte de su vida y en un modelo de inspiración, la cual se combinaba con el libertinaje y la bebida, este hecho permite que los rigoristas musulmanes adopten una actitud puritana y rechazo al efecto que la música tenía.
El alcance de estas creencias, llega hasta los instrumentos musicales como el mizmar, el laúd, el tanbur o pandereta, todos los instrumentos de cuerda, se les dedican algunos hadiz, tildándolos como instrumentos prohibidos. Y de igual manera sucedió con las cantantes o qiyan o qaynaat, de las cuales mencionaban como mujeres hostiles al profeta. Pero según el teólogo al_Nabulusi (XVII-XVIII) se han escrito varios tratados en defensa de los instrumentos detallando que no necesariamente podrían utilizarse para efecto de diversión sino también para “buenos propósitos”.
En todo caso llama mucho la atención el por qué tanta hostilidad y oposición hacia la música y cómo surgió. Shiloah menciona sobre el poder que la música que se identificaba con el amor, con las emociones fuertes dejando al oyente incapaz de resistirse ante estos sentimientos, los cuales eran denominados como una intoxicación, como un poder abrumador.
Por otro lado, uno de los primeros sufíes, al-Makki, realiza un tratado en donde expresa que la voz cantada es un instrumento que es capaz de llevar ideas significativas como mensaje y que los oyentes que perciben la melodía deben ser desterrados, y de aquí nace para ellos la influencia polivalente de la música.
Rituales como el dhikr “recordar a Dios tan a menudo como sea posible” a la inversa de lo que profesan los puritanos, incluye escuchar música y ocasionalmente danza ya que estas permiten desembocar estas prácticas en ejercicios espirituales (wadj) y la unión mística. La autoridad Sufí menciona que la samâ es una actividad necesaria y cada uno de los elementos utilizados para realizar los rituales mencionados son parte de una composición divina entre la existencia absoluta, la inspiración, la vida divina, la esencia humana y el círculo del espíritu.
Los Mevlevi con su música refinada y sobre todo con su danza incluyen varias obras en defensa de la danza giratoria, los instrumentos musicales y el concepto de la samâ influenciando directamente en el alma.
Lo cierto es que, entre los diferentes grupos religiosos, juristas, autoridades religiosas, listas tradicionales, sufíes y numerosas cofradías místicas, han sembrado un debate hasta el día de hoy en cuanto a declaraciones positivas y negativas tanto de la música como de la danza, lo cual hace paradójico encasillar el papel de las mismas en el ámbito cotidiano, y vivencial de los seres humanos por su poder abrumador de despertar sentimientos de amor, libertinaje y desidia como “inspiración de Satanás” y en el acto de la adoración y el despertar de los sentimientos religiosos con sus diversas conexiones divinas de los místico, lo humano y lo espiritual.
A lo largo de la historia en el mundo árabe, la música árabe tiene una esencia muy particular, la cual posee características específicas tanto por el uso de la voz como un componente musical importante, así como sus instrumentos, los cuales tienen sonidos, timbres únicos, que permiten composiciones singulares que se distinguen al oído y forman parte de la riqueza en la historia de la música en el mundo entero.
Es muy importante destacar que, dentro de la música árabe, el papel principal de los instrumentos es el estar al servicio de la voz, encontrándose siempre en segundo plano ante ella; “La quinta esencia de la civilización árabe-islámica”, ya que la música árabe se ha considerado principalmente vocal y se cree que siempre se ha pretendido evitar que un instrumento tomara el rol principal en una composición musical.
En el mundo árabe existen una gran cantidad de instrumentos. En la antigüedad, su primera clasificación gracias al autor al-Farabi en “El Gran Libro de la Música” en el siglo IX, muestra una forma jerárquica tomando en cuenta la capacidad que posee cada instrumento al realizar su sonido musical que imite la voz humana, es decir que, en la emisión de sonido, mientras más este instrumento podía acercarse a la voz humana, tenía mayor jerarquía.
En la edad moderna, se utilizan una clasificación utilizando tres categorías por medio de los principios acústicos de los instrumentos:
Primera categoría: al-älät al-watariyya, instrumentos de cuerda o cordófonos tales como:
Laúd de cuello corto como el kwitra, el qanbus y Laúd de cuello largo como el tambur, el gimbri, el buzuq, säz.
Violines como el rebab, el joze.
Cítaras como el qanun y el santur.
Liras como el tambura, el kisr, la simsimiyya, entre otros.
Segunda categoría: al-älät al hawa´iyya, instrumentos de viento o aerófonos tales como:
Flautas: Näy, qawwala egipcia, madih, juwwak, fhal, salamiyya.
Clarinetes: Mizmar, zurna, mijwiz, tormay, arghül.
Gaitas: jirba, qurba, al-mizwed.
Chirimías: mizmar baladi, zürka, srnaj, kurdo, shawm.
Trompetas y cuernos: nafir y buq.
Tercera categoría: al-älät al-iga´iyya, instrumentos de percusión:
Idiófonos como los címbalos, jahla, tanaka, mihbash, naqus, mirwaha
Membranófonos como el tar, el duff, derbake, tabla, riq, galal, entre otros.
Por otro lado, también se deben citar los instrumentos occidentales que en todo el Medio Oriente han sido adoptados y adaptados para llegar a los registros necesarios en composición musical como: el violín, la mandola, la guitarra eléctrica, el piano, los órganos eléctricos y sintetizadores, el acordeón, el saxofón, la trompeta, la batería y la batería electrónica.
Al enumerar algunos de los instrumentos árabes es notorio la comprensión del gran espectro musical que se establece dentro de todo Medio Oriente, y como la música a través del tiempo ha ido transformándose y adaptándose desde la complejidad de la música tradicional, lo profundo de la música espiritual y religiosa, la riqueza de la música folklórica y la versatilidad de la música moderna.
El entender cuál es la importancia de los instrumentos dentro de la música árabe y los significados que estos tienen en el pensamiento del Medio Oriente y en el islam de igual manera, genera una mejor forma de interpretación y comprensión de su forma, su timbre, sus intervalos, sus modos melódicos y sus sistemas tonales tanto por parte de los músicos, musicólogos, aficionados contemporáneos, intérpretes, cantantes, danzantes y bailarines, y finalmente los espectadores, admiradores y amantes del arte.
Carina Figueroa- asincronica
activado
Nahed Arroyo asincrono
activado!
Hola ! Con respecto a la información relatada en este video y también por la forma de estudio a la cual me estoy acostumbrando y entendiendo de a poco de nuestra escuela Sahar , ya me queda en duda si el periodo pre islámico la música era inferior al periodo islámico , entendiendo por la riqueza y fusión de las culturas , por estos dos grandes imperios también , por la oralidad que eso también distorsiona la información y por lo que pasa en la mayoría de las veces cuando la religión predomina sobre una sociedad y que por ahí es necesario hablar de todo lo positivo y necesario que son las religiones y como que el antes siempre fue peor , es como medio un cuento de hadas… Entendiendo que no tengo nada en contra de las religiones pero me queda esa duda de que no creo que haya Sido inferior la música . Soy super partidaria del concepto “espíritu” que posee un cuerpo y ahí nace la música , pero desde el punto que creo que los humanos somos canales de lo divino y el arte es ese puente al cielo , a lo superior , a un regalo de Dios . No lo veo para nada negativo .
Hola Sol! Cómo estás? El considerar como inferior a la época islámica, es desde la perspectiva del islam. No solo se consideraba inferior a la música sino, en general a todo lo que es producto de esa época. De ahi, que la llamen la “época de la ignorancia”. Todo apunta a marcar un contraste con el “verdadero camino y sabiduría” que vendrá junto al islam. Desde nuestro punto de vista, el tuyo y el mio, tampoco considero que sea inferior. No se si puedo establecer un juicio de valor de ese tipo, capaz hay elementos que estaban menos desarrollados que en otras épocas, pero eso no le quita valor.
Con lo expliacado en la clase tengo una visión de la historia de la música árabe desde la perspectiva de la danza, especialmente el bellydance, y su relación con la cultura y la sociedad árabe, la cual comienza describiendo la etapa preislámica, caracterizada por la presencia de imperios como el bizantino y el sasánida, con tribus árabes en medio. Destaca el uso del camello como animal importante, la cultura oral y la religión politeísta. Se mencionan las Qasidas como forma de poesía oral, pero no se encuentra una historia musical precisa hasta fuentes tardías del siglo VIII.
Con la llegada del profeta Mahoma comienza la etapa del Islam, donde se desarrolla la música influenciada por las tribus Juda y Nasb, con tradiciones orales distintivas. Se mencionan las mujeres qasidas como figuras importantes en el origen de la música árabe.
Se destaca el intercambio de sonidos y música en la época preislámica debido a las rutas comerciales, especialmente en el mercado de Maka, donde se realizaban competencias de Qasidas. Se describen dos tipos de cantos: el de la población sedentaria, principalmente mujeres esclavas, y el de los nómadas que rompían el silencio del desierto con su canto.
Creo que lo que más me genera intriga o me hace ruido son estás exigencias de como ser un buen músico , pero a la vez que sirvan para el entretenimiento o escucharlos a través de una cortina , o que existan esclavas cantoras en la época abasida, mientras que también es la época donde se consolida el islam. Mi cuestionamiento va a ser siempre del trato de un ser humano hacia el otro , más cuando es una cuestión de poder .
Hola ! Con respecto al siguiente artículo, estoy totalmente de acuerdo a las conclusiones del autor , es muy dificil llegar a un equilibrio o puntos de partidas en la reforma de 1932 por el poco tiempo de análisis de la heterogeneidad que hay a la hora de definir y clasificar las categorías musicales . Más allá de que es súper necesario una pedagogía aplicada a la música , pero también es necesaria la práctica , la formación para un rol profesional . Porque creo que en Egipto hay una fuente laboral grande con respecto a la música para el mundo turístico , cómo así también muchos músicos con diversas formaciones , académicas o no , y en el camino por supuesto los diferentes objetivos a lograr de cada persona , y es necesario ese equilibrio entre la formación académica, lo económico, la práctica . Pero me parece fundamental que se pueda estudiar música de una manera académica .
Hola ! Me parece undamental que la bailarina sepa reconocer si hay pulso o no en una pieza musical .El reconocerlo ayuda a no ir fuera de tiempo, así como menciona la profe marina Barrionuevo. Y me gustó mucho la idea que menciona al final de marcarlo con los pies aparte de las manos.
Hola ! Me quedo con la definición El compás ayuda a reconocer un ritmo
A armar una coreografía, está cajita que agrupa pulsos
Pude reconocer los temas árabes y los no árabes fue un desastre jaja voy a tener que escuchar más música . Gracias por el ejercicio
Hola ! Me gustó mucho la práctica de los ritmos y de reemplazar la variante tata por titi , está parte me gusta mucho
Me.gusro mucho poder repasar nominador y denominador ! Lo entendí muy bien.
Me gustó mucho la práctica con los ejercicios y la práctica con los ejercicios y el sumar los chinchines, si podría compartir el link del video del músico para poder practicar los sonidos de los ritmos árabes ? Muchas gracias! Y a lo mejor ver otro ejemplo de anacrusa para consolidar en concepto. Muchas gracias y como cantariamos con el puntillo ? Gracias!
Hola Sol! Cómo estás? El músico se llama George Sawa y no encontré su video como para compartirtelo. si lo llegás a encontrar, pasalo por acá para las compas. Con respecto a como se canta el puntillo, tenes que extender la vocal que está representando esa figura ritmica, un poquito más (cuánto la extiendas depende de que figura rítmica estemos hablando). Por ejemplo, si tengo una negra y le pongo un puntillo y la vocalizo con la letra A, el tiempo que diga la A va a ser un tiempo y medio. Espero se haya entendido. Un besito enorme!
Hola profe! Pensando en el análisis musical ababab , me parece que Lo dejaría todo de Chayanne y Bailar pegados de Sergio Dalma, entraría en la definición ( jajaja me delata la edad la música , y el tema de Amr Diab Awedony y el de Sherine La ya habibi creo que también entrarían .
Me gustó mucho el detalle del análisis musical, el análisis a fondo de una obra para su interpretación, creo que es algo en lo que fallamos los bailarines, o tenemos que formarnos más, porque el tener todo un contexto enriquece la composición coreográfica , cómo también el conectar con las emociones , el transmitir algo al público y no solo una secuencia de pasos ( para analizar en otro tópico) los actores hacen un trabajo profundo de las obras a la hora de interpretar un papel y es lo que nos falta a nosotros .
Me parece interesante y, en relación con lo que plantea Soledad, entender la idea de que para el estudio de la época preislámica contamos con fuentes del período posterior, por lo tanto, la interpretación sobre el mismo puede ser sesgada. Tal como se ha planteado en diversas teorías del estudio de la historia, sería preciso hacer una ruptura epistemológica que permita crear nuevas categorías de análisis, nuevos conceptos y nuevas maneras de analizar sin la carga de lo preconcebido. Sin embargo, siempre y cuando se tenga esto en cuenta, los estudios sobre la época siguen siendo valiosos. Asimismo, también es cierto que los procesos de mixtura de diferentes sociedades (ya sea a través de conquistas, migraciones, etc) favorecen a un enriquecimiento de la cultura y por ende, a un desarrollo más versátil y complejo, por lo que puede ser que con el paso de los años, la concepción sobre la calidad de lo que es considerado arte (o no) también vaya variando.
Me parece interesante cómo la religión (o en otros casos el Estado también podría ser, e incluso estados atravesados/organizados por y desde la religión muchas veces. Es decir, desde los lugares de poder…) en cierta manera hace uso para su conveniencia de ciertas cuestiones de la cultura. Por momentos pareciera que les es favorable que se difunda, que exista y crezca, y por ello buscan organizar y sistematizar para a través de la música que sea posible difundir un mensaje u ordenar socialmente, y otras veces se busca reprimir o acallar cuando no es afin a sus intereses y/o cosmovisiones (como en el caso del politeísmo).
Excelente la explicación y clarísima la manera de reconocer una composición con organización temporal fija y libre.
Gabriela Candel Albán-sincrónica
activado!
Lona Siehe, asincrónico. Quizas pueda sincrónico alguna vez.
activado!
Lorena Siehe, algunos martes sincrónico, otros asincrónico
activado
Hola! Para hacer el curso en forma asincrónica.
activado!
Gabriela Barredo. Para hacerlo de forma asincrónica.
Ailen Espindola, asincrónica
activado!
activado!
Anabel Aiello. Sincrónica.
activado!
flor munafo
activado!
Rosa María Mariño . Asincrónica
activado!
Considero a la Historia de la Danza como un material amplio, que nunca deja de enseñar.
En este caso se habla que todo tiene relacion con su origen y que cada periodo se complementa para hacer mas claros algunos terminos y teorias.
Me llama la atencion la separacion de ideologias, creencias, status y hasta la de clases sociales,, que gracias a que se interconectan la poesia y la musica
terminan uniendo mediante una tradicion al pueblo a pesar de sus diferencias; ya que dice que eran las esclavas quienes cantaban para sus señores o que los esclavos lo hacian en las caravanas para hacer menos cansador el viaje. Lo que me lleva a pensar que utilizaban la musica para transmitir lo que sentian en esos momentos o no, ya que improvisaban.
En este periodo se habla de crecimiento cultural ya que se le habre la corte a poetas y musicos, pero sigue marcada la diferencia social.
Me parece acorde lo de fomentar la alfabetizacion para poder ocupar cargos, eso genero´ que un musico adquiera conocimientos extras y tenga otras habilidades como tocar un instrumento, tener oido musical, crear musica atraves de la poesia o desarrollarla si tenia conocimientos previos.
Uno de los temas a tratar en aquel congreso era la decadencia de la musica arabe, por otra parte se les exigia a los musicos a que asistan a institutos de musica con el fin de evolucionar y asi poder conservarla.
Uno de los estimulos era crear sociedades musicales para poder mantener las obras de la musica arabe. Sin embargo actualmente muestran preocupacion por la falta de disciplina entre maestros y estudiantes, lo mismo que en 1932, sino que hacian referencia contra los musicos profesionales
de ese momento.
osea, los cambios propuestos alli nunca se pusieron en practica? porque se sigue reclamando lo mismo en la actualidad?
Buenas tardes solicito la activacion de esta clase, gracias
activado Fiore!
Es importante que el alumno aprenda a diferenciar los ritmos, ya que en toda estructura musical estan presentes la melodia y el ritmo pero no todos los temas estan acompañados por un ritmo regular. Eso ayuda a desarrollar el oido musical.
Desde mi punto de vista me parecio buena la informacion ya que algunos terminos no los tenia claro.
Me parece importante el aprender a reconocer el compas de las canciones árabes como asi tambien de otros temas musicales que por ahí escuchamos mas a menudo; lo que ayuda a distinguir la variacion del compas dentro de un tema.
Muy buena la explicacion ya que me ayudo a recordar parte de lo que habia aprendido anteriormente; considero importante saber respetar el ritmo como asi tambien los silencios en cada tema.
Considero importante el poner en práctica el nominador y denominador para marcar el compas de estos ritmos, ya que ayuda a tener mejor oido musical a la hora de aprender o enseñar un baile.
Con respecto a esta clase, considero interesante el ejercitar estos ritmos, aprender a marcarlos e ir viendo la manera en la que se tocan en un derbake como así también en otros instrumentos.
En esta clase senti que me falta interiorizarme más en el tema; considero que necesito escuchar más música y aprender a diferenciar sus partes ya que no tenia conocimiento de la estructura de los temas musicales.
Muy interesante la clase, algunos tema ya los tenia, pero me faltaba profundizarlos. Los ejemplos que da la profe ayudan mucho más.
Está bueno que el bailarin tenga claro éstos conocimientos a la hora de interpretar, asi reconoce tanto las tiradas melodicas, como las pausas ya que ésta última la usamos a veces para respirar.
A mi manera de interpretar opino que el layali se puede usar para el calentamiento ayudando al cantante a meterse en el maqam y a su vez puede conducir al mawwal.
El taxim como pieza instrumental sirve más para apreciar las técnicas del cantante.
El taxim se ejecuta con instrumentos melódicos, lo que hará que el musico viaje melodicamente según las técnicas que posea. Éste a traves de su instrumento, crea una obra musical que lleva a la bailarina expresar sus sentimientos, tanto en el canto como en las pausas; se usan movimientos ondulantes como asi también giros.
En el taxim hay que tener mucho iodo musical, por su estructura que te lleva a un punto maximo para luego finalizar y hay que saber diferenciarlo.
En mi caso siempre dije o utilice el termino de Danzas Árabes porque resulta mas fácil de interpretar por las personas que no manejan la terminologia correcta, por ahi decir bellydance es causar cierta curiosidad en quien te pregunta, en mi caso: – que estudias?
Se que la danza arabe es un arte muy amplio que desde sus comienzos se utilizo para transmitir emociones y sentimientos.
La palabra árabe hace referencia a un idioma o zona geografica como lo es la Liga Árabe donde la forman 22 paises con costumbres totalmente distintas entre si, como asi tambien las danzas son diferentes segun su ubicacion geográfica.
Con respecto a la Danza de Medio Oriente se dice que se origino en el norte de África y algunos paises de Asia del sur. Mientras que de acuerdo a la ubicacion geográfica, se puede llegar a diferentes conclusiones sobre la danza, ya que se cree que Egipto es uno de los paises con mayor informacion sobre la Historia de la Danza Oriental.
Dependiendo de la ubicación geográfica vamos a emplear diferentes términos, porque me pasó de vivir en una ciudad y que se utilice el término bellydance y al mudarme a un pueblo referirme con esa terminologia daba como cierta confusión.
Los que estamos en el tema de alguna manera por asi decirlo lo conocemos como Danza del Vientre, Bellydance, Raks Sharki o Danza Arabe.
Comercialmente casi la mayoria se refiere a ésta disciplina como Danza Arabe ya al momento de enseñar una adquiere el vocabulario o terminologia especifica.
Acerca de este concepto que planteo Marcos considero importante el saber que uno puede escuchar música e interpretarla libremente pero no transmitir nada como así también poder profundizarse en el baile que considere mejor y comprender la base rítmica para una interpretación más adecuada a la hora de bailar. Cualquiera de las dos está bien, porque en ambas formas ya estamos transmitiendo algo, de una manera no tan adecuada y la otra quizás si.
En esta feria se marca como posible origen del termino Bellydance.
Eventos como éste tuvieron una gran convocatoria, ya que no solo era fructifero en lo economico y comercial sino tambien en lo cultural. Debido a que se reunian varias aereas y de diferentes paises, hacian que la difusión oriental sea masiva.
Sol Bloom fue un gran ícono ya que fue quien propuso llevar ese toque oriental a la fiesta luego de quedar fascinado con las bailarinas en la feria de Paris en 1889
Más alla de reunirse en esas ferias y dare a conocer se sumaba a que los demás paises muestren sus productos industriales y diversidades culturales.
Cabe señalar la aparicion de algunos elementos de baile, lo que no llegue a comprender en que momento se empiezan a usar.
El objetivo principal de esta feria era inagurar el siglo xx y también mostrar un poco los avances tecnológicos como así también educarlos en la geografía, que conozcan que territorios componía Francia en ese momento. Es decir que era como un remedio pedagógico a este problema de la ignorancia de los franceses.
En Paris emergen algunas estrellas del Belly Dance, como lo fue La Goulue bailarina súper famosa y la otra fue Bella Fatma.
El Belly Dance aparece en Europa cuando en 1850 la llevan a Londres, luego aparece en las ferias mundiales. Es una danza que tiene un gran éxito.
La Bella Fatma era considerada la más famosa en esa época.
Al hablar de ferias mundiales nos referimos a ciudades que se construian específicamente para ese evento, participaban varios países e iba muchas gente, cada país tenía su sector. Había un señor llamado Sol Bloom que era el encargado de buscar chicas para que bailen en la feria.
Esta danza fue acusada por mostrar mucho las partes del cuerpo de la mujer y que no seguía los parámetros de la moral. El Belly Dance va a tratar de ser mirado desde otro punto de vista, no como una danza sensual sino como un deporte físico o simplemente para que una mujer se sienta mejor con ella misma.
Me podrian Aactivar el DOCUMENTAL “REEL BAD ARABS”, gracias
activado!
En esta clase se habla sobre la importancia de comprobar lo que decimos, justificar la con evidencias.
La danza surge como un ritual de fertilidad.
En el Antiguo Egipto se estudia la danza como una característica de la práctica de un ritual.
Las primeras evidencias se encontraron en cerámica, se hacían incisiones sobre vasos del mismo material.
En el Antiguo Egipto todo se consideraba una danza, en la actualidad tenemos todo dividido en sus respectivos campos. Hay poca información de esa época sobre la danza a comparación de otros elementos como la economía, política, etc.
Muy interesante la clase, sobre todo la parte de las evidencias, ya que son variadas al igual que los elementos que utilizaban para plasmar imágenes.
Me llamó la atención sobre todo la refencia de Garfinkel, que dice: “Que si bien la danza es dinámica, se dibujaban de manera estática porque no habían intensiones de anotar como se realizaba cada paso, sino que era una memoria para los que ya sabian como hacerlo”. Las escenas de la danza las encontramos en varios lugares arqueológicos ya que ésta es un fenómeno transcultural.
Me pareció muy interesante esta clase con respecto a las Qiyan. Sobre todo la parte en la que dice que eran una rama importante de lo que era el comercio de los esclavos y que las esclavas cantoras han estado siempre tanto entre reyes de los árabes como de los no árabes. El término “Qiyan” al principio se usaba para referirnos a las esclavas mujeres en general, con el tiempo adquirió la definición de esclavas cantoras. Algunas se destacaron más por el rol de poeta y otras por el rol de cantante.
Considero importante también las definiciones acerca del Yawari que quiere decir “Mosas Cantoras”, se las definia como mujeres cantoras que ejecutaban una música popular actuando frente a un público, tabernas, etc.
Por otro lado esta el término Mughannlyat o “Cantoras” y este se refiere a dos tipos de mujeres. Estan aquellas que eran educadas en distintas artes para ser luego ser vendidas como concubinas. Por otro lado estan aquellas mujeres que ya habian recibido una educación bastante importante, bastante elevada ya que pertenecían a las familias aristocráticas, eran mujeres que después podían participar hablando con otros poetas o músicos en algún evento social o familiar.
Me pareció muy interesante la clase ,creo que siempre es importante conocer los orígenes y de donde venimos .Entender la evolucion musical teniendo en cuenta periodos historicos,sociales y culturales.Creo que la cuestion musical estuvo muy atravesada por lo social y es algo logico ya que es una parte fundamental de la cultura…
Me intereso mucho el periodo pre islámico aunque entiendo que todo lo que se sabe de el es posterior y no es del todo certero la teoría de los primeros sonidos me fascino.
Claramente que está última fue más importante para la música pq no solamente se le dió más lugar y proteganismo sino que también a mi modo de ver se “profesionalizó”, no solo p las exigencias y requisitos que se tenían en cuenta para ser músico sino también porque estos mismos empezaron a expandirla poniendo “escuelas” en sus hogares.Esto permitió que este arte llegue a mas personas y se puede ver y compartir de otra manera.En cuanto a los temas que escuchamos me los imaginaba así con esas melodías y forma de cantar.❣️
Para empezar creo relevante tener en cuenta el intercambio de sonidos y música que se da en la época pre- islamica entre diferentes países gracias a las rutas caravaneras que permiten el contacto con persas, griegos, romanos, entre otros. Era en el mercado de Maka donde sucedían competencias de Qasidas. Y fue este tipo de poesías el punto principal para el desarrollo de la música, poesías que se recitaban de formal oral acompañadas con sonidos y ritmos.
Existían 2 tipos de cantos: por un lado el de la población sedentaria que tenía que ver con las mujeres esclavas que recitaban poesía, cantaban y hacían música entre otras cosas; por otro lado el canto de los nómadas que con su canto rompían el silencio del desierto.
Durante la expansión del Islam se empezó a desarrollar mucho más la música, influenciada por la élite aristocrática y los esclavos que llevaron su música.
Me llama la atención que si bien la música fue influenciada desde la época pre- islamica, aún durante el Islam las canciones seguían estando relacionadas a las Qasidas, aquellas que hablan sobre el amor y comienzan con un prólogo amoroso. Si bien la élite consideraba a la música pre- islamica como inferior o primitiva se seguía manteniendo una relación con la música de aquella época, una relación con las Qasidas.
Periodo donde comienza “la gran tradición musical” donde se abre la corte a poetas y músicos que crecieron en importancia. La música sigue tomando elementos de la cultura arabe y no árabes que fueron conquistados. Es aquí donde la música empieza a sistematizarse y se crea así un arte oficial, siendo los califas los principales motivadores para que esto se desarrolle (muchos de ellos se han destacado como grandes músicos).
La imagen de “músico” pretendía que este sea creativo, debía tener un talento especial, cantar, tocar uno o más instrumentos, tener manejo del escenario y saber escribir tanto en verso como en prosa.
Esta época resultó ser muy importante desde el punto de vista cultural donde se crea la identidad islamica.
Hola Mari, hermosa clase. Me quedé pensando en lo que dijiste. Que no se puede enseñar todo a una alumna que empieza de cero en 3 años. Yo pensaba lo mismo. Pero hice un instructorado de yoga en un año. Ahora estoy haciendo un profesorado de yoga en dos años. En yoga, que es muuuy complejo, no hay profesorado de más de 3 años, y se puede empezar desde cero. El concepto que lo diferencia del belly, es que se enseña todo. Y vos, como alumna, tenes que practicar todos los días. Y por ahi, no llegas a hacer las asanas más dificiles al recibirte de profesora, pero, sabes como enseñarlas, y tenes que seguir practicando por tu lado, es tu responsabilidad, se le llama, practica personal. En belly, nos queremos asegurar de que a nuestras alumnas les salga todo perfecto, en toda la técnica, estilos, etc, y que todo eso, lo logren en clase. Por mi lado, estoy reviendo ese concepto. No se si se entendió.
Con respecto a este artículo aún sigo viendo un mirada europea hacia la música árabe.Si bien por supuesto está bien pactar y academizar la disciplina me parece que en cierto modo se quiso imponer ciertas características de la música occidental.
Me parece que no tener en cuenta a los músicos tiene que ver con esto ya que ellos representan lo autóctono, la práctica más allá de las “normas”.
Creo que faltó amplitud , inclusión .
De hecho al día de hoy el artículo comenta que muchos aprenden por videos de músicos.
Me parece importante primero reconocer los dos géneros los que tienen una organización rítmica temporal física, y los que tienen una organización temporal libre .Creo que ese es el punto de partida para armar y bailar cualquier coreografía.
Por otro lado también me pareció interesante conocer los diferentes palabras que se utilizan para definir los ritmos árabes.Si bien nosotros no la utilizamos creo q enriquece nuestro conocimiento saberlo
Me costó reconocer el compás creo que escucho más la melodía.Sin embargo al escuchar el acento me ayuda a identificarlo.Debo seguir practicando
Importantísimo me encantó.Sabia escribirlos con la tablita pero aquí me pasaba eso que comentas Mari , no sabía leerlos adecuadamente porque no sabía bien donde poner los silencios.Los que sabía cantar era pq ya los conocía pero los nuevos se me dificultaba.Quisiera más ejercicios para practicar.gracias
Fundamental conocer la fracción para poder así escribir, cantar y delimitar el ritmo o ola composición musical
No conocía estás normas musicales, la verdad es todo nuevo para mí .Me encantó pero creo que para poder incorporarlo bien es necesaria mucha mucha práctica.
Me gustaría Mari si me podés pasar más ejercicios ya que en las clases ví que comentaste que los subías , entiendo que fue cuando lo estaban cursando.por eso no están aquí en el campus o yo no los encuentro.gracias❤️
A modo de resumen de esta clase es importante destacar, por un lado, la denominación de “ritmos árabes” que puede ser IQA y/o WAZN.
Por otro lado, según Touma podemos encontrar dos tipos de género: aquellos géneros con una organización rítmico temporal libre (como el taxim) y los géneros de organización rítmico temporal fija.
Los ritmos árabes no son sólo nativos sino que también son utilizados ritmos tomados de Occidente y de Turquía.
En esta clase también se destaca el Pulso, el punto de referencia que ayuda a organizar el tiempo, es algo fundamental a la hora de bailar para no ir fuera de tiempo. El pulso puede ser Regular como Irregular.
*Compás* es una forma de dividir el tiempo musical en una agrupación determinada de pulsos.
Hay compases binarios, ternarios y cuaternarios, entre otros.
*Acento* tiempo que va a sonar más fuerte con respecto a los demás y es lo que nos va a indicar de qué tipo de compás se trata.
A lo largo de un tema los compases pueden ir variando como por ejemplo en los temas de presentación.
Tener noción de los compases nos será de mucha ayuda a la hora de coreografiar.
El *ritmo* organiza tanto sonidos como silencios, no debe confundirse con el pulso.
Uno de los sistemas de escritura de ritmos puede ser con una serie de símbolos que tienen una duración en el tiempo y se representan con figuras y silencios.
*Fracciones nominador y denominador* es lo que encontramos al comienzo de un compás y es lo que nos va a marcar cuantos pulsos habrá por compás y la figura rítmica predominante.
Numerador: cantidad de pulsos por compás.
Denominador: figura que representará al compás.
*Puntillo*: le suma al valor de la figura que lo acompaña la mitad de su valor.
*Anacrusa*: nota que se encuentra antes del primer tiempo fuerte de una frase, puede ser una nota que complete el compás del final.
En principio quiero destacar la info sobre cómo analizar un tema para luego coreografiar, me parece un análisis súper completo y detallado lo que hará obtener un montón de recursos para la danza. Lo pondré en práctica!!!
Por otro lado, en resumen, entiendo a la WASLA como una gran estructura musical. Una macro estructura que dentro contiene diferentes formas musicales pero que las va a unificar una misma makam.
hola maruu como estas’? Podria solicitarte que me actives el documental. Gracias!
activado!
Me pareció muy interesante esta clase de la música Latinoamericana en Egipto e incluso las canciones de Mohamed Abd El Wahab y Farid Al Atrash, las considero muy lindas de haber escuchado y otras más de los mismos artístas.
En primer lugar sumo el concepto de Wasla ya que no lo conocía, sinceramente nunca lo había escuchado . Me parece importante saber este tipo de denominaciones ya que al momento de escuchar música árabe está bueno reconocer er y saber de que se trata ya que internet circula muchísima música y muchas veces en lo personal en algunos casos no me arriesgo a utilizarla pq justamente no se con exactitud que es.
Por otro lado el análisis de los temas para coreografias me parece interesantísimo , si bien en lo diario se hace complicado pq lleva mucho tiempo , si voy a usarlo para en primer lugar practicar y luego para seleccionar temas para los shows
Gracias
No conocia el LAYALI, si el taxim y mawal.Habiendo estudiado el primero es mas profundidad.
Me quedo clara la diferencia entre los 3.
Lo que pienso es que ya que se realiza una improvisacion ( tanto del musico como de la bailarina)estaría genial conocer el idioma en el caso del Layali es mas sencillo porque es una frase y ya sabemos que significa , pero en el caso del MAWAL(QUE ES UNA POESIA POR ENDE ES MAS LARGO) resulta mas dificultoso ya que no sabemos lo que dice el autor.
Pude profundizar los conocimientos que tenia de taxim ,ejemplo los tipos y las secciones.Sabia lo de la improvisacion y lo del solo de un instrumento pero no tenia idea de estas clasificaciones.
Me parece importante primero entender la definición de taxim y poder identificar si tiene base rítmica o no .Sabemos que el taxim sin base rítmica es un solo de algún instrumento melódico ,q no tiene acompañamiento vocal.Que el músico va realizando su composición pasando por diferentes matices y efectuando pausas , la bailarina debe poder conectar con eso escuchando e interpretando tanto la melodía como las pausas, llegar junto con la música al climax para luego ir bajando en su interpretación.
Por otro lado en el taxim con base rítmica es importante prestar atención a seguir en un gran porcentaje mayor a la melodia y no al ritmo
Anabel Aiello. Sincrónica.
activado!
Angélica Güerci. Sincrónica.
activado!
Clase muy nutritiva.transcribo ciertos conceptos que enriquecieron mi conocimiento respecto de este genero:
En cuanto al rol de la bailarina es importante identificar el contexto en el que voy a bailar el taxim.
Tener en cuanta 3 variables:
1-conocer el taxim
2-saber el recorrido de cualquier taxim
3- saber que el que esta sobre el escenario tiene el control.
Fue interesante saber ademas ;
-que si una bailarina se queda bailando en el lugar debe ser en un taxim corto .
-el taxim que entra en el belly dance esta medido ya esta escrito,son una cantidad de frases.
y cierro con esta frase que a mi parecer fue muy relevante:
“QUIETUD DEL MOVIMIENTO”
Gracias!
Muy interesanre Apremder de Musica desde la optica de una Bailarina.
Periodo Preislamico, Fuentes arqueologicas, fuentes islamicas Tardia. (800DC) y esto sobre que consideraban la musica preislamica 570DC como primitiva.
La mención de las Poesias Casidas. El Canto población sedentaria (tradicion, de mayor nivel) y el de los Beduinos .
El surgimiento de los primeros sonidos, rompiendo el silencio infinito del desierto y el canto fúnebre. También como fue la música de estas dinastías Árabes con grandes músicos y poetas.
Y por ultimo cuando se funda la gran Tradición musical con sus principales representantes.
Me interesó mucho saber sobre el Periodo Omeya o Califato, destancando algunos Califas, tomando mas prestigio la Lengua Arabe, buscando eliminar los errores de Lengua Arabe.
Terminando en la zona de España y comenzando el periodo de los Califato Abbasida que se alienta a los músicos a cantar poemas con música. Se los escuchaba pero no se veían, entrenando en escuelas a distintos músicos.
Hermoso escuchar en Spotify la música de la Época.
Compas es agrupar una cantidad determinada de pulsos.
Binarios( 2 ), Ternarios (3), o cuaternario (4) o muchos mas presentes en la música árabe. muy buen ejercicio para identificar el tipo de compas.
Fiorella Monzon. Sincrónica.
activado
Micaela Quiroga
Asincrónico
activado
Gabriela Candel Alban, porfa mi Mariii
activado!
Sabrina Flores, Asincrónico.
activado!
El Taqsim, a grandes rasgos, podría decirse que es la improvisación de un instrumento solista melódico. No tiene un esquema fijo ni tampoco es una pieza compuesta previamente y fija, lo que la hace una obra musical única.
El Taqsim se desarrolla a partir de un makam elegido por el músico y no suele tener una duración determinada.
Sus características son aquellas pausas entre frase y frase, y lo que hace que cada una de ellas tenga un principio y un final.
Por otro lado, podemos encontrar el Taksim con base rítmica donde el solista es acompañado por instrumentos de percusión. En este caso se suelen producir diálogos musicales (pregunta/ respuesta) entre el solista y los instrumentos de percusión.
El Mawal, al igual que el Taqsim también es una improvisación solo que en este casa quien improvisa es la voz. El Mawal es cantado y se canta algo ya compuesto pero que el cantante va modificando durante su improvisación.
En dicho artículo se habla de la reforma que se ha intentado establecer con respecto a la música árabe. Se buscaba academizar la música arabe desde una mirada eurocentristra, la cual era considerada una música infernal y ruidosa.
La música arabe era comparada con la música Occidental la cual simbolizaba el poder y el prestigio. Por ello, y para que la música arabe progrese consideraban que la música arabe debía seguir los pasos de la música Occidental.
Se planteaba que la teoría debía generar una práctica y no ser al revés. Se debía sistematizar y organizar de acuerdo a los hábitos de las naciones modernas, lo que acabaría con el desorden y falta de disciplina de sus practicantes.
Dentro de las formas musicales encontramos la “estructura del RONDO” (estructura occidental) que dentro de la música árabe la encontramos en el Samai, en la Longa y se encuentra en algunas presentaciones. En dicha estructura encontramos el TEMA PRINCIPAL (estribillo) y EPISODIOS (estrofa).
Estructura: A- B- A- C- A- B
Las estrofas van a tener melodías diferentes.
MEYANSE/ APERTURA/ OPENING SONG/ EFTATAHYA. (Forma musical)
Es un género que nace en la época de los night clubes y la función principal es que la bailarina presente su show, que impresione al público.
Es un género muy alegre, con mucha potencia, que lleva por distintos estados y con mucha fuerza.
En Egipto se utiliza el término EFTATAHYA que viene del verbo “abrir”, apertura.
La estructura de la presentación puede variar.
Fadi: primeros compases de percusión antes que empiece que la melodía (4 compases de malfuf, aiub o fox).
Luego continúan los bloques que pueden ser:
Bloque con ritmo Saidi, Bloque con ritmo Samai Taquil, Bloque de Bolero, entre otros. Bloques desconectados entre sí. Y al final se vuelve al comienzo, con el mismo ritmo y melodía.
El tema Aziza tiene una estructura de Rondó.
Valeria Saldaño. Clases Asincrónicas
activado!
Con este MOdulo la profesora nos brinda la visión de que tenemos que estudiar a la historia de la música arábe desde la visión de bailarina y la relación con la danza y el bellydance.
Como inicio al estudio tenemos que hablar de un etapa preislamica, antes del islam. La etapa preislamica, esta dado por un periodo de imperios (bizantino y sosamia, representado en 7 ciudades).
Estos dos imperior eran enemigos, entre si, en medio de esos imperios habia tribus arabes. En este periodo preislamica, se utiliza al camello, como animal importante, la cultura era oral, la religión esra politeista, los valores ern eticos, corajey honor. Las casidas eram poesia oral, No hay en esta epoca historia musical. Concemos sobre la musica y los instrumentos atravez de fuentes tardías del Siglo 800. Con la aprición del profeta Mohama comenzo la etapa del Islamismo.
Habia ademas 2, tribs, Juda y Nasb, las sentaria la producción dera tradición oral. La Juda, esl canto era nostalgico, el ruido que hacian los camellos rompian el silencio del desierto. Lass Nasb, era el conto funerario de las mujeres. Las cainas, eran mujeres cantoras, que servian a un dueño. El canto de las cainas se dividian en dos, unas eran sobre temas de alabanzas y orgullo y otras eran sobre canciones de pasatiempo y diversión. eran acompañadas por laud.
En la epoca del profeta, se comienza a expandir el islam, en esta epoca ademas los cantores de la epoca, expanden la tradición oral. Como reflexión, las mujeres casidas fueron muy importantes en el origen de la musica arabe.
Nominador y Denominador, hasta hoy solo era una suposición mía el significado de esa Fracción al comienzo del Pentagrama, hoy puedo saberlo a ciencia cierta que el Nominador es la cantidad de Pulsos que entran en el compas y el denominador es Patrón que va a representar toda la línea.
Puntillo, entendí la formula para calcular el valor del punto que figura a la derecha de cada figura rítmica. Anacrusa marcando donde comienza el tiempo Fuerte de una Frase. Muy enriquecedores los ejercicios que le siguen a la explicación. Las barras de Finalización, las barras de continuación o las barras de Repetición, etc.
En este Articulo concuerdo con la Autora en su observación relacionada a que los Músicos de Egipto hoy en día tienen opiniones muy claras y similares sobre la necesidad de una reforma en la Enseñanza de música árabe, muchos años después de la Conferencia de 1932 los músicos expresan una gran preocupación por el bajo nivel de instrucción instrumental ofrecido en los institutos, la falta de dedicación en el plan de estudios. Ganando mas dinero por hacer giras con estrellas populares ya que no son empleados a los mejores músicos en los institutos. Acusan Falta de disciplina. Esto nos trae una conclusión dualista ya que hoy en día se acusa a los Académicos e Institutos de la misma forma que se acusaba a los músicos profesionales en 1932, en la cual se fracaso en varias áreas por 2 razones, según mi visión, la participación de extranjeros Occidentales desde su mirada proveniente de otra cultura, juzgada desde su visión orientalista, con otra herencia y otros gustos musicales y la discriminación a los Músicos Profesionales de la Época que podrían haber aportado sus valiosos conocimientos. Observo una diferenciación y pelea muy marcada entre músicos profesionales y académicos, cuando la realidad es que si pudieran unirse seria la manera de sacar el mayor provecho de cualquier reforma de La Música Árabe.
Flor Munafo
activado!
Como COMENTARIO a las clases de este módulo y desde mi experiencia son términos que ya conocía al haber estudiado música en un conservatorio hace varios años, pero retomando y repasando todo esto hoy en día me resulta de suma importancia poder aplicarlo a la danza, a la hora de hacer un análisis sobre la música que elegimos para bailar.
La lectura de este artículo me recuerda un poco a la materia “viajeros” que describían a la danza como lasciva, sexual y que incluso describían a las bailarinas como “criaturas”. Pasa un poco lo mismo con la música al describirla como “ruidosa” o “infernal”, comparándola con Occidente e incluso buscando sistematizarla y academizarla bajo los lineamientos occidentales.
Conocía en líneas generales el concepto de Taqsim como la improvisación de un instrumento melódico. El texto enriqueció mucho más la definición qué conocía. Por otro lado, nunca había escuchado el término Mawal.
En este periodo, se comienza a hablar en forma despestiva respecto a la musica de los beduinos respecto a las ciudades. Luego de la muerte de Mahoma, hubo una sucesiòn de profetass Reshudum. Comieza la era del califato Omaya, desde 1750 hasta 1301, en la zona de España.En esta època se estable a la lengua àrabe como la de mejor prestigio, por ser la elegida por Dios. En esta epoca tambien las Corte, eran espacion de entetenimiento, Los califas eran patrocinadores de los poetas y musicos.
se conribuye a la expansicòn por Africa.
Me resultó muy interesante esta clase ya que no conocía el término EFTATAHYA ni FADI. En cuanto a las formas musicales tenía una vaga noción y ahora me quedo mucho más claro.
Con respecto a la anotación de los ritmos comencé aprendiéndolos con el sistema que invento Saida, luego tomé un curso con Osbaldo y su método, y por último (al tomar algunas clases de derbake con un alumno de Matías Hazrum) conocí el método de Mario. Coincido con que el método utilizado por el Estudio es uno de los más claros y entendibles, ya que en los otros antes mencionados no se logran distinguir las duraciones de las figuras, algo sumamente importante a la hora de reconocer un ritmo ya que puede pasar que algunos se escriban igual (utilizando aquellos métodos) pero los va a diferenciar el valor de la figura y silencios. Además creo que la música como lenguaje debería utilizarse tal y como es para que todos podamos entenderla.
Con respecto a la definición de algunos ritmos no conocía sus otras formas de llamarlos. Y en cuanto al reconocimiento de ritmos de esta clase pude reconocerlos a todos, creo que son los que más afianzados tengo y los que más utilizo a la hora de elegir un tema para bailar.
En esta clase, al sumarse más ritmos se complicó un poco mas el reconocimiento. Me resultó interesante la explicación de cada ritmo como poniéndolos más en contexto, el explicar algunas características de los mismos.
Creo que los compases múltiplos de 3 pueden resultar más difíciles de reconocer porque nuestro oído no está tan habituado. De hecho me di cuenta por los ejercicios prácticos, que la mayoría de la música que escuchamos tiene compases cuaternarios, ya sea oriental como occidental.
Es muy bueno poder ejercitar de esta manera porque permite reconocer la variedad de sonidos que puede contener un ritmo. Esto también permite que al bailarlos, podamos desarrollar más variantes de movimiento teniendo en cuenta la musicalidad de los mismos.
Muy buenos los tips para la “autocorrección” de la escritura de los ritmos teniendo en cuenta el nominador y denominador. Qué difícil igual al haber aprendido de otra manera a representar los ritmos :'(. Me encantaron los ejercicios.
Es importante conocer el concepto de anacruza, porque muchas veces los ritmos (tal como el ejemplo del Bambi) pueden aparecer de esa manera y es importante para apreciar correctamente el comienzo y final del ritmo. Lo explicás de una manera súper clara, Maru, pero igual siento que necesito otra vida para leer música de esta manera jaja.
Tarab
No podemos encontrar una única definición acerca de la palabra Tarab. Para empezar intervienen diversos autores que dan su punto de vista y para explicar esto me gustaría iniciar por Racy, A. J. Sostiene que el Tarab es un campo multifacético, es decir de múltiples significados, autores como Shannon, J. H. y El Rayes, R. M. coinciden.
Voy a mencionar y destacar algunos puntos los cuales me interesan y podemos enmarcar las múltiples definiciones que hay de la palabra Tarab; dentro de la lingüística Tarab se refiere a el estado de emocionalidad que se traduce con palabras como arrebato, éxtasis, o encantamiento siendo esta última la más utilizada.
Etnomusicólogos describen el Tarab como un estado emocional que se produce entre la relación del oyente y del artista por la música, la letra y otros factores, lo que Racy definiría como un “Modelo de retroalimentación estática”. Por ejemplo el etnomusicólogo Charles Seeger habla sobre la incapacidad de las formas del lenguaje para representar del todo el sentimiento musical, y considero que es un poco de lo que nos quiere decir Racy. Pero Mantle Hood, otro etnomusicólogo, decía que por naturaleza la música es mística. Es decir que hay algunos casos donde etnomusicólogos modernos usan la palabra Tarab para indicar estados alterados de conciencia, relacionado con el misticismo.
Para profundizar el aspecto lingüístico Valassopoulos, A. (2007) analiza las distintas manifestaciones de la cultura árabe popular que suelen definir el Tarab como algo enigmático, secreto. Ella intenta demostrar que tal vez esto es algo estratégico, como forma de evitar definir la palabra. En base a eso da ejemplos y cita a algunos autores como
Said, E. que nos plantea que toda cultura tiene sus áreas cerradas, enigmáticas, ocultas precisamente se trata de evadir/evitar definir de forma literal la palabra Tarab si no en estas palabras.
La experiencia del Tarab puede ser muy poderosa y transformadora, ya que nos permite conectar con nuestras emociones más profundas. Me gusta esta idea de Edward Said de hablar de algo sin hablar de ello, considero que justamente es lo que representa el Tarab, va más allá de solo la letra y la música.
Por otro lado Racy plantea que sería un error explicar el estado que provoca el Tarab con términos porque no es un sentimiento u emoción en específico. Me agrada e interesa su perspectiva y su enfoque unilateral sobre el Tarab, se dirige en una sola dirección sin considerar otras interpretaciones, como por ejemplo esto que tenga que tener ciertas características la música Tarab; que es un concepto flexible y puede tener un punto de vista político, religioso, amoroso. Es decir, desde un punto de vista religioso tal vez en la letra se deba reflejar la creencia, devoción y espiritualidad, o por el contrario, dependiendo de la religión en cuestión. Y si hablamos del amor entre dos personas puede estar mediado por la apreciación compartida del Tarab, al oyente le produce este estado de encantamiento cuando escucha la música por su artista deseado y su relación con el amor pasional, que es un poco lo que nos cuenta N. Mahfuz a través de su obra “Trilogía de El Cairo”.
Además es bueno y justo que el mutrib al ser el líder y tener el rol principal, pueda tener una libertad interpretativa de forma propia de variar, improvisar, según Racy.
Por último no quiero dejar de hablar de la bailarina y su rol inesperado y relevante dentro del Tarab. La bailarina según Bordelon, C. es una sammi’ah, también es una oyente que traduce todo ese conjunto de sentimientos en movimientos que expresan el Tarab. La bailarina puede ayudar a generar transformaciones emocionales en la audiencia, puede llegar incluso a interpretar la letra de la canción. Pero no todas las bailarinas son sammi’ah, no todas tienen el talento para conocer la música e interpretarla. De hecho podría tener una excelente técnica y aun así no ser una sammi’ah.
A mi modo de ver la bailarina puede complementar la música y añadir una dimensión visual a la experiencia auditiva, lo que puede intensificar las emociones y la conexión personal con la música. Tal vez algunas personas pueden sentir que la presencia de una bailarina realza su apreciación del arte, mientras que otras pueden preferir enfocarse únicamente en la música y encontrar que la danza distrae de la experiencia auditiva.
Para concluir no se puede definir la palabra Tarab desde un solo punto de vista, se abarca desde múltiples autores y razonamientos. Pero reflexiono que el Tarab nos invita a explorar la profundidad de las emociones y la capacidad transformadora del arte.Tiene la habilidad de unir a las personas a través de la música creando un sentido de comunidad y pertenencia compartida a pesar de las diferencias y/o pensamientos culturales. Además nos invita a sumergirnos en la maravillosa tradición y experiencia musical que perdura a lo largo de los siglos en el mundo árabe y en otras partes del mundo.
Lo que el artículo muestra es la notoria influencia del orientalismo en la organización de la Conferencia del 32. La valoración de las opiniones de los europeos que viajaban a Oriente y la influencia de las elites, marcaron como objetivos “alcanzar el refinamiento occidental” para la música oriental. De esta manera, no sólo se la consideraba de manera degradada, sino que se buscaba que alcance estándares universales mediante la sistematización y organización. El problema sería la diversidad y “desorden”. Plantearon para ello ir de “la teoría a la práctica” y el triunfo más grande de dicha Conferencia fue la creación de un plan de estudios que luego se implementaría a lo largo de Egipto y muchos otros países árabes. Demás está decir que todas estas acciones se realizaron dejando de lado a quienes no eran considerados músicos instruidos, pertenecientes a tradiciones musicales heredadas y que conformaban gremios, músicos “profesionales”, no eruditos. A su vez, la invocación a un pasado más rico musicalmente, acusaba a estos músicos de “perezosos” y culpables de esa degradación. Sin embargo, sin su participación, el intento de reforma y universalización no fue posible en su totalidad. Es decir, intentar comprimir la diversidad musical estrictas reglas y teoría, era prácticamente imposible sin incluir a una parte importante de los músicos. Ante investigaciones de principio de SXXI, se demuestra que esta academización de la música, sin embargo, llevó a que actualmente los estudiantes se quejen de un exceso de teoría y falta de práctica, que sólo se adquiere en los circuitos no académicos. Considero entonces, que una buena práctica sería dejar de pensar a la música como “legítima” o no legítima, sino nutrirse de sus incontables posibilidades. Es imposible definir a la música árabe sólo como aquella que se enseña en la academia.
Me encantó el ejercicio de estructuración de los temas para coreografiar. Y analizar las diferentes estructuras de los temas me parece fundamental. Pienso en esto que siempre se dice de cómo la matemática está tan integrada a la música, porque parece que finalmente estamos resolviendo ecuaciones.
Me doy cuenta que siempre había bailado de manera intuitiva los taqsim. Notaba los cambios, los altibajos, pero no tenía el conocimiento teórico, el análisis de estructura. Es muy rico poder desglosar de esta manera para entender mejor cómo bailar aún dentro de una improvisación.
Está bueno saber las diferencias para ir encontrando las variaciones y por ende la riqueza en los 3 tipos de improvisación. Esto va a permitir que no bailemos todo de la misma manera. Es un ejercicio importante escuchar mucha música, ir descubriendo estas variaciones para interpretar de mejor manera y enriquecer también nuestra danza.
A modo de reflexión, me quedo con lo “contradictorio” que se genera al grabar un taqsim, pero a su vez, eso permite que dentro de la academización de la música y la danza árabe, tengamos la posibilidad de estudiarlo de una manera más fácil. Asimismo, tal como se dice en el texto, conocer la estructura interna del taqsim, nos permite saber cómo se va a ir desarrollando la composición, y si en una performance en vivo los músicos quizás no se apeguen 100% al taqsim grabado, aún podemos seguirlo y reconocer sus partes. Por otro lado, también me quedo con el concepto de funcionalidad, y creo que así actúa tanto en el caso de la música como en la danza: si para los músicos es útil para ligar partes de un tema, o para anticipar un “momento”, también en la danza es funcional para variar el repertorio, para introducir expresiones distintas y, por qué no, para respirar jaja. También para dar un respiro al público.
Hola! Quisiera pedir la activación de la peli, por fa! Muchísimas gracias!!
https://www.youtube.com/watch?v=QfhEKpFiepM – Jorge Drexler – Todo se transforma.
0:00 a 0:11 – intro
0:12 a 0:49 estrofa (podría dividirse en 2 estrofas, pero como la melodía es igual, considero que es misma estructura, la unifiqué)
0:50 a 1:16 estribillo
1:17 a 1:53 estrofa
1:54 a 2:17 estribillo
2:18 a 2:44 interludio
2:45 a 3:14 estribillo
3:14 a final, final.
Al principio me costó entender esta forma de escribir y leer los ritmos. Entiendo que para entender este método es clave saber los valores de las figuras, me cuesta mucho identificarlas y recordarlas! Estoy acostumbrada a la forma de escritura de la “cajita”, por eso me desconcierta no tener el 1-2-3-4 debajo de cada dum o tac, pero será cuestión de estudiar!
Está bueno repasar estos ritmos con sus bases! Los he aprendido con sus rellenos completos y en algunos casos una olvida cuáles son los sonidos “base”.
Acuerdo con Mica que la explicación contextual sirve para relacionar al ritmo con su historia o características y recordarlo mejor. Además, escuchar muchas versiones también ayuda a agudizar el oído.
Elegí temas del que en ciertos pasajes hay varios ritmos:
Tamil de Mario Kirlis
https://www.youtube.com/watch?v=Ub9H46Pr2g0
0:54 a 1:20 malfuf
1:21 a 1:30 baladi
(acá hay una rumba)
1:38 a 1:42 maksum
1:43 a 1:56 malfuf de nuevo
1:56 a 2:08 tawil
2:08 Tabl
(acá creo hay un maksum sarieh)
2:34 saidi
(viene el final con maksum de nuevo)
3:34 fallahi /maksum sarieh
Fakkarouni
https://www.youtube.com/watch?v=3ZIF8h50Q5Y
2:10 fallahi
3:53 tawil
4:02 – 4:21 karachi
confussion – Gaston Chaade
https://www.youtube.com/watch?v=0GP0W4Ezkdw
0:37 chiftetelli
4:20 puede ser un sombati
https://www.youtube.com/watch?v=D0dIXs5ILfk
4:19 samai thaquil
El texto me hace reflexionar que también en la música “occidental” existe un cierto prejuicio o categorización entre música/cultura “popular” y “culta”, siendo esta última la que es tomada como legítima. La cultura popular es frecuentemente asociada a un bajo nivel, vulgaridad y menor calidad. Incluso, sin intermediar la religión, pero similar a como menciona el autor “la música y el comportamiento moral se entremezclan”. Pienso en la cumbia, y los discursos que la asocian a la delincuencia, al rock y su relación con el consumo de drogas, etc. Por otro lado, pienso en la música “clásica” que no tiene letra y la idea de que la voz distrae del “verdadero sama”.
En definitiva, creo que toda esta “legislación” sobre la danza y la música, no son más que estrategias para reglamentar ciertos cánones dentro de la religión para que el pueblo no escape de ella.
Me quedo también con la explicación de que los musulmanes hallaron en la interpretación de los hadith la justificación para la utilización y creación musical.
A modo de reflexión, considero que mientras se tenga en cuenta y se entienda que lo que va a reallizarse a nivel artístico es una adaptación e interpretación para escenario, es posible recurrir a todo tipo de pasos, siempre y cuando sean acordes a la música elegida, al vestuario, y también acompañar con una energía, ademanes, gesticulación y técnica en consonancia. Lo importante siempre es esta idea de fantasía para escenario.
virtual
Coloco acá nuevamente el comentario porque el texto de Amnon Shiloan está también en el Módulo 3 bajo el nombre de “Teorías del ritmo y el metro”, pero también hay un PDF adjunto que antes no había visto, así que luego agrego un comentario allí sobre ese texto.
Para este texto en particular, mi reflexión es:
El texto me hace reflexionar que también en la música “occidental” existe un cierto prejuicio o categorización entre música/cultura “popular” y “culta”, siendo esta última la que es tomada como legítima. La cultura popular es frecuentemente asociada a un bajo nivel, vulgaridad y menor calidad. Incluso, sin intermediar la religión, pero similar a como menciona el autor “la música y el comportamiento moral se entremezclan”. Pienso en la cumbia, y los discursos que la asocian a la delincuencia, al rock y su relación con el consumo de drogas, etc. Por otro lado, pienso en la música “clásica” que no tiene letra y la idea de que la voz distrae del “verdadero sama”. En definitiva, creo que toda esta “legislación” sobre la danza y la música, no son más que estrategias para reglamentar ciertos cánones dentro de la religión para que el pueblo no escape de ella. Me quedo también con la explicación de que los musulmanes hallaron en la interpretación de los hadith la justificación para la utilización y creación musical.
Habiendo ahora si leído el adjunto que corresponde al título de este módulo, considero interesante el concepto de ataque del erudito en música y el intento de traducción a la notación musical “occidental”. El texto me genera más dudas que reflexiones en verdad: cuándo el idioma musical se convirtió en “universal”? Me maravilla pensar que en diferentes momentos y lugares del mundo se haya intentado sistematizar de maneras similares a la música.
No conocía las danzas Nizzawi, Kaff, del caballo, me parece super valioso estudiar sobre los orígenes de lo que nosotras interpretamos de una manera escenificada para enriquecer más nuestra performance pero también para ser más ajustadas a la representación de las danzas nativas.
Qué interesante que el tahtib se haya registrado en la Unesco y que se revalorice a través de su enseñanza y difusión. Y por otro lado, lo importante de conocer todas las danzas de la región para ser más específicas al momento de representar una danza y/o enseñar acerca de las mismas.
Recuerdo que cuando comencé a estudiar danzas árabes, justamente me enseñaron como ejemplo del Samai a Lamma Badda, cuando en realidad es una composición con ritmo samai thaquil. No conozco muchas composiciones de samai pero quizás sea también porque justamente es música para oir y no se ha popularizado tanto en el ambiente del bellydance, exceptuando las mencionadas por Mario en el artículo.
Taqsim de Kanun https://www.youtube.com/watch?v=3J4VHJ683f0&pp=ygUMdGFxc2ltIGthbnVu
Taqsim nay https://www.youtube.com/watch?v=35EYOBVhLkU
Que lindo ver tanta diversidad de instrumentos, no todos los conocía. En las tres clases de instrumentos, me gustó poder hacer el reconocimiento de todos ellos.
Nunca había escuchado hablar de las agrupaciones musicales y sus características. Me parece interesante (esto sí lo sabía) que el derbake se incorporó tarde en el tiempo, así como también se incorporan los instrumentos modernos.
Me parece interesante el concepto de que los instrumentos se categorizaban de acuerdo a cuál podía mantener “la nota” por más tiempo, relacionándolo con la voz humana, tomando a ésta como el elemento más importante dentro de la música a tal punto de poder prescindir de los instrumentos o tomarlos sólo como acompañamiento. El rol de la voz, es entonces fundamental en el desarrollo de la música árabe. Quizás por esto -entre otras cosas- es que Umm Kulthum sea venerada y se haya constituido como la figura que es en el mundo árabe.
Por otro lado, me parece super interesante también ver cómo está presente de manera muy fuerte la música y los instrumentos en rituales religiosos y cotidianos.
Muy interesante Marina. Valoro toda la información y el conocimiento aportado. Especialmente me gustaron los temas de empleo de plataformas (redes), planificación y ética. Como recién estoy retomando la danza de apoco, puedo aplicar el aporte del curso en otras áreas de mi trabajo.
Considero que toda esta incorporación de ritmos ha permitido enriquecer las composiciones, seguramente en el momento de su creación han sido novedosos, pero al día de hoy ya se han afianzado y establecido, gracias a la difusión de estos artistas alrededor del mundo. Justamente, esa variedad, considero, permite que en diversas culturas, la música árabe se introduzca de una manera más armoniosa, ya que nos es posible, gracias a la utilización de esos ritmos, reconocer aspectos “cercanos”, identificarnos con ellos y disfrutar de la música sin sentirnos tan extrañados por ella.
Me sorprendió mucho encontrarme con el “Wahda u nus” como ritmo. Siento que tiene más intensidad en los tac. Creo que alguien lo menciona en la clase justamente.
Tampoco había escuchado hablar del Wahda Saghira. Siempre pensé que era un “fox relleno” en los temas donde lo había escuchado.
Comienzan a aparecer estos ritmos influenciados por “occidente”, que solemos escucharlos e inmediatamente los bailamos con pasos que suelen ser más relacionados con la danza jazz o el clásico. Me parece interesante la mención sobre la utilización del Sherk en la música Nubia, eso puede abonar a la teoría de que en diferentes partes del mundo en momentos distintos, los estudiosos de la música generaban composiciones similares. Lo asocio al texto leído sobre la conferencia de música árabe y cómo los argumentos acerca de “occidentalizarla” pueden resultar innecesarios frente a los argumentos de “retomar las raíces”. Me lleva a pensar que quizás ambas deban convivir y se deban valorar de igual modo. También que hace falta que occidente estudie más la música oriental para lograr valorarla desde un lugar de conocimiento, de humildad y no desde una posición etnocentrista. No se puede valorar lo que no se conoce.
Rumba Masri: minuto 1.51 – https://www.youtube.com/watch?v=TQDWhpUpr84
Sherk: minuto 2.17 y Fox: minuto 2.59 https://www.youtube.com/watch?v=Szo5mzEVNMQ
Ogrog: minuto 1.34 y a continuación Fassani en el 2.27 https://www.youtube.com/watch?v=DPc1r7Fqrm0
Hayya: minuto 2.14 https://www.youtube.com/watch?v=9zeT8_3Q8Mc
Me intereso mucho el período Omeya que fue el que marcó significativamente el prestigio del árabe como lengua principal esforzándose para corregir errores lingüísticos. Las cortes se convirtieron en centros de entretenimiento donde los califas patrocinaban poetas y músicos, contribuyendo a la expansión cultural por África. Luego, el califato Abbasí sucedió al Omeya, promoviendo la música mediante la inclusión de poesía con melodía y estableciendo escuelas para músicos. Durante este período, no llego a comprender porque se menospreció la música beduina en comparación con la música urbana. Esta época fue clave para el desarrollo de una gran tradición musical que integró elementos árabes y no árabes, consolidando un arte oficial apoyado por los califas, muchos de los cuales fueron destacados músicos. Este tiempo fue fundamental para la formación de la identidad cultural islámica.
En la clase se destacan varios aspectos clave de los ritmos árabes. Primero, se menciona la denominación de “ritmos árabes” como IQA y/o WAZN. Segundo, según Touma, se distinguen dos tipos de géneros: aquellos con una organización rítmico-temporal libre, como el taxim(el cual no tiene ritmos), y los géneros con una organización rítmico-temporal fija. Además, se señala que los ritmos árabes incluyen tanto ritmos nativos como de Occidente y Turquía. El concepto de pulso, que actúa como referencia es fundamental para organizar el tiempo en la música y el baile, pudiendo ser regular o irregular. Esto es necesario para mantener un hilo temporal durante una coreografía. Por último, se enfatiza la importancia de aprender y diferenciar los ritmos, ya que esto no solo desarrolla el oído musical, sino que también enriquece el entendimiento de la estructura musical. Es esencial para nosotras como bailarinas o cualquier persona interesada en la música o en la danza árabe comprender estos términos y conceptos para una ejecución más precisa.
activación de clase
es muy importante conocer y reconocer los ritmos en su base y con los rellenos y sus variantes. super importante la aclaración del ritmo masmoudi saghir.
me quede pensando en el sombati y su contrario el fallahi. me parece muy importante aplicar correctamente los pasos (en el caso de las bailarinas) con los ritmos adecuados.recomiendo escuchar temas e ir anotando los ritmos que vamos reconociendo en una cancion. hace poco tome un taller donde desglosamos el tema en ritmos.
en mi caso aprendí a tocar el derbake (nivel inicial) con las figuras musicales. luego en los profesorados de danza aprendí a anotarlos con la regla. es muy importante reconocer la duración de cada figura.
El taxim es una forma musical árabe que destaca por su improvisación interpretada por un instrumento solista melódico. No sigue una estructura fija y se desarrolla a partir de un makam que elege el músico y lo convierte en una obra única cada vez que se interpreta. Puede realizarse tanto con base rítmica, donde el/la solista interactúa con instrumentos de percusión en diálogos musicales, o sin base rítmica, donde el enfoque está en la melodía pura sin acompañamiento vocal. En la danza, el taxim cumple una función muy importante al variar el repertorio, introducir expresiones nuevas y darnos momentos de respiro tanto para nosotros los bailarines como para el público.El mawal es una forma musical árabe en la cual la improvisación se realiza mediante la voz humana donde el cantante improvisa la melodía y permite una expresión creativa y espontánea única en cada actuación. Es aconsejable interactuar con el cantante durante una interpretación de mawal. Resumiendo, ambs son una forma musical que permite explorar la improvisación y la expresión musical de manera profunda.
En resumen, el pulso es la unidad más pequeña e indivisible de tiempo en la música, mientras que el compás es la agrupación de pulsos en patrones regulares (2,3,4,6,etc) que estructuran la música.
disfruté muchísimo el ejercicio de reconocimiento.
me quedo bien claro cada concepto: pulso, compas, ritmo y figuras musicales. me parece muy bueno realizar el reconocimiento.
me gustaron los consejos sobre cómo corregir la escritura de los ritmos utilizando el numerador y denominador. El numerador indica la cantidad de pulsos por compás, mientras que el denominador representa la figura rítmica principal que define la duración de cada pulso (blanca, negra, corchea, etc.). Es normal que al aprender de otra manera la representación de los ritmos se generen confusiones al principio. Pero ahora, con esta comprensión más clara, podemos interpretar correctamente la notación musical. Es importante poder identificar correctamente el significado del numerador y denominador al principio de un compás, ya que esto nos permitirá seguir correctamente el pulso y el ritmo de una composición musical.los jercicios ayudan muchisimo.
tata titit tata me reia sola mientras lo practicaba.
En este artículo se aborda la influencia del orientalismo en la Conferencia de 1932, destacando cómo las opiniones europeas sobre la música árabe influyeron en objetivos de refinamiento occidental y universalización. Trataban de sistematizar la música árabe, a la cual calificaban como “inferior” y “ruidosa”, siguiendo modelos occidentales para eliminar el supuesto desorden y falta de disciplina. Sin embargo, esta academización excluyó a músicos profesionales y tradicionales, esenciales para una reforma efectiva y concisa. Hoy, la falta de práctica y exceso de teoría en institutos reflejan críticas similares a las de 1932. Es crucial no relegar la música árabe a estándares occidentales (la cual a mi parecer puede llegar a distorsionarla) y valorar su diversidad y práctica autóctona para una enseñanza efectiva y respetuosa.
El concepto de anacruza es fundamental para entender cómo comienzan muchos ritmos musicales, como se menciona en el ejemplo del Bambi y creo que rumba masri también tiene anacruza. Este término refiere al inicio de una frase musical antes del tiempo fuerte del compás, ayudando a marcar claramente el inicio y el final de un ritmo. Aunque encuentro tu explicación muy clara, creo que tendría que tomar clases de musica para poder leer música de esta forma jajaj Además, entendí cómo calcular el valor de un puntillo que se agrega a la derecha de cada figura rítmica para prolongar su duración.
Hola Mari! Me gustó ver lo de los diagramas de Gantt. En mi trabajo ya lo había tenido que usar algunas veces en algunas presentaciones, pero no los conocía con ese nombre. Creo que es una linda herramienta para quien quiere iniciarse en esto. También me pareció interesante mencionar las distintas cosas a preparar para poder estar organizados ese mismo día a ser los guiones de luces o un guión de cuándo poner la música que se le dé al técnico y la importancia de conocer las dimensiones reales del escenario teniendo en cuenta de dejar un espacio al borde.
Hola Marina. Cómo estás? Escuchando la clase me surgió una consulta: hay una forma (tipo estandarizada) de anotar las coreos??? Tipo en qué momento o cuánto tiempo tiene que llevar un cierto movimiento???
Hola Gaby! En danza árabe no hay una forma estandarizada de anotar las coreografías, pero a lo largo de la historia si se han creado métodos para escribir el movimiento, como por ejemplo los de laban.
Fiorella Monzón. Sincrónica!
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Marina me anoto al. Curso
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Angélica Güerci. Sincrónica.
activado!
Rosa María mariño. Asincronica
activado!
Lorena Siehe, asincrónica
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Nahed Arroyo asincrono
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Anabel Aiello- Sincrónica. ♡
Ailen Espindola – Asincronica
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activado!
clase vista
interesante la historia de Magda. clase vista.
clase vista
clase vista. nunca habia visto zaar sudani
clase vista en vivo
sincronica
activado!
Me gustó mucho el ejercicio de estructurar temas para coreografías. Creo que logre entender el concepto de “Wasla”, que es importante para entender la música árabe. entendi la Wasla como una gran estructura musical que unifica diferentes formas musicales bajo un mismo makam.
Antes de aprender sobre la estructura de los taxim, solía bailarlo según mi oído musical. Sentía los cambios y altibajos, pero carecía del conocimiento teórico para analizar la estructura. Ahora aprendí a desglosarlos para comprender mejor cómo interpretarlos. La clase fue muy interesante; aunque ya conocía algunos temas, necesitaba profundizar en ellos. Los ejemplos que proporcionaste Maru son muy útiles para entender mejor. Es importante que los bailarines tengamos estos conocimientos para reconocer tanto las líneas melódicas como las pausas, que a veces se usan para respirar durante la interpretación.
Es enriquecedor conocer las diferencias entre los tres tipos de improvisación para explorar las variaciones y la diversidad que ofrecen. Esto nos permite evitar la monotonía en nuestro baile. Es muy importtante escuchar mucha música para descubrir estas variaciones y enriquecer nuestra interpretación y danza. Antes de estudiarlos, solo conocía el taxim y el mawal, pero no en detalle el layali. Ahora entiendo mejor la diferencia entre los tres. Considero que entender el idioma es útil, especialmente para el mawal, que es una poesía larga y compleja, mientras que el layali, al ser una frase corta, es más accesible. En mi interpretación, el layali podría usarse para el calentamiento, ayudando al cantante a entrar en el maqam, y también podría conducir al mawal.
no conocia el termino de eftatahia. me resulto muy util la explicacion.
las demás formas musicales tenia un pantallazo general, pero ahora de esta manera lo llegue a comprender bien.
Luxor – Laura Rubiano
activado!
Flor Munafo
activado!
Hola Mari! Como estas? Por acá todo excelente!! Muchas gracias por la devolución! Esto debería corregirlo y enviártelo nuevamente? Gracias!
Gabriela Barredo – asincrónica (si puedo la escucho de oyente en vivo, pero veremos).
activado!
Es interesante observar cómo la evolución a lo largo del tiempo, a partir de la segunda mitad del siglo XX, ha transformado esta forma musical.
Al sumergirme en la Ughniya Tawila empezando de su base pude conocer cómo evolucionó de una canción ligera, simple (Taqtuqa) a una canción larga con una orquesta más grande de hasta una hora de duración (Ughniya Tawila), ver cómo hasta en la estructura se fueron complejizando.
Además la extensa duración de la canción, especialmente las que cantaba Umm Kulthum, pienso que permite una inmersión total en la narrativa musical, creando una conexión intensa entre el artista y el oyente.
Es una forma musical que refleja la complejidad de nuestras experiencias personales con diversas emociones y temas a través de su extensa duración y su difícil composición.
Es curioso y entendible que la canción larga sea el único espacio donde los cantantes, compositores o incluso instrumentistas puedan lucirse por eso mismo creo que los compositores también intentaban conquistar a la audiencia antes que la cantante cante, era su rol protagonista, su momento.
Es interesante estudiar sobre esta forma musical para también poder aplicar el término correspondiente, Ughniya Tawila.
La Ughniya Tawila considero que tiene la capacidad para expresar ideas complejas y emociones profundas a través de la música. Además me parece super interesante que esta canción larga fue el vehículo para poder introducir nuevos instrumentos occidentales en la escena árabe, siendo algo muy importante para la actualidad.
Aunque la popularidad de la Ughniya Tawila ha disminuido en el mundo contemporáneo, donde las canciones cortas y rápidas suelen ser las más exitosas, su legado sigue vivo.
Hola! Buenas tardes! Quería solicitar que me activen la peli, por favor. Muchas gracias!
activado!
La importancia de la introducción de la canción larga, la Muqaddima, crea expectativa en el oyente, ya que es un preludio que anticipa lo que está por venir en la canción. Considero que es un elemento fundamental en la canción larga, ya que establece el tono, y el estilo de la canción. Es un momento de expectativa y establecimiento del tema principal de la canción.
Además la Muqaddima es un momento de introspección para el cantante y los músicos, ya que les permite conectarse con la música y con el público.
La Muqaddima tiene vida propia, va pasando por ritmos, por distintos momentos donde muchas veces se convierten en temas propios.
A lo largo de la canción, se puede observar una estructura musical, variaciones y distintas partes instrumentales virtuosas que permiten a los músicos mostrar su técnica y creatividad, y riqueza a la música. Comienza con una introducción instrumental que establece el tono y el ritmo de la canción. Luego, la voz del cantante entra. Esta introducción instrumental incluye Ad Libitum: la parte que no tiene ritmo, donde la cantante está escuchando, después arranca la parte del ritmo, la entrada, el cuerpo musical y el final. Continuando con el Mazhab y todas sus partes cantadas.
En cuanto a los instrumentos cada instrumento tiene un papel específico en la música y ver cómo se empiezan a incorporar los instrumentos más modernos como el acordeón, la guitarra eléctrica, violín, instrumentos que en la Taqtuqa no estaban.
La repetición de ciertos versos o melodías a lo largo de la canción crea una sensación de continuidad y destaco el momento en que los músicos deben volver a repetir la frase de espera (con frecuencia lo repiten varias veces) hasta que la cantante se levante y decida cantar, Gumlat Entesar. Creo que puede ser un momento de tensión y anticipación porque los oyentes esperan con interés lo que sucederá a continuación. Mientras que las variaciones en la interpretación mantienen al público cautivado.
Me quedo con la idea de que finalmente el zaffa termina siendo una institución social, absolutamente ligado a la institución del casamiento o de otras celebraciones. Compone parte de la cultura, con todos los elementos de su ritual pero destaco a su vez la cuestión contractual, lo veo como un sello al contrato de aquella interacción entre familias. Me queda la duda acerca de si esto ocurria/ocurre en todas las clases sociales y en el caso de que sí, qué diferencias habría.
Me interesó mucho la etapa en la que el bolero funciona como una especie de agente para la “educación sentimental”. Beatriz Sarlo retoma este concepto -tomando el nombre del título del libro de Gustave Flaubert- para explicar cómo la cultura popular -el bolero sin dudas como parte imprescindible de la misma- ha funcionado en la construcción de un ideario constitutivo para las sociedades latinoamericanas. Rescato también la importancia de la oralidad para la difusión y asimilación de este ideario, ya que probablemente muchos de los receptores de estas músicas no estuvieran alfabetizados, e incluso ante el entrecruzamiento de tantas nacionalidades e idiomas en los puertos, también la generación de un “idioma común” musical que permitiera hacer frente ante estas transformaciones sociales mencionadas.
Tiene sentido que la interpretación en el bellydance del bolero, sea estilizado o relacionado con movimientos “externos” a los relacionados más tradicionalmente con el bellydance, debido a que este estilo retoma un género musical que en sus orígenes proviene de occidente. Por otro lado, la fluidez que se menciona que se requiere al bailar lo relaciono con esa sensación de “no terminar” que genera el ritmo rumba masri al pegarse los dum del inicio y el final.
Hola Mari! Queria solicitar la activación del documental . Puede ser para mañana 17, miercoles 18, jueves 19 o viernes 20. Muchas gracias!!!
activado!
Destaco en esta clase los terminos entre Ritmos y pulso. Para las bailarinas/bailarines, es importa la distinción entre ritmo y pulso. Ritmo puede ser una organización ritmica temporal fija y una organización ritmica ibre. La palabra que define al ritmo como IQA. Los ritmos pueden ser arabes o de otro país como por ejemplo, rumba masri o turco, como el chiftetelli. Tambien existen ritmos grandes o chicos. Por pulso entenedemos como un “latido”, que es constante, aunque tambien pueden haber pulsos irregulares. Es un punto de referencia para organización del tiempoo, medida y utilización la palabra Mansura.
En esta unidad apredimos sobre el compas. El compas es la forma de dividir el tiempo musiscal, es una agrupación de pulsos. El acento es un “golpe” mas fuerte en una estructura musical. Los copaces, puesen ser binarios, terceriarios, cuaternarios etc. Es importante reconocer las estructura para no bailar fuera de tiempo.
En esta Unidad diferenciamos pulso de ritmo.El ritmo es la organización del tiempo en figuras y silencios. Las figuras musicales, tienen un valor, que son distintos conforme a cada fifra. Por ejemplo una redonda, vale 4 pulsos, una negra, vale 1 pulso. Tambien en el ritmo encontramos silencios, que su valor equivales al mismos valor que la figura, es decir un silencio de redonda, equivaleste a 4 pulsos. Esta difencia es importante para poder colocar los pasos que correspnde en una coreografia, y en el caso de los silencios, poder usar los mismo con el tiempo equivalente a las figuras.
El Mazhab es un momento crucial en la canción, ya que marca el inicio del canto del cantante y define el estilo de la misma. Es una melodía que presenta el tema donde cada nota y cada frase tienen un significado. Es el leitmotiv de la obra.
Por ejemplo en muchas de sus canciones, Umm Kulthum comenzaba con un Mazhab extenso que cautivaba al público desde el primer momento.
El Mazhab prepara al oyente para la inmersión total en la experiencia musical, creando una especie de Tarab en la audiencia.
Terminada esta parte empieza una nueva sección que es el Couplet, la otra parte cantada que suele tener su propia introducción. Puede haber varios kouplehat y su repetición y rima no sólo añaden una calidad musical a la canción, sino pienso que también refuerzan el mensaje y la narrativa, haciendo que las palabras o el Gona resuenen con mayor profundidad.
El Mazhab y el Couplet son elementos importantes en la Ughniya Tawila, ya que establecen el tono y el estilo de la canción, y resumen el tema principal y los sentimientos expresados en la letra.
Son momentos de gran expresividad y emoción, y permiten al cantante y los músicos mostrar su habilidad y sentimiento cautivador que resuena en los oyentes.
Me encantó aprender sobre la Ughniya Tawila y su estructura para usar el término correcto y además para poder interpretar, conectarme con la música, la letra y la melodía, e incorporarlo correctamente a mi danza.
En esta unidad, se describe en fracciónes como escribimos una estructura musical. Asi cuando escribimos por ejemplo
2 ——— es el numerado
——-
4 ——— es el denominador-
Cusno decimos numerador, nos referimos a la cantidad de pulsos que entran por compas, es decir el pulso por compas. Y denominador nos referimos a la calidad de la figura, es decir es en figura de negra. Saber esto es muy importante para cuando bailamos o tocamos los chinchines lo hacemos a tiempo.
La comprensión de estos conceptos introductorios es fundamental ya que proporcionan la base para entender cómo se construye la música.
La música y la danza están muy relacionadas, y la comprensión de los sistemas musicales y conceptos como el tono y el semitono, el sonido y la melodía, pueden enriquecer la práctica de la danza de varias maneras.
Al incorporar estos conceptos en la danza puedo mejorar e integrar distintas interpretaciones, movimientos y expresiones. Por ejemplo, mejorar mi sentido del ritmo y la métrica, al entender cómo se construyen los patrones rítmicos y métricos en la música.
También al comprender cómo la música se estructura, puedo desarrollar una mayor expresividad y musicalidad en el movimiento, y mejorar mi capacidad para improvisar.
Antes no tenía en cuenta muchas de estas cosas que son tan importantes como la danza. Aprendiendo estos conceptos también incluso podré crear coreografías más complejas e interesantes al estudiar los sistemas musicales que informan sus decisiones de movimiento y composición.
En esta Unidad, analizamos el significado de “Puntillo” y “Anacruza”. El puntillo en el contexto de la escritura de musica arabe, se refiere al punto que se coloca a la derecha de una figura, y que corresppode al valor de media de la misma figura donde se coloca el puntillo. Por ejemplo: una O . (una redonda con el puntillo a la derecha) equivale a 3 pulsos. Es decir 2 pulso de la redonda y medio del valor de la misma figura. Es decir 3. Anacruza, se un conjunto de notas que el percusionista, agrega a una estructura musical, comezando el pulso fuerte recien el el segundo compas. Un ejemplo es el ritmo Bambi.
En esta Unidad analizamos un texto de la señora Anne Elise Thomas, referida a la Conferencia de Música Árabe de 1932. Esta conferencia fue muy importante porque diò forma a la educación musical, codificó a la categoría llamada “música árabe”.
En la conferencia se reflejó las diferencias de pensamiento sobre la música reformadores egipcios, músicos profesionales y académicos extranjeros. Como antecedente histórico, señalo lo siguiente:
• Principios del siglo XX, la profesión musical en Egipto estaba organizada por una variedad de gremios hereditarios. Había cantantes y bailarines masculinos y femeninos, para intérpretes de cada instrumento, y muy probablemente para músicos de las diferentes comunidades étnicas y religiosas. En general, las profesiones del entretenimiento se encontraban entre los gremios de “bajo estatus”.
• Surgió una generación de egipcios educados, principalmente de herencia otomana, conocidos colectivamente como effendiyya. De este grupo, surgió una clase de músicos caballeros, o hawwin.
• Los músicos aficionados de élite publicaron libros de método instrumental y manuales de autoaprendizaje sobre teoría musical y notación. Fueron los miembros de este grupo los que fundaron Nadi al-Musiqa al-Sharq iyya (El Club de Música Oriental) en 1914, que finalmente se convirtió en al-Ma’had al-Maliki lil-Musiqa al-Sharqiyya, el Real Instituto de Música Oriental.
• Los músicos profesionales, que estaban organizados como un “Sindicato” que reemplazó a los gremios anteriores, no estaban escolarizados, tocaban música “vulgar” y continuaban siendo mantenidos en sospecha moral.
• Durante las décadas de 1920 y 30, los políticos egipcios y los litterati lucharon por definir la identidad egipcia en vista de su historia antigua, su reciente estatus como provincia otomana, la persistente ocupación británica de Egipto y sus propias ambiciones coloniales en el Sudán.
Parte 2
La Conferencia de Música Árabe de 1932 se planificó no solo para estudiar y documentar la música árabe, sino para hacer recomendaciones e intervenir en el curso de su desarrollo. Para ello, la música árabe debía someterse al escrutinio de los eruditos invitados para un examen y diagnóstico exhaustivos.
Los reformadores musicales egipcios de las décadas de 1920 y 1930 habían desarrollado una marca de chovinismo musical que se basaba en la comparación implacable de la música árabe con la música occidental. Las deficiencias de la música árabe se explicaron en contraste con las fortalezas de la música occidental. Los reformadores aplicaron principios evolutivos a la música. Dado que la música árabe no usaba armonía, sus instrumentos eran menos expresivos (en su estimación) que los de la música occidental, y no era bien conocida en todo el mundo, concluyeron que debía ser menos evolucionada que la música occidental. Dedujeron que para que la música árabe progrese, es necesario seguir los pasos de la música occidental.
Los organizadores de la conferencia creían que la música árabe estaba desordenada. Sin embargo, para ellos, el desorden no era una cualidad esencial de la música árabe, sino el resultado de la degradación causada por las perezas y el abandono de los músicos contemporáneos.
Para la ignorancia y el desorden de la música, los reformadores pensaban que era necesario un enfoque más científico. La agenda para la conferencia de 1932 se reunió principalmente a partir del trabajo de tres eruditos, dos de ellos europeos y el tercero egipcio. El musicólogo comparativo alemán Curt Sachshabía, el barón Rodolphe D’Erlanger y Mahmud al-Hifni fue el primer egipcio en recibir el doctorado en música.
La conferencia se basó en los intereses de estos tres académicos, y se enfatizo en la investigación histórica, la educación y la recolección y organización de muestras musicales y sus elementos componentes.
Los asistentes a la conferencia no pudieron ponerse de acuerdo sobre si los maqams de la música árabe podrían derivarse de una escala maestra que consistía en 24 cuartos de tonos igualmente templados. Los asistentes a la conferencia no pudieron ponerse de acuerdo sobre si el temperamento era una aproximación lo suficientemente cercana como para producir los maqams árabes, y el tema tuvo que ser presentado para una mayor investigación. La falta de consenso sobre esta cuestión también hizo imposible que el Comité de Instrumentos Musicales determinara definitivamente qué otros instrumentos europeos eran apropiados para la música árabe. Los reformadores no tenían el apoyo necesario de la comunidad musical para implementar reformas universalizadoras en las áreas de la teoría del maqam, la entonación o la restricción del uso de instrumentos europeos.
El primero de los institutos de educación musical que se abrió en 1936 fue el instituto para mujeres; un instituto similar para hombres no se abrió hasta la década de 1950.
La conclusión que la escritora expresó es: “En Egipto, noté que la mayoría de los músicos con los que hablé tenían opiniones muy claras sobre la necesidad de una reforma en la pedagogía de la música árabe contemporánea. Siete décadas después de la Conferencia de 1932, los músicos expresan una gran preocupación por el bajo nivel de instrucción instrumental ofrecido en los institutos de música. Ellos informan que estos institutos no dedican suficiente tiempo en el plan de estudios a la instrucción instrumental. Además, debido a que los artistas pueden ganar mucho más dinero trabajando en estudios, haciendo giras con estrellas de la música pop o enseñando en el extranjero, los mejores instrumentistas tienden a no ser empleados en los institutos. Finalmente, los músicos acusan que hay una falta generalizada de disciplina en el sistema institucional entre maestros y estudiantes por igual, una queja irónica, ya que esta es exactamente la acusación que los reformadores de 1932 hicieron contra los músicos profesionales de ese momento. Finalmente, debemos entender que, en el mundo de la práctica musical, el cambio dirigido es mucho menos común y generalmente menos efectivo que el cambio que resulta de las actividades creativas cotidianas de los músicos que practican su oficio”.
Me llamó mucho la atención la 3er etapa ya que se caracterizó por la combinación de factores positivos y negativos para el Bolero, unos potenciando la difusión y crecimiento de esta música, otros contribuyendo a la declinación de este género. También, por otra parte, en estas épocas habrá un relativo decaimiento del Bolero ya que la influencia del ritmo del son acapará la atención de grandes segmentos de población caribeña, particularmente con sus ritmos más bailables. (Algunas cosas de lo que escribí lo había leido en un pdf que encontré buscando en internet acerca de la tercera etapa del Bolero la cúal me gustó).
Admito que vi el documental varias veces, porque al escribir esta reseña, quiero tratar de transmitir lo que me sucedió la primera vez que lo vi; una emoción que me invadió el corazón y me puso la piel de gallina.
Cada persona que participa en este documental comparte un poquito de lo que significa Umm Kulthum en la cultura egipcia. Y lo que mas me ha impactado, es lo que representa en los egipcios, su música, su voz y su vida, esta incorporada a la cultura, al diario vivir de Egipto.
Creo que nació en una época clave, y a pesar que en su niñez el canto fue una ayuda para su familia, ella encontró en su voz una fuerza, un poder, que la llevo a desarrollar un liderazgo único. También el haber estudiado en un kutaab y aprender música clásica egipcia, hizo que sea una representación viviente de lo que significa ser Egipcio.
En un contexto sociopolítico complejo en Egipto, donde los británicos se amontonaban en los night clubs y las canciones del momento solo eran entretenimiento, los músicos mas talentosos como Umm Kulthum generaban influencia en los miembros del gobierno. En esta época de revolución, donde los egipcios querían recuperar su soberanía y convertirse en una sociedad moderna, Umm Kulthun logro convertirse en una representante del pueblo para todas clases sociales. Logro trabajar con grandes compositores de la época como Mohamed El Qasabgi, Ahmad Rami, Riad Al Sunbati, y muchos otros mas, logrando así, componer música romántica, música clásica árabe. Su música no puede ser encasillada en un solo estilo. El amor hacia su país y la preocupación por la gente, hizo que a lo largo de su carrera pueda ayudar con conciertos a beneficios; además su vinculo con Nasser potenció su audiencia fuera del país, logrando así, representar a Egipto en la región, se hizo tradición que los primeros jueves de cada mes, se transmitieran los conciertos de Umm Kulthum, las personas se reunían en las calles para escucharla. Además, también fue invitada a cantar a Paris.
Al escuchar a las personas de este documental contar lo que Umm Kulthum significa para Egipto, puedo decir que, el amor por su tierra, cultura, su pueblo hicieron que a lo largo de su carrera sean su motor y propósito de vida, usando el don de su voz como herramienta para expresar y representar a Egipto.
En esta historia, nos encontramos con la directora de cine, que busca desarrollar la verdadera historia de quien era Umm Kulthum, aquella mujer detrás del mito. Se encontrará con contradicciones sobre lo que ella cree, lo que creen los actores egipcios y la visión que ellos tienen sobre Umm Kulthum.
En mi interpretación, Mitra plasma en el personaje de Umm Kulthum una mujer con un gran talento, que usa como poder para lograr el éxito, dejando atrás sus raíces, su familia. Sin embargo, a través de su propia historia personal puede comprender que el éxito no llegará dejando de lado los afectos verdaderos, y el mensaje que me dejó mas marcado, es que Umm Kulthum vivia, y hacia todo lo que hacia, por su audiencia. Su talento, su voz y su vida fue dedicada a servir a su pueblo, familia, Dios y su país.
Si es cierto el tema de la fluidez a la hora de hacer los pasos también la importancia de saber notar cada uno de los pasos ya que al ir ligandolos unos con otros puede llegar a no entenderse. Siempre me corregían eso ya que al hacer una coreo rápida se me mezclaban muchos los pasos, me sigue pasando aún pero es algo que con la práctica se va mejorando por eso lo considero muy importante ya que a la hora de mostrar al público el baile podemos demostrar bien lo que queremos transmitir con esta danza.
solicito ver la clase especial con Nur Zahira.
activado!
Es la primera que escucho de los términos wasla, makam y eftatahia en todos mis años de practica, y fue muy interesante saberlos, además de que disfrute mucho la explicación. Yo ya tenía una idea de cómo difenciar los tiempos pero con la clase me quedo mucho más claro y organizado.
No conocía mucho acerca del sistema pentatónico y es fundamental para también entender el Maqam, un sistema de melodías y escalas construida de una forma particular.
El sistema pentatónico es interesante ya que se caracteriza por estar compuesto por cinco notas. Esta limitación en el número de notas, a mi modo de ver, da una sensación de simplicidad y claridad en la música. A partir de ahora podré identificarlo en las músicas y al escuchar, sobre todo música Nubia, voy a percibir que está compuesto por el sistema pentatónico.
El Maqam es un sistema complejo y con la combinación de la escala pentatónica crean melodías únicas. La introducción al Maqam implica entender los conceptos básicos de la música árabe, como la escala pentatónica, la importancia del tono y el semitono, y la estructura de las melodías y armonías. También considero que es importante familiarizarse con los diferentes Maqams, como el Rast, Bayati, entre otros, que se clasifican en función de su escala y patrón melódico.
Por otro lado, los maqamat nos ofrecen un mundo donde cada escala tiene su propio carácter, sus propios sentimientos, emociones y reglas de modulación. Pienso que la música Maqam no se trata solo de las notas, sino también de cómo nosotros la interpretamos.
Si bien solo fue una introducción al Maqam pude conocer la gran cantidad de Maqamat que hay, y a sus familias principales.
La combinación del sistema pentatónico con la profundidad y complejidad del Maqam crea una experiencia musical enriquecedora y transformadora. Al explorar estas formas musicales, me sumerjo en un mundo de sonidos exquisitos, nuevas emociones y diferentes formas de percibir.
Anabel Aiello.
activado
Demasiado interesante me pareció la Longa, sobre todo como va cambiando los ritmos y lo que hay que prestar atención para notar esos cambios unos de otros también que te inspira mucho a ponerte a bailar (me puse a escuchar algunas), sentis la música y los pasos fluyen!
Me encantó esta clase, me costo un poco identificar cual era cada una pero lo vi varias veces y que cosa hermosa, me gustó mucho aprender sobre el AABA y saber diferenciar las vocales y las instrumentales!
Desde mi punto de vista y experiencia al haber bailado baladi es algo tan hermoso y delicado de expresar, me gusta mucho el baladi nostalgia se me hace muy sensual en la parte del inicio que suele ser lenta y a medida que va avanzando la música va cobrando más fuerza, es decir que el baile se vuelve más enérgico y también hace notar la conexión con el suelo y como los pasos son más bien marcados con esa sensación de peso!
Hola Mari! Como estas?. Quería pedirte si por fa, me podes mandar por escrito los nombres de los dos autores que realizan los estudios de Baladi. Muchas gracias Mari!!
Sabri Flores
activado
Flor Munafo
activado!
Fiorella Monzón
activado
lorena Siehe asincronico
activado!
Hola me registro de manera asincrona Nahed Arroyo
activado!
Angélica Güerci
activado!
Hola Mari!! Espero estes excelente! Queria pedirte, por favor, la activacion de la peli! Muchisimas gracias!
Hola Jeza! ahi ya te la activé! besotes
Gabriela Barredo
activado
Según las definiciones que trae el autor, el bolero cumple diversas funciones en las sociedades. “Es útil”, argumenta, ya que brinda un marco de comprensión del mundo en el que se habita. Coadyuvó a la conformación de las sociedades modernas centradas en la razón como motor del progreso. En definitiva, es resultado de la expansión de occidente y de la mixtura que esto ocasionó alrededor del mundo. El autor afirma que el bolero “contribuye a mantener una propuesta de sociedad en que lo central es la cultura del amor”, lo que lo convertiría en un elemento contracultural, diferenciándose así del valor de cambio de la economía. Sin embargo, me animo a diferir con el autor, ya que una sociedad basada en “el amor” (romántico, heterosexual, monogámico) que pregonan muchas de las canciones del género, también aportan al desarrollo de esas sociedades en las que la “familia tipo” como ideal eran necesarias para el funcionamiento de la economía. De todos modos, podemos encontrar también algunos rasgos que permitan catalogarlo como un producto contracultural, ya que se animaba a hablar de cuestiones muchas veces dejadas de lado o resignadas al ámbito privado.
Sin dudas, aportó en la integración de los pueblos y en generar un reaseguro común para la generación de identidad.
A nivel musical, me parece válido rescatar la noción de grupo que trae el autor, reconociendo los inicios de un posible gérmen del género en los quilombos, palenques y otros agrupamientos de negros y esclavos, y continúa esa línea mencionando a la vieja trova y a composiciones creadas también de forma grupal, siguiendo de alguna forma con la tradición. Retomando entonces el punto anterior respecto de la posibilidad de considerar al bolero como contracultural, podríamos decir que esta característica sí lo coloca como una respuesta frente a la individualidad imperante en las industrias culturales, por lo que podríamos “darle la mano” al autor en su definición.
Siguiendo con los aspectos musicales, como detalla el autor, podemos decir que del mismo modo en que se constituían las sociedades modernas a partir de la mixtura, del mismo modo el bolero fue componiéndose como estilo musical y fue desarrollándose a lo largo del tiempo con el aporte de la diversidad.
Finalmente, otro aspecto que se hace más fuerte y que aporta a pensar a éste como un producto más dentro de la economía -y no tanto como un elemento cultural subversivo-, es la etapa de “revitalización”, en la que el mismo ingresa en el circuito comercial fuertemente. Esto no significa que vaya en detrimento de su contribución como “proceso socializador”, por el contrario, desde ese lugar también sigue aportando en la “educación sentimental”.
[No puedo dejar de mencionar el error histórico de mencionar a Perón como dictador, cuando fue elegido por el pueblo en elecciones democráticas durante sus 3 períodos. No obstante cualquier diferencia política que se pueda tener, ubicarlo a la par de Stroessner, Somoza, Trujillo o Franco, es como mínimo, desatinado, históricamente impreciso.]
Me queda la duda de si la estructura de todas las longas es igual respecto de los ritmos que la componen. Me interesa saber si hay alguna composición de longa moderna, voy a investigarlo! Me gustó haberlo aprendido, ahora voy a prestar atención ya que me da la sensación de que algunos temas que conozco pueden llegar a ser longas!
No puedo dejar de escuchar canciones y tratar de encontrar As y Bs jaja.
Me parece super interesante la cuestión de la polisemia asociada al concepto baladi para poder entender cómo interpretar nuestra danza. También incorporar que lo que solemos conocer como “estilo baladi” es una construcción y no asociarlo directamente y de manera absoluta. Igualmente, dentro del bellydance, se suele asociar con una estructura, lo que puede facilitar muchas veces la comunicación con músicos o con públicos no necesariamente muy formados. Es decir, decirle a un músico que vas a bailar un “baladi”, o que un músico te diga “voy a tocar un baladi”, ambos entenderán a que se refieren.
Aprender y descubrir nuevos ritmos árabes es una experiencia súper interesante. Algunos ritmos ya me eran familiares, pero al profundizar en ellos me di cuenta de lo complejos y ricos que son. También aprendí otros ritmos menos conocidos, como el Murabba o el Samai Saraband que me abren las puertas a nuevas posibilidades creativas en la danza y específicamente en el Muwashahat. Y ver también cómo aportan una base sólida y dinámica a la música árabe.
Cada ritmo tiene su propio carácter y nos transporta a diferentes estados y momentos. Acá pude reconocer algunos de los ritmos aprendidos en distintos temas:
Mosalas Iraquí: En el min. 6:25 https://youtu.be/tByO7QxJJ54?si=oNMnZeqlyFP_CCuZ
Sudasi: En el seg. 0:22 https://youtu.be/7ituFm3nlNs?si=wpifwdSgUXiZmuUe
Yuryuna: En el min. 3:08 https://youtu.be/HbC3PBlh8eY?si=P1fAnAmsqlYDkdPu
Mosalas Iraquí: En el min. 6:25 https://youtu.be/tByO7QxJJ54?si=oNMnZeqlyFP_CCuZ
Sudasi: En el seg. 0:22 https://youtu.be/7ituFm3nlNs?si=wpifwdSgUXiZmuUe.
Yuryuna: En el min. 3:08 https://youtu.be/HbC3PBlh8eY?si=P1fAnAmsqlYDkdPu
En la parte de preguntas y respuestas me llamo mucho la tención cada corte y me hizo acordar a las improvisaciones que nos hacían realizar en el instituto al que iba, nos dividian en dos grupos y uno improvisaba la base musical mientras que el otro hacia lo mismo con los instrumentos o la voz si es que había cantante, y así viceversa. Esto ayuda mucho para comprender cada parte de lo que uno esta bailando así lo puede expresar a traves del baile de una forma más sensual y delicada!
Esta clase del samai me gustó, sobre todo en el sentido de que al bailarlo no se hacen pasos de rotación o de ondulación, más bien son pasos de danza clásica lo cuál a la hora de bailarlo se me resulta más fácil ya que hago clásico desde hace varios años y lo sigo haciendo asi que se me hace interesante bailar un samai.
Como comenté en la anterior clase del samai, es un baile que se realiza con pasos más de danza clásica y no se suele usar ondulación o rotaciones. Uno de los temas que vivos en esta clase el cuál tuve que enviar la coreo correspondiente se me hizo muy lindo y delicado ya que la música al no ser rápida es mejor a la hora de interpretar un baile!
Me encanta cuando en los baladis “incrustan” un pedacito de algún tema conocido, le da un sabor extra a la composición. Lo que tienen los baladis es la variación que los músicos pueden imprimirle y generar siempre algo diferente.
Son interesantes las variantes que pueden utilizarse, se puede innovar mucho y combinar. Sí me parece importante que se respeten ciertos elementos tradicionales o que permiten referenciar el tipo de danza que estamos realizando (especialmente la melaya) y tampoco confundir los diferentes estilos de música dentro de lo que conocemos como baladi, para no caracterizarnos de una forma con el vestuario y accesorios y terminar recreando erróneamente.
Me pareció interesante esta clase y busqué más información sobre esta tradición y en los vídeos que vi no fueron iguales a los que vimos en la clase si no que bailarinas recibian a la pareja en la boda y mientras bailaban los guiaban hacia dentro del salón o el lugar que hicieran la boda. En los vídeos que encontre en internet la mayoría de las chicas que bailaban tenian un candelabro en la cabeza y tocaban los crótalos, lo visto en la clase y lo poco que pude ver en internet lo considero muy importante.
Desde mi punto de vista sobre que la música fue censurada por la llegada del conservadurismo Islámico, me da a entender que no les gustaba o lo veían como una falta de respeto hacia Dios ya que eso me dio a entender al decir que la danza o la música impedia la comprensión de acercarse al mismo.
Hola Mari! Todo muy bien por acá! Contenta con la devolución de esta materia, aunque olvide incluir la bibliografía, y la guía del callejón de los milagros, que lo escribí en otro documento y olvide pegarlo.
En cuanto al termino baladi, verdaderamente fue un cambio cien porciento de lo que yo sabia sobre el. De hecho, entendí que no sabia nada. Primero, porque en las escuelas que he bailado, el termino baladi es explicado como algo “nativo”, “del pueblo” y hasta lo confundí muchas veces con lo “folclórico”.
Al estudiar el material, logre entender que es concepto que abarca muchísimos aspectos, es un estilo de vida, es un termino social, y eso hace que tenga muchas variantes, perspectivas y que ha variado a lo largo de la historia. Me encantó esta materia, ya que como bailarina me inspira y me conecta mucho mas con la cultura, la comprensión de la musica y se lleva a la danza desde otro lugar.
Gracias Mari!!! Amo el curso!! Estoy aprendiendo todo lo que algún día me pregunte, y mucho mas! Abrazo enorme!
Mi reflexión es que más allá de la polisemia del término, bailar baladi va a ser siempre una interpretación. Ya sea orientado a la estructura “argentinizada” o a la que intenta mostrar una estética y un estilo más “casero”, ambas representaciones van a requerir una postura determinada. Me quedo con la idea de Nesma de que “tiene que parecer natural y espontáneo”, cuando en realidad los movimientos, actitud, gestos, expresiones) están pensados y hasta coreografiados.
Se trata entonces de investigar, escuchar música, “pasarla por el cuerpo” muchas veces para poder incrorporarla y así poder generar una actitud acorde a lo que vamos a expresar.
Hola Mari, quería pedir la activación de la conferencia por fa! Muchas gracias!!
Hola Jeza! Activada!
Nahed Arroyo
activado!
Lorena Siehe
activado!
Mica Quiroga
activado!
Jezabel Ortiz
activado!
Florencia Klot
activado!
Gabriela Barredo
activado!
Fiorella Monzón
activado!
Rosa Maria mariño
activado!
Ailen Espindola
activado!
Este texto nos proporciona una visión profunda sobre el estilo musical Roman Havasi, enfocándose particularmente en su estructura rítmica y su conexión con la cultura romaní y turca. Uno de los aspectos más importantes es la identificación del ritmo principal, el “9/8” o “Dokuz Sekiz”, que aunque a veces se confunde con la danza Karsilama, es específico de esta música. Este ritmo, refleja la complejidad y el dinamismo de la música romaní.
El ritmo 9/8, nos muestra cómo las diferentes culturas desarrollan sus propios lenguajes musicales, adaptándolos y transformándolos con el tiempo, y además de estar vinculado con la identidad de la comunidad romaní y sus costumbres.
Sus variantes como el “Duz” o el “Heavy Roman”, demuestra la diversidad de este género. Estos cambios en los ritmos permiten distintos modos de interpretación y expresión dentro de la música, vinculándose con las tradiciones y costumbres culturales, como las actuaciones gestuales (lavar la ropa, secarse el sudor) que acompañan la música, lo que añade una narrativa y emoción.
También es interesante la evolución de los instrumentos que acompañan a este estilo. Aunque tradicionalmente se utilizan el zurna y el asma davul, la incorporación de instrumentos más modernos como el teclado o la trompeta muestra cómo la música romaní no está estática, sino que sigue evolucionando, absorbiendo influencias de otros géneros.
Finalmente, la música Roman Havasi demuestra que pese al tiempo transcurrido sigue viva y en constante transformación, demostrando el poder de la música como puente entre culturas y generaciones.
(Pd: Me encantaría que con la company volvamos a hacer una coreografía de Roman Havasi. Disfruté mucho la que hicimos en años anteriores y sería genial repetir la experiencia.)
La danza con sable o Raks al Seif tiene algo mágico que mezcla “fuerza” (por lo que significa e impone el sable) y delicadeza.
A pesar de la falta de evidencia concreta sobre sus orígenes exactos, tiene un trasfondo cultural rico e inspirador.
El relato sobre Badawiyya, quien supuestamente inspiró a Gérôme, añade un toque de mito y autenticidad histórica a esta danza. Badawiyya marcó un antes y un después al combinar lo imprevisto (un sable) con lo esperado (la danza) en una actuación que dejó a muchos asombrados.
Pero lo más interesante es cómo la danza con sable no sigue reglas estrictas. Se puede hacer con diferentes ritmos, vestirse libremente y crear tu propio estilo, lo que la hace aún más libre y creativa. Eso también refleja la personalidad de cada bailarina. Y algo importante es cómo lográs equilibrar ese sable mientras te moves con gracia, haciendo que parezca fácil algo que definitivamente no lo es.
Es una danza que te invita a combinar elegancia con fuerza, y eso tiene un impacto visual y emocional que, claramente, fascinó y fascina a las personas durante siglos.
Hermosa y clara representación de la compañera Vir!
Paola Nuñez del Prado
activado!
Virginia scocchera
Activado!
VIRGINIA DEL MILAGRO LAZCANO
GRACIAS POR ESTA MARAVILLOSA OPORTUNIDAD!!
Activado! 🙂 gracias Vir
Me pareció muy interesante ya que nunca había visto ese tipo de danzas y música, sobre todo me gustó las artes de las mujeres beduinas la cuál estuve viendo e investigando más sobre el tema ya que me llamó la atención la forma en que se ubicaban e iban aplaudiendo.
Sobre esta clase, tengopara decir que me intereso mucho la parte del “khorayt” ya que se dice que tanto el hombre como la mujer pueden cantar e interpretar este tipo de música, vi videos al respecto el tema y me emocionó muchísimo, me gustó y me dieron ganas de investigar más profundamente del tema. Con respecto a los otros temas dados me generó un poco de curiosidad los cuales también pienso investigar y ver videos!
Ailen Espindola
Activado!
Buen día deseo inscribirme a la peli . Rosa Maria Mariño .
Activado!
Buen dia Profe tambien solicito acceso, no me gustaria perderme esta película, gracias por todo lo wue nos brinda.
activado!
Lorena Siehe
Nahed Arroyo
activado!
activado!
Jezabel Ortiz
activado!
patricia erdellan kohan schkolnik
Hola Patu! Esta ya se transmitió el mes pasado. Tenés que esperar a que se vuelva a transmitir.
patricia erdellan kohan schkolnik
Me interesa!!! Gabriela Barredo Vacchelli
No sabía las diferencias que habia con la cultura musical turca, que es de donde proviene la forma musical, y tampoco sabia que no se usaba el samai thaquil, sino el aksak! También me pareció super interesante toda la explicación histórica y tener la posibilidad de escuchar un saz semai.
Me llamó la atención que estos samai no tienen un 4to hane!
SAMAI NAHUAND – https://www.youtube.com/watch?v=tUu78XLb3To
0 a 0.29 HANE 1 / 0.29 a 1 TESLiM / 1 a 1.29 HANE 2 / 1.30 a 1.59 TESLiM / 2 a 2.30 HANE 3 / 2.31 a final TESLIM
SAMAI 2 – https://www.youtube.com/watch?v=VXyod6YOvC4
0 a 0-10 iNTRO / 0.10 a 0.40 HANE1 / 0.40 a 1.10 TESLiM / 1.11 a 1.41 HANE 2 / 1.42 a 2.11 TESLIM / 2.12 a 3.01 HANE3 / 3.02 a 3.32 TESLIM / 3.32 a final … cierre del tema
Me parecen super interesante que se aborden las diferentes danzas ya que muchas veces se suele homogeneizar la cultura de una región, que si bien tiene muchas características en común, es bueno conocer las diferencias y de dónde surgen, cómo fueron mutando hasta llegar a la actualidad como expresiones típicas en el cotidiano (festejos, etc).
Me encantó el detalle de la gestualidad, la importancia que tiene en estas danzas. Siento que es importante conocer estas cosas para enriquecer nuestra interpretación. Muchas veces realizamos gestos sin saber su significado u origen. También me parece fundamental el conocimiento de las letras, contextualizar la performance, siendo que la poesía tiene tanto peso.
También me pareció super valioso conocer las diferentes “ramas” que hay dependiendo del tipo de arte, de las características de sus actores y de la subregión en la que se practican. A su vez, en este sentido, me parece super interesante saber de la interrelación del Estado/las naciones con estas artes y cómo se influyen mutuamente. Me encanta que la mayoría de estas expresiones formen parte del patrimonio inmaterial de la humanidad. Me acuerdo que en la fiesta innaugural del mundial 94, yo era chica, jaja y Arabia Saudita participó -ahora sé- mostrando algo parecido a un Ardaa (https://www.youtube.com/watch?v=N5VWHFlJjO4 minuto 8.36), que en ese momento me había dado miedo, porque revoleaban las espadas y yo pensaba que iban a lastimar a alguien.
Me llama mucho la atención la región del Hiyaz, ya que tengo entendido que también hay un maqam con ese nombre. Es que viene de esa zona o tendrá que ver con el significado de esa palabra? Me intrigó!
Me impactó conocer la temática de las temáticas referidas al amor “no romántico” o mejor dicho, ligadas a problemáticas sociales referidas a las relaciones, las parejas, la vida social, me parecen un caso super interesante para investigar. Por otro lado, conocer cómo evolucionó la taqtuqa hacia su “hermana mayor” la ughniya tawila, me parece excelente para comprender algo que muchas veces he escuchado en orquestas, que es la ligazón entre composiciones, encontrar un tema más corto dentro de otra composición, e incluso permite entender mucho del éxito de Umm Kolthoum, e incluso entender también algo de la identidad musical árabe. Siento que por el lado de lo que se menciona como una “competencia” entre compositor y cantante, no ha hecho más que enriquecer y lograr que la composición sea una obra de arte con mayúsculas.
Me interesa resaltar la importancia de la muqaddima dentro del bellydance. Tal como menciona Marina, es la parte que más se conoce y que bailamos. Es la manera en que estas canciones se han popularizado al interior de la danza. Las orquestas más actuales han aprovechado estas composiciones para introducir en su repertorio estos temas larguísimos que en los tiempos que vivimos, no sería posible tener ni en un concierto ni en los formatos de grabacion. Por lo tanto, la muqaddima, además de lo que menciona en su comentario Camila Galván, que es que genera esta idea de anticipación, de introspección de cada músico, de sensación de mantener al público cautivo, tiene la importancia de ser un instrumento clave dentro de la música y la danza árabe actual. Como bailarinas, reconocer la estructura y elementos internos de la Muqaddima es fundamental para la interpretación de estas composiciones.
Para cerrar este bloque de clases, creo que poder analizar y racionalizar las composiciones genera una riqueza extra a la hora de bailar. Me encantó poder conocer y escuchar a fondo estos temas tan conocidos, pero de los cuales quizás lo que está más popularizado es la muqaddima; saber sus partes y tener conciencia de interpretarlas de maneras distintas, me parece clave. De todas formas, considero que hay partes que vale la pena sólo sentarse y escucharlas y disfrutar!
Es interesante el enfoque del autor en recalcar el aspecto si se quiere comunicacional del tarab, ya que la clave para comprender este concepto, se encuentra -para mí- allí: en el encuentro entre la performance y la manera en que el público la recibe -se resalta la importancia del sammia-. Creo que es clave la idea de “intimidad”, en tanto a pesar de que pueda darse en un espacio que puede estar compartido por muchas personas (como puede ser un recital), o incluso en un ambito privado y mediado por la tecnología (mirando un video o escuchando un disco) la cercanía que se produce a través del arte permite que se de ese fenómeno en el que tanto la emoción del artista con la del público se unan.
Me gustó esta cita: “punto donde se encuentran el sentimiento y el intelecto del arte de hacer música”, ya que no alcanza con el sentimiento, hay que saber de arte, tal como menciona el autor, quienes llegan a ser “artistas tarab” tienen un conocimiento muy profundo y de largo aprendizaje. Pero tampoco alcanza con ser erudito en un tema sin la evocación sentimental, requiere de un equilibrio en “desarrollando también el dominio de los Maqamat y cultivando la destreza de la improvisación”.
Recuerdo que hace un tiempo se hablaba de “estilo tarab”. Muchas bailarinas decían “voy a bailar un tarab” asociandolo por lo general a los temas de om kolthoum, teniendo en cuenta que cuando ella los interpretaba se llegaba en esas interpretaciones a generar -si se quiere- un estado tarab. Pero siguiendo a las definiciones de este artículo, no sería posible “bailar un tarab”, ya que esto sólo podría evaluarse durante o después del acto mismo y en relación con el espectador.
Los conceptos tales como el tarab -o también el de baladi por ejemplo- que son polisémicos o que son difíciles de definir, me fascinan.
Siento que de la postura del estudio de ser flexibles con el término, permite abarcar la complejidad del mismo al abordarlo desde los diferentes puntos de vista y autores que lo han estudiado. Me gusta que se abarque desde estudiosos de la sociedad como también desde poetas. Así como muchos autores sostienen que varios aspectos la cultura de américa latina son imposibles de ser encajonados en conceptos concretos dada la multiplicidad de elementos que confluyen en ella, la cultura árabe también ha sido nutrida por multiples culturas y por ello, siento que debería ser deseable no ser determinante respecto de algunos puntos, lo que haria perder la riqueza que contienen y que les da su indefinición.
Rara vez he escuchado estos ritmos en temas conocidos, pero está bueno conocerlos sobre todo porque cuando se escuchan en una composición de muwashahat está bueno entender cuáles son.
Considero que estos tabloh funcionaban para que los protagonistas puedan demostrar sus habilidades o su talento sin perder el sentido de la gran historia. Incluir una pequeña “historia” que tiene una lógica interna que le da sentido y hace que no se pierda de vista el sentido de la gran historia que se cuenta. Es un recurso que también se utiliza en diferentes expresiones artísticas a modo de “paréntesis” para contar una historia distinta, muchas veces usando la estrategia de que es un sueño, o un pensamiento. Sirve también para contar una historia paralela de lxs protagonistas de la historia, o para traer alguna cuestión del pasado que de sentido a la historia general. En el caso de las películas en las que la protagonista es una bailarina y/o un músico reconocidos, se aprovechan para que estos desplieguen su talento. Me hizo acordar a muchas películas argentinas de los años 70 en las que los protagonistas eran músicos famosos y tenían sus momentos de “demostración” en pequeñas escenas disociadas de la historia general.
Considero que es apropiado conocer las diferencias entre los ritmos así como también diferenciamos las poblaciones, su danza y su cultura en general. Si bien la diferencia entre los ritmos es en algunos casos muy sutil, permite enriquecer nuestro conocimiento y al momento de crear una coreografía o un espectáculo, sería bueno utilizarlos de manera variada. Respetar la música y danza de los pueblos alejándonos de las fantasías que históricamente se han realizado bajo el nombre de Gypsy, funciona como reivindicación y reconocimiento de la riqueza cultural de dichas culturas. Asimismo, reflejan el estudio y por ende, la seriedad con que se lo toma quien lo interpreta, lo que me parece fundamental siempre que interpretemos danzas de las que no somos “nativos”, dejando de lado una actitud que podría ser asociada al orientalismo.
Me parece importante el análisis de la ughniya y del video que la acompaña ya que de esta manera Irene nos ha permitido comprender algunos detalles que quizás se nos escaparían sin la observación (por ejemplo, la cercanía del kanun y el nay que son los que marcan el maqam) y que son importantes a la hora de comprender.
El análisis musical que nos propone Irene aporta una riqueza extra a cómo quizás escuchamos los temas como bailarinas, nos permite encontrar otros detalles o estar más atentas para fortalecer nuestra interpretación. Tambiién la percepción de cómo se pueden interpretar los ritmos de acuerdo con lo que musicalmente transmiten, ya sea drama, tensión, relajación, me resulta fascinante.
Con respecto a la particularidad de la ughniya en tanto espectáculo, quiero resaltar el dinamismo que presenta al realizarse en vivo, la posibilidad de comunicación entre cantante y orquesta, de percibir cómo lo recibe el público, el ir y venir, repetir o no. Por otro lado, aunque parezca redundante, la importancia de conocer la letra hace que todo adquiera un sentido mayor, ya que se acompaña con la entonación, expresividad, ritmo, musicalidad acorde. Nuestra danza debiera también acompañar todo aquello.
También me gustó que incorpore la mención de los momentos de “tarab” del público ya que entonces pueden identificarse no sólo de manera teórica como siempre se lo describe, como un momento de éxtasis que parece introspectivo, sino como una euforia compartida también, tal como se oye y ve en la grabación.
Me gustó mucho que el análisis se realice sobre esta ughniya ya que no es quizás de las más reconocidas en el mundo de la danza.
Aksak en toda la composición: youtube.com/watch?v=P1Difs18fGs
Dawr Hindi en toda la composición: https://www.youtube.com/watch?v=YQNc0_KjgjQ
Yuryuna: https://www.youtube.com/watch?v=yDqCfmrpuFE de 0:00 a 0:30 (después sigue, pero está bien marcada en ese fragmento).
Hola, quiero la activacion de esta clase!
Hola! Activada!
Es una lástima que no existan fuentes fiables de su nombre y no me queda claro en que se basa Mario para decir que el origen del ritmo es ibérico-árabe y no turco. Lo que sí queda claro es su incorporación al samai como también al muwashahat, estando presente en las composiciones, pero siendo no el único ritmo.
Considero normal que surjan confusiones entre el nombre de un ritmo a un estilo de composición particular, sobre todo si el ritmo tiene una presencia marcada dentro de la misma. Presiento que el común de la gente suele rememorar más los temas musicales que los componentes (rítmicos o armónicos) aislados que las componen. Intuyo que pasa lo mismo con el “Baladi” que comúnmente se refiere tanto a un estilo de baile de como a un tipo ritmo de la familia del maksum, aunque el nombre académico del ritmo sea Masmudi sguir.
Es un ritmo irregular, y en occidente realmente no acostumbramos salirnos mucho del 4/4, 2/4, 6/8 o 3/4 (el jazz sería la excepción más notable porque utiliza poliritmia). La subdivisión 3+2+2+3 me parece fundamental a la hora de tocarlo porque en su forma simple uno puede perderse fácilmente en los dos silencios que preceden al dum inicial y los dos silencios finales, perdiendo así toda la métrica del compás (siento que el cerebro trata inconscientemente de convertirlo en un 8/4, que al ser múltiplo del 4/4 es más conocido).
Esta unidad me figura vacía.
En esta primer clase de Historia de la Música Árabe se hizo un breve recorrido por los puntos sobre los cuales trabajaremos desde la óptica de bailarinas: ritmo, compás, pulso, timbre, forma, entre otros. Pero primordialmente la clase se enfocó en una introducción amable de la música árabe dividida en dos grandes períodos: el Período Pre-Islámico previo a la venida del Profeta Mahoma dividido en Imperio Sánsida vs. Imperio Bizantino. Éste período fue un florecimiento politeísta, con sus rutas caravaneras y su influjo de interacciones con las culturas persa, romana, hindú, etc., contando también con los tipos de canto de éste momento: el de los beduinos y el de los sedentarios. Ya posteriormente en el Período Islámico propiamente dicho hay cambios y enriquecimientos en la vida musical, sobre todo en las ciudades de Makkah y Medina.
La gran tradición musical pasa a estar dividida entre los cantos y melodías de la elite aristocrática y la de los esclavos enviados para el entretenimiento. Lo llamativo de ésta época es que las composiciones están en relación al amor. La clase ha sido un recorrido breve pero ameno recorrido por las bases que cimentaron las posteriores composiciones musicales conocidas.
En esta segunda parte de Historia de la Música Árabe se puso especial énfasis en el Período Islámico, más precisamente en su partición entre los Califatos Omeya y Abbasida. El Califato Omeya inicia desde el año 661 d.C en Oriente hasta el 750d.C., contando con un total de 14 califas. Su sede de gobierno estaba en Damasco. Fue un gran período de conquista de territorios y organización. Se destaca a Abd al-Malik como el instaurador de la lengua árabe como oficial del califato por ser la lengua elegida por Dios para hablarle a Mohamed. También Malik ingresa a África, habilitando el posterior Al-Ándalus y las tropas bereberes. En esta época comienza también una teología sistematizada y una convivencia plena con cristianos y judíos. El Califato Abbasida es el que sucede tras derrotar a la Dinastía Omeya desde el año 750 d.C hasta el 1250 d.C, con un total de 37 califas. Eran portadores de la creencia de ser de la familia del profeta Mohamed y arman la identidad islámica. Su capital estaba en Bagdad (Medina) y continúa el florecimiento cultural (aparece La Casa de la Sabiduría en Bagdad y las 1001 Noches como creación literaria). El Califa más notorio fue Harun Al Rashid y uno de los músicos más prolíficos fue Ibrahim Al Mausili. En ésta época comienza el retrato del músico perfecto, con exquisitos y elevados requisitos de formación para serlo. ¡Muy interesante y enriquecedor el recurso de escuchar música de la época en Spotify!
En esta clase se abordó una introducción a los ritmos árabes, con recomendaciones de lectura e introducción al pulso primordialmente. Se recomendaron los libros de los autores Touma, Mario Kirlis, Farraj y George Sawa. En Argentina existen tres métodos, que en Estudio Sahar se extiende en un cuarto método. Touma (1998) distingue que existen géneros con organización rítmica temporal fija (pulso y ritmo que se repiten) y géneros con organización rítmica temporal libre (taxim, mawal o layali). IQA es la terminología de los ritmos árabes (tanto Touma y Farraj coinciden en que la palabra árabe para definir los ritmos). Históricamente se vieron como relevantes las figuras de Al Farabi, Al Kindi y Al Akfani. Luego pasamos a ver la noción de pulso, entendido como el latido, la medida de tiempo primordial en la música. La forma de nombrar al pulso en árabe es MAWZUMA o MAZURA. El pulso puede ser regular o irregular, y surge como concepto en el siglo XIV cuando los compositores se inspiraron en los sonidos de las maquinarias de reloj (división en unidades proporcionales). Interesantes las propuestas de escucha y los ejercicios de marcación de pulso con la música 🙂
Considero que la división entre la música preislámica y la islámica debe haber sido más un cambio en los paradigmas a nivel cultural-social sobre lo considerado “culto” y como objeto de estudio académico, dado que el foco pasó de los temas populares y cotidianos a aquellos de mayor transcendencia institucional, como la religión. Por otro lado, creo es de importante resaltar que existen diferencia entre poesía y la canción como formas de expresión, aunque ambas estén vinculadas y que las poesías cantadas pudieran ser comunes. La canción propiamente dicha está enmarcada en una estructura menos ambigua que la recitación poética y usualmente presenta acompañamiento de instrumentos, aunque la voz sea el primer instrumento melódico que se dispone y muchas veces el principal o único, como en el caso de los cantos beduinos. Sin embargo, los Cantos Hurritas de 1400 AC en el norte de Siria ya disponían de instrucciones de acompañamiento musical, por lo que considero muy improbable que a esa altura no hubieran varias formas musicales desarrolladas en la península arábiga con instrumentos melódicos propios y sobre todo, que no existieran y proliferaran las formas no cantadas y populares (con danzas que acompañaran a los mismos). Si considero mucho más probable que los pocos registros que se conservaran de esa época sean aquellos que se pudieron escribir, por eso vemos sobrerepresentada la poesía (y que los cantos fueran transcritos como formas poéticas en lugar de musicales), y que no hubiera una forma de escritura formal para representar aquello no verbal, como la canción instrumental o el baile. También considero probable que como antes del Islam había muchos cultos politeítas, existieran cantos de adoración que no se conservaron y que pudieron ser destruidos u olvidados con la transición al monoteísmo.
Lorena Siehe.
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Flor Munafo podrás anotarme Maru?
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Durante los califatos Omeya y Abbasida se produjeron avances culturales que llevaron a el desarrollo de lo que nosotros hoy podemos identificar como lo propiamente “árabe”, si bien tuvieron importantes asimilaciones y prestaciones de otros pueblos. Me parece sobre todo interesante como en esta época el papel del músico en la sociedad pasó de ser un simple agente que proporcionaba entretenimiento ocasional, a ocupar la esfera profesional, llevando a la creación de escuelas, de escenarios dispuestos específicamente para el disfrute musical, y a la estandarización de las cualidades propias del músico “perfecto”. Esto implica un verdadero interés del Estado árabe en el desarrollo de las artes; la participación de los califatos no fue menor. Para que las artes proliferen, debe haber interés no solamente en los artistas, sino también una inversión económica de parte de los patrocinadores para que los primeros puedan realizar sus actividades. Esto demuestra que fue un tiempo de gran avance tanto social como económico para los árabes; la guerra y las conquistas deben haber proporcionado recursos importantes para el crecimiento del imperio y el desarrollo de una identidad cultura propia.
Micaela Quiroga
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Asincrónico
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Me parece fundamental que una bailarina sepa reconocer e identificar el ritmo y la melodía de una canción, dado que el grado de impacto de una coreografía no solo depende de la maestría técnica de los pasos, sino también de la precisión en el tiempo con la que se realizan los movimientos, y de que la expresión corporal coincida con el carácter de la melodía. También encontramos un tercer elemento musical llamado “armonía”, que como indica Mario Kirlis en su libro, está muy desarrollado en occidente y poco presente en la música árabe, pero es bueno saber que existe (sobre todo al escuchar música árabe actual), si bien no es necesario aprender a identificarlo para bailar. Estoy de acuerdo con que generalicemos el uso de Iqa’at (o awazn) para referirse a los ritmos (y usul para los turcos), porque hace a la comunicación correcta entre músico y bailarines. El pulso es algo casi instintivo del ser humano, nos hemos movido al ritmo de las percusiones desde hace miles de años, tanto que lo damos por evidente que existe (aunque hay canciones que carecen de él) y sin detenernos a pensarlo siquiera. Al parecer existen algunas personas arrítmicas y que les costaría incluso aplaudir una canción sencilla y regular, aunque diría que son las menos que se acercan a una clase de baile, y que en muchos casos la falta de coordinación cuerpo-música es más bien una falta de atención a lo que está sonando.
Ailen Espindola, asincronica
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Mari, podrias activarlo? Gracias!!
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Mari, te pido la activación por fa! Gracias!
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Lo que más disfruto cuando analizo los tiempos de una canción es apreciar la gran relación que existe entre la música y la matemática. La división del tiempo funciona como las fracciones que nos enseñan en primaria, donde dividimos el espacio en porciones exactas. No sé si se nombrará más adelante, pero los compases pueden ser simples y compuestos. Los simples son los binarios (2), terciarios (3) y cuaternarios (4), que si se subdividen en 3, dar lugar a otros compases como el de 6, el de 9 y el de 12. En las marchas patrióticas, el 2/4 es más notorio y por eso es perfecto para marchar con “dos pies”. Pero creo que justamente “Sukari” no es un buen ejemplo de una canción para reconocer en 4 porque parte de la percusión se puede interpretar como un ritmo binario que se combina con una melodía cuaternaria, lo cuál es lógico matemáticamente porque 2 y 4 son múltiplos. Un compás de 4/4 funciona como dos compases de 2/4 donde el acento tercero es menor al primero y por eso es fácil de combinarlos musicalmente. “Noche de paz”, podría interpretarse tanto en 3 como en 6 pulsos y ser matemáticamente coherentes porque 3 es múltiplo de 6. Sin embargo, yo comúnmente la encuentro escrita en 3/4, y de hecho, a veces se mal escribe en 6/8, pero el 6/8 “puro” es un compás compuesto que surge del binario y respeta la acentuación y la canción no suena a un compás binario compuesto (no suena a un acento de dos negras con puntillo), sino un terciario, ahí está el la confusión con esa canción. Justamente esta exactitud en la matemática en como operan las divisiones es lo que a nosotras permite bailar “a tiempo”. Como bailarinas RARA vez bailamos compases aislados (no solemos agrupar los movimientos para alinearlos con los pulsos), usualmente agrupamos los conteos de pasos en 8, en 6 o en 16 que siguen las métricas de la canción, y es porque en nuestra cabeza combinamos compases en forma precisa para que matemáticamente nos den las cosas redondas. Es decir, bailamos combinaciones de 2, 3, 4 o más compases juntos. Todo lo que hacemos en nuestro cuerpo es una operación matemática. Por lo tanto, a veces no es solamente el tipo de compás lo que importa, sino también es importante contar cuantos compases del mismo tipo se repiten porque al bailar una canción establecida no podemos alterar esa cantidad =)
Bueno, curiosamente, investigando, Noche de Paz es un caso curioso, porque si fue originalmente escrita en 6/8, aunque es un 6/8 bastante particular,
(se envio sin que terminara). En realidad, noche de paz si tiene un compás 6/8 con notas fuertes en 1 y en 4, por eso es binario compuesto, pero esto no se ve tanto en la métrica contando pulsos, sino en la melodía cantada (NO-che-de-PA-a-az). Igualmente, distinguir un 3/4 de un 6/8 es difícil hasta para los músicos entrenados por su similitud en la cantidad de pulsos!
Me gustó esta clase y los consejos sobre cómo manejar a la gente que se distrae o cómo mejorar el atractivo de la clase a través de la voz.
También está bueno lo de recordar siempre de controlar las “muletillas”. Mi muletilla sería empezar más de una frase con un “no”.
En los comienzos de la Cultura Pre- Islámica, destaco la forma en que la historia fue desarrollando su curso musical y abriéndose a nuevos caminos con diferentes recursos, en el Imperio Bizantino y el Imperio Sasánida. Imagino su vida, en aquellos tiempos, sus tradiciones como la oralidad, “Cultura de fuego”, y sus costumbres en la vida diaria.
Con el transcurso del tiempo, con la llegada de Muhammad, la música y sus interpretes se abrieron camino a una nueva musicalidad mas rica.
Quiero agregar que la anécdota de la “creación” de los primeros surgimientos de los sonidos, me dejo una perspectiva de la gran influencia que vivenciaban con las sensaciones y su vida cotidiana.
Paola Nuñez del Prado
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El contenido de esta clase me ayudo a entender que significa el concepto WASLA. Cuando hablamos sobre este concepto, hablamos de una estructura grande, macro, que contiene distintas formas musicales. Cuando analizamos una wasla, analizamos movimientos, frases musicales motivos
etc. Las formas musicales pueden ser vocales o instrumentales. Estas distintas formar se encuentran tienen un nexo de conexión que se encuentran unificadas con un mismo makam. Además se expuso en esta clase una estructura de análisis de canción con sus distintas etapas de gran ayuda para poder realizar una coreografía optima.
Me resultó muy interesante haber conocido estos 3 tipos de improvisación, solo conocía el Taxim. Creo que tanto el Layali como el Mawal pueden enriquecer mucho más la improvisación al contener una letra, es un disparador más a la hora de improvisar (sería genial poder entender un poco lo que las letras transmiten más que nada en el caso del Mawal). Esta clase me ha entusiasmado a poner en práctica improvisaciones variadas con estas tres formas.
A lo largo de mi carrera he aprendido varías formas de escribir los ritmos como algunos ejemplos del texto pero en lo personal creo que el mejor método es poder escribir y reconocer cada ritmo con sus respectivos compases, figuras y silencios. Es un trabajo extra estudiar la parte musical pero creo que es la forma más clara para poder leer los ritmos. También me parece una ayuda extra utilizar la duración de las figuras o silencios llevados al movimiento, puede verse de forma más clara el ritmo.
En esta clase se pueden ver y escuchar súper claros los ritmos, se puede seguir cada D, T y silencio. Me sirve muchísimo para seguir practicando.
Súper interesante poder aclarar que el Saidi no refiere a una danza sino a una zona geográfica donde encontramos un montón de estás cómo el Kaff, el Nizzawi, la danza del caballo, entre otras. También fue muy enriquecedor poder observar las danzas en el contexto nativo en comparación a las danzas llevadas al escenario.
Hablar de bailar Saidi es un término muy amplio, ya que dentro de la región hay gran cantidad de danzas, pero también encontramos el Tahtib que se define como un juego marcial y que de este mismo deriva la danza Nizzawi, y aquí algo para rescatar como importante donde Tahtib NO es una danza sino que es un juego o deporte pero que este surge una danza.
Esta clase en particular es una clase totalmente nueva para mi, si bien siempre escuché el término “samai” nunca supe bien a qué refería, tenía una vaga noción de un ritmo pero no mucho más. Si bien, como dice el texto no hay mucha info, esta clase me propone empezar a conocerlo y animarme a probar bailarlo, ya que al desconocer bastante nuca baile un Samai.
Justo me preguntaba ¿como debería llamar a la danza en donde utilizamos bastón o varas? Teniendo en cuenta que Saidi no refiere a una danza sino a una zona geográfica, sabiendo que el Tahtib es un arte marcial y que existen otras danzas que en realidad refieren a danzas nativas. En este texto me encontré con la respuesta y la denominación a esta danza (en términos de Farida y la línea que sigue el Estudio Sahar) como New Al Assaya para esta idea de “fantasia” que se crea a partir de las danzas nativas pero que las llevamos y adaptamos al escenario.
La Danza Romaní Turca y el Karsilama son muy interesantes porque, aunque muchas veces se mezclan o confunden, tienen diferencias culturales y de estilo muy marcadas. Por ejemplo, la población romaní no se autodenomina “gypsy”, un término cargado de estereotipos negativos y romantizados. Ellos buscan redefinir y luchar por su identidad que es diversa dependiendo del lugar del mundo en el que estén, como Turquía o los Balcanes.
Además aunque vienen de un contexto similar, tienen estilos muy distintos. La danza romaní es muy expresiva y llena de gestos que representan la vida diaria, como lavar ropa o sacarse el sudor, y tiene mucha improvisación. Se siente muy libre, usando la pelvis y los chasquidos de dedos para darle un toque único.
El Karsilama, por otro lado, aunque comparte ciertas raíces, tiene un enfoque distinto. Es más estructurado, con movimientos centrados en los pies, y generalmente no utiliza la pelvis ni las caderas. Se baila en parejas, lo que lo hace más formal y menos improvisado.
Me llama la atención cómo estas danzas no solo son movimientos, sino un reflejo de la historia y la identidad de quienes las practican.
Este texto me llevó a pensar en la importancia de la música y la danza para una cultura, se me hace difícil imaginar como sería vivir con la prohibición de ambas y más pensando en esta cultura donde los ritos justamente se acompañan con música y danza. Creo que estos dos lenguajes son de suma importancia en la construcción de la cultura de cada pueblo, país, región y como la religión tiene un peso tan fuerte al punto de prohibir ciertas prácticas o que incluso decida como debe ser percibida la música o la danza, que si son con buenos propósitos son permisibles, pero si se asocia con pasiones o intoxicaciones debe ser desterrada, cuando es algo tan subjetivo de cada persona y cada uno lo siente de una manera diferente.
Luego de leer el texto, me parece bastante razonable que al ser una cultura de lanoralidad, la voz tenga un protagonismo tan importante: los instrumentos al servicio de la voz y el canto sin acompañamiento de los mismos (incluso se llega a decir que los instrumentos podrían impedir el desarrollo del canto). Pero con el tiempo se fueron sumando diferentes instrumentos, siendo el ‘ud considerado uno de los más prestigiosos, hasta la incorporación de instrumentos occidentales que fueron adoptados y adaptados.
Desconocía sobtr las agrupaciones musicales, me resultó interesante saber que según la cantidad de instrumentos y la variación de ellos correspondan a una agrupación en especifico.
https://youtu.be/ty4GPBC-Vdw?si=_kD6SKR2Np-uaC1k
Taxím con Nay
https://youtu.be/KyNXeCfPB2U?si=f5p2KriM0zDDcIG9
Taxím con Laúd
Destaco la gran cantidad de vías abiertas para que influencias musicales de otros países hayan enriquecido tanto la música árabe. Como de una cultura a otra se va difundiendo lo local y se adapta a la cultura a donde llegó, esto de que Estados Unidos hayaa tomado ritmos del norte y sur de América y que estos hayan llegado a Egipto y destaco también la mirada de Muhamed Abd El Wahab de apostar por incorporar estos ritmos como forma de progreso.
Esta clase me sigue siendo muy útil, la cantidad de ritmos va aumentando y esta clase la considero de gran ayuda para poder seguir la lectura de los ritmos al mismo tiempo que puedo escucharlos
Ansiaba llegar a estas clases, desconocía bastante la historia del Bolero y cuanto tiene para contarnos, creo que de cada etapa se pueden tomar muchos elementos a la hora de componer en la danza. Creo que si bien termibo decayendo es un género muy rico en cuanto a todas las influencias que recibió de tantos países como así también todo lo que comunicaba: tanto amor como cuestiones políticas y sociales.
Super interesante esta clase, nunca baile un bolero ni tuve ninguna clase del mismo. Siempre escuche hablar del Bolero pero nunca supe bien a qué refería, como se bailaba y que ritmo se utilizaba. Esta clase e anima a poder explorar este género con un poquito más de conocimiento.
Demasiada info en esta clase que me dwjo reflexionando sobre un montón de cosas, incluso sobre en la forma que siempre baile un baladi. Esta clase la había visto en vivo y justo me encontré con un comenque había hecho que me trajo a la reflexión nuevamente. Pero en cuanto a la esteuctura musical de este género, me amplio mucho más el conocimiento que tenía, conocía una esteuctura mucho más acotada, por ej no sabía las diferentes formas de introducción que había (antes del taxim) y tampoco conocía los términos con que se denomina cada parte de esta estructura.
Angélica Güerci; sincrónico.
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Florencia Klot
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Ay… llegaba tardisimo
Gracias a estas tres clases logré conocer nuevos instrumentos que no conocía y también poder reconocer el sonido de cada uno de ellos.
Que lindo ir descubriendo nuevas cosas para bailar, me parece super interesante conocer las estructuras a la hora de llevarlo a la danza que enriquecen mucho más la interpretación y hace más fácil a la composición o incluso a la improvisación si uno ya conoce como se va a desarrollar.
Me veo en clases participando (jaja). No recordaba esto de utilizar temas conocidos en los baladis, me parece interesante esto para darle otro color y creo que los potencian mucho más. Si de por sí los baladis son hermosos (gusto personal) agregarle un pedacito de otro tema conocido me parece fascinante.
Me pareció super interesante también poder escuchar otros tipos de baladi de otros músicos, para salir un poco de lo más conocido y/o utilizado como los bañados de Mario o de Gaston (que son hermosos) pero también está bueno probar otras formas que aunque parezcan muy distintas siguen siendo Baladi.
Rosa maria mariño asíncronica
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Me resultó muy interesante el recorrido histórico de las diferentes autoridades políticas para entender como se fue construyendo este término que es super amplio, como parte de esta idea de querer separar lo “viejo”- “feo”- “antiguo” en contraposición con lo “nuevo”- “el progreso”. Me quedo pensando también en los estereotipos se le suelen atribuir a las personas baladi que pueden tener tanto connotaciones negativas como positivas y esto me lleva a compararlo con la población romani, que también sucede esto y que creo que no está bueno generalizar y atribuir ciertas características a un grupo o población sabiendo que dentro de las mismas hay un montón de otras particularidades.
En esta clase pude entender un poco mejor como el termino Baladi es super amplio, que puede referir tanto a una persona, como a un objeto y hasta se puede hablar de formas de expresión baladi. Es importante también tener en claro que este término varía dependiendo del contexto y de la época en qué son utilizados. Me resultó interesante la diferenciación entre conceptos como: baladi, fallahi y saidi.
Super interesante poder entender como es la mujer baladi: fuerte, respetada, trabajadora, además de que también se ocupaban del hogar. Por otro, rescatar los “tipos de mujeres” que podemos encontrar y que a la hora de bailar se pueda jugar con ambos roles como lo hacen algunas bailarinas mencionadas en la clase como Tahia Carioca, cuanto más conocimiento más chance de crear y jugar temiendo en claro lo que hacemos y de donde viene.
Recuerdo que al ver visto la película “Fatma” y haber leído “El callejón de milagros” todo lo que se habló sobre el concepto Baladi se pudo observar muy claro en ambos casos. Considero que fueron muy buenos recursos para completar estas clases.
Nunca me había quedado muy claro que era un Zaffa (quizá la falta de información), no entendía como podía haber un zafa tanto en un casamiento como en un ritual de zar. Con esta clase me queda claro que el término refiere a una prosecion y que no hay un solo Zaffa sino que hay una gran variedad.
Es increíble la cantidad de danzas que podemos encontrar en una sola región, cada una con sus características y sus particularidades. No solo hay una danza y ciertas características homogéneas en cada región sino que hay una gran riqueza de la misma. Y acá traigo a reflexión el módulo de “terminologia” donde a veces decir que bailamos o enseñamos “Danzas Árabes” es muy amplio ya que son muchísimas estas danzas y creo que sería muy difícil poder abordarlas todas.
El Tabloh es una parte clave del espectáculo de bellydance porque no solo muestra las habilidades técnicas de las bailarinas, sino que también introduce una narrativa que conecta al público con la historia que se quiere transmitir. Además, el cambio de vestuario y la música seleccionada no son detalles superficiales, sino elementos necesarios para reforzar la inmersión y profesionalismo del show.
Algo interesante del Tabloh es cómo lo hace adaptable a distintos géneros, como el tango o la rumba, y le da un carácter versátil. Sin embargo, también exige mucha preparación: no basta con improvisar, ya que detrás de cada presentación hay guionistas, compositores que trabajan en equipo.
Me parece que el Tabloh lleva la danza a otro nivel porque mezcla técnica con interpretación, y eso lo hace mucho más rico y profesional. Es algo que requiere mucha dedicación, pero el resultado vale la pena.
Es una herramienta poderosa para contar historias y destacar la riqueza cultural y expresiva de la danza. Es como llevar lo que hacemos en la danza a una versión más teatral y completa.
El Tabloh me hace pensar en la técnica Reda porque ambas buscan algo más teatral. Reda tiene toda esta idea de armar historias o tradiciones egipcias, y eso se conecta con el Tabloh, donde también hay que contar algo. Sin embargo, en el Tabloh hay más libertad para mezclar estilos y crear algo nuevo, mientras que Reda es más fiel a lo folklórico.
Esta música no solo busca entretener, sino generar una conexión emocional intensa entre el intérprete, la obra y el público, algo que va más allá de lo que entendemos normalmente como “disfrutar” de una canción.
Me parece interesante cómo se vincula la música con otras expresiones artísticas y tradiciones como la poesía y el recitado coránico, al punto de que la música se convierte casi en una experiencia espiritual o mística. El texto destaca que el Tarab no es solo música, sino un fenómeno cultural que une comunidades, ya sea en reuniones íntimas (como los antiguos sahra) o a través de los medios modernos.
Por otro lado, algo que llama la atención es cómo este concepto se mezcla con la historia: desde la influencia de grandes imperios, el intercambio cultural con otras civilizaciones, hasta el impacto de la modernización y la colonización. Todo esto transformó el Tarab, pero sin quitarle su esencia emocional y su capacidad de “arrebatar” a quien lo experimenta.
El texto no solo habla de música, sino de cómo esta refleja la identidad y los valores de una cultura, algo que sigue siendo válido hoy en día. Me deja pensando en cómo las emociones que buscamos en el arte son universales, pero cada cultura tiene su manera única de expresarlas y experimentarlas.
El concepto de Tarab manifiesta la relación entre el arte y la emoción, algo que no solo se encuentra en la música árabe. Lo relaciono en la danza a la expresión corporal, donde el objetivo no es solo la técnica, sino también transmitir una emoción que conecte al intérprete con el público.
No conocía al Samai como estructura musical y mucho menos el Saz semai. Tampoco sabía que provenía del Imperio Otomano, me entusiasma la idea de bailar un saz semai e incluirle un vestuario mas de la época
Me encantó poder ver estos videos de temas catalogados como Baladi y ver la variedad que hay en cuanto a la música y a la danza. De los primeros videos creo que jamas hubiera pensado que refieren al baladi. Siendo el término tan amplio a nivel teórico esto puede verse también tanto en la danza como en la música, toda esta variedad.
Me resultó muy interesante la breve contextualizacion de cada ritmo, un poquito de donde proviene y otras formas de llamarlo. También las diversas maneras de encontrar escritos estos ritmos dependiendo de cada músico.
Me llamo la atención que el ritmo Sherk se utilice en la música nubia, yo lo había aprendido como un ritmo tomado de la música occidental como ritmo que por lo general tocan las baterias. Hasta acá me encontré con un montón de ritmos que aparecen en un montón de canciones y que nunca me había dado cuenta.
Increíble la cantidad de Artes que se puede encontrar en una región. Me llamo mucho la atención como se inspiraban en los movimientos de los caballos para llevarlos a la danza, entender de donde salen ciertos movimientos y la capacidad creadora que se puede tener inspirándose en ciertos elementos de la naturaleza. Por otro lado, como la danza puede comunicar y transmitir tantas cosas: las mujeres y sus gestos, ña danza como patrimonio cultural, danzas patrióticos (aquella danza utilizada en los combates), inclusos danzas de trance.
En esta clase me llamo la atención la danza Mizmar, encontrar otra danza con bastón por fuera de la región del Saidi. Lo relaciono con las clases de Saidi y creo que es interesante tener en cuenta que podemos encontrar otras danzas donde se utilizan varas/bastiones y sus otras formas de denominar el objeto. En estas clases también me gustó el hecho de que ciertas danzas de esta zona sean consideradas patrimonio cultural inmaterial del UNESCO, super interesantes los videos.
Me sorpla cantidad de formas musicales hay, muy interesante para tener en cuenta antes de armar una coreografía poder hacer un análisis musical.
Gabriela Romina Barredo Vacchelli
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Evelyn Andersson, asincrónica
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Me encantó la variación de vestuarios que se pueden utilizar para bailar un baladi, siempre lo baile con traje de dos piezas. Hace un tiempo empecé a notar que se suelen usar tinicas también y no sabía el por qué. Estas clases me ayudaron a conocer muchísimo más sobre el baladi y en particular este material de lectura respondió a mis interroga tes acerca del vestuario.
Me llamo la atención cuando Nesma define a la música baladi como simplemente “musica” aquella que tiene un “carácter baladi”. Y en cuanto a la danza, habla de ella como una forma natural de bailar, que puede estar adaptada al escenario y a un público pero que no se debe perder su forma natural. Esto me hace reflexionar acerca de cómo siempre baile algún baladi de forma muy estilizada, con traje de dos piezas y entendiendo siempre al baladi como (en su forma musical) la define un poco Guy Sheldon y como también se aprende en Argentina. Pero la mirada de Nesma me resultó aún más más interesante.
Rescato del texto todas las influencias que ha recibido el bolero a lo largo de la historia, sus momentos de auge y sus montón de decaimiento. El bolero como una función social en el desarrollo histórico de Latinoamerica desde la idea de cultura del amor, la identidad de la música latina. Me resultó interesante la siguiente cita: ” el bolero es un profundo proceso de búsqueda de las raíces culturales latinoamericanas, portando una manera de ver el mundo globalizado, caracterizado por la revalorizado del idioma español como vehículo comunicacional”.
Por otro lado, compartí el comentario de Vale sobre el error acerca de Peron como dictador de la prohibición de ciertos boleros que hablaban de libertad, etc. Tuve que releer el párrafo varias veces pensado que yo lo estaba interpretando mal.
Me llamo la atención como el sistema de notación de la música creado por Al- Farabi y sus categorías de modos rítmicas se pueden traducir con gran facilidad al sistema de notación musical occidental.
Este documental impactante, nos da a conocer parte de la historia que ha vivido este pueblo, a lo largo de su recorrido nómade desde sus orígenes, hasta la actualidad.
Siendo un pueblo sin nación, han logrado establecerse en diferentes países del mundo, adaptándose, pero sin perder las raíces de su cultura, a pesar de haber sido perseguidos, excluidos, discriminados, sometidos y asesinados.
El dolor imborrable que fue y es para este pueblo, el holocausto sufrido durante la segunda guerra mundial, donde se estima que mas de quinientos mil roma murieron, muchos otros fueron torturados y separados de sus familias, nos muestra una profunda herida que marca la historia de este pueblo. Sin embargo, en la actualidad, la historia ha cambiado, durante mucho tiempo han luchado por sus derechos, por el reconocimiento de su cultura, de su idioma y han creado su bandera. A pesar de que siguen siendo discriminados en muchos ámbitos, los roma son un pueblo de raíces profundas, fuertes, orgullosos de su historia y su origen. Pese a ser un pueblo sin nación, ni economía y al dolor que ha marcado su historia, han conservado sus creencias, valores y su cultura.
Nuevamente por acá, ya extrañaba estas clases: me encanta conocer mas sobre la historia del bolero y su influencia sobre todo en nuestras raíces latinas. Pienso que el bolero es más que un género musical, es una forma de sentir y contar historias de amor y desamor.
Al nacer en cuba, nos permite entender su influencias de la trova y la habanera, y como desde entonces ha conquistado corazones en toda América y el mundo.
Creo que sus letras es lo que lo hace tan especial: profundas, poéticas y llenas de emoción. Hablan de pasiones intensas, despedidas dolorosas y amores que dejan huella.
Para mi una de mis canciones favoritas es Bésame Mucho , al igual que Historia de un Amor, canciones que han pasado de generación en generación.
Conocer cada una de las etapas del bolero ha sido muy interesante para mí, me hizo recordar a mi abuela y a mi mami, cantando estas canciones.
Que interesante y muy importante entender las claves para poder bailar el bolero. El utilizar bien su ritmo, la Rumba Masri, como caer en tiempo, y como interpretarlo es clave para nuestra formación como bailarinas. es importante también conocer en que contexto el bolero fue realizado y escuchar detenidamente las letras (en el caso que la tenga), para poder interpretarlo de manera adecuada. Incluso considero que la respiración se vuelve parte de este conjunto de claves, para poder generar en nuestra danza el mensaje y el impacto deseado.
Gracias Mariiiii!!!!
Por medio de estos apuntes, queda muy claro que el bolero es mucho más que música, es sentimiento puro. Nació en el Caribe, en medio del mestizaje de culturas africanas, europeas e indígenas, y a lo largo de la historia ha acompañado los cambios sociales, políticos y económicos de América Latina.
Desde su origen en la trova cubana del siglo XIX hasta su auge en México y su posterior globalización, ha sido el reflejo de la vida y las emociones de la gente.
Lo que más me gusta es su capacidad de contar historias. Cada bolero es como una película con la duración de una canción: un amor imposible, una mujer endiosada, una despedida dolorosa, un deseo que nunca se apaga. Ha evolucionado con los años, influenciado por el jazz, la salsa y hasta la música pop, pero siempre conservando su esencia romántica y dramática.
Aunque el mundo ha cambiado y la música evoluciona, el bolero sigue ahí, adaptándose sin perder su magia. Tal vez porque, al final, todos necesitamos esa melodía que nos recuerde lo que es amar, extrañar y sentir con el alma.
Me encanta el aprendizaje que tenemos en cuanto a la música árabe,, y la longa es una de mis formas favoritas, es enérgica y viva y la longa de esta clase es maravillosa. Hay que saber escucharla para poder definir los Hanes y los Teslim.
Que hermosa es Lamma Bada, te puedes dar cuenta enseguida de la estructura. esta muy bien dividida.
Esta clase fue maravillosa. La precisión con la que el maestro toca el derbake nos permite entender claramente y distinguir los diferentes tipos de combinaciones de derbake que los músicos nos pueden ofrecer. A la hora de bailar es claro que debemos afinar nuestro oído para poder reflejar mejor con el movimiento de nuestro cuerpo, el ritmo del momento, poder reflejar los cortes de la música o un redoble, en una contracción o vibración fuerte o suave, hace que nuestro performance sea más profesional. La práctica hace a la bailarina tanto en el oído como en la ejecución.
Mariiiii. Gabriela Candel Albán. Asincrónico
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Profesora ¿Me podría escribir el nombre del autor que nombra en 1:42:00? por favor.
Hola More! Cómo estás? El autor que menciono en ese minuto es Stavros Karayanni
Hasta ahora me gustaría poder abarcar el concepto de tarab en una sola palabra, incluso para poder enseñar a mis alumnas, sin embargo, es muy importante establecer estos conceptos lingüístico, cultural y de estética árabe ya que con ellos podemos aclarar mucho el pensamiento en cuanto al tarab, y poder comprender de mejor manera los muchos significados y las sensaciones que abarca esta palabra tan pequeña.
Buenas! ¿Podrían activarme el documental “Reel Bad Arabs”, por favor 🙂
activado!
Que maravilla de clase, El estudio de las temáticas sobre el amor no romántico, especialmente aquellas relacionadas con problemáticas sociales en las relaciones y la vida en sociedad, resulta un campo fascinante de investigación. En este contexto, la evolución de la taqtuqa hacia la ughniya tawila es clave para comprender la estructura y continuidad dentro de la música árabe. La taqtuqa, originalmente una canción breve y ligera con estribillos pegajosos, fue la base sobre la cual se desarrolló la ughniya tawila, un formato más elaborado y extenso que permitió una mayor riqueza expresiva.
Este proceso de transformación también explica la integración de temas musicales más cortos dentro de composiciones más largas, algo que se puede notar en orquestaciones árabes y en el éxito de figuras como Oum Kulthum. Además, la aparente “competencia” entre compositores y cantantes ha sido un motor para la sofisticación del género, convirtiendo cada obra en una pieza de arte en sí misma.
MEYANSE KORD
0:13 Malfuf- 1:16 Saidi- 2:10 Baladi- 3:06 Rumba Masri- 4:26 Malfuf
https://open.spotify.com/track/4SN9DRbLiw27Q8ZkV5MaXZ?si=HnyUorirT8Os79e3uRsOXw
BEL SOFDA
0:29 Maksoum
https://open.spotify.com/track/4wjjbbt6JjV2WdoX6hto8v?si=EKPFCW5tRM6YBk1P5vQoRw
MA TEGI HENA
0:02 Saidi
https://open.spotify.com/track/7Jer8ddQAn1FPPCqrx87Ax?si=jMO50UHeR_2W0vN3i3LWWw
Me pareció muy interesante el volver a reafirmar con evidencias contundentes que los hombres fueron unos gran protagonistas de las danzas. Es fuerte hacer la comparación con nuestra era, en donde se sigue viendo con cierta mirada peyorativa que el hombre baile, siendo que ya en el predinastico lo hacían y que eran una pieza fundamental en el ritual funerario.
Está bueno remarcar que realmente las figurillas, como la Bird Lady, no remiten exclusivamente a la danza, que podría tratarse de otra actividad y que esa mirada depende del investigador. Por lo tanto es algo subjetivo. Al igual que las interpretaciones que se hacen de las imágenes dentro de los templos o necrópolis egipcias. El belly podría… como no podría tener sus orígenes en el Antiguo Egipto.
Desde que conocí este concepto suelo asociar todas aquellas emociones o sentimientos profundos que quizá me cuestan definirlos, con la palabra Tarab. Al escuchar una canción, en un recital, viendo una performance o incluso bailando. No siempre o no cuando algo solo me produce alegria o un solo sentimiento como se habla en el video, sino cuando ya genera un extasis y cuando no encuentro palabras para describir lo que estoy sintiendo automáticamente lo asocio al Tarab.
Me hizo acordar como nos divertimos cuando en el Estudio, en una de las clases, tratamos de representar el video del contexto nativo. Me resulta súper interesante y enriquecedor este material audiovisual, el poder comparar a la danza en su contexto nativo, a las adaptaciones de la Reda Troup, el Firqat Qawmiyya y poniendo también en comparación que lo sé suele hacer en la actualidad.
Es interesante conocer como generalmente casi siempre nosotros como artistas hemos bailado la Muqqadima, que en realidad me parecen piezas de música muy ricas y maravillosas, logrando el objetivo de los compositores que es resaltar antes que salga la cantante.
En la música árabe clásica, la muqqadima no es solo un simple inicio, sino una pieza elaborada que establece el tono, el maqam y la atmósfera emocional de la obra.
En la ughniya ṭawīla, la muqqadima puede ser extensa y orquestal y lleva al oyente a prepararse para el desarrollo vocal y lírico volviéndose una pieza magistral.
Pienso que es un elemento crucial que refleja la riqueza de la música árabe.
No conocía estas formas musicales y tampoco que se asociaban a los “temas clásicos” de la música árabe. Me encuentro aquí en cómo de la Taqtuqa (una forma simple) se pasa a una gran composición más compleja y de larga duración como la Ughniya Tawila. Me llama la atención cómo está forma musical va tomando forma, un poco, a partir del pedido del público de que se repita varias veces la misma parte, y está “competencia” entre compositor y cantante, llevando a crear piezas súper ricas y que incluso en la actualidad se toman pequeñas partes para crear nuevas composiciones. Aprendí aquí, qué hay términos específicos para nombrar los clásicos, una definición para cada forma musical.
Me resulta muy interesante que siempre nos muestres las fuentes de las que se obtiene cada pieza de información, porque nos muestra lo dificultoso que es estudiar la Historia de la danza desde un punto de vista científico, basado en evidencias. Hasta hace algunos años era muy común escuchar y leer que la danza del vientre se habría originado en el Egipto Antiguo, con fines religiosos y bailada por mujeres. Gracias a la evidencia y su correcta interpretación, sabemos que no toda la danza en el Egipto faraónico tenía un carácter religioso i era realizada sólo por mujeres, sino que también podemos plantear que el hecho de que en Egipto existiera danza en la Edad Antigua no implica necesariamente que las danzas actuales tengan algún tipo de continuidad con aquellas danzas.
Por otro lado, recuerdo cuando hace ya varios años con la Compañía realizamos un cuadro basándonos en las autoras que se mencionan en esta clase. Creo que el video está disponible en el canal de YouTube del Estudio, invito a todas a que lo vean si les da curiosidad conocer ese cuadro.
Que interesante y rica es la Ughniya Tawila, como dentro de cada parte de su estructura nos seguimos encontrando con otras estructuras como en el caso de la Muqqadima. Y como de está “pequeña” parte inicial de la Ughniya Tawila surgen esos clásicos que hoy en día conocemos, que para ser más específicos podemos llamar Muqqadimas.
Gracias Maru por la actualización de las clases.
En el período pre dinástico, dentro de las diferentes funciones de la danza, también la danza es considerada; alimento para los dioses. Se encuentran 12 términos para denominar la danza, y el jeroglífico 32, que es un hombre bailando.
La estatuilla de bird lady, se interpreta como bailarina según algunos autores, y según otros no. Sin embargo, en algunos libros, se sigue poniendo como ejemplo de la primer evidencia de danza.
En las paletas y sellos, también se observan figuras, que podrían ser bailarinas.
Me resultó muy interesante, luego de haber bailado Muwashahat en el Estudio, poder ir completando ese conocimiento con la música, con los ritmos que se suelen utilizar en el mismo.
En principio, me parece importante poder utilizar el término adecuado para referisrse a esta población ROMANI que es como ellos se definen y no el término Gipsy que es como así los denominan aquellos que se encuentran por fuera de esta población. Por otro lado, saber que hay muchos estereotipos asociados a los romaníes que suelen ser tanto positivos como negativos también y que estas se extienden por todo el mundo, entonces no se debe homogeneizar cuando se habla de Romani. En cuanto a la Danza Romani Turca podemos encontrar dos estilos diferentes: la danza Romani y la danza Karsilama.
Analizar la Ughniya Tawila y todos sus componentes en un principio se volvió un poco complicado pero después de escuchar tres veces la tarea que enviaste mi Mari pude hacerlo. 🙂
Que importante es poder enriquecernos con todo este conocimiento ya que a la hora de bailar podemos dar mas contexto y más significado a nuestra danza.
El Mazhab es un momento muy importante de la canción que muchas veces dejamos de lado por dedicarnos a la Muqqadima.
Mil gracias Mari.
Excelente clase!!
Algo que me parece interesante es cómo el grupo de hombres que rodea a la bailarina genera un sentido de unidad. Andrea Deagon menciona que al aplaudir juntos en forma semicircular, refuerzan la idea de solidaridad. Es decir, no es solo un show donde alguien baila y los demás miran, sino que hay una interacción real, una energía compartida.
La Hagallah, especialmente en su contexto nativo, se mueve dentro de un esquema con significado donde su identidad puede estar “velada”, pero su presencia es esencial en la dinámica del ritual.
Lo que saco del Hagalla es que no es solo moverse libremente, sino hacerlo dentro de una historia, de un significado que va más allá de lo que se ve a simple vista.
Me fascino conocer acerca del Tabloh, la verdad no lo conocía. Había escuchado acerca del “Show de la bailarina” pero quizá con una estructura como por ej un tema presentación, un baladí y un derbake para finalizar. Pero no sabía que el Tabloh se solía encontrar el “show de la bailarina”. Me llamo mucho la atención toda esta preparación y puesta en escena, el contar una historia, las canciones hechas específicamente para ese momento, que de pronto se bailen otras danzas…. Me parece que le da un plus de creatividad al show.
En este caso, encontramos como evidencia el registro de los viajeros. Al no haber más evidencia que esa, creo que es una danza que nos invita a crear con bastante libertad ya que no hay una forma específica ni una música en particular. Genia Vir!!! Hermoso video!!!
Estas variaciones de los ritmos mencionados nos abre a la reelección acerca de la riqueza que se puede encontrar tanto en la música como en la danza. Poder reconocer que a veces al hablar de una población en particular no podemos homogeneizarla, hablamos de poblaciones con un montón de características que las diferencian. Este conocimiento con más detalle nos ofrece también un cierto respeto hacia estas poblaciones cuando decidimos tomar sus danzas para representarlas, dejando de lado aquellas características más comunes a las que se las suele asociar y abriendo mucho más el abanico de posibilidades que nos ofrecen.
Estimada Marina. Solicito por favor la activación del documental reel. Muchas gracias.
activado!
En la clase especial de Irene Shams, “Recorriendo la Ughniya” podemos entender que se da lugar a partir de la primera mitad del siglo XX, especialmente en Egipto, en donde, dentro del movimiento de modernización de la música árabe, empieza a ser mucho más elaborada y empieza a renacer en sus formas más complejas.
Expositores como como Umm Kulthum, Ahmed Rami, Mohamed Abdel Wahab, y Riad Al Sunbati, Wada, Abdel Halim Hafez, Farid l Atrash, entre otros hacen de cada Ughniya una pieza única en la historia de la música.
En un contexto histórico, se puede decir que surgió en un período de gran transformación en la música árabe, la cual también empezaba a expandirse por medio de la radio, el cine y la grabación discográfica.
Entre sus características principales tenemos:
Canción larga: como su nombre lo indica, las canciones podían durar entre 15 y 60 minutos.
Uso de orquesta moderna: incorporándose instrumentos occidentales: el violín, el violonchelo y el contrabajo junto con los árabes tradicionales como el oud, el qanun y el nay.
Estructura flexible: Incluía repeticiones, variaciones melódicas y cambios de ritmo, logrando que el cantante explore diferentes matices emocionales.
Énfasis en el tarab: La interpretación buscaba llevar al público a un estado de éxtasis musical a través de la improvisación vocal.
El poema, la musicalidad y el mensaje que este daba al público era muy importante y hacia que esta pieza musical sea muy valorada.
Este género alcanza su cúspide en las décadas de 1940 a 1970, con canciones muy preciadas, interpretadas por Umm Kulthum como: Enta Omri y Alf Leila wa Leila, o por Abdel Halim Hafez con Qariat Al-Fingan, entre otras.
Podemos decir que a pesar de que la música árabe ha ido evolucionando hoy en día hacia formatos más cortos y comercialmente más aceptados, la Ughniya Tawīla sigue siendo una referencia de la edad de oro de la música árabe y su riqueza innegable.
Gracias mi Mari por darnos la oportunidad de conocer a Irene ella es una genia de la música, y su forma de desglosar la Ughniya fue de mucha ayuda para poder apreciarla aún más.
Nos mostraste los estilos de danza según Lexova, que abarco varios períodos, y los movimientos según Kinney que se baso en el período del reino antiguo.
Se puede comprobar con estas evidencias, que los hombres también bailaban, y que la danza no solo se daba en contextos religiosos, sino, que abarcaba mucho más. Incluso, juegos y acrobacia, que ahora, no lo clasificaríamos como danza.
Aunque en algunas escuelas y libros se siga sosteniendo el mito de que el bellydance se originó en el antiguo Egipto, no se puede afirmar eso.
Cada concepto lo mostraste con una imagen, que ayuda a ejemplificar. Mientras miraba las imagenes, en muy pocas vi reflejada alguna característca del bellydance.
Repaso desde el inicio del Islam, que viene bien para dar contexto.
Se encuentran las Quiyan. Se sabe que además de música, bailaban, pero no hay mucha más información.
Es muy interesante como en esta lectura se encuentra un análisis profundo sobre el Tarab y su cultura, el cual va más allá de una simple apreciación estética, sino que además se convierte en una experiencia emocional y casi trascendental que se transmite desde el intérprete, los músicos y el público. podemos ver la evolución de esta expresión artística desde la época preislámica hasta la modernidad, nutriéndose con la poesía, la religión y los intercambios culturales con otras civilizaciones.
Un punto muy importante es la conexión entre la música y la emotividad en el Tarab, donde la interpretación, la improvisación y la retroalimentación con el público juegan un papel fundamental. Se resalta la importancia de los “maqamat” como el modo de la música árabe y como estos se relacionan con los estados emocionales que evocan.
Por otro lado es muy importante resaltar la relevancia del vocalista (mutrib) como el canal principal de transmisión de esta experiencia y cómo la audiencia (sammi’a) contribuye a la construcción del momento musical.
En general, me encanta leer este tipo de documentos, este específicamente, ofrece una visión profunda y bien fundamentada del Tarab, tanto como una expresión musical, como una manifestación cultural que refleja la identidad y la sensibilidad estética del mundo árabe. La riqueza del Tarab, es muy valiosa para quienes buscan comprender la esencia de la música árabe y el poder y llegada en el público que disfruta de ella.
Me parece importante abordar los inicios del Islam, porque sirve para poder contextualizar apropiadamente las prácticas artísticas que tienen alguna relación con los territorios vinculados a su influencia. Por otro lado, también ayuda a romper algunas ideas que pueden circular y contribuir a ciertos mitos en torno a nuestras danzas, que no hacen más que perpetuar estereotipos ligados a ideas orientalistas. Por ejemplo, no es raro encontrarnos con alusiones a esclavas en harenes árabes que bailaban para un sultán u otra figura similar. Estas clases contribuyen a comprender, por ejemplo, los procesos históricos que llevan a determinadas organizaciones familiares, a poner en duda si existían tales harenes de esclavas, si tenemos o no evidencia de las danzas y de la música (seguramente las hubo, porque están presentes en todas las culturas hasta donde puedo pensar, y, de hecho, están ligadas a nuestro desarrollo individual como especie, pero no sabemos cómo eran).
Me encantó la clase. Sobre todo que la improvisación no es “desordenada”, comparándolo como hablar sin estructura gramatical. También fue un gran repaso de tiempo, estilo y lo que significa un ritmo circular, un rebote. Me encantó la historia de la bailarina que salvó el Drum con una espectacular caída Turca, entendiendo lo impactante que debe ser tanto inicio como cierre. También tema de identidades culturales con los énfasis que realiza. Interesante lo que menciona que la base no se baila, pero más referido a que se prioriza la interpretación sobre la monotonía de la base y el uso inteligente de los recursos sobre la variación, por lo que es interesante desarrollar el estilo propio, así como el vocablo cultura. Destaco mucho lo que mencionó del entrenamiento físico, ya que un Drum Solo es realmente agotador con tanto shimmy, aparte como menciona, bajar la ansiedad porque se está en óptimas condiciones físicas y mentales.
En el texto se ve claramente cómo la imagen de la mujer gitana ha sido aprovechada y/o explotada en muchos contextos, desde concursos de belleza hasta la danza del vientre, para generar beneficios económicos. A pesar de que los organizadores de estos eventos suelen justificarlo como una forma de empoderar a las mujeres gitanas y desafiar estereotipos negativos, la realidad es que, muchas veces, lo que realmente se está haciendo es mercantilizar su imagen, enfocándose en su sexualidad y “exoticidad”. Aunque estas mujeres ganan algo de visibilidad, y acceden a algunas oportunidades, esta visibilidad sigue siendo muy superficial y está basada en estereotipos que las limitan.
Es interesante cómo, incluso cuando los propios romaníes intentan apropiarse de estas representaciones para aprovecharlas económicamente, siguen siendo marginalizados en la industria. A pesar de participar activamente en su cultura, no tienen el control real sobre la forma en que se les ve ni los beneficios que generan estas imágenes. Se habla de cómo, a pesar de que los gitanos pueden estar involucrados en la producción de estas imágenes, no se benefician de la misma manera que los no gitanos.
Al final, esto muestra cómo las desigualdades de poder, tanto económicas como sociales, siguen impidiendo que las mujeres gitanas tengan una verdadera autonomía, aunque a veces parezca que hay algunos avances.
Sobre el video de la Historia de la música, me parece muy importante saber como fue su origen y su evolución desde la perspectiva de una bailarina.
A través de las investigaciones podemos saber que comenzó en la época pre-islamica entre dos Imperios enemigos : Bizantino y Sasánida. En donde la cultura se destacó por la Oralidad y la Poesía la cual fue primordial para el comienzo de la Música.
Se podían escuchar canciones simples como las folclóricas y también las poesías las cuales se recitaban en las casas de los nobles.
Paso el tiempo y Mohamed inicia la cultura de la religión, llegó para unir a la población políticamente y religiosamente.
En la ciudades Maca y Medina fue fundada la tradición musical ya que las casas se transformaban en salones de entretenimiento para las bailarinas y los cantantes.
Todo el esplendor de la época da paso a la música y su evolución la cual es primordial saber y entender así sabemos lo que bailamos.
Con esta segunda clase de la Historia de la música me parece importante de la época de los Califatos de Omeya que pudieron poner la lengua
Arabe como oficial y que a los músicos se los alentó y patrocinó. Haciendo que sean alentados a cantar alabanzas y poemas con música.
Gracias a esto puedieron convertir sus casas en escuelas de música.
La otra parte importante de esta clase es sobre el Califato Abbasida, donde se busca un músico que sea perfecto, cumpliendo con varios requisitos como por ejemplo: ser dotado de un talento natural para la música, tener creatividad, tocar algún instrumento, ser cantante, saber escribir prosa, entre otras cosas también debían tener habilidad en el escenario.
Lo bueno de esta época es que las reuniones formales e informales ayudaron al desarrollo de la música.
Me parece interesante lo que dice Farida porque cuenta cómo algo que era parte de la vida diaria terminó transformándose en una danza escénica. La milaya no era algo con lo que las mujeres egipcias bailaban, sino una prenda que usaban para cubrirse, pero en el teatro se convirtió en una extensión del movimiento.
Con el tiempo, muchos creyeron que era una danza tradicional cuando en realidad fue creada por la Reda Troupe.
Es muy importante conocer el origen de lo que bailamos, para entender mejor su significado y respetar su historia.
Hoy en día la milaya ha evolucionado mucho, con una interpretación más artística y estilizada Aunque su origen no es tradicional, se ha convertido en un símbolo de elegancia y feminidad.
Comprendo que la música nubia es como un puente entre el pasado y el presente, entre lo perdido y lo que se ha adaptado.
También me solía pasar de escuchar la música alegre, y pensamos que es solo una canción para bailar, pero detrás de esas melodías y ritmos hay historias que nos hablan de un sufrimiento que no conocemos.
Nos cuentan de la tristeza por lo que se ha dejado atrás, el anhelo de regresar a un lugar que ya no existe, es algo que se canta y se baila, porque a través del arte los nubios encontraron una manera de hacer que sus recuerdos sigan vivos, sobre todo para las nuevas generaciones.
En los ejemplos de músicas mencionados “Wa Nuba” al escucharla me transmite nostalgia al cuestionar si algún día podrán olvidar su tierra natal, con recuerdos tan presentes como las aguas del Nilo o las playas donde solían correr.
Estos ejemplos muestran cómo la música se convierte en una forma de procesar el desarraigo, una forma de recordar lo que se perdió y, a su vez, una manera de honrar esa tierra que ya no pueden habitar.
Súper interesante poder acercarme un poquito a la psicología aplicada a la danza, agradezco por haberme acercado este material y una genia Leto!!! Comparto con lo comentado en la clase sobre poder proporcionarles a los alumnos y alumnas un buen entorno de enseñanza, de calidez y de no minimizar las motivaciones de los mismos ya que todos podemos tener motivaciones diferentes y que pueden ir cambiando a lo largo del tiempo. También rescato la idea de poder utilizar imágenes de los alumnos o incluso videos en vez de dibujitos o fotos de bailarines quizá un poco más inalcanzables, si hay una de las cosas que destaco de Estudio SAHAR y que como docente empecé a incorporar es esto, poder visibilizar el trabajo de alumnos y alumnas.
Me ha sorprendido y es llamativo saber que historiadores islámicos se refieran a la música y poesía de la época pre-islámica como simples canciones folclóricas, dado que no hay registros de ellas por su oralidad, dejando asi un sello de duda en el lector.
También es interesante la aparición del “sonido” como música, los cantos fúnebres y lo musical/danza relacionado con las esclavas (como estamos acostumbrados a leer y saber de la época).
El hecho de que las ciudades santas sean centros de expansión de la música y poesía, hizo que se expandiera esta hacia otras culturas y que a su vez se la relacione con la religión.
Considero que esta clase es rica en contenidos para una bailarina, dado que nos explica el comienzo de la música relacionada con la religión y la historia.
Me encantoooo!!! Y también me sirve un montón para trabajar la Mellaya de este año. Súper clara la explicación de Ingrid en cuanto a lo técnico y lo expresivo también.
La segunda clase de historia de la música árabe ayuda a comprender su relación con la religión y poder compararlo con la actualidad; como cuando se relaciono la música como algo sexual o pagano y hoy lo vemos reflejado en la danza. Para que la música árabe creciera, su popularidad en la capital del califato y, por lo tanto, el comercio y sumado a las conquistas territoriales, hicieron posible que se sumaran elementos nuevos y nos cuestionemos “la tradición musical” de la época del califato omeya. Este cuestionamiento se produce porque al conquistar nuevos territorios, se “apropian” aspectos culturales de las nuevas tierras y se incluyen en lo”tradicional” del imperio; entonces, no existe tal tradición musical árabe. Así mismo es interesante saber que desde allí, se utiliza la lengua árabe como oficial en dicho imperio; porque los registros musicales tengan, por consecuencia, es su mayoría, su lengua en la voz.
Es importante destacar que en el califato Abbasida se alienta a la música, los músicos crean escuelas y la esfera de lo artístico crece.
Nos muestra las bases de la música árabe, su relación con la danza, religión y expansión de la misma .
La importancia de la ritmologia y el pulso en la bailarina es primordial porque ayuda a que se desarrolle mejor en su repertorio y que sea mas fácil identificar como sera la música y la composición de la misma. Como dice Touma, existen dos géneros: 1) con organización rítmicos temporal fija y 2) con organización rítmico temporal libre.
Si una bailarina sabe reconocer estos géneros, le será fácil saber cual sera el estilo que bailara y como podrá ejecutarlo de la mejor manera posible. Por ejemplo: en el primero genero, se encuentran canciones que tienen pulso y ritmo, donde se podría hacer mas “fácil” bailarlo a quien sea principiante o le cueste encontrar el ritmo/pulso porque son, generalmente, secuencias musicales repetitivas que se pueden aprender por escucharlas mucho tiempo y memorizarlas a tempo.
En el segundo caso, como podría ser un taxim, es mas “difícil” llevar a cabo una secuencia bailada, dado que al no tener un pulso ni ritmo especifico, cuesta tomarlo como referencia para lo que vendrá musicalmente y ayudarnos a improvisar.
Por lo tanto, practicar el pulso y tener conocimiento de ello, supone de una herramienta fundamental para la bailarina.
Entrenar el oído relacionado con el compás, pulsos y acentos sera de gran ayuda para la bailarina porque le permitirá reconocer melodías y ritmos donde podrá poner cierta secuencia de baile que se relacione con la música. Así mismo, saber que iqa tiene un compás de cierta cantidad de tiempos, también le permite saber, por general, que estilo estará bailando, dado que en la música árabe se relaciona estilos con pasos específicos y sus ritmos,
Muy buena clase para refrescar el contexto durante la etapa de la jahiliya tanto de la música principalmente, como de la danza de esta zona (si bien de la última no tenemos tantas evidencias). Con la llegada del Islam y la guia de los hechos y dichos del profeta nos da la pauta que todo lo que Muhammad vivió, como el enfrentamiento con las qiyan, marcará una manera de manejarse por parte de los musulmanes que estarán sujetos a los hadicez. Y no es de sorprenderse que hoy en día hayan bastantes asperezas con el arte musical, si en dicho momento el profeta condenó a las esclavas cantoras por cantar en su contra. Me pareció muy interesante hacer ese paralelismo para poder también entender el manejo de la cultura islámica y entenderla desde cierto punto
Esta clase es muy importante porque aprender que los ritmos contienen sonidos y silencios, hace que la bailarina comprenda y le sea mas fácil poder ubicar pasos y secuencias en relación a ello. Agudizar el oído y aprender sobre pulso (constante o irregular), acentos y ritmos es fundamental para la misma. Cuando mayor sea su conocimiento sobre este tema, mayor facilidad tendrá a la hora de ejecutar una coreografía y reconocerlos.
Me ha costado un poco hasta que el ejercicio del chasquido y subir y bajar la mano me ha sido de gran ayuda para colocar las figuras a tiempo y llevarlo mejor con el pulso. Aunque puede ser complicado al principio, requiere de practica porque es algo que utilizaremos siempre de aquí en adelante y es de suma importancia. Contabilizar el numero y cantidad de figuras, puede ayudarnos a saber si esta bien escrito o no, cuando el numerador y denominador sea diferente al tiempo del ritmo, por ejemplo.
Aprender sobre la lectura de las figuras, puntillo y anacruza, nos permite saber sobre como reconocer, leer y aprender correctamente los ritmos. Si tenemos en cuenta lo aprendido hoy en esta clase y nos encontramos con un derbakista, nos será fácil reconocer, por ejemplo, si en algún ritmo utiliza la anacruza y nos damos cuenta, para ejecutar correctamente los pasos con la música.
Aprender sobre la estructura de la música es fundamental para la bailarina y el ejemplo que dio Marina de su alumna donde corrigió su coreografía e hizo que analizara la canción, demuestra que estudiarla nos favorece mucho y logramos así una optima interpretación de la misma. En lo personal también me ha pasado algo similar con un tema romántico y cuando traduje la letra, lo sentí distinto y pude interpretarlo de otra manera. Aunque nos lleve mas tiempo analizar la estructura y forma musical, nos enriquece y ayuda a la hora de armar la coreografía correctamente.
Conocer estos 3 tipos de formas musicales y sus improvisaciones es importante para la bailarina. El layali sabemos que dice, por lo tanto, acompañaremos los pasos o secuencia en base a la voz pero también a la música. En cambio, sabemos que los mawwal son improvisaciones vocales de poemas relacionados al amor, entonces tenemos allí una “ayuda” sobre lo que dirá la letra y como podemos interpretarlo. A su vez, el taxim, que es una improvisación musical, debemos tener en cuenta que instrumento es que realiza dicha improvisación para definir si nuestros pasos serán mayormente mas de ondulación, vibración o de golpes.
Saber esto, nos ayuda mucho tanto para la música como para la danza.
Saber que los taxim tienen secciones musicales de diferentes tiempos y que pueden ser clasificados por ello. Que pueden tener ritmos (que son tocados por otro instrumento) y que siempre, o como norma general, la bailarina debe seguir el taxim y no la melodía que lo acompaña. Y que los silencios, si son respetados, aunque no siempre, por la bailarina, nos aporta también mayor “comprensión” de aquello que improvisa el músico y de esa forma, iríamos en sintonia con este.
No conocía el termino de eftatahya ni su estructura (algo suponemos como bailarines pero no tan detallado) y me parece super importante poder escucharlo y saber desglosarlo. Los dos tipos de estructuras son útiles para poder despedazar la canción y hacer un uso eficaz de la secuencias y pasos para las coreografías,
Al principio me ha costado entender esta manera de escritura y lectura de ritmos pero luego me di cuenta que es mas fácil y a su vez, es mas probable leerlo correctamente con las notas musicales y sus silencios que la escritura de, por ejemplo, D–T–T-D–T
Me ha sido muy útil y enriquecedor.
También he aprendido a escribir los ritmos con el método de Saida pero al aprender a escribirlos como lo hemos hecho hoy, siento que es mas fácil de leer y escribir; Porque a veces en exámenes hacen que los escribamos y nos hacemos lio con los silencios y tal. De este modo, si quiero escribirlo, es mas fácil y hay menos errores de escritura.
Que clase tan maravillosa, no tenia idea de la existencia del Tabloh en el bellydance,
Se podría decir que es una expresión escénica coreografiada, que permite hacer lucir a la bailarina revelando toda su capacidad artística en diferentes tipos de géneros dancísticos y arte (como cantante y bailarina), con una narrativa visual, contando una historia determinada. En definitiva, el tabloh es una manifestación del aspecto teatral y narrativo del bellydance, que en mi opinión, enriqueció la danza, situándola dentro de un contexto cultural más completo, integrando mas bailarines en escena, compositores, guionistas y gente profesional, con un protagonista central: la bailarina principal.
Fue muy interesante ver a bailarinas como Fifi Abdu, Nagwa Fuad y la pequeñita Fairuz, cuyo conocimiento artístico no nos da más que un gran ejemplo de arte y versatilidad.
Seria muy interesante traer al tabloh de vuelta, es una pena que ya no se lo realice.
Gracias Mari por tan linda clase!
Hermosa clase llena de info!!! Me resulo super interesante e importante, a la hora de hacer correcciones, poder destacar en principio lo positivo, aquello que SI logró el alumno y aplicar también el método “sándwich” resaltando algo positivo, en el medio algún aspecto a corregir y luego otro comentario positivo. Por otro lado me resulta de suma importancia poder captar que tipo de mensaje me está transmitiendo el alumno para poder entender si es le está ocurriendo algo en lo personal que le esté generando alguna traba o desmotivados con respecto a las clases y poder acompañarlo. Por último creo muchísimo en poder destacar más los procesos que los resultados, aquellos alumnos que quizá les cueste un poco más pero que se ve un compromiso y ganas de aprender, creo que es mucho más valorable a que el producto final sea el único objetivo, es transmitir como profe la idea de poder disfrutar en la muestra final el proceso de trabajo de todo un año.
En principio quería aclarar que la verdad no manejo para nada el inglés, intente traducir con googleo pero hay partecitas que no me las traducía . Pude rescatar un poco la idea de que la milaya era entendida como algo tradicional/indígena (solo un atuendo) pero que con el tiempo se convirtió en una extensión de la danza y fue creada por Mahmoud Reda y llevada a caso por la RuedaTroupe.
Es importante saber las bases de los ritmos, porque de esta manera nos sera mas fácil reconocerlos y escribirlos.
Armar secuencias con los ritmos, me ha servido luego para identificarlos también cuando los escucho, porque recuerdo que ciertos pasos he usado y caían en cierto tiempo y me ayudaba a deducirlos. También el estilo del ritmo y en donde podríamos escucharlos.
Mahontest Alaya de Amal Maher
https://open.spotify.com/intl-es/track/7intXQuixD0dS1GBGGZRmL?si=f337761662474040
Maksum como base desde el comienzo
Alf lela u lela de Mario Kirlis: https://open.spotify.com/intl-es/track/7jIoFOiZirKH1zHN4T7gs6?si=ca89f99989b344cc
Masmudi: hasta 0:24 / Maksum: 0:24 a 0:39 / Baladi: 0:39 a 1:01 / Fallahi 4:10 a 4:21
El baston de Mario Kirlis
https://open.spotify.com/intl-es/track/4GR2K7YcCtP8HGCzUvrrdj?si=0af086f685784f72 Tiene el Tabl como base de la cancion.
Soheir Zaki de Raffi Avakian https://open.spotify.com/intl-es/track/6hXepfTRvLIkvyb0j51jga?si=4c38e9a41781443c
Malfuf: 0:33 a 1:10 / Baladi: 3:10 a 3:30 / Fallahi: 3:30 a 3:51 / Chiftetelli: 4:40 a 5:03
Me hes super practico escucharlo y poder cantar encima de la música con el ritmo escrito. Viene genial
Es cierto que en un mundo del bellydance siempre se relaciona el saidi con raqs al assaya únicamente pero es un termino de una región que abarca muchísimas danzas, como hemos visto en esta clase.
Es importante saber desde el inicio de la danza y su evolución. Nos hace verlo con otros ojos y comprender su contexto
En este artículo de Farida se puede ver claramente cómo la falta de información a la hora de representar o interpretar una danza puede llegar, incluso, a generar un mal estar y una falta de respeto para aquella personas que respetan su país y sus tradiciones. Farida nos comenta que la Millaya formaba parte del patrimonio cultural de su país y que la información errónea produjo que tanto la danza como la vestimenta se desdibujara totalmente y perdiera su verdadera esencia. En principio la Millayah la utilizaban las mujeres de bajos recursos para cubrirse la ropa al salir de sus casas, una envoltura que llevaba la Bint al balad, que luego fue tendencia en la moda y a modo de teatralizacion fue llevada por Mahmoud Reda al escenario. Me resulta fascinante como el coreógrafo se baso en los personajes y en el ambiente en donde había crecido y su cultura para crear esta “danza”.
https://www.youtube.com/watch?v=tfmRvE78Fm4 Taxim de Mizmar
En este texto se puede observar un análisis más profundo acerca del Tarab. Esta conexión entre musico y espectador se produce a partir de un estado recíproco entre ambos, los estados emocionales que se hacen presentes son provocados tanto por el ejecutante como por la audiencia. Y no se habla solo de Tarab como un estado de emocionalidad elevado que puede tanto de alegria como de tristeza, sino que también refiere a un estilo de música. Me resultó muy interesante esta idea de que el Tarab es el punto en donde se encuentran el sentimiento y el intelecto del músico que es quien compone, interpreta e improvisa. También, así como el músico está formado en la cultura del Tarab, el autor describe como los oyentes deben estar cultivados en el arte y deben tener un oído astuto, se habla de un oyente ideal para el completo disfrute de la experiencia. Por último, mucho se remarca el Tarab como una filosofía estética con un estilo y una forma particular de ver la música desde una autenticidad cultural que caracteriza a un pueblo.
Me encantó el curso en general, muy clara Joana explicando tanto la pare teórica como a técnica/práctica también. Me guso mucho poder conocer esta danza romani un poquito más en profundidad situándola ya por zona geográfica, en este caso desde la danza de los balcanes donde ya se conoce con un nombre en específico “el COCEK”. Y que no sólo es una danza sino también es una forma musical y na forma de vida. El Cocek como danza tiene como característica principal la improvisación que suele bailarse de forma individual y manteniendo una forma e semicírculo con movimientos pequeños sutiles, Joana nos dice que se baila desde adentro (sentido, con el Alma) hacia afuera con total naturalidad. Pero al querer adaptar esa danza y también a música para escenario, dice que la esencia se pierde totalmente, ya que los movimientos van a ser más grandes, la improvisación se pierde o se realiza enmarcada dentro de una estructura. Por eso, creo que hay que tener mucho cuidado y respeto al representar una danza tradicional de un pueblo, creo que está buenísimo dar a conocer, en este caso está danza, pero siempre cuidando su esencia.
Me fascina el Dabke y agradezco este material para acercarme un poco más a esta danza. Sabía que surge de una danza social donde las personas se juntaban para construir sus viviendas, donde tomados de las manos ejecutaban pisadas fuertes para compactar los techos y esta acción se acompañaba con patrones rítmicos. Me llama la atención cómo está danza social paso a ser una danza de carácter político, con el propósito de transmitir un mensaje político como por ej sucede con la cuestión palestina. Las representaciones transmitían declaraciones de resistencia frente a la dominación israelí. Tuve la oportunidad de tomar una clase de Dabke en la embajada palestina y recuerdo que presentaron esta danza como una danza de resistencia y luego al bailarla me súper emocionó y al leer este texto puedo entender un poco mejor lo vivenciado, desde la idea de una danza social ya que bailamos en filas y semicírculos tomados de la mano y esta cuestión política como danza de resistencia tomando el contexto por cual Palestina está pasando.
Mari, me puedes ayudar activando esta clase por favor
activado!
Taxim de Laud
https://open.spotify.com/intl-es/track/3Aqvm36X2KmymIJ6byjn03?si=f0403bedd7744cf2
Es cierto que es un recurso como bailarina reconocer los instrumentos y eso le dará una herramienta importante, ya que sabemos que si son de viento, predominan las ondulaciones, si son de cuerda las vibraciones y de percusión con golpes (en general).
Es interesante ver como evoluciono el takht a orquesta tanto en puesta en escena como en instrumentos. Es algo que es bonito de ver.
Lo que plantea Farida es correcto dado que no podemos llamar “Saidi” a una sola danza donde el Sa`id es una zona geográfica, por lo tanto decir “saidi” no estaríamos incorporando a todas las danzas que se encuentren allí.
Es importante también su estudio, dado que sino repetimos un concepto erróneo y se sigue replicando. Tal como es el caso de “danzas árabes” para denominar al bellydance o danza del vientre, cuando hay danzas que quizás bailemos que no sean árabes y están siendo mal clasificadas o invisibilizadas.
En lo personal no tenia conocimiento acerca del termina Eftatahia, me parece que al conocer el término nos da más posibilidades también a la hora de buscar música.En cuanto a los distintos análisis planteados en la clase , creo q enriquecen nuestra manera de bailar y coreografías. Aprender a desglosar la música y analizarla hace más rico nuestro proceso
Nunca me han enseñado el samai como pieza musical y estilo, solamente sabia sobre el ritmo. Me parece una composición musical muy bonita y que sea casi todo valseado, me parece aun mas interesante. Considero importante también saber la diferencia entre estas definiciones, dado que sino hablamos de dos conceptos diferentes pero le damos el mismo nombre, como con el saidi para referirse al Raks Al Assaya.
Es interesante ver como en el principio del texto se muestra la música y la danza como algo pagano, instigador de lo sexual, que anula la hombría, etc. A su vez, que la música hace que nos conectemos con las emociones y si un hombre llora, no será recibido por Allah; y que si una mujer canta, es instigación de fornicación, por lo tanto, Allah no la recibirá.
Luego se explica como, a medida que pasa el tiempo, se comienza a relacionar la danza y música con el alma, con Allah, y ello lo lleva a verlos, por algunos, como algo bueno… Pero, como dijo Al-Nabulusi “si cantar, tocar instrumentos y bailar sirven a buenos propósitos, son permisibles. Por el contrario, la música, en todas sus formas, debe ser desterrada si se asocia con pasiones e intoxicaciones”.
Frases como la siguiente “Muchos eruditos se refieren al efecto dañino de la música en el comportamiento y el juicio del hombre, ya que lo impulsa a actuar como alguien que se ha vuelto loco, un efecto también asociado con beber vino, fornicación y otros vicios.” son interesantes para analizar y su relación con la religión. Todo esto fue dicho aunque no este nada escrito ni prohibido en el “Coran”, lo cual resulta interesante.
Me parece super interesante que el Coran no hable ni prohíba la música pero si que lo hagan las personas en nombre y honor a Allah. También como se ha perdido parte de aquel momento en relación a lo cultural, dado que a través de la música, se quedaran registros de aquel momento. Es impresionante como en nombre de una religión o en afán del bienestar de una población, se prohíban cosas que, en verdad, pueden generar distintos sentimientos o actitudes en diferentes personas.
Es importante que la bailarina siempre, o en su mayoría, siga la melodía (cuando se trata de un taxim con base rítmica). A su vez, que la bailarina se acostumbre y sepa como se componen los taxim y sus fases, le permitiría improvisar mejor, es decir, saber que al principio sera mas suave, que la música irá aumentando hasta su punto máximo que nos demuestra que se acerca el final, etc.
Na7Nou7
RESUMEN
* Arrastrado x4
* Maya / cabeza / golpes 2-1
* Caminata
* Descaderados I-D + contrapaso
* Hagallah I-D
* Chiquitito D Twist
* Giro hombro D
* Rond D-I(tendu)-D(crossfront)-I 4ta
* Batido
* Hagallah grirando
* Chiquitito I atrás / Passé
* Golpes D-I-D
* Camello reverse x2
* Wrap turn D atrás
* Maya D-D
* Balancé I-D
* Volcadita + medio giro
* Pecho x2
* Camello triple paso x4
* Giro detorné
* Volcar cabello
* Giro 2da
* Pose
DETALLE
Arrastrados
1. Cadera derecha
2. Cadera izquierda
3. Cadera derecha
4. Cadera izquierda
Brazos 2da-relajada, manos ondulantes, no separar tanto los pies para que gire la cadera, el pie sale en kick siendo el último el izquierdo.
Golpes
1. Tendu derecha, luego maya
2. Media luna cabeza D-I
3. Caderas x2 adelante
4. Pie izq atrás + golpe cadera
En el maya, brazo contrario en nuca, brazo del maya en 2da.
Media luna cabeza es derecha a izquierda y con brazos en “A”.
Mantengo “A” en los golpes adelante.
El de atrás, el brazo del pie que va atrás se estira hacia adelante. Otro en 2da.
Caminata
1. Piso I, piso D, piso I, Coupe D
2. Piso D, piso I, piso D, Coupe I
3. Piso I, piso D, piso I, Coupe D
4. Piso D, piso I, piso D, Coupe I
Brazos en “A”.
Cuerpo se inclina al lado contrario del passé. Como que te persiguen o empujan.
Hagallah
1. Pisa atrás I con descaderado
Pisa atrás D con descaderado
2. Contrapaso
(Pisa atrás I, luego D rotada planta)
3. Hagallah I
4. Hagallah D
Se mantiene la “A”.
Para los hagallah se estira completamente el pie hacia adelante.
Chiquititos con Derecha
1. Chiquitito: Mirando a “8”, piso atrás D + shimmy Piso I + shimmy sobre el sitio
2. Piso adelante D twist D (izq rota)
3. Giro: Pisa I adelante giro horario (hombro derecho
4. Caminata:
Ronde de Jambre D atrás
Abro pie I
Cruza D por delante
Abre I para terminar en 4ta mirando “8”
Para el chiquitito, el brazo del pie que retrocede en cuchara, el brazo contrario estirado al frente.
Para el twist regreso a “A”.
Giro en 2da pero termino con brazos en 1era haciendo globo los cuales abro mientras hago el paso 4, quedando en una 2da de ballet.
Batida
1. Batido doble
2. Batido doble + kick
3. Hagallah 1 izq (1), der (3)
4. Hagallah izq (5), der (5)
Para el batido, el brazo del pie de frente está en 2da, el otro está estirado hacia arriba.
Para los hagallah 1 regreso al “A”.
Chiquitito Camello
1. Chiquitito izq/der
2. Pisa I adelante, mediogiro passé D
3. Abre D, golpe D-I
4. Sigue golpe D
Continúo en “A”
Camello
1. Reverse
2. Reverse
3. Giro detourné
4. –
En los camello reverse, el Pie I sigue el planta, pero el D está en punta, mientras que se mira a “8”.
Para girar el pie D en punta se planta detrás y se gira en 2 tiempos.
Mayas y Balancés
1. Maya derecha
2. Maya derecha
3. Balance izquierda + kick ronddj
4. Balance derecha + kick ronddj
En el maya el brazo del maya va en cuchara, el contrario en 2da.
Para los balance, es un 8 arriba con cambio de peso sin cambiar posición de pies pero procurando cadera abierta para no tener pierna chueca.
El brazo peina el lado contrario a la cadera que sube, el otro está en 2da.
Volcada peque con pecho
1. Cadera volcada
2. Cadera volcada + medio giro fast
3. Pecho hacia izq
4. Pecho hacia izq
Brazo contrario (I) estirado, otro en cuchara.
Para pecho, brazos suben y bajan tipo ofrenda con codos hacia atrás.
Camello con triple paso
1. Camello pie D atrás hacia “8”
2. Camello pie I atrás hacia “7”
3. Giro + Camello pie D atrás
4. Girar al otro lado + Camello pie I atrás
Para el primer camello se pisa derecha atrás, pisa izquierda en sitio, luego regresa derecha pisando al centro.
Para el giro a la hora que pisa la I para regresar en 6ta se da un medio giro.
Giro y pose final
1. Giro detourné derecha
2. Bajar cabello adelante
3. Girar en 2da con cabello
4. Pose final
Pierna derecha cruza hacia adelante pero el cuerpo mira hacia atrás. Mirando hacia atrás, pierna derecha adelante 4ta, manos en “pockets” con la derecha atrás en costillas y la izq adelante.
Me desenredo en medio giro para ir abajo.
Bajo torso con manos al piso, subimos abriendo brazos mientras peino mi cabello hacia atrás. Giro cabeza en 2da.
Practicar:
Full: 46:00
https://estudiosahar.com/cursosonline/courses-3/profesorado-en-danzas-arabes-nivel-intermedio/15855/
RESUMEN
* Arrastrado x4
* Maya / cabeza / golpes 2-1
* Caminata
* Descaderados I-D + contrapaso
* Hagallah I-D
* Chiquitito D Twist
* Giro hombro D
* Rond D-I(tendu)-D(crossfront)-I 4ta
* Batido
* Hagallah grirando
* Chiquitito I atrás / Passé
* Golpes D-I-D
* Camello reverse x2
* Wrap turn D atrás
* Maya D-D
* Balancé I-D
* Volcadita + medio giro
* Pecho x2
* Camello triple paso x4
* Giro detorné
* Volcar cabello
* Giro 2da
* Pose
RESUMEN
– Arrastrado x4
– Maya / cabeza / golpes 2-1
– Caminata
Es interesante que se ponen a europeos de jueces en la conferencia y que la falta de la armonía en la música árabe y que su “progreso” sea buscado en el occidente ya que la música estaba desordenada y representada por músicos que no habían sido escolarizados y que no representaban la cultura musical de Egipto y por lo tanto, la imagen cultural nacional e internacional que se esta dando, no es la deseada. Si el desarrollo esta en Occidente, serán ellos los que juzgaran.
Dentro de la conferencia de 1932, el comité de instrumentos musicales debía determinar qué instrumentos europeos podrían utilizarse adecuadamente en la música árabe. Buscaron desarrollar estrategias que dirigieran el cambio musical en los años venideros. Se aferraban a la creencia de que la teoría debía generar una práctica, no al revés. Para ello, el comité dio pautas para la enseñanza curricular de la misma.
Dicho esto, en aquel momento, dio sus frutos y han logrado parte del objetivo pero al pasar los años, el autor consulta aun músico en 2005 y le dice que vuelve a estar la misma problemática “los institutos de música no exigen ni enseñan de una manera que hagan profesionales de 1er nivel” donde aquellos que desean serlo, deben buscar sus caminos por fuera del instituto porque allí no lo lograran.
Es interesante que antiguamente y contemporáneamente se clasifiquen en 3 divisiones a los instrumentos: cuerda, viento y rítmicos. En el siglo IX, se le daba más importancia a la voz y se decía que los instrumentos frustraban el deseo de libertad total del cantante. A su vez, era complicado encontrar audiencia que escuchara solo la melodía sin voz, como han intentado con el laúd; tuvieron que volver a tocarlo con un cantante. En el texto, se explica el origen o donde se tiene registros de los primeros usos de los instrumentos, como evolucionaron y la adaptación de instrumentos occidentales en la música árabe después de 1932
Hola Maru, buen día! Solicito el acceso al documental por favor. Muchas gracias!
Hola Lu! Activado.
Otro curso increíble de Joana tanto a nivel teórico, técnico y coreográfico. Gracias por todo este material!!! Me llamo mucho la atención lo diferente que es esta danza a comparación de la danza romani de los alcanes, cada una una con su historia, sus influencias, su técnica, sus vestuarios; y lleva reflexionar como dentro del Bellydance tendemos a homogeneizar todo en una misma danza “gipsy” como si solo hubiera una forma de bailarla. En este caso, en la danza romni rusa nos encontramos con que se diferencia la forma de bailar de los hombres con la de las mujeres. Russka Roma no sólo refiere a la danza sino que también es así como se denomina a uno de los subgrupos étnicos gitanos de Rusia. Algo que me llamó mucho la atención la inspiración de los movimientos que tienen que ver, por un lado con los movimientos de los caballos (en cuanto a tecnica de los pies), y por otro lado, los movimientos de los brazos relacionados a los pájaros. Una combinación musa tierra en la zona inferior y muy etérea en la parte superior del cuerpo. Por último me resultó super emocionante el final e la clase teórica, ee breve momento para recordar el dolor con el que el pueblo romani carga. Hermosa la coreografia con la música de su himno.
Tremenda clase!!! Un super desafío, y mucho ensayo. La explicación técnica es muy clara y agradezco los tips interpretativos también. Poder escuchar la música y reconocer qe emociones nos generan en cada parte y a prir de ello el poder armar parasitaria una historia.
Me encantó la clase (aunque no haya comprendido una sola palabra el inglés) me qede con anas de seguir bailando, los movimientos pudieron verse super claros y además de los Haggalas 1,2 y 3 que ya conocía me encontré con otros pasos (también conocidos) pero que no sabía que eran utilizados para bailar esta danza.
Es interesante como Irene nos explica que la Ughniya Tawila tiene toda una estructura pensada para generar emociones y que cada sección cumple una función; con la introducción te sumergís en el ambiente, las frases van construyendo la intensidad, algunas generan tensión y otras sirven como pausas o transiciones, y la voz entra en momentos claves para transmitir la emoción máxima o alcanzar el Tarab.
Me llamó la atención cómo se juegan con los registros y la tensión, subiendo y bajando para generar diferentes efectos. También que hay muchas repeticiones, pero con variaciones sutiles que van sumando emoción o generan otra.
Además me gustó que nos haya explicado la letra del tema elegido también para poder entender más la interpretación de la cantante y la relación con la música que acompaña a la letra.
Ahora entiendo mejor cómo se construye la Ughniya y seguramente lo escuche con más detalle en el futuro.
Me encantó esta clase de psico. aplicada a la danza ya que aprendí y me hizo entender muchas cosas; muchas veces en la danza nos enfocamos solo en la técnica, en los pasos, en cómo se ve desde afuera, y nos olvidamos de lo que pasa adentro, como la confianza que se entrena y no es algo con lo que simplemente se nace. Y la pirámide de la actitud escénica muestra que la motivación sostiene todo: sin ella, la confianza, la intensidad y la concentración se desmoronan, y no habría mejoría en ningún aspecto. Y cómo sostener esta motivación a nuestros alumnos, porque no solo se trata de marcar errores y corregir técnica, sino de entender qué le pasa a cada alumno con la danza. Acompañar en la parte mental y emocional también es parte del trabajo en la danza. Me encantaron los tips.
Me parece interesante como la comunicación está en todo, incluso cuando no hablamos. Y para que esta sea efectiva es clave adaptarnos a cada alumno y cada situación, ser claros y dar mensajes con información útil, no solo marcar errores sino también corregir y reforzar lo positivo. Además, es importante separar hechos de opiniones, evaluar conductas y no personas, y ser coherentes entre lo que decimos y hacemos, todo esto para generar una buena relación con el alumnado y que ambos se puedan comunicar claramente y sin males entendidos.
Me encantaron estas sugerencias que sin dudas las implementaré.
Es interesante la influencia de occidente y las “peleas” internas de nacionalismo y la evolución de la música árabe por fuera de sus “raíces”. A pesar de las conquistas que han tenido, han decidido sumar elementos de aquellos países y de otros, sin influencia (como Latinoamerica) a la propia y es interesante de analizar dado que esto hace que la música árabe actual sea lo que es.
Me parece super poder conocer las variaciones del ritmo, porque a veces pasa que los escuchamos con rellenos o alguna marcacion distinta pero es el mismo ritmo.
Me gusta saber sobre el origen o para que suelen utilizarse los ritmos porque nos ayuda a poder interpretarlo con pasos o secuencias bailadas que sean “acordes” o tengan congruencia con el mismo.
Hola, buenas ! Solicito activación de la clase. Muchas gracias!
activado!
Cuando vemos los ritmos y los escuchamos a la vez, se vuelve mas fácil y me ayuda a recordarlo con mayor facilidad
Es importante saber sobre la regla de oro porque nos ayuda a “predecir” de alguna manera, lo que sigue; cuando escuchamos el primer ritmo, sabremos que será repetido 3 veces mas y nos da tiempo a improvisar dentro de la estructura y pensar que pasos podríamos ejecutar. A su vez, me parece fundamental saber sobre el código del final, que a veces a las bailarinas, se nos hace un lío, si terminamos luego de girar, si esperamos un tiempo, si nos acercamos al derbakista, etc. Marcos lo ha dejado muy claro y es de muchísima ayuda.
Muy interesante los nuevos artistas que mencionaste Maru: los MUKHANANATUN Y los GHULAMIYAT. En cierto modo estos dos grupos también eran esclavos. Los primeros, que si bien ellos elegían pertenecer a ese grupo, eran perseguidos y hasta castrados y el segundo grupo estaban destinados a satisfacer deseos de terceros, De cierto modo todos estos artistas como las qiyan, los MUKHANANATUN Y los GHULAMIYAT estaban privados de su completa libertad. Habia una gran valorizacion del arte pero siempre y cuando sea reprimido y se lo pueda utilizar para fines onerosos y hasta morbosos.
Me parece importante adentrarse en el conocimiento de estas épocas, sobre todo la época abásida, debido a su relevancia en la conformación de la identidad árabe-islámica. Destaco algo que también menciona Evelyn: la participación en el arte de las personas esclavizadas, el arte y el entretenimiento como parte de servicios que se brindaban de manera forzada a las clases más privilegiadas.
Hermosa clase también!! Muy completa desde la explicación musical, el vestuario y los movimientos que se ven súper naturales!!
Hola mari..t dejo ver el video?
Profundizando sobre el tema Taxim, el taxim es una improvisación instrumental de un instrumento melódico, como el laud por ejemplo. Su estructura contiene pausas esas pausas se utilizan para que el musico se conecte con el público, a través de expresiones. La intencionalidad de los taxim tiene secciones, que pueden ser minúsculas, cortas, medianas o largas. Los taxim pueden ser Tipo A, B o C. El Kaflah, es el cierre o final de un taxim.
Finalmente hay 4 usos del taxim, 1- solo instrumental. 2-introduccion a una pieza. 3- en el medio de la pieza. 4- como transición de una pieza a otra.
La improvisación es una creación, es algo nuevo, cuando bailamos una improvisación usas las herramientas que vamos adquiriendo. En este capitulo hablamos de las formas musicales de Layali y Mawwal. Layali es una improvisación vocal , puede ser solista o vocal. Se menciona constantemente una frase, puede estar acompañado con un instrumento melódico o un grupo de instrumentos. La otra forma musical es el Mawwal, que es una improvisación vocal. Puede ser solicita o acompañado. Se encuentra en la música clásica y en la folclórica. Se canta una poesía no solo una frase. Conocer las diferencia ente estas formar musicales, no ayuda a poder bailar mejor una improvisación.
La cuestión de la mujer en Egipto está atravesada por varios temas como la religión, política, cultura, y sobre todo por cómo se fue construyendo la idea del “honor” ligado al cuerpo y la sexualidad femenina. Leila Ahmed muestra cómo, con la llegada del colonialismo y los proyectos de modernización, las mujeres empezaron a quedar en el centro del debate, como si de ellas dependiera el honor de toda la nación.
El islamismo, que impone una visión muy estricta del Islam, también influye mucho en eso: en el uso del velo, la segregación por sexo y la reclusión femenina. Pero no es solo una cuestión religiosa. También los europeos (Inglaterra y Francia) usaban la “posición degradada” de las mujeres como excusa para justificar su dominación, diciendo que esas sociedades estaban atrasadas.
Edward Said, con la idea de orientalismo, explica que Occidente necesitó inventar una imagen de Oriente como algo rechazable e inferior. En ese marco, el cuerpo de la mujer egipcia era como una especie de “geografía imaginaria” que representaba lo que había que controlar. Incluso el espacio que ocupaban las mujeres, o cómo se vestían, pasó a tener un sentido moral y político.
Luego en las clases altas empezó a haber una especie de imitación de costumbres europeas: las mujeres salían más a la calle, iban al teatro o a pasear, y se metían en una lógica de consumo y moda. Todo esto muestra que la figura de la mujer siempre fue usada para marcar límites: lo nacional, lo moderno, lo moral, lo correcto.. pero casi nunca desde lo que ellas realmente querían o pensaban.
Durante mucho tiempo se discutió el lugar de la mujer no solo como una lucha por derechos individuales, sino como parte de lo que se esperaba para un país moderno, para proyectos nacionales, y el deseo de progreso de las élites. A la mujer se la veía como un símbolo del atraso, pero también como clave para el progreso, lo que generaba muchas contradicciones; se esperaba que fueran modernas, educadas, pero al mismo tiempo se les limitaba el acceso al espacio público y político.
A pesar de todo eso muchas mujeres no se quedaron calladas: muchas mujeres comenzaron a aparecer públicamente. Escribían en revistas, participaban en la prensa feminista, en la política. El caso de Huda Shaarawi sacándose el velo en 1923 fue un símbolo fuerte del ingreso de la mujer al espacio público, pero no fue la única: hubo todo un movimiento, como esto provocó que muchas mujeres se quiten el velo en otras partes, y como la asociación Bint al-Nil de Doria Shafik, que buscaban transformar el lugar de la mujer desde adentro.
Es interesante ver cómo el feminismo en Egipto fue moldeado y muchas veces controlado por el propio Estado.
Bajo Nasser, las mujeres ganaron ciertos derechos, pero no por una convicción feminista real, sino porque al régimen le servía mostrar una imagen de modernidad y progreso. Se dieron algunos derechos sí, pero al mismo tiempo se intentaba controlar a las mujeres y su participación. Después, con la muerte de Nasser y la llegada de Sadat, todo eso empezó a retroceder. Volvió el peso de la religión, la crisis económica, y el discurso de que las feministas eran casi una amenaza. Se empieza a instalar la idea de que las feministas independientes eran vistas como agentes extranjeras, como traidoras a la nación. Esto sirvió para desacreditarlas y frenar cualquier intento de lucha fuera del control del Estado. Se reforzaba el rol tradicional de la mujer y se buscó disminuir a las feministas independientes, mostrando cómo el Estado usaba su poder para moldear no solo la política, sino también la vida privada de las mujeres.
La Primavera Árabe fue un momento muy fuerte sobre todo por cómo arrancó: Un hombre desesperado que se prende fuego porque no lo dejaban vender. Esa imagen sola ya habla de una sociedad que no le daba oportunidades ni futuro a su gente. A partir de ahí, movilizaciones que rompieron el silencio y el miedo.
En Egipto, las movilizaciones tomaron una gran fuerza. Durante 18 días, la plaza Tahrir se convirtió en un espacio de encuentro, lucha y esperanza. Las mujeres tuvieron un rol fundamental, ocupando el espacio público de manera activa, lo que rompía con muchas normas sociales impuestas que desató una reacción violenta del poder, especialmente desde las fuerzas armadas, que buscaron disciplinarlas a través del acoso, la violencia sexual y los intentos de deslegitimar su participación.
Proyectos como Harassmap o intervenciones artísticas feministas dejaron en evidencia la necesidad de transformar no solo la política, sino también la forma en que se vive el espacio público. La Primavera Árabe fue mucho más que un reclamo político, fue un grito colectivo por dignidad, justicia y libertad.
Me gustó mucho la clase. Pienso que Al Andalus es un momento/lugar con una riqueza inmensa culturalmente hablando, debido al desarrollo enorme que alcanzaron diferentes artes, pero no sólo por eso. Recuerdo que, al haber cursado alguna de las materias teóricas en el Estudio, leímos un texto acerca de las bibliotecas andalusíes que me había causado un gran asombro. Con respecto a la danza en este momento, me surge una duda, que seguramente no podemos responder, al menos por el momento: sabemos si la música que se utilizaba era similar a la que ahora empleamos para bailar una pieza de estilo andalusí? O si los ritmos que se usaban eran los mismos?
El vínculo que tenemos dentro de la música y las diferentes culturas del mundo es muy importante, en algún punto de la historia se unen o se combinan, como menciona Mohamed Abdel Wahab, es necesario este paso para una evolución de la música tomar en cuenta este tipo de unión entre estos estilos de música oriental y occidental europea.
Y así mismo que interesante fue comprender como la música latinoamericana llega a Egipto por medio de Estados Unidos, creando así nuevos géneros, ritmos y fusiones que hasta el día de hoy podemos disfrutar. Gracias Mari por tan interesante clase!
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Mis ritmos encontrados son:
*Hajja*
https://www.youtube.com/watch?v=ul4z6sLnXYY
Alf Leyla Wa Leyla. Minuto 1:40
https://www.youtube.com/watch?v=ARaIrRuxXdA
Zay El Hawa – Abdel Halim Hafez Minuto 1:49
*Rumba Masri*
https://www.youtube.com/watch?v=HYzPsh83i0s&t=39s
Umm Kulthm – Amal Hayaty Minuto 0:31
https://www.youtube.com/watch?v=Onj4oU7PfaQ
Enta El Hob – Mario Kirlis Minuto 0:51
*Shrek*
https://www.youtube.com/watch?v=DQNCuR6rQ-E
Warda – Fe Yom We Layla Live Record Minuto 1:02
*Fox*
https://www.youtube.com/watch?v=IbzGbmuaOUs
Enta Omry Mohammed Abdel Wahab Minuto 1:43
https://www.youtube.com/watch?v=evPjTPGdA3U
Minuto 1:45 Fakarouni Nesma
*Wahda Saghira*
https://www.youtube.com/watch?v=qZ8iem0GNsk
Umm Kulthum Daret El Ayam Minuto 3:10
*Conga Masri*
https://www.youtube.com/watch?v=Onj4oU7PfaQ
Enta El Hob – Mario Kirlis Minuto 0:41
https://www.youtube.com/watch?v=ARaIrRuxXdA
Zay El Hawa – Abdel Halim Hafez Minuto 1:21
*Fasani*
https://www.youtube.com/watch?v=cnoh0e_FLGM
Andru Ramir Mejance Minuto 3:20
Me pareció una clase increíble!! Súper completa partiendo de un recorrido histórico no solo en la construcción de “la cuestión de la mujer” sino que también trayendo varios datos históricos relevantes a nivel más general de la historia del islam, Egipto, etc. Se puede observar cómo las mujeres ya tenían su papel subordinado previo al Islam y que con la llegada del mismo son cuestiones que se siguen manteniendo y que con el paso del tiempo y con las potencias colonizadoras no solo se trata de cuestiones religiosas sino que también influyen los factores políticos y económicos: los proyectos ligados a la modernidad, la instalación del modo de producción capitalista y el nacionalismo como reacción al colonialismo. También se empieza a asociar, a imaginar a la Nación como mujer, como mujer oprimida y ultrajada. Sociedad atrasada porque sus mujeres estaban atrasadas, basándose (en lo que ya venía previo al Islam): el uso del velo, la reclusión femenina y la segregación por sexos. Por ello se empieza a exigir que las mujeres sigan siendo tradicionales pero modernas a la vez. Se toma entonces al cuerpo de la mujer como resguardo de la autenticidad/ identidad nacional, y a su vez, como territorio de disputa entre hombres locales y extranjeros. Pero cuánto más se las representaba, menos espacio se les daba en la vida pública.
Que interesante fue conocer el hagalla en contexto nativo, te cuento que acá en Ecuador, referenciamos mucho al Hagalla pero al estilo Reda. Sabia del contexto nativo por nuestras clases de Historia del Bellydance y también por clases con la profesora Hanan Al Mutawa, pero al verlo es maravilloso entenderlo y sobretodo vivirlo!. Me encantan estas clases, nos dan mucho mas significado y mucho más contexto a la danza que nosotros realizamos.
Gracias Mari.
Una vez que aprendí a analizar la estructura musical y a ponerle nombre con letras, analizando Ritmos, Frases y Estribillos que son parecidos pero cambian algunos detalles, se acomoda toda la información mentalmente y se resume mucho como para poder armar la coreografía, se ordena todo, según mi opinión es la única manera de poder realizar una coreografía, de lo contrario se torna muy complicado sin realizar este análisis.
Es muy interesante que forme parte de la improvisación tanto del musico como de la bailarina, los silencios. Al ser una impro instrumental melódica representando un Makam, no permite que sepamos como bailarinas que es lo que va a sentir tocar el musico pero si escuchando muchos Taxim nos agudiza el oído para poder imaginar algunos arreglos o silencios que puedan surgir, creo que es muy importante la expresión en este sentido y la conexión tanto entre el musico y la bailarina como también así con el publico presente. Básicamente los Taxim son una obra de arte única e incomparable que se dan en un momento preciso dependiendo del sentir del musico y de la expresión de la bailarina, ningún Taxim se iguala con otro.
Muy interesante conocer las formas musicales que se diferencian del Taxim, ya que este es Solo Instrumental, el Layali repite siempre la misma frase y también es acompañado por un instrumento, lo que lo diferencia también del Mawwal que es una poesía cantada que tiene varias estrofas y versos.
Como bailarinas esto nos permite interpretar mucho mejor la improvisación y agudizar nuestro oído y análisis musical.
Conocer el concepto del Taqsim y de las distintas formas y apariciones donde podemos encontrarlo es importante para nosotras, esto de poder interpretar tanto el sonido, los distintos agudos, subidas y bajadas de la melodía como también los silencios, comprender que cada Taqsim es una obra o pieza única e imposible de repetir de la misma manera otra vez, salvo composiciones que al haber sido grabadas nos permiten analizar y entender como es su estructura pero también tener en cuenta que una vez que se graba y se repite deja de ser un Taqsim porque deja de respetar el concepto de interpretación única e improvisada.
También respetar mas la melodía del Taxim si tiene una base rítmica como el chiftetelli, que el ritmo en si (85 / 25 )
Me encanto conocer términos como Interludio que anuncia el final, Eftatahia que no sabia que era el termino que se utilizaba para las Aperturas o Meyanse, dejando la mejor impresión de la bailarina, seria como su carta de presentacion para el publico y el Fadi que son esos primeros compases de presentacion como Malfuf o Fox.
En mi caso aprendí los primeros ritmos anotándolos con el método que invento Saida y también de alguna manera empecé a anotarlos de manera que con solo leerlo yo entienda los tiempos y la rapidez, tambien marcando los silencios con S. La practica la realizo mediando el Derbake (de esta manera se puede diferencias los DUM de los TAC) y los chinchines que no permite diferenciar los DUM y los TAC pero si tocar el ritmo como suena, además es mas facil tocar los chinchines que el Derbake que es mas complejo.
Es muy practico este método de anotación combinado con el audio de cada ritmo, sin duda la mejor manera de aprenderlo. Estos Ritmos fueron los primeros que aprendí y rendi.
Muy interesante para completar la escritura de los Ritmos I, creo que esta bueno agrupar los ritmos en Familias para que cuando tengamos que bailarlo tocando chinchines los pasajes sean mas fáciles de hacer y no pasar de una a otra totalmente distinta que se hace mucho mas complicado, agruparlos en semejantes o en muy distintos es de gran ayuda.
Maksum 1er Ritmo de Reconocimiento – Katakufi 2do ritmo de Reconocimiento, Malfuf 3er Ritmo de Reconocimiento – Baladi 4 to Ritmo de Reconocimiento – Masmudi 5to Ritmo de Reconocimiento –
Tawil 6to Ritmo de Reconocimiento –
Fallahi 7 mo Ritmo de Reconocimiento – Chiftetelli 8vo Ritmo de Reconocimiento – Samai Taquil 9no Ritmo de Reconocimiento – Karachi 10mo Ritmo de Reconocimiento.
Reconocimiento ritmos en Canción
1. Malfuf – 2. Saidi – 3. Chiftetelli – 4. Fallahi – 5. Baladi – 6. Masmudi – 7. Samai Taquil – 8. Katakufi – 9. Chiftetelli – 10. Maksum
Me sirvió mucho para seguir practicando y recordando, con los rellenos inclusive.
En este nuevo universo con aspiración de modernización surgen “nuevas formas de ser mujer”, con ello, nuevas formas de controlar los cuerpos. Se empiezan a establecer nuevas posibilidades para las mujeres pero también nuevas formas de disciplinamiento y con ello una marcada contradicción donde, por un lado: el nuevo tipo de mujer moderna era quien cuidaba y educaba a sus hijos y se quedaba en la casa cumpliendo el rol de ama de casa; pero por otro lado, debía ser el resguardo de la identidad/ autenticidad nacional frente a la impronta colonial extranjera. Esta nueva mujer moderna no contaba con autonomía propia y presentaba una ciudadanía subordinada con falta de acceso al dinero, solo estaba sujeta a la familia y el espacio doméstico era su espacio “natural”. Esta nueva mujer no era considerada ciudadana sino la hija de…, la hermana de, la esposa de… La cuestión de la mujer no fue más que un proyecto político a nivel mundial. Pero, como comenta Carolina en esta clase, comenzaron a surgir ciertos reclamos por parte de las mujeres de la élite, “el despertar”, donde a través de la literatura, de la prensa y los espectáculos, estas mujeres comienzan un movimiento para hacerse ver en el espacio público.
En esta clase se puede observar cómo con la llegada al poder de Nasser y con ello la Revolución se produce un proceso de transformación de las mujeres en sujetos con derechos políticos y ciudadanía plena. Con la nueva constitución se le concede a las mujeres el derecho de elegir y ser elegidas y surgen las primeras mujeres parlamentarias del mundo arabe. También hay un gran acceso de las mujeres a las fábricas y a las universidades. Pero a pesar de estos sucesos seguían teniendo un status inferior, un status de las posibilidades reguladas por el código de familia. El paradigma seguía siendo “modernizar a las mujeres para modernizar al país”, solo que ahora la mujer ya no representaba a la Nación sino que representaba al Estado. Si bien la revolución de Nasser concedió algunas de las demandas exigidas por las feministas no cesó el silenciamiento, la reprensión y la captación de las mismas.
Hola Marina solicito la activación del documental!
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Ahi te lo activé de vuelta Mile. Tené en cuenta que dura cerca de 48h la habilitación del documental.
Creo que en esta etapa es donde surge una gran presencia de las mujeres en el espacio publico como esta manifestacion propuesta por una mujer y que convoca a muchas mas en la plaza Tahir en el centro de el Cairo, donde la presencia de estas mujeres fue doblemente revolucionaria, ya que por un lado se estaban revelando en contra del gobierno y tanbien en contra de las normas sociales impuestas. Al tomar el poder las fuerzas armadas y en adelante tambien se nota aun mas el disciplinamiento y la violencia sexual. Se buscaba correr del camino a todo movimiento opositor que contradigera al poder (entre ellos los movimientos de mujeres) con un disciplinamiento brutal que atacaba incluso la moralidad de ls mujeres protestantes compasi tambien el arresto y la desaparicion de muchas. Frente a esto surgieron tambien ciertas protestas y formas de hacer visible lo que las mujeres padecian, como intervenciones artisticas n el espacio publico de arte feminista, un mapa de acoso y la toma del espacio virtual para tejer redes de solidaridad entre mujeres de diferentes paises arabes.
Muy interesante la clase. Si bien había estudiado este período en las materias teóricas del profesorado, no lo recordaba muy bien, por lo que me resultó muy provechoso repasar todos los cambios dinásticos y políticos que sucedieron. Siempre me resuktó llamativo como, en cualquier momento histórico y en cualquier cultura, los tiempos de guerras/luchas son turbulentos y complicados para toda la población y, sin embargo, se sigue haciendo arte. Por supuesto, acá hablamos de lo que sucedió en los sectores sociales dominantes y, como me pasa casi siempre, me queda la duda acerca de cómo eran las expresiones artísticas de otros sectores sociales, aunque, claro, siempre eso es mucho más difícili de investigar porque no existe la misma cantidad de documentación y otras fuentes.
A partir de los textos leídos pide conocer mucho más sobre la danza Hagallah. Esta danza del desierto occidental de Egipto de origen beduino, que se caracteriza por los movimientos oscilantes de las caderas. Se denominan Hagallah a la danza pero también a la bailarina que es acompañará por un grupo de hombres que suelen acompañar con cantos y palmas. En esta danza, la Hagallah baila velada frente al grupo de hombres manteniéndose “extremadamente reservada, estrictamente decente y muy coqueta” (Magda Sale). Esta danza se puede encontrar dentro del contexto de casamientos u otros eventos sociales importantes, por lo que se sitúa como una danza ritual; y aquí se pone en juego el concepto de liminalidad, en el caso de los casamientos el foco de esta danza está en el pasaje liminal de la novia desde la niñez hasta su sexualidad adulta.
Es triste como una cultura tan rica como la Nubia se perdió por la construcción de una represa.
Ellos tuvieron que dejar su tierra, sus casas, todo… y aunque intentaron adaptarse muchas cosas se fueron simplificando o directamente desaparecieron.
Pero también hay algo admirable en cómo resistieron y trataron de sostener lo que podían, por ejemplo, en los casamientos no era solo un evento familiar, era algo que involucraba a toda la comunidad, donde cada gesto tenía un valor. La danza, los regalos, hasta la protección contra los malos espíritus… habla de una forma de vivir muy conectada entre ellos.
Me hace pensar que a veces damos por sentado nuestras propias costumbres o las vemos como algo sin importancia, cuando en realidad son lo que nos mantiene unidos, lo que nos identifica. Y que aunque cambien los contextos está bueno encontrar formas de seguir representándonos. Y también como hizo Reda, que no quiso mostrar algo lindo y listo, sino algo verdadero. Eso me parece re valioso.
Mi Mari porfa ayudame con el acceso. un abrazo
Activado Gaby!
Angélica Güerci
Me encantó la clase! que difícil el paso del bastón con la marcación de cadera… Mariiiiii una clase especial para comprender este movimiento jajaja.. Un beso grande
Leticia Martin
Paola Nuñez del Prado
Flor munafo
Rosa maria mariño
Me encantó esta clase de introducción al estilo Libanés con Belén. Es un estilo que se baila con tacos, que tienen que ser cómodos porque se trabaja mucho con el cuerpo y hay que poder moverse bien. Se usan trucos visuales que generan impacto, como el split, la caída turca y otros movimientos escénicos, todo con una energía sensual que caracteriza este estilo y me parece re útil tomar ideas de esto para incorporar a mi propia danza.
Además me gustó la entrada en calor power donde trabajamos glúteos, cuádriceps y especialmente rodillas, que son importantes para bailar con tacos sin lastimarse.
Por último me encantó aprender la caída turca, y la combinación de seguir con un puente para luego bajar y apoyar la cabeza.
Hermosa clase! Si mal no recuerdo, por primera vez en el curso estamos poniéndole atención (probablemente debido a la disponibilidad de fuentes) a lo que sucede por fuera de las cortes, entre el pueblo llano, por decirlo de algún modo. En las clases anteriores, conocíamos qué pasaba con la música y la danza hecha por o para las elites. Es cierto que vimos que muchísimas veces quienes ejecutaban estas artes no eran miembros de la elite, sino personas esclavizadas. Justamente, a eso voy: podían ser personas externas a las elites, pero bajo su mando, más objetos de deleite que sujetos de creación. Aquí, sin embargo, en lo que sucede en lo espacios comunes vemos a las “clases populares” haciendo arte no sólo para las clases poderosas, sino también para su propio disfrute.
Disculpas, este comentario corresponde a la clase anterior. Ya lo copié en el foro correspondiente, pero no encuentro cómo eliminarlo de aquí.
Hay flexibilidad en los programas de aprendizaje de la danza que realizamos (y de que tan importante es el estudio histórico en la planificación); por esto mismo, a diferencia del ballet o las técnicas del contemporáneo, donde las escuelas están más o menos estandarizadas, no tenemos un criterio fijo para nombrarla. No hay normativa en como enseñar o aprender “danzas árabes” y mucho menos existe una “gran escuela” radicada en Egipto que prescriba la técnica. Lo que sí que vemos son estilos más o menos locales (algunos más extendidos que otros), que varían en popularidad, con sus propios referentes, y algunos casos, con sus propios nombres como el FCBD. Por eso la elección del nombre conlleva algún tipo de posicionamiento en función de lo que se quiere comunicar. Por los comentarios del video, parece haber una especie de consenso en que “danzas árabes” es el término más entendible para el público no especializado en los países de habla hispana. Pero la definición del término “árabe” plantea ciertas problemáticas de definición, como la que lo haría, por analogía, crear una categoría como “danzas de Sudamérica” o incluso “danzas indígenas americanas” sin especificar los criterios de inclusión y exclusión de la categoría (porque las danzas son muchas y muy variadas, representando a comunidades que pueden tener poco en común entre ellas). Dado que las escuelas son en su mayoría privadas y viven de la captación de alumnos, hay lógica en usar un término comercial que sea amigable con el público general. Pero también habría que analizar si es posible cambiar el imaginario social, popularizando términos alternativos. Ahí caemos en el mismo problema: ¿cuál es el mejor término para “divulgar”? “Bellydance” parece un término amigable con la comunidad de bailarinas actual, y es usado en muchos eventos como congresos y competiciones internacionales. Personalmente, considero este término tiene el riesgo de reducir la danza a la corporalidad aislada (“belly”), pero, si no lo tomamos literalmente, es bueno para representar de forma general los movimientos característicos de nuestra danza, y carece de las etiquetas culturales y geográficas que si tienen otros términos como “danzas árabes, egipcias, del medio oriente”. Además, se diferencia de estos mismos para representar que, pese al grado de apropiación cultural del que se ha nutrido inicialmente el estilo, su desarrollo se ha sofisticado para diferenciarse incluso de sus raíces locales y culturales. Usar el término “danza oriental” o “medio oriental” caería bajo la mirada de lo que Edward Said define como una posición “orientalista”. Curiosamente, he visto en Instagram algunos bailarines de Corea del Sur que se presentan en sus perfiles como “oriental dancer” (no se si serán representativos, son casos particulares), cuando claramente se dedican al bellydance y no danzas locales, pese a ser residentes de un país catalogado en el sentido clásico como “oriental”, por lo que quizás su interpretación del término sea diferente a la nuestra. En conclusión, un tema donde no hay una única respuesta y que cada opción requiere de un detallado análisis y una toma de posicionamiento personal a la hora de elegir.
Que interesante conocer la Historia del Vals, me llamo mucho la atención la danza Lander, ya que se asemeja en narración a la danza chilena “Cueca”, en donde los papeles del gallo y la gallina son exactos a como se describen en ambas danzas. Es muy interesante conocer como desde tiempos antiguos la danza va evolucionando, y como el Vals, va dejando huella a lo largo del tiempo.
Gracias Mari
Considero que los silencios son los grandes olvidados cuando empezamos a bailar y tocar ritmos. A mi me resulta interesante como se pueden combinar silencios y golpes a la hora de bailar. Por ejemplo, no es necesario bailar todos los golpes tal cual se presentan en un ritmo, pero los silencios, sobre todo los largos, son buenos momentos para sumar elementos a la interpretación: posar, hacer un tipo de expresión hacia el público, cambiar de frente, etc. Entre las figuras musicales, las semicorcheas y fusas son las que me resultan más difícil de tocar con los chinchines por su corta duración. Conozco los otros tipos de anotaciones, pero me resultan confusas y creo que no explican mucho la estructura musical del ritmo. Lo ideal es usar las figuras musical y hacer muchos pero muchos ejercicios de audio perceptiva de forma constante para entrenar el oído.
Me han gustado los ejercicios de entrenamiento y los he estado practicando desde mi lado de la pantalla. De niña, mi profesora de música me enseñó un método de solfeo marcando el compás con la mano al aire en distintas direcciones (si es 4/4 en forma de cruz por ejemplo) y siempre se me hizo más cómodo hacerlo así. No sé de que escuela viene ese método, pero también me parece bueno usar la mano a forma de metrónomo. Diría que la mayoría de ritmos más utilizados siempre son en negra y corcheas (4 y 8 de denominador).
Este módulo entero ha sido un buen repaso de los conceptos básicos de los ritmos árabes y como escribirlos. Se repasaron los conceptos de ritmo, pulso, compás, numerador, denominador, puntillo y anacruza; este último es interesante porque se encuentra en muchos ritmos y puede dar lugar a confusiones a la hora de interpretar el principio y el final de un ritmo. También repasamos el concepto de Dum, Tac y el Zac desde la perspectiva del derbake. Vocalizar los iss me parece muy confuso cuando hay muchos silencios de corchea, pero en el tabl si me parece muy útil. Me han quedado un par de dudas: ¿existen ritmos árabes que usen tresillos y/o seisillos? Y ¿hay algún recurso online para descargar más ejercicios de práctica?
Estimada Marina. Buen día. Quisiera tomar este curso. Muchas gracias. Saludos cordiales.
Hola Gaby! activado
La Muwashaha es una forma poética que nace en Al Ándalus y se caracteriza por unir la poesía y la música. A diferencia de la Qasida, que tiene una estructura rígida, la Moaxaja rompe con esa estructura y da lugar a una forma más libre, tanto en métrica como en rima. Me llamó la atención que se incluya una parte final en lengua romance (la jarcha), lo que muestra la mezcla cultural que existía en ese momento. También aprendí que esta forma se expandió al Magreb y a Oriente, donde se siguieron componiendo muwashahat siglos después, a veces con música nueva y estilos diferentes. Y aunque muchas veces el poema andalusí se lo relaciona con la música de Al Ándalus, no toda música con ese estilo viene directamente de Al Ándalus.
Me parece interesante que el término Moaxaja viene de la palabra “wishah”, que significa adorno o embellecimiento lo que tiene sentido porque esta forma busca embellecer la poesía con la música.
Es interesante ver cómo esta tradición se fue y se va transformando con el tiempo.
Esta clase fue entender cómo se estructura una Wasla y la importancia de cada una de sus partes. No es solo una sucesión de temas, sino que tiene un orden, una lógica y una función musical y emocional. Aprendí a identificar las piezas instrumentales, las vocales, y cómo algunas son improvisadas, que le da un carácter vivo.
También me sirvió mucho repasar la base rítmica. Ver la diferencia entre compases binarios, ternarios y cuaternarios que ayuda a ordenar lo que escuchamos y a poder movernos con más claridad.
El ritmo Nawajt, aunque es irregular, empecé a sentirlo mejor al marcarlo con el cuerpo o con palmas. Además me di cuenta de que entender la estructura rítmica es clave para interpretar bien, no solo desde lo musical, sino también desde lo corporal.
Por último, el método Shams me pareció muy útil para entrenar la escucha. Me ayudó a identificar los iqa’a con más detalle, no solo escuchando el dum y el tak, sino prestando atención al carácter general del ritmo y su relación con la melodía.
La educación auditiva es fundamental para también poder interpretar con más intención en la danza.
El concepto de Wasla es nuevo para mí y me resulta llamativo. Dado que vengo de una tradición de música occidental, me costó encontrar a algún género conocido con que relacionarlo (quizás la música clásica o el rock sinfónico tienen algún elemento en común). Apenas terminé la clase tuve que escuchar “Lih ya Banasej” para entender a que se refería con “colección de formas” y seguro voy a indagar más ejemplos. Cuando pienso en música árabe, se me viene más a la cabeza una presentaciones o formas aislada como el Taqsim o solo de Derbake. Me pregunto si los recitales de Wasla se podían acompañar con una coreografía improvisada de una bailarina. Por otro lado, todos los puntos citados por Irene Shams son importantes para entender la música. Si bien la improvisación juega un papel importante en la formación de una bailarina de belly, al armar una coreografía se debe entender con profundidad lo que se está escuchando. No hablo árabe y no entiendo muchas veces lo que el cantante está queriendo expresar, pero buscar traducciones hoy en día es más sencillo que nunca.
La definición de Touma me resultó muy ilustrativa, porque si bien escuchando taqsim uno puede intuir que tiene varios silencios, no había reflexionado lo suficiente sobre el papel que estos tienen en la comunicación con el oyente, y como esta comunicación la podemos articular en el baile. Me resulta curioso que en el estudio de Nettl y Riddle de 1973 lograran clasificar tipos de Taqsim dentro de un Makam específico, aunque estaría interesante saber si estas estructuras de improvisación han cambiado con el tiempo y las costumbres de los músicos o si se mantienen iguales hasta el día de hoy. Desconocía que Mario tenía tantos Taqsim publicados. Creo que está bueno hacer un poco de trampa y practicar con grabaciones; a mi en lo personal me cuesta entender cuando se produce el cierre luego del pico, sobre todo si el músico produce más de un pico. Debe ser todavía más difícil darse de cuenta la intención del músico al bailarlo en vivo.
Antes de la clase, desconocía la existencia del Layali y el Mawwal como formas de improvisación. El canto árabe tiene una forma de entonación muy llamativa, y debo admitir que he disfrutado escuchar Layalis e intentar improvisar con el baile. Lástima que con Mawwal tenemos la barrera del idioma, lo que dificulta entender lo que queremos bailar. Solo no me quedó claro si siempre las poesías cantadas son conocidas previamente por el público (como las poesías clásicas o populares) o si también el cantante puede improvisar una poesía usando una estructura de versos definida.
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Hermosa clase! Si mal no recuerdo, por primera vez en el curso estamos poniéndole atención (probablemente debido a la disponibilidad de fuentes) a lo que sucede por fuera de las cortes, entre el pueblo llano, por decirlo de algún modo. En las clases anteriores, conocíamos qué pasaba con la música y la danza hecha por o para las elites. Es cierto que vimos que muchísimas veces quienes ejecutaban estas artes no eran miembros de la elite, sino personas esclavizadas. Justamente, a eso voy: podían ser personas externas a las elites, pero bajo su mando, más objetos de deleite que sujetos de creación. Aquí, sin embargo, en lo que sucede en lo espacios comunes vemos a las “clases populares” haciendo arte no sólo para las clases poderosas, sino también para su propio disfrute.
Me gusta mucho este tema de estudio, ya que permite ver cómo la mirada orientalista se va construyendo analizando su desarrollo en un tema muy concreto, pero con implicancias muy grandes en torno a los procesos colonialistas.
No me quedó muy claro un punto, quisiera saber si comprendí bien. Con respecto a los términos como ghawazee y awalim, si bien no son de origen árabe o egipcio, sino extranjero, sí son términos que en ese momento se utilizaban localmente. Es así?
Por último, me parreció muy interesante el aporte de Angie: la mirada que se tenía sobre las mujeres en oriente sería una especie de continuación de la mirada que se tenía sobre las mujeres en las propias sociedades de los viajeros, como seres inferiores y poco capaces de autonomía, que requerirían la guía de un hombre. Esta distinción tan tajante referida a lo que hoy llamamos roles de género se vería plasmada en el registro de corporaciones, donde quienes trabajan en el ámbito artístico se categorizan no sólo en base a su ocupación sino en términos de su sexo/género.
Me pareció súper interesante en esta clase de historia de la música árabe, ver cómo la música fue creciendo junto con el desarrollo del imperio, especialmente durante los califatos Omeya y Abbasida. Algo que me llamó mucho la atención fue cómo, al conquistar otros territorios, fueron incorporando cosas nuevas a su cultura y a su música, generando una profunda transformación cultural que afectó directamente a la música y su relación con la sociedad. Otra de las cosas interesantes para destacar es que la denominación del árabe como lengua oficial estableciendo así una identidad cultural y la unificación de diversas expresiones musicales resultado de esta fusión conservándose en esta lengua
Por otro lado, me pareció muy importante cómo en el califato Abbasida se empieza a valorar más al músico, ya no solo como alguien que entretiene, sino como una figura con talento, formación, creatividad, y hasta presencia en el escenario considerando que pudo ser un factor clave en la forma en que hoy vemos la danza y la música árabe, más allá de lo religioso o lo tradicional
Leer estos textos fue una experiencia enriquecedora, tanto desde mi rol como profesora de danza árabe como desde mi mirada personal. Cada uno me ofreció una perspectiva distinta sobre la danza Hagallah y su contexto cultural, histórico y simbólico.
En el texto de Barbara Siegel, “The Hagallah Revisited”, lo que más me impactó fue cómo la danza Hagallah se encuentra íntimamente ligada a la vida tribal beduina, especialmente a las mujeres, además de comprender cómo los cambios sociales y económicos influyeron en la pérdida de espacios expresivos femeninos, y cómo prácticas que antes eran parte vital de las ceremonias familiares fueron llevadas a escena y profesionalizadas.
El testimonio de Farida Fahmy en “Al Haggala” nos regala una experiencia desde el cuerpo, desde la emoción, desde la presencia. Me gusta cómo describe a la bailarina Haggala y la dinámica entre ella y los hombres del pueblo al danzar. La forma en que Farida narra este evento me recordó por qué amo enseñar danza: porque es una forma de decir lo que a veces no se puede poner en palabras.
En el texto de Victor Turner, se establece un a forma para pensar en la danza dentro de los rituales. La idea de la “liminalidad”: el estar entre un estado, termina siendo aplicable en muchas danzas tradicionales, entre ellas, “La Hagallah”: donde la bailarina representa un pasaje, un “entre-mundos”. Y al hablar de “comunitas” podría pensar que muchas veces eso se puede replicar este concepto en clase, cuando el grupo de danza genera comunidad.
En conjunto, estos textos me recordaron que la danza árabe, especialmente en sus raíces folklóricas, no es solo técnica o forma sino también historia, identidad, corazón. Enseñar y aprender estas danzas requiere no solo transmitir movimientos, sino también abrir un espacio a la memoria y el respeto por las culturas que las originaron.
Enriquecedor siempre mi Mari, Mil gracias.
Que interesante es conocer mas de esta danza con este elemento tan increíble y místico. Si bien es cierto que no tenemos tantas evidencias de la misma, los pocos detalles mencionados, nos ayuda a darle versatilidad e imaginación y nos permite dar paso a la creatividad con formas distintas y solo dibujando y siguiendo la música y las sensaciones que esta nos brinda. En mi opinión las canciones melódicas y tranquilas son las que mejor vienen con este elemento ya que brinda a la bailarina la facilidad de realizar posturas innovadoras y mostrar además su equilibrio y destreza en su manejo. No puedo esperar es un o de mis elementos favoritos!
Que genial Video!!! y hermosa coreo!!!
En este texto, Marina Barrionuevo, citando a Kirlis (2019) y Touma (1998), desarrolla el Taqsim más allá de definirlo como una mera “improvisación melódica instrumental”. Del análisis de estos autores, podemos desprender varios elementos que caracterizan a esta forma musical: 1. Es una obra espontánea, sin un esquema de composición fijo; 2. Se desarrolla por un único instrumento melódico, con excepción de la voz humana (en cuyo caso, hablaríamos de un Mawal). 3. Puede o no tener acompañamiento rítmico de un instrumento de percusión; 4. No posee una duración determinada; 5. La línea melódica no es siempre continua, sino que está fragmentada por pausas, formando frases que funcionan como núcleos melódicos interrelacionados; 6. Se desarrolla dentro de un maqam elegido de antemano por el músico o la música, quien usualmente empieza y termina con este, aunque en su desarrollo puede explorar otros; 7. Puede ser independiente o relacionarse con otras formas musicales en una obra de estructura mayor; 8. Es única e imposible de reproducir (a menos que se grabe y/o se escriba). Tanto Kirlis como Touma enfatizan el carácter altamente expresivo del Taqsim, que pone una impronta altamente estética en cada pieza, y que es capaz de demostrar la maestría del o la instrumentista que lo realiza. Tomando esta expresividad de base, podemos llegar a trasladarla a la danza. Para ello, la bailarina o bailarín debe realizar una búsqueda de conexión con lo escuchado, haciendo en simultáneo su propia interpretación. En este sentido, podemos ver al bailarín o bailarina como una compositora de una pieza corporal única que parte de un Taqsim musical único. Ninguno de los autores aclara si en un Taqsim bailado en vivo lo musical antecede lo corporal o si en ciertos casos se puede establecer algún diálogo bidireccional. Sin embargo, Barrionuevo resalta que la comunicación y entendimiento del bailarín o la bailarina con el músico (o el cantante o la cantante en el caso del Mawal) será importante para la realización de obras funcionales. El grado de entrenamiento y agudeza en el oído del bailarín o la bailarina para identificar los diferentes momentos que componen a un Taqsim (pausas, silencios, clímax…) los llevará a elegir el tipo de movimientos apropiados para su interpretación, que en su mayoría serán de tipo ondulante (Barrionuevo). A su vez, no se debe caer en el error de descuidar la representación melódica cuando se baila un Taqsim del tipo rítmico. A modo de conclusión, podemos resaltar la importancia de conocer el funcionamiento del Taqsim, que por sí mismo ya es musicalmente elocuente, para crear un espectáculo visual que enfatice la experiencia emocional del ejecutante de la danza. Él o ella deberá ser capaz de trasladar aquella emoción al público receptor.
Escuchar esta clase fue muy útil, tanto para refrescar conceptos de como realizar trabajos académicos (monografías, reseñas, evaluaciones) y citar con APA, como para entender los criterios de evaluación empleados en Estudio Sahar. Los tips de escritura académica hacen el trabajo más sencillo. Como comentario personal, comparto la opinión de Marina en cuanto a que hay que “academizar” un poco más los profesorados de danza árabe privados, sobre todo cuando se habla de conocimientos fuera del oficio de la danza en sí, (dado que para la danza es lo que más capacitadas están las “profesoras” hoy en día). Agrego que no son solo la historia y la metodología de investigación los ámbitos afectados por esta tendencia, sino también hay deficiencias en la enseñanza de la pedagogía (usualmente no se trabaja teoría académica, sino que en general las profesoras hablan desde la propia experiencia), o la salud, sobre todo cuando se quieren dar consejos sin tener autoridad médica. Como investigadora en ciencias biológicas, veo que en muchas páginas y videos de “profesoras” aún reconocidas hablan mucho de los “beneficios para la salud del bellydance” sin citar ninguna revista biomédica o estudio que lo respalde. Sirve como estrategia de marketing, pero siendo objetivos, no tiene una fundamentación válida.
Estimada Marina. Me pareció muy interesante el recorrido que realizamos de las Danzas en el Antiguo Egipto, que datan desde la época del Predinástico, en donde se referencia a la Danza con varios términos a lo largo del tiempo y que nos sirve y que nos llega hasta nuestros tiempos como evidencia de la existencia de la Danza en esta época de la Historia. Muchas gracias, saludos cordiales.
Me parece de suma importancia el aprender a identificar y transmitir las emociones asociadas a cada baile que realizamos. Además de la técnica y los pasos, es necesario poder expresar con todo el cuerpo (incluyendo nuestro rostro), el contexto, significado y la emotividad del tema que hemos elegido, además de identificar el estilo musical, conocer el contexto histórico y cultural pudiendo incorporarlo a nuestra interpretación.
Esto nos ayuda a matizar las diferentes coreografías, logrando establecer una diferencia entre los distintos temas y manteniendo el interés del público.
Al hacer los ejercicios de reconocimiento de emociones, me doy cuenta que al tener la palabra, o tal vez porque de una u otra forma se espera que controlemos nuestras emociones, no estamos muy acostumbrados a expresar con nuestro rostro/cuerpo lo que estamos sintiendo. Actualmente curso lengua de señas, y las señas para expresar emociones van siempre acompañadas de movimientos de cuerpo y expresiones faciales. De hecho, hacer solo la seña sin acompañarla con el cuerpo y el rostro, podría llegar a confundir a una persona sorda.
Al bailar también estamos comunicando algo sin utilizar la palabra, solo a través de nuestros movimientos y expresiones, y, aunque la mayoría de peronas hablantes no estamos tan acostumbrados a expresar corporalmente lo que sentimos, es importante ejercitar esta habilidad, para transmitir lo que realmente queremos transmitir con cada baile y en cada uno de nuestros movimientos y lograr así, una interpretación más completa y que conecte con el público.
Muy interesante siempre las clases, no recuerdo a cuales asisti y cual no, asi que al ir reescuchando voy comentando.
Me parece interesante una apreciacion que has hecho en otras clases sobre el llamado a la oracion (Azan), que fue Muhamed quien lo instauro, y es normalmente super musical, de hecho los sheikhs son expertos en maqam, y he conocido cantantes arabes que sugieren estudiar musica con sheikhs. De todas formas estos siguen siendo datos de la musica y no de danza tampoco.
Es super interesante esta introduccion a lo que es arabe, los imperios vecinos, asi como que es islam, cuando surge etc, ya que nos situa al contexto geografico, social y economico.
Me resulta igual un tanto opuesto al islam ese ataque que hace Muhamed en el mes del peregrinaje, me parece interesantisimo profundizar en el motivo por el cual decide atacar en esa epoca.
Encuanto a Muawiya, parece que hay una serie sobre el, no empece a verla, les cuento.
En cuanto a lo que comentas de las cadenas de venganza, un amigo egipcio que me da clases de dialecto me comenta que en el alto egipto sigue sucediendo, le llaman taar, y es comun que eternamente esten tomandose venganza, y que pareceria que la policia no se mete.
Con este texto se cierra todo el concepto de Taqsim. Asi la Licenciada Barrionuevo, expresa que la Kirlis, es una interpretación instrumental, que respeta pautas pero no hay un esquema. Es una interpretación espontanea de instrumentos melódicos. Estos pueden ser, el kanúm, violín, acordeón, etc. No se utiliza la voz. No tienen una duración. Su duración puede ir desde 1 minutos hasta 1 hora. Las bailarinas con su danza, debe reflejar cada frase que toca el instrumento melódico. Los pasos a utilizar son movimientos ondulantes, camellos, balances, maias, etc.
Al bailar, es importante hacer conexión con los músicos, y no seguir solo la rítmica, sino también la melodía.
Hola Maru. Siempre me enseñaron que la danza surgió desde el Antiguo Egipto desde la era faraónica desde un contexto cercano con los dioses, es decir, que se bailaba para ayudar por ej.: con la cosecha, la abundancia, fertilidad, entre otras, que solo podían bailarlas mujeres dentro de los templos, y, para la fertilidad solo podía bailar una mujer pura de cuerpo y alma, por años tuve esa información y en cierto punto me parecía fantástica, pero también siempre tuve mis dudas y cuestionamientos respecto al tema. Me asombró el saber que los hombres también cumplen un rol importante en la danza desde hace muchos años, esto descongestiona o cambia mi visión de que eran como muy cerrados en cuanto a roles en lo cotidiano. Con el termino Bellydance , yo lo empecé a asociar mas de grande, cuando comencè a bailar se le llamaba a la bailarina Belly, como bailarina de danza árabe u odalisca, a su vez, hoy en día cuando me preguntan que bailo y digo Bellydance, me quedan mirando raro, pero lo hago como para que les de pie a la curiosidad y me pregunten que es, porque también a través de los años pude observar de que decir “bailarina de danza árabe”, mucha gente lo utiliza como símbolo de burla, o no te lo toman con relevancia, lo cual esto me enojaba mucho, entonces creo que decirle Bellydance abre más a una puerta de preguntas y debates. Algo que me encantó de esta clase, es ver como la bailarina Belly lucha por su identidad desde hace muchos años, hay en una parte que se toca este tema, lo cual yo pensaba que esto se había dado más ahora, pero veo que no y me encanta, que es una lucha que viene desde hace muchos años, darle valor y respeto a la danza y a la mujer, y a la mujer que interpreta esta danza.
El comentario sobre el orden cronológico de la historia del bellydance al principio del video me parece muy pertinente. Un profesorado dura muchos años y la historia se presenta de forma fragmentada; a veces es difícil construir una línea de tiempo completa de todos los sucesos.
Nunca escuché que se usaran los términos MENA ni SWANA en relación con la danza, pero llamar al conjunto “Danzas del MENA” (en plural) me parece una opción interesante, aunque persiste el problema de que “no las bailamos todas”.
Por una cuestión de comunicación internacional y desarrollo, sigo prefiriendo bellydance, aunque sea un término anglófono. Usar “danza del vientre” es una posibilidad, pero personalmente no me gusta remarcar una parte del cuerpo proclive a la sexualización (aunque esto también ocurra en inglés). Además, considero que la palabra “vientre” no es de uso común.
En general, cuando menciono que estudio “danza árabe” (para que me entiendan), la gente suele preguntar si “sé mover las caderas como Shakira”. Por eso, “danza de caderas” en lugar de “danza del vientre” quizás se entendería más (una opinión).
He notado una tendencia, en algunos profesores, a usar el término raqs sharqi como un medio para diferenciarse del bellydance estilizado y enfatizar que bailan algo más “nativo” o un estilo egipcio. También, como mencioné en el video anterior, se observa en el ámbito internacional el uso de “Oriental dance” y “oriental dancer” como traducciones directas de raqs sharqi, sin mucho cuestionamiento respecto de la relación geográfica (como es el caso de bailarines rusos, japoneses o coreanos).
Me parece muy interesante rescatar los nombres de las bailarinas de esta etapa. Habitualmente se sabe muy bien quiénes eran las bailarinas de la “golden era”, pero no se conoce a las bailarinas de este momento. Un dato que me resultó llamativo es que a Hassan al-Bilbeissi se le permitiera bailar en la capital (o, al menos, se hiciera la vista gorda con eso). podríamos pensar en alguna cuestión atravesada por el género, aunque necesitaríamos más datos, como la presencia de otros bailarines hombres . También me parece importante tener en cuenta que las fuentes históricas con las que contamos no son en primera persona, ya que no son estas bailarinas quienes nos cuentan, sino que los autores son, en su mayoría, hombres europeos de cierta posición social, por lo que conocemos está muy tamizado por las búsquedas e intereses de estos viajeros.
Me resulta bastante compleja la terminología cuando se refiere a nombres de autores, ciudades, tribus, bailarinas etc.
Rescato la importancia de la poesía y los poetas para que se produzca la música. Arte que sirve de inspiración para crear nuevo arte.
Me llamo la atención la critica que se realiza hacia la música por el efecto que causa. Atribuyendo que esa sensación solo debería causarla Dios. Creo que hoy en día y sin la necesidad de pertenecer a ninguna religión, podríamos decir que para muchos Dios está en todo y la música es también una expresión de Dios.
El acto de la silla me parece impresionante visualmente, pero muy peligroso al mismo tiempo. La autobiografía de Sol Bloom nos cuenta mucha información sobre su perspectiva y carrera como empresario del entretenimiento, pero es una lástima que no tengamos los testimonios de las mismas bailarinas: quienes eran realmente, cuáles eran sus motivaciones para bailar, donde lo aprendieron, incluso si estaban bien pagadas o no, dado la evidente fama que adquirieron en la feria de Chicago. Las fotos son muy interesantes para ver sus vestimentas, elementos y expresiones, me gustaría recopilarlas todas y hacer un glosario de bailarinas históricas relacionadas a la danza de vientre.
Buscando sobre Fatma, encontré que hay un libro sobre ella llamado “La Belle Fatma” que acaba de ser publicado en marzo de 2025, pero está en francés y es una pena que no haya una traducción disponible. Qué lindo podría ser revivir todas las danzas que nombraron en el video; el uso de un espejo me parece muy interesante porque no lo he visto actualmente. Aderer también nos da un indicio de que las vestimentas eran brillantes, y en las fotografías se ve que usaban unas pecheras con objetos parecidos a monedas y largos collares. Me imagino también telas llamativas que resplandecen con la luz en el escenario y distinguen a la bailarina del resto. Es curioso que se dijera que la música que se tocaba era de inferior “calidad” (me recuerda al pensamiento de los organizadores de la conferencia de 1932, que resaltan que la calidad de la música se había degradado), y es interesante que se la haya fusionado con elementos occidentales. Nion nos dice que la danza era una “amalgama” de elementos, por lo que imagino que las bailarinas también tomaron objetos y situaciones de lo que veían en París para ir desarrollando su espectáculo, y que la performance no se mantuvo siempre igual a lo largo del evento.
Pensaba que irónico que si bien en la época omeya empezaron a patrocinarse a los músicos, seguían teniendo un prestigio dudoso, incluso en la época de los abasidas había tantas exigencias para considerar bueno a un músico que su valoración aun era escasa. Pareciera que históricamente el arte, en este caso los músicos estuvieran en un escalón inferior a otros cargos. Hoy por suerte mucho menos pero en algún grado creo que sigue vigente.
Me llama la atención como “el código de decencia” fue tan importante como para terminar influyendo en los movimientos que las bailarinas los realizaban. Sería interesante saber si estos eran antiguamente más grandes y exagerados, y pasaron a ser más aislados y discretos. Con lo del “dolor de estómago” me imagino a un camello o un reverse.
El video es un buen resumen de toda la unidad de terminología. Deja clara la posición teórica del Estudio Sahar en cuanto al uso del bellydance y los procesos culturales, la globalización y la promoción de la danza actualmente. Sin embargo, también considero que el mercado es algo que se construye, y no veo disparatado que puedan surgir nuevas alternativas al término en el futuro, conforme a los usos y alcances.
No leí ninguno de los libros que aparecen en el vídeo así que voy a buscar el de Touma para empezar por ese. Me resultó muy claro y muy útil el identificar el pulso con algún sonido que tengamos a mano como el latido del corazón o el tic tac del reloj y muy buena la practica de aplaudir sobre un tema.
Me resulta muy fácil reconocer los pulsos pero me cuesta mucho reconocer el acento y el compás. Es muy clara tu explicación y muy importante que nos pidas practicar para lograr avanzar. Me hace pensar la importancia de desarrollar el oído y que imprescindible para la vida de un bailarín. También me hace reflexionar cuantos aprendizajes, tiempo de estudio, lectura, practica, dedicación y paciencia hay detrás de una coreografía.
En mi caso que no tengo mucha memoria visual me resulta todo un desafió aprender a dibujar los silencios y reconocerlos escritos. Bailar y tocar a la vez conlleva un dominio de la coordinación para el cual necesito mucha practica. A veces lo que mas nos cuesta lo dejamos a un costado ( al menos yo) así que también es todo un desafío pasar por esa incomodidad de seguir aunque cueste.
Mari! Como estas? Quería solicitar la activación de la peli, por favor! Muchas gracias!!
Activado!
Ademas de la complejidad en recordar dibujos ( figuras y silencios) se agrega la dificultad desde un punto de vista matemático en las fracciones. Es muy clara la explicación pero por el momento solo puedo leerlos o escribirlos tomándome bastante tiempo. No es algo que pueda realizar a velocidad si no que debo pensarlo mucho. Me doy cuenta que es importante ejercitar, practicar y que hay un trabajo muy intelectual que implica memorizar y asociar y que al momento de bailar o tocar chinchines seria muy bueno ya tenerlo automatizado. Comprender la música leerla y escribirla es muy enriquecedor, lo siento también como una gran responsabilidad.
Me resulto mucho mas fácil comprender el concepto de puntillo que el de anacruza
Con la practica voy logrando aplaudir y cantar de manera coordinada respetando pulsos silencios etc. El nuevo desafio es el de recordar diferenciar los tacata. Me resulta mucho mas natural no vocalizar nada cuando hay silencios entre los dum y tac.
Mas que interesante y completo todo el análisis de un tema para poder coreografiarlo de la mejor manera posible. Que importante que no nos gane la ansiedad en hacer sin antes tomarnos el tiempo de escuchar, anotar. Son muchos aspectos a tener en cuenta Algunos de ellos no los había considerado antes y creo que harán una gran diferencia.
Un termino muy nuevo para mi el de Wasla
muy especifico, con una gran invitación a seguir aprendiendo conceptos muy lejanos de mi cotidianidad, a seguir ejercitando el oído ya que es imprescindible la practica para realmente incorporar la teoría.
Que lindo el baladi. Me encantan los estilos instrospectivos y sobre todo los que buscan lucir naturales.
Las primeras dos teorías sobre el origen demuestran que el ambiente de la danza buscó utilizar el exotismo como una estrategia de promoción. Las dicotomías oriente/occidente, femenino/masculino, místico/material, emocional/racional, que tenemos instauradas en nuestra forma de ver el mundo, sirven de base para este tipo de falacias de generalizaciones apresuradas, donde autores como Wendy Buenaventura extrapolan que un arte tan expresivo como la danza debe tener necesariamente un origen espiritual. El Antiguo Egipto resulta fascinante por toda la riqueza material y pictórica que nos ha llegado a nuestros días, quizás eso lo vuelve atractivo para trazar líneas imaginarias que conectan los 5000 años de historia al presente sin tener en cuenta todos los cambios poblacionales y políticos de la región. Había danzas, muchas y variadas en contextos y significados, pero nada nos afirma que existiera aquella danza del vientre que se promociona como “milenaria”. Utilizar el “arqueotipo” de diosa a nivel pedagógico no me parece tan mala estrategia escénica dado que no deja de ser la creación de un personaje, el problema es cuando el personaje trasciende los límites de la imaginación y la caracterización, y se vuelve una narrativa “oficial” de los hechos. En general, la falacia de autoridad hace que ni los alumnos, ni la sociedad en general, suelan cuestionar a una bailarina que se vuelve muy reconocida en su campo, y que predica sus opiniones personales como la verdades.
Que interesante todo lo que podemos analizar dentro de un taxim y tener en cuenta para una mejor interpretación. Me encantan los instrumentos de cuerda cuando improvisan. Creo que me resulta un poco mas fácil improvisar un taxim sin base de percusión pero es bueno expandir un poco esa zona de confort para poder crecer. También esto me ayuda a poner mas atención a los momentos de mayor intensidad, . Antes le daba importancia a las pausas pero no me resultaba tan fácil diferenciar subidas y bajadas.
Linda clase!
Esta clase me hizo reflexionar sobre muchas cosas, recordé una frase que leí una vez que decía: “la historia es de quien la escribe ” ya que esta cargada de todo lo que traemos. Incluso una profesora nos decía una vez que no existe la objetividad ya que somos sujetos.
Por otro lado siempre me paso y me sigue pasando ser una eterna buscadora de la verdad, en el sentido de no decir una cosa por otra. Hoy me pasa también que soy mas de cuestionar aquello que muchos dan por hecho o simplemente repiten.
Nunca me intereso demasiado la historia ni la geografía pero enseñar danzas árabes es mucho mas que solo mostrar pasos o pretender que los alumnos bailen a tiempo Cada día le doy mas valor a poder acceder a todo esta información. Si tengo la posibilidad de dar clases ya sea a quien desee formarse profesionalmente o no, le transmitiré el fundamento de porque elijo usar el nombre danzas árabes para promocionar pero no de puertas adentro.
Pensaba cuanto dominio del cuerpo para marcar ondulaciones para una bailarina y cuanto dominio del instrumento para el músico para poder improvisar. Cuanta creatividad para ambos. Esa creatividad que puede aflorar solo con practica, con tiempo de estudio. Me da la sensación que si bien puede resultar un momento muy desafiante y de mucha exposición para una bailarina también es de alguna manera una prueba de que se va logrando bajar la teoría al cuerpo, no hay demasiado tiempo para pensar y a aveces eso es bueno. Cuando improvisamos con esa técnica y ese oído ya trabajado podemos vincularnos mas con el sentir y fluir.
Hola Maru, el material utilizado en esta clase es del libro “Dancing at the dawn of agriculture”? Me parece una investigación muy interesante y me gustaría ver más imágenes para analizarlas.
Hola Vero! Utilicé bastante de ese libro en las clases. Los registros arqueológicos que recopila son muy interesantes. No estoy de acuerdo con el análisis de alguno de ellos, pero igualmente es un libro recomendable.
Dale Marina, gracias por la recomendación. De Garfinkel solo encontré accesible un trabajo anterior de 1998 que es más breve, pero más allá de las interpretaciones, me gustaría tener algunos los registros a mano y el libro parece una buena referencia.
Interesante la existencia de esclavas poetizas cantantes literatas y la teoría que las relaciona con el origen del bellydance (aunque sea más musicalmente). Tengo una duda si existe alguna bibliografía que pueda relacionar la práctica de las Quiyan de Bagdad con el surgimiento de las Almeh egipcias vistas por viajeros muchas épocas después. O alguna clase de evidencia que sustente que las Quiyan no fueron un caso aislado de su época y que sus costumbres se fueron modernizando y diversificando dentro de la cultura islámica.
Hola Marina. Mi única duda con este examen es si hablar solo ante la cámara o se puede acompañar con algun tipo de presentación de diapositivas.
En esta clase se planteó cómo en el Antiguo Egipto estaba presente la danza, tanto en contextos funerarios, que es un punto fuerte en esta civilización, como en contextos de juego, de celebración, tanto de banquetes como de cosechas. Se mostró la clasificación de los estilos de danza según Lexova, quien hace un pormenorizado estudio que abarca un período muy amplio en la cronología de Egipto. También se vio la clasificación de los movimientos en la danza según Kinney, quien abarca un período más breve de la vida del Antiguo Egipto. Muchas gracias.
Que interesante que el nombre madre de los otros términos venga del francés. Me hace acordar a cuando tomaba clases de danza clásica y decían es la madre de todas las danzas.
Me llamo la atención las repercusiones que se dieron por el cuadro de Gerome al igual que el concepto de oriente tan opuesto al de occidente marcando incluso puntos tan extremos como la moralidad. Creo que a pesar de no ser lo ideal es parte de las reglas del juego aceptar que hay diferentes maneras de nombrar a la danza sobre todo para poder difundirla y llegar a mas personas.
En esta clase se hace referencia a los distintos términos que se utilizaron por los viajeros, tanto ingleses como franceses, sobre las bailarinas en Egipto, en donde observaron que hay diferencias entre las bailarinas que realizan sus performances, tanto en espacios públicos como en espacios privados, de lo que se desprende una categorización de las ghawazees. Aparece una figura muy importante como la de Napoleón Bonaparte que en sus 23 volúmenes de “Descripción de Egipto”, dedica parte de sus aportes científicos a las bailarinas de Egipto. Se nombran en una detallada lista a los viajeros que utilizaron sus diferentes términos de estas mujeres dependiendo de la época de la historia y de la adopción que hacían de los términos para referirse a las ghawazees. Muchas gracias.
Es nuevo para mi el concepto de Layali y Mawwal. Me resulto fácil reconocerlos. Muy clara toda la explicación. Aun no estoy segura que instrumento estoy escuchando y me resulta mas que complejo poder reproducir o nombrar los nombres de los cantantes. El idioma es una de las mayores dificultades que encuentro.
Que belleza que se interprete una poesía desde la música con voz e instrumento!
Que interesante correr a la danza de un espacio especifico y conocerlo como una forma de vida tanto para hombres como para mujeres. La danza como medio de expresión, de comunicación, etc
Un belly dance espiritual me hace pensar en todos los beneficios que hay en bailar mas allá de las categorías de la diosa madre, meditativa, sacerdotisas, fertilidad que algunos autores puedan mencionar.
Hoy se ha comprobado que bailar tiene un efecto directo sobre la salud mental, produce conexiones neuronales, actúa sobre la memoria etc. Muchos de los que disfrutamos de bailar y danzar a veces no somos conscientes de todos esos beneficios pero igualmente impactan en nuestra vida. Me parece super importante tomar a las teorías como teorías y no como verdades absolutas. Ver cuan fiables son los datos y tener presente la subjetividad que todos poseemos para describir o contar un hecho.
Analizar las evidencias creo que nos ayuda a seguir cuestionándonos y a seguir observando la subjetividad en cada interpretación que puede ser tan ambigua.
Algunos pueden ver una forma humana femenina donde otros ven un animal.
Incluso la forma estática de un dibujo puede darnos la impresión de ser una posición de brazos existente hoy en la danza o un movimiento de adoración etc.
Por lo tanto muchas de las evidencias aunque estén bien conservadas no podemos usarlas para asegurar o afirmar que correspondan a ciertos movimientos que usemos en la actualidad.
Por un lado todavía no logro comprender como en una época algunos seres humanos consideraban que podían hacer uso de otros seres humanos como si fueran cosas de su posesión. En el Corán se hablaba de tratar bien a los esclavos. (que paradójico que esto sea de algún modo un avance).
Qiyan, esclavas, probablemente luego de un tiempo llamadas esclavas cantoras (o poetas ) fueron muy criticadas por algunos autores haciéndolas responsables de provocar reacciones en el cuerpo y alma en los hombres . Me impacto mucho el comentario “Podían salir a la calle sin velo para distinguirse de las mujeres libres”
En esta clase aprendí que los Muwashahat no se pueden bailar solo con recursos generales que ya conocemos. Hay que conocer su timbre, su estructura y cómo se arma musicalmente para poder interpretarlo con el cuerpo. Por ejemplo, aprendí que no es lo mismo que haya solo coro y duffs que un conjunto completo con mutrib, coro y orquesta. El timbre además cambia el movimiento que elegimos para la danza.
Además, la estructura del poema (matla, dawr, khana, gita o jarcha) está muy presente en la música. Es decir, la danza también tiene que respetar esa forma y entender dónde estamos paradas musicalmente. Si estás en una parte como el dawr que tiene cierta repetición melódica, no vas a bailar igual que en un khana donde suele haber más desarrollo o contraste.
También vimos bases pedagógicas para integrar los ritmos, Como el Dawr Hindi o el Aqsaq donde si el cuerpo no internaliza ese ritmo desde la voz o desde las palmas (como es el orden pedagógico), los movimientos pueden quedar genéricos o desconectados.
Por eso aprendí que no es solo seguir la melodía, sino también entender la intención del poema, el tipo de conjunto y cómo se construye cada parte musical.
Lo que me pareció más interesante de esta clase fue como podemos desarrollar y analizar mas allá un ritmo. En este clase analizamos el ritmo Samai que no solo es un Iqa’a sino que también da nombre a el género musical que es siempre instrumental. Esto me pareció importante, porque a veces se confunde el ritmo con la forma, y en este caso está claro que aunque el Iqa’a Samai se use en varias composiciones, cuando se habla del género Samai es una forma instrumental, nunca con voz.
También me pareció muy interesante dividir el compás del Samai y sus variantes como el Samai Darij, Yuruk Samai, ya que es un método de aprendizaje fácil para comprender bien como se divide y compone el ritmo. Y eso se conecta con algo que se mencionó en clase: muchas veces los Iqa’at no empiezan en el tiempo 1, sino por ejemplo en el 3, lo que puede romper con lo que uno espera como “el comienzo” del compás.
Además, aprendimos a distinguir entre subdivisiones ternarias y binarias, entendí lo importante que es primero escuchar el pulso y ver si la subdivisión va en dos o en tres.
Observo en estas teorías como se sigue excluyendo al hombre y como se e sigue atribuyendo a la mujer ciertos espacios o roles determinados en la danza que no pueden comprobarse científicamente.
Nunca había escuchado el termino eftatahia, tampoco el de episodio en la música. Rondo lo conocía como nombre de una destreza física. Escuchando el tema Aziza paso a paso se entiende perfecto el concepto y dan ganas de ponerlo en practica.
Me encantan las presentaciones, claramente no es mi fuerte mostrarme ni causar ese impacto propio de una entrada. La fuerza es uno de mis talones de aquiles pero bailar una eftatahia es muy bello.
Fadi lo había escuchado sin saber que era. Es cada día mas fascinante todo o que hay para aprender de la danza.
Hola! Me gustaría recibir la activación de la clase de bandari
Valeria Aliotta . sincronico
ACTIVADO!
Es la primera vez que escucho sobre el termino taqtuqa. Que profundos los temas que se tocan. Me hace pensar en eso que dicen algunas personas que expresan cantando bailando o con algún tipo de arte lo que no pueden decir hablando. Tampoco conocía el termino ughniya tawila, Tratare de recordar la expresión.
Lorena Siehe, asincrónico
ACTIVADO!
En esta clase aprendí que la Muwashahat tiene una estructura particular, son poemas cortos, de 2 o 3 versos, donde el título no se inventa, sino que se elige a partir de las primeras palabras del texto. Es común que se repitan ciertas palabras como Layl, Yala Lalli o Janin Aman que buscan generar un efecto emocional, llevar al oyente al estado de Tarab, de éxtasis musical o poético.
Además, se pueden incluir improvisaciones dentro del poema, donde un solista canta una parte y luego responde el coro. Es decir que hay lugar para el juego musical en vivo.
En lo musical, me pareció interesante que los ritmos como Bambi o Nawajt puedan iniciar desde la mitad o antes.
Es clave sentir el pulso, marcarlo con la voz o con la mano, y que pueden arrancan desde el primer tiempo, desde la mitad o con una anacrusa , o sea un poco antes del primer tiempo fuerte. Me parece una estrategia efectiva para terminar de incorporar los ritmos.
En resumen, la muwashaha combina poesía, música y ritmo de una forma muy libre pero a la vez muy estructurada. Por eso me parece fundamental desarrollar una escucha más atenta para entender el carácter del género, su forma y hasta cómo se interpreta.
De esta clase me quedo un poco con las diferencias y similitudes entre el Sha’bi y Mahragan. Si bien ambos comparten la percusión, las letras que hablan de la mala suerte de las persona, los crímenes, la sexualidad, problemas sociales, entre otros; también comparten la estructura musical A B A C A y el Mawal.
Tanto el Sha’bi como el Mahragat ninguno ha conseguido licencia para este tipo de música ya que lo hacen de forma “ilegal”.
Con respecto a su diferencia, encontramos que en el Sha’bi las letras buscan expresar de forma más poética los sentimientos y las emociones, mientras que en el Mahragan las letras son súper explícitas.
Micaela Quiroga- Asincrónico
ACTIVADO!
La primera vez que aprendí a escribir los ritmos fue con el método de Saida, me complico un poco incorporar la plica pero lo que realmente me preocupa es que se modifiquen los nombres de los ritmos dependiendo de la zona ya que de por si es bastante complejo aprenderlos y recordarlos. Aprender algo de música es super desafiante pero muy interesante. Voy a intentar tocarlos con el derbake.
Cuando aprendí el ritmo tawil lo aprendí con relleno y me cuesta un montón identificarlo sin relleno. En otros ritmos me pasa al revés cuando hay relleno me cuesta identificar la base. A escuchar mucha música!
A mi el sombati me resulta muy similar al chiftetelli. El Samai taquil lo había aprendido con complejidad media, con el relleno completo me cuesta muchísimo. En el reconocimiento de ritmos me suele pasar y me paso acá con el sombati varias veces escucho igual el golpe del dum y el tac. Entonces muchas veces percibo la cadencia pero no logro distinguir si es dum o tac. No se si me pasara solo a mi eso.
Verónica Pignataro, asincrónico
ACTIVADO!
Virginia Scocchera. Asincrónico
ACTIVADO!
Me encantó el recorrido por las diferentes fuentes y citas, no sólo por su rigor histórico, sino también porque pienso que pueden servir como inspiración para explorar nuevos elementos o para utilizar los ya conocidos de maneras distintas a las que acostumbramos.
Por otro lado, me quedo pensando en algo que se menciona al comienzo de la clase, sobre la cantidad de disciplinas que dominaban en estos siglos las bailarinas y cómo ahora nos dedicamos a bailar y podemos complementar con otras artes, pero también podemos no hacerlo. Creo que en todas o casi todas las áreas de las artes, las ciencias, los oficios viene sucediendo la atomización del conocimiento y la especialización. Las sociedades generamos cada vez más saberes y habilidades en las diferentes áreas y el conocimiento se vuelve cada vez más inabarcable. Pienso que sería interesante pensar en este tema teniendo en cuenta esto, el contexto más macro que, según tengo entendido, podría estar ligado a la revolución industrial y sus consecuencias.
Leticia Martin, modalidad asincónica. Gracias!!
ACTIVADO!
https://youtu.be/9U1bbaRLQn0?si=rkoN0yGAnqzReQFrhttps://youtu.be/9U1bbaRLQn0?si=rkoN0yGAnqzReQFr
Tema clasico de Tarkan KIS KIS,
Introducciòn, desde 0 a 0:20 m
A Estropa, desde 0:21 m a 0:43 m
B Estribillo, desde 0:44m a 1:02 m
Introducciòn, desde 1:03 a 1:29 m
A Estrofa, desde 1:30 a 1:34 m
B Estribillo, desde 1:35 m a 1:54 m
A Estrofa, desde 1:55 m a 2:14 m
Introducciòn, desde 2:15 m a 2:29 m
B Estribillo, desde 2:30 m a 3:14 m.
Formato A-B-A-B-A-B
Angélica Güerci. Sincrónico.
activado!
En la época preislámica se tuvo la presencia de la música y la danza en mujeres que fueron llamadas kainas, quienes se registraron como personas que tocaban instrumentos, cantaban e incluso bailaban, pero con la entrada del surgimiento del Islam con la aparición del profeta Muhammad se introdujeron muchos cambios en todo sentido, principalmente en la península arábiga, donde las tribus árabes que eran politeístas se encuentran con Muhammad que sostenía que sólo había un solo Dios y él era su profeta. Luego, en la época de los califas Rashidun, tampoco hay mucho material sobre la danza, pero sí de la música, en estos salones como los madris en donde eran puntos de encuentro de artistas, músicos y poetas y vuelven a aparecer en escena de la época preislámica las kainas. Muchas gracias.
Muy buena clase. Algunos de los problemas con los estereotipos que se nombran entre el Bajo y Alto Egipto me recordaron a otros parecidos que se manejan entre Buenos Aires y el interior del país, o que son comunes entre las capitales y zonas rurales. Una amiga mía, bailarina inicial, hace poco compartió en un estado de su Instagram que su profesora les enseñó una danza con bastón que se llama “Saidi”. En su momento, hace más de una década, me la enseñaron con ese mismo nombre, por lo que es un error conceptual que se perpetúa hasta el día de hoy y que se replica en las mismas escuelas. Desconocía las danzas que se mostraron. En el Nizz en esa awi se ve claramente el traspaso de la tradición cultural entre las generaciones. La danza del caballo resulta muy llamativa, y su caballo “imitación” muy gracioso, pero mi favorita fue el Kaff. La coreografía de la Reda Troupe es muy alegre y las palmas resultan grandes aliados musicales.
Introducción a los ritmos árabes, con este titulo comenzamos al estudio de ellos. Dentro de la música árabe hay dos elementos, el espacio (tono) y el tiempo (ritmo). El espacio se construye con los Makam. La palabra árabe que se utiliza para los ritmos árabes se llama Iqa. Los ritmos árabes vienen en variedades de formas, estas pueden ser simples o complejos. También es importante saber que es un pulso, un compás, ritmo y fracciones.
Pulso: es un latido, es un movimiento que puede ser percibido por el oído y ser regular o irregular. La palabra utilizar en árabe para el pulso es Mawzuma o Mazura.
Compas: es la forma de dividir el tiempo musical en ua agrupación determinada del pulso. La estructura puede ser binaria, terciaria, etc.
Ritmo: es distinto al pulso. El ritmo es la organización en el tiempo de los sonidos y silencios. Es Se representa con diversos símbolos.
Fracciones: las encontramos al comienzo de una estructura musical. El numerando nos indica el numero de los pulsos por compas y el denominador nos indica que figura rítmica elegimos.
Puntillo: aumenta el valor de una nota en la mitad de su valor. Se coloca después de la nota.
Anacrusa: es cuando comienza el compás en el segundo o tercer tiempo-
Polirritmia: es la ejecución simultánea de distintos ritmos.
Estos concepto son muy importantes para realizar coreografías y bailar.
Flor Munafo las primeras 2 sincrónicas y las otras dos asincronicas
activado!
Quiero!!!!
Sincronico <3
activado!
Rosa maria mariño
activado!
Mari porfa anotame en el curso!!.. mil gracias y perdon por la demora. Un beso
anotada!
Me pareció súper interesante el recorrido histórico de los nubios, como tuvieron que reasentarse a causa de la construcción de la represa de Aswan. Que si bien se hizo un estudio recio sobre sus costumbres, la relocalizacion hizo que tuvieran que simplificar o incluso eliminar algunas costumbres. Me parece de suma importancia que a pesar de ello y de la influencia extranjera trataban de reforzar su propia identidad. Dentro de esta identidad y de esta cultura aparece la Danza en celebraciones como el matrimonio y las circuncisiones. No conocía esta Danza WASTANEYYA que se realiza luego de la procesión hacia la casa de la novia, me pareció muy enriquecedor poder contar con el video donde se muestran los movimientos que se realizan. Y como conclusión creo que es de suma importancia conocer e investigar estas danzas que representan una cultura para lograr luego poder representar dicha cultura, aunque con adaptaciones, imaginación y creatividad pero sin perder el respeto por lo que se está comunicando.
En este capitulo, aprendí las distintas anotaciones de los ritmos. Anotación entre dos lineas, anotación en una linea, anotación con notas, etc. Comenzados con las anotaciones de los ritmos, Maksum, baladi, saidi y tabl. Como anotación que usamos esta la anotación con DUM, TAC y ESS o ISS,
Maru, anotame porfa. Puedo hacer asincronico y a veces sincrónico?
anotada!! sii no hay problema
En este modulo, vimos el Maksum, Baladi, Saidi, Malfuf, Tawil, Karachi y Masmudi, hicimos reconocimiento de lso mismos y vimos las estructuras de cada uno de ellos.
En este modulo, vimos el Chisteteli, Sombati y Samai taquil, hicimos reconocimiento de lso mismos y vimos las estructuras de cada uno de ellos.
Este modulo, es muy importante porque en cada ritmo, encontramos como se escriben y una pequeña reseña sobre su originen o como se bailan.
En este modulo, vimos el Ayub, Bambi, Fox,Hayya, Wahda u Nuss y Wahda Sahira, hicimos reconocimiento de los mismos y vimos las estructuras de cada uno de ellos. Los dos últimos ritmos, nombrados fueron nuevos para mi.
De este texto me quedo un poco con cómo llega la danza Romani al contexto del Bellydance, es algo que aún no podía entender… La asociación se basa en la imagen que los no romaníes tienen de las mujeres romaníes, estos otros exóticos, sexualmente seductoras, promiscuas, peligrosas, provocativas. El texto expone cómo durante el postsocialismo el chochek búlgaro se orientalizó y este baile dejó de ser sutil y se empezó a asociar esta danza con la danza del vientre. En muchos CDs, videos y DVS de música romani presentaban a bailarinas de danza del vientre semidesnudas y hasta casi pornografricas. También cuenta cómo ha aparecido una mujer macedonia (no Romani) que bailaba danza del vientre mostraba esto como si fuera romani.
Me llamo la atención cómo está población termina autoestereotipandose ya que esto les resulta económicamente rentable, ya que nunca han tenido el control de su imagen se acostumbraron a que los conviertan en “otros exóticos”, lo que tiene que ver un poco con lo que plantea Said acerca del Orientalismo. El chochek en la Danza del Vientre está integrado en proyectos económicos y políticos que son impulsados por la precaria posición de los romaníes. Esta forma de mostrar la danza romani contrasta bastante con la danza y las intérpretes de esta comunidad, ya que una mujer romani nunca se desnudaría para mostrar su ombligo y los movimientos surgen del estómago y no de las caderas.
Hay diversos ejemplos en el mundo de la incorporación de ritmos foráneos y su transformación al utilizar instrumentos o melodías locales y tradicionales. En el caso de mi país, por ejemplo, existe el vals criollo, la polka peruana (ambos ritmos traídos originalmente de Europa) o la famosa “chicha”, mezcla de cumbia, ritmos andinos, guitarras eléctricas y rock & roll. Todos estos ritmos forman ya parte integral de nuestro acervo cultural. Pienso que las formas evolucionan y el sincretismo en la música se puede dar por diversos contextos: el zeitgeist del momento (en el caso de nuestro estudio, la voluntad de “modernizar” Egipto donde Europa era el modelo a seguir); colonialismo (influencia cultural de Francia, Inglaterra), cambios tecnológicos (cine, radio), o la experimentación de los músicos de la época. En el caso de los ritmos de origen latino en la música árabe, como la rumba, conga, bolero, tango se afianzan en la música egipcia en la década de 1930, principalmente a través de Estados Unidos, donde se vivía un gran interés por la música considerada exótica (que para ellos era la de Centro y Sudamérica). Compositores importantes como Mohamed Abd al -Wahab y Farid al-Atrach adoptaron las influencias latinoamericanas a la música árabe en sus composiciones.
Cuantos mitos sobre el origen del velo. Ahora me queda claro que el uso como elemento se inicia en occidente y que Samia Gamal no es la primera bailarina en utilizarlo como creía. Que valioso el aporte de Oscar Wilde. Voy a buscar el libro.
Que importante tener presente la diferencia entre e ritmo samai taquil y la forma musical samai. Muy bella la interpretación de Eli.
Con estas clases acerca de la Ughniya Tawila me encuentro con muchos más recursos para poner en práctica a la hora de componer una coreografía. Poder analizar en profundidad estos temas tan conocidos creo que enriquecen mucho más la composición. Algo nuevo que me llevo para empezar a poner en práctica, reconocer la variedad en sus partes y que la danza coincida con ello.
Me queda claro que el Tahtib es en esencia un juego marcial y no una danza. Me recuerda un poco al capoeira en ese sentido. Lo que me gustaría saber es como en la danza que bailamos se pasó del bastón grande y evidentemente rígido que se ve en el Nizzawi y Tahtib al bastón de pastor curvado en el extremo. ¿Sería algún tipo de adaptación coreográfica?
Primera vez que escucho sobre estas tres danzas tan particulares. Nunca me imagine ver bailar un caballo. Con respecto a la expresión bailar un Saidi pensé que era correcta ya que es lo que me habían enseñado. Al conocer sobre la región y las diferentes danzas supongo que ya no seria exacta esta expresión ya que es demasiado amplia para definir algo especifico.
Que interesante que este juego con bastones sea con reglas, con música y para todas las edades
En esta Clase 2 se puede observar cómo Khyria Mazim realiza un posteo en donde versa que no acepta que se utilice el término Ghawazee para definir a la población de bailarinas a la que ella pertenece y de la cual es quien existe inclusive en la actualidad de las Banat Mazin. Se puede ver también que se explica con respecto a cuestiones de términos tanto Ghawazee como Gipsy, haciendo un vuelco hacia los orígenes de estas tribus que inclusive se ha investigado que antecede a su estadío en India y que eran poblaciones beduinas. Por último, se estudia cómo bajo el gobierno de Muhammad Ali, las bailarinas se encuentran ante la posición de tener que redefinir su profesión y se ven obligadas a resguardarse en el sur de Egipto. Muchas gracias.
Con este apunte queda más que claro que antes de bailar una coreografía con música Nubia es importante buscar su significado, ya que en la música Nubia solía expresar sentimientos de tristeza y perdida cultural por relocalización de su pueblo al construirse la represa de Aswan. Hay donaciones que suelen hablar sobre los sentimientos del inmigrante al encontrarse en una tierra extraña, su nostalgia; como así también contar como Tajreer era una tierra olvidada, de enfermedad, muerte y desesperación. Podrían interpretarse todas estas emociones y sentimientos desde la danza o podría portarse por utilizar temas de fantasía.
https://www.youtube.com/watch?v=cXn0JvP6M50&list=RDcXn0JvP6M50&start_radio=1
Me gustan los instrumentos de cuerda, Muy bello el sonido del laúd. Muy complejo recordar los nombres y un enorme desafió empezar a diferenciar cada instrumento.
https://www.youtube.com/watch?v=sXE7175Jx0I&list=RDsXE7175Jx0I&start_radio=1. Estos son los que mas me cuesta reconocer, creería que el mizmar si porque es un sonido que me resulta demasiado agudo para mi sensibilidad auditiva.
Linda clase Meli, ahora voy a ver la realidad como un embudo, jeje!
Linda clase Meli, ahora voy a ver la realidad como un embudo, jeje!
Estas clases y ejercicios de reconocimiento son muy enriquecedoras para una bailarina. Yo las percibo como un salir completamente de mi zona de confort ya que es algo donde nunca había puesto foco. La veces que he tomado alguna clase de musicalidad en otros estilos de baile me han ayudado a ver cosas que durante años no había considerado Cuando veo un músico que baila o un bailarín que aprende sobre música noto una armonía, una fluidez y una sin cronicidad dignas de admiración.
En mi opinión, algo que me funciona mucho, tiene que ver con el punto 5 que es filmarse, tantas veces como sea posible, además de corregir técnica, también ir variando y probando maneras de expresión, cuando nadie te ve, es el mejor momento para jugar con la interpretación. Una buena interpretación requiere una técnica correcta. Me parece una buena manera de de practicar de forma completa una coreografía. Por supuesto que no hay que descuidar el detalle en la ejecución de pasos, pero por ejemplo, si quisiera practicar como avanzo, mi actitud, si o si me lleva a corregir mi pisada, la colocación de mi torso y brazos en conjunto. Comenzar por la expresión es una variante a la hora de llevar a cabo un ensayo y corregir de manera completa mi ejercicio.
Hola Maru!!! Tengo tan asociada la música a mi vida en todo sentido, que me es difícil imaginar desde cuando comenzó, creo que al igual que la danza, la música no tiene una fecha exacta desde cuando y como comenzó, pero si, puedo asociarlo tal vez como una adoración a Dios o a los dioses.
No sabía sobre la influencia de la música y la exigencias para los músicos en el Califato, es muy interesante, me voy a quedar buscando mas info!!! A su vez, también, ahora puedo asociar un poco mas las influencias árabes en España, que eso me queda como dando vueltas en la cabeza
Es una información completamente nueva para mi los nombres de las diferentes agrupaciones con sus similitudes y diferencias. Hay ciertos sonidos que me siguen resultando mas difíciles que otros para poder identificar que instrumento es.
Generalmente puedo diferenciar un dum de un tak en un solo de derbake pero muchas veces me cuesta identificarlos cuando hay variedad de instrumentos y no tengo aun incorporada la distinción entre tak y zak.
No estoy segura de comprender la diferencia entre taka y rak.
Necesito ponerme a memorizar de manera urgente el valor de cada figura y silencio para poder avanzar en el reconocimiento de ritmos.
La música incluida o mezclada con actitudes fuera de la moral me llamo mucho la atención
El hadiz famoso que dice: hay 4 personas que Allah no aceptara en el día de la resurrección la hechicera, el hombre que llora, la mujer que canta y la mujer que es infiel realmente me impacto,
También me sorprendió el tratado que dice que cantar hace que la hipocresía crezca, la distinción que hace un erudito entre los sumas de los vulgares y la de los elegidos y el considerar algunos instrumentos como algo demoníaco.
Como muchas creencias sobre todo religiosas, tiñen nuestra visión en muchos aspectos de la vida incluidos el arte.
Yo suelo observar mucho las expresiones y gestos de las personas (bailarinas o no) pero es algo que me cuesta muchísimo incorporar. Entiendo que es muy importante lograr transmitir y darle a cada estilo su interpretación correcta. Necesito en principio estar muy segura de la coreografía ya que soy una persona muy mental para poder intentar conectar con alguna emoción. Me gustaría poder incorporar el como si, meterme en el personaje de mostrar esa alegría aunque no la sienta etc. Es un gran desafío para mi del día a día.
Me parece enorme la importancia de todas estas distinciones y consejos. Después de años de tomar clases, solo luego de haber incorporado instancias de ensayos y entrenamientos he logrado ver mejoras. En mi caso es clave la importancia de organizarme de escribir objetivos con plazos, poner horarios etc. Nunca fui buena para organizarme y me sigue resultando muy complejo pero gracias a tu ayuda, tu guía y tu motivación voy avanzando. Voy a incorporar el escribir como me siento. Es muy útil no desconectarnos y que el cuerpo nos diga si es por ahí o hay que hacer ajustes en tiempos o intensidades.
Amo el baladi y me doy cuenta que la parte de interpretarlo de forma relajada es algo que no he tenido en cuenta. Algunas veces he incorporado pasos mas estilizados que luego entendí no es correcto ya que no representa la esencia.
Después Maru te consulto los nombres de los músicos para escribirlos correctamente
y buscarlos.
No conocía los términos me atta, awadi, engerarah, aflah.
Improvisar es todo un logro pero improvisar un baladí es otro nivel.
Esta clase esta muy interesante porque toda bailarina debería reconocer la melodía y el ritmo en una canción asi se pueden hacer los movimientos adecuados .
También saber que existen muchas variedades de ritmos en la Música Árabe. Hay variedad en género y formas (chiquitos, largos).
Si tocamos los chinchines o bailamos una cancion es fundamental reconocer el pulso qué es como un latido y puede ser regular o irregular.
Así no nos vamos de tiempo.
Me vino bien recordar la importancia de estar cerca del músico durante el taqxim o mirarlo para que se vea esa conexión con la bailarina. Me parece hermosa la parte de preguntas y respuestas y que importante poder lograrlo, al igual que poder detectar los silencios. Nunca había considerado el ritmo de base en las preguntas y respuestas y no sabia que se suele insertar un tema famoso en la parte del baladí lento. Muy interesante seguir aprendiendo sobre el baladi.
Que impactante todo lo que contas de estos zaffa. que las niñas se casaran tan jóvenes y que los hombres pudieran tener problemas por ser mayores y seguir solteros. No entendí bien que seria la dote. Tremendo lo que contas de la persona que se corto el abdomen.
También me llamó la atención que consideren que sea exitoso solo si se da en un espacio publico y poner un ritmo para sacar a una mujer que baila queriendo lucirse jaja
Que lamentable que la imagen de la bailarina sea para simbolizar la sexualidad, el paso de la soltería a estar casada y como alguien en quien no deberías convertirte.
Hola Maru!!! Ésta clase es super interesante, es cierto que toda bailarina debe saber estas cosas, en mi caso, por ej, siempre saqué el pulso por oído, pero nunca me habían enseñado como el paso a paso de cada uno. En cuanto a los libros, nunca los leí, pero me interesan leerlos, así que los buscaré
Me encantó esta clase!!! Ahora pude entender mejor la diferencia entre pulso y ritmo!!! Es más, creo que no voy a poder dejar de hacerlo en casa cuando escuché música!!!
Me ha resultado bastante compleja la lectura de este texto. Los debates sobre el sama. Los hadiz tomados como fuente autorizada con tantas ideas variadas Y enfrentadas. La música y la danza vinculadas al placer de beber vino y el libertinaje, la prohibición de ciertos instrumentos. Muy impactante el tratado que incluye a una mujer que canta como una de las 4 clases de personas que no serán consideradas para el día de la resurrección, frases como cantar hace que la hipocresía crezca en el corazón.
Rescato una frase de los fundadores lideres de los ordenes místicos del islam que dice: la música no produce en el corazón lo que no está en él, pero me sigue resultando extraña la parte que dice por lo tanto debería prohibirse a aquellos que están sujetos a una mera intoxicación.
Las distinciones entre los diferentes sama artificial y artístico sama libre y vinculado a la música siguen mostrando a mi modo de ver esa separación como en la expresión la gente común el ignorante o el novato para quien el sama puede ser veneno eventualmente pueden asistir a ritos ceremoniales pero no pueden tener parte activa en ellos.
El dhikr, ritual mas notable para los místicos y que pide recordar a Dios lo mas posible incluye la música y eventualmente la danza.
Mevlevin: la danza y la música forman una unión invisible asociadas a practicas místicas fueron atacadas principalmente por los tradicionalistas por incluir instrumentos prohibidos. En su defensa el teólogo Al Nabulusi escribió que el verdadero creyente los utiliza con buena intención y fines por lo tanto no deberían ser considerados dañinos de ninguna manera.
En vista de la gran importancia que los sufies le atribuyen a la música en su doctrina, fueron los mas atacados. Frases como que sus giros se parecen a peleas de gallo, que parece que invocaran a una entidad sorda etc.
Consideraban que la música era la tentación de diablo y que satanás estaba dentro de los instrumentos.
Me quede pensando mas allá de la religiosidad con la que todo está teñido, el hecho de darle a la música el poder de actuar sobre el comportamiento de las personas. Como y cuanto nos influye lo que vemos, escuchamos y todo que ingresa por nuestros cinco sentidos?
Creo que baladi y masmudi son dos de mis ritmos favoritos. Los que me resultan mas fácilmente reconocibles son el chiftetelli y el malfuf y aunque este considerado un ritmo fácil me cuesta mucho escuchar el tabl. Me vendría bien escuchar mas música y practicar la escritura.
Hola! Estoy siguiendo las clases de forma asincrónica. Muchas gracias, Meli!
Nunca había visto una danza donde los hombres bailaran con varas y las mujeres con pasos estilizados. Me sorprendió la música que utiliza Tito Seif, ya que creí que sería para un derbake. Hermosa la alegría que transmiten y admirable la destreza.
Nunca había escuchado nada sobre la historia del bolero, muy interesante todas las influencias que ha recibido y las etapas por las que ha pasado. En cuanto al estilo es uno de mis favoritos y aunque aun me falta, voy logrando bailarlo de una manera mas sentida. Su origen en Cuba me hace pensar cuanta música rica ha nacido en esa zona. Estoy empezando a comprender porque muchos bailarines eligen viajar allí para conocer y aprender.
Hace poco tome conciencia que bolero y baladi son los estilos que mas disfruto escuchar y bailar y que a la vez como explicas acá tienen cadencias muy diferentes. Me encanta lo estilizado y etereo y me pasa tal cual lo que decís a la hora de coreografiar: tengo que ser muy cuidadosa para marcar correctamente donde van los dum
Muy lindo el samai pero muy complejo el ritmo samai taquil. Desconocía que tuviera una estructura y tampoco sabia sobre la forma de llamarlo en el imperio otomano. No logre identificar desde lo auditivo cual sería un saz semai. Espero lograrlo luego de escuchar varios de ellos.
Hola Maru!!! No sabía que se dividían en Binario, Ternario, Cuaternario, si bien siempre supe como enganchar el compás, no sabía que se dividían así, ahora se me quedó esta clase en la cabeza, y cada vez que escucho una canción trato de identificar como se divide, igualmente, es un ejercicio que siempre lo hice como por “inercia “, por gusto, cuando disfruto la música.
Acá es la parte donde tengo como más “drama”, más que nada en recordar los dibujos de las figuras y silencios, lo cual, me parece que debo seguir ejercitando esta parte, ya que de una u otra forma, por más que me guste la música o no, trabajaré con ella todo el tiempo, y esto es importante saberlo y también repasarlo cada tanto.
Entendí el concepto de anacrusa, lo tengo que poner más en practica, me gusta poner el iss entre medio del dum y el tak como silencio, pero me cuesta asociarlo cuando lo canto, me parece una forma salida de loque ya se conoce, y estaría genial poder aplicarlo poco a poco
Me sorprende y a la vez no, que hayan puesto jueces europeos, ya que, estamos hablando de culturas muy diferentes, y que entre ambas se destacan en diferentes cosas, como en la música, por ej.
Si bien, no me parece mal que haya un orden en cuanto a la enseñanza sobre la música, porque hay cosas básicas que una persona al tocar o hacer música debe conocer, no me parece que la música árabe tenga que tener “cambios” en cuanto a su estilo. Creo que está genial, que la música árabe se siga expandiendo a través del mundo, tengo la sensación que aunque sea acá, en Argentina, aún se conoce poco sobre la música, entonces, considero que se tiene que seguir expandiendo, y también, no dejar de alimentar a los músicos sobre conocimiento, eso ayudaría a mejorar su: estilo, entonación, formas de tocar los instrumentos, etc.
Como dije antes, hablamos de culturas diferentes, y la música no tiene que ser exactamente igual a occidente, se destacan ambas y tienen el “condimento” exacto para gustar a las personas que disfrutan su música.
Me encantó el análisis de una canción para armar una coreo, la verdad que me sirve un montón para poder armar mejor mis coreos porque a veces me pasa que me nublo y no sé que hacer, si amo y esto lo hago desde muy chica es buscar traducciones de las canciones, hoy en día es muchísimo más fácil porque muchas canciones ya están traducidas en Youtube, pero, de chica tuve como una especie de librito o folleto, donde te enseñaba las cosas básicas, como de los diálogos cotidianos, sentimientos, etc. Lamentablemente lo perdí, pero eso me hizo como querer buscar o poder entender las letras, porque muchas veces pueden engañarte, por ej., me pasaba con Halawet Roh de Hakim, que uno la escucha y dice -wow, que alegre esta canción-, y en realidad no, habla de un engaño amoroso, entonces, a veces está muy bueno tomar esto como un pequeño ejercicio, ayuda un montón. En cuanto al Wasla, entiendo que se asocia más a las emociones, como que trata de buscar que el oyente transite diferentes emociones
Me gustó mucho esta lectura para conocer sobre la historia y evolución del vals. Es curioso que una danza que hoy puede ser considerada clásica, elegante y ceremonial (matrimonios, quinceañeros) en su momento fuera considerada escandalosa y hasta peligrosa (para la moral y la salud). Su influencia y adopción en el mundo es innegable, por ejemplo, en los ritmos árabes valseados, en el vals criollo, y en pasos que en su nombre y forma conservan vestigios de sus orígenes (Allemand right utilizado en el Square Dancing). Me parece importante también, ubicar su popularidad en el contexto de los ideales Románticos y cómo era considerado un igualador entre clases sociales, ya que todos podían bailarlo al no tener una estructura tan rígida y donde lo que se valoraba era la destreza y habilidad del o de la bailarina, más allá de su estatus socio-económico. Finalmente, como reflexión personal, podría establecer un paralelismo entre el vals y otras expresiones culturales actuales, en tanto que una expresión originalmente folclórica y/o rural es adoptada por las clases aristocráticas y ricas y luego llevada a salones lujosos con precios, que para muchos resultan ser prohibitivos. Afortunadamente, el vals ha evolucionado a través de los siglos y hoy se mezcla con instrumentos y ritmos locales para crear nuevas formas y expresiones culturales representativas de cada pueblo y cultura.
En esta clase se puede observar la época de los Abasíes, quienes fueron un gran número de califas que gobernaron en el poder de la Cultura Árabe-Islámica, dado a que se consideraban con derechos por ser los descendientes del profeta Muhammad. Es importante destacar en cuanto a la Danza que se encuentra la aparición de las Qainas o Qiyan, quienes eran esclavas que se desempeñaban en música, canto y danza como forma de entretenimiento para quienes las poseían dentro de sus casas. Por úlltimo, es deseable ver que se le dio un lugar importante a la producción de conocimiento artístico y que nos llega hasta el día de hoy como material rico para trazar un camino de la Danza dentro de la época del Islam. Muchas gracias.
Hola! Esta clase estuvo muy buena y didáctica mas para personas como yo que escucho música pero sin tener en cuenta el pulso, el compás.
Ahora si voy a escuchar la música desde otra perspectiva. Excelente explicación, me ayuda un montón.
Nunca había tomado conciencia que parte de la riqueza y belleza de los clásicos de la música árabe tienen que ver con la diversidad de ritmos. Algunos de los que nombras como conga masri, vals o jerk de hecho son de mis preferidos ya sea por los pasos característicos o por lo musical. En este caso coincido con Mohamed sobre la evolución que representa para Egipto la influencia Europea y latina.
Claramente este sera mi mayor desafió para este año. Algunos ritmos me parecen sencillos de recordar e identificar pero con muchos otros me pasa todo lo contrario, incluso no logro escuchar si es un dum o un tac. Muchas veces me suena igual un tac tac que un taca. Ojala logre desarrollar mas mi oído para aprenderlos
Escuchaba la diferencia entre el maksum y el wahda u nuss pero no podía explicarla. Me sirvió pensar en ese tac tac extra. A la vez no se porque me suena parecida la cadencia al chiftetelli. El ritmo fox lo escucho taca dum :c asi que me cuesta identificarlo. En resumen tendré que seguir escuchando y practicando.
Me encantan estos ritmos. Los pasos que van dentro de un vals o un bolero son de mis preferidos. Me los puedo imaginar mientras los escucho. Enta el hob es uno de mis temas preferidos
Creo que todos los puntos son complementarios y necesarios. Yo particularmente necesito saber el tema de memoria, poder tararearlo, así me es mucho más sencillo el momento de visualización y recordar en qué momento entra cada paso. Y si bien me ayuda esta forma, lo esencial es pasarlo por el cuerpo. Ensayar todas las veces posibles para que mi cuerpo se adapte a cada movimiento y llegue con los tiempos. La mezcla de memoria mental para recordar el tema y los pasos más la memoria corporal de pasar por el cuerpo la coreo, es lo que mejor funciona en mi caso. Luego puedo ir trabajando por sección coreográfica la expresión y la intención, “ir puliendo” y ser más detallista, una vez tenga la base bien enraizada.
Saber el origen de la música árabe es adentrarnos en la historia y entender que todo está conectado con todo. La cultura y el día a día de las personas las llevó a la necesidad de expresarse a través de cantos y poesía, siendo las tribus árabes quienes estaban en medio de dos imperios enemigos. El amor, como nexo de unión entre la música preislámica y comienzos del Islam. Con la llegada de Mohamed y la unificación religiosa, comienzan a surgir las críticas sobre lo que hace sentir la música vs la religión. No obstante, eso no paró la evolución de las canciones, de lo que dicen y su expresividad. Comienza la tradición musical, influenciada por la expansión del Islam y los salones de entretenimiento.
Si bien durante el Califato Omeya los músicos comienzan a tener una mayor preponderancia con la entrada a la Corte, y por lo tanto su arte al estar siempre presente derivó a la Gran Tradición Musical y a la necesidad de perfeccionarse, creo que el punto máximo expuesto en esta clase lo vemos durante el Califato Abbasida. Acá hay un refinamiento de lo comenzado durante los Omeyas sobre la formación de un músico y el retrato de un músico perfecto. Hay una mayor presión sobre la concepción musical lo cual deriva a la necesidad de un estudio más profundo para resaltar como músico.
Mi reflexión personal es que aunque haya sido muy criticado el arte por el Islam al tacharlo de una influencia tóxica en las personas, eso no detuvo su expansión, perfección y el aliento de los Califas por ser benefactores de músicos y escuelas de formación musical.
Nunca había escuchado sobre la longa, Por el momento para mis oídos son muy sutiles los cambios en los hanes así que tendré que practicar. Que interesante que primero los músicos árabes hayan empezado por tocar lo que habían compuesto los músicos otomanos, que luego pasaran a componer y que hoy convivan ambas.
Lamma bada me pareció bellista. Lo que no me quedó tan claro es sin la forma aaba se encuentra en algún genero musical especifico. Reconocer cada parte me costó pero ya con la ultima fui mejorando.
Conocer la historia de la música es esencial para comprender lo que bailamos hoy en día sus orígenes. Es interesante ver qué está historia se remontan a la época preislámica, entre los imperios Bizantino y Sasánida, donde la poesía y la música fueron pilares culturales. Poder ver qué con el tiempo, estas expresiones se transformaron en canciones populares y recitadas en casas nobles. Con la llegada de Mahoma, la religión unificó a la población y, en ciudades como La Meca y Medina, las casas se convirtieron en espacios de entretenimiento para músicos y bailarinas. Así entonces comprendo que marco el comienzó de la evolución musical lo que conocemos las bases de la tradición que hoy seguimos interpretando como bailarinas y futuras profesoras
Para una bailarina, reconocer el ritmo y la melodía es tan importante como la técnica misma. Esto permite que en una coreografía se puedan ejecutar los movimientos con precisión en el tiempo y de expresar con el cuerpo, ese compás. A esto se suma la armonía en nuestra danza, hablamos de ritmos pero también es importante conocer terminologías como Iqa’at o waza y usul en la tradición turca para referirnos a los ritmos, porque facilita la comunicación entre músicos y bailarinas de otras partes. El pulso es algo natural y nos movemos con él sin darnos cuenta, aunque pocas veces lo pensemos conscientemente. Siempre se trata de la atención en poder conectar cuerpo y música para poder transmitir incluso un sentimiento con el que bailamos.
Hola!! Excelente clase y excelente explicación, por lo menos para mi que nose nada de música, me encantó esta forma de aprender los Ritmos, ya que yo lo sabía con esa tablita que explicaste donde se pone Dum y Tac .
Esta forma me parece mas completa. Ahora toca practicar.
Hola! Esta clase me pareció muy enriquecedora, mas cuando explicaste las fracciones, se puede entender mejor un ritmo, hacer las prácticas es fundamental ya que nos hace mejorar el oído y asi no irnos de tiempo. Los chasquidos de los dedos, subiendo y bajando la mano me ayudó un montón con los silencios .
Me hizo acordar cuando empecé a tejer no entendía los gráficos hasta que una profe me enseñó a leerlos, con esta explicación me paso lo mismo ahora entiendo mejor los ritmos.
https://www.youtube.com/watch?v=nvn1ZEUNzWQ&list=RDnvn1ZEUNzWQ&start_radio=1
hasta el 0,32 ritmo sherk
0,55 a 1,32 ritmo baladi
2,12 a 2,48 ritmo bambi
https://www.youtube.com/watch?v=BgwydrYSkvA&list=RDBgwydrYSkvA&start_radio=1
chiftetelli
https://www.youtube.com/watch?v=WOjU2bSsYp0&list=RDWOjU2bSsYp0&start_radio=1
rumba masri hasta el 1,56
karachi hasta 2,16
La Dra. Alice Thomas analiza en su artículo (2007) el antes y el después de la conferencia de 1932. Si bien hubo varios actores sociales involucrados, en su análisis la Dra. Thomas decide centrarse en los reformistas egipcios. Estos últimos, conocidos como la effendiyya, fueron un grupo de músicos de élite de herencia otomana. Influidos por teóricos europeos, pretendían realizar una sistematización de la llamada “música árabe”, categoría artificial que ellos mismos definirían. En el texto se detalla que la necesidad de llevar a cabo la conferencia estaba sustentada en un tipo de pensamiento que podríamos asociar al concepto cultural de “orientalismo” desarrollado posteriormente por Edward Said (1978): la effendiyya aceptaba que la música —y por extensión, la cultura— “occidental” era superior en desarrollo y prestigio a la “oriental” y, por consiguiente, esta última debía “reformarse” para alcanzar los estándares de la primera. Otro elemento fundamental del pensamiento reformista fueron las diferencias que la effendiyya tenía con los músicos profesionales egipcios, a quienes acusaban de haber corrompido la música tradicional hasta un estado de “desorden y degradación” —visión respaldada por etnomusicólogos europeos como Curt Sachs—. Por esto mismo, el sindicato de músicos profesionales fue excluido de participar en la conferencia de 1932. La meta de los reformistas era afianzar un sistema teórico que pudiera ser llevado a la práctica y servir de base para su desarrollo posterior de la música árabe. Thomas nos relata cómo la conferencia dio resultados mixtos: sirvió para la elaboración de programas educativos y la aparición de nuevos institutos de música, pero no fue conciliadora en aspectos clave de la teoría musical. En su investigación, Thomas resalta que, siete décadas después, la instrucción instrumental derivada del sistema formal es deficitaria e indisciplinada, aspecto contradictorio dado que eran las cualidades que los reformistas denunciaban en los músicos profesionales. Por ello, la autora concluye que las ocupaciones artísticas, como la música, no pueden guiarse únicamente por un corpus teórico para dirigir su desarrollo, ni respaldarse en la exigencia de credenciales: toda política cultural requiere la participación de los actores que la ejecutan y se sustenta de la creatividad y la reinvención constante. Concuerdo en parte con la posición de Thomas, dado que no se puede separar una disciplina de su ejecutante, y que la academización por sí misma no garantiza la excelencia de un producto cultural. Sin embargo, considero que sistematizar asegura cierto grado de homogenización en los aspectos prácticos, por ejemplo, codificando un sistema que clasifique qué tipo de habilidades son o no deseables en un ejecutante. Aplicado a nuestra área de interés —el bellydance—, podemos ver que la academización de nuestro baile conllevó a una codificación de requisitos necesarios para poder impartir una instrucción “adecuada” dentro de los parámetros del estilo. A su vez, considero que no nos corresponde juzgar como correcto o incorrecto el pensamiento de los reformistas egipcios desde la perspectiva actual. Si bien hoy en día los programas educativos pueden considerarse obsoletos, y las pretensiones modernistas de la effendiyya como un tipo de pensamiento colonial, la conferencia de 1932 en sí misma fue un punto de inflexión que dio lugar a grandes discusiones intelectuales sobre la definición de “la música árabe” y que influyó -ya sea para bien o para mal- en su desarrollo inmediatamente posterior. Ejemplos de esto es la incorporación de instrumentos y estilos claramente occidentales, incentivando a grandes compositores de la época a explorar sus propios límites y ampliar sus fronteras creativas.
Hola! Esta clase me sirvió un montón para seguir aprendiendo de como se escriben e interpretan los ritmos y sobre todo a respetar los silencios, ahora si puedo entenderlos un poco más!! Ahora me toca practicar con los chinchines .
Hola! Muy importante esta guía, ya que nos ayuda a organizarnos cuando pensamos que no podemos o no tenemos tiempo de ensayar, esta guía nos dice todo lo contrario. Todas podemos y todas tenemos nuestros tiempos para aprender . Es cuestión de constancia, confianza, y estar atenta a toda la técnica que Maru nos brinda y nos ayuda a corregirnos a la hora de hacer una coreografia.
Es la primera vez que aprendo sobre el compás y el pulso, y entendí que son lo que ordena la música. Ahora noto que los acentos y los tiempos no son al azar, sino que ayudan a seguir el ritmo. En las prácticas del vídeo pude identificar algunos de forma asertiva lo que me ayuda apartir de ahora escuchar con más atención la música y seguir practicando el oído.
En esta clase vemos desde los diferentes autores que profundizan el estudio de los ritmos, hasta la definición de Touma. Los géneros con organización rítmica temporal fija se pueden seguir y hasta nos es natural aplaudir y marcar el pulso sin tener un oído afinado (como espectadores en una presentación, por ejemplo), mientras los géneros con organización rítmica temporal libre son improvisaciones melódicas y por ende, pueden estar acompañados o no por un ritmo (Taxim, Mawal o Layali).
Hay ritmos cortos y también complejos.
El Pulso es algo natural y lo encontramos en nosotros y en nuestra vida, aunque su concepto haya nacido en el Siglo XIV con los relojes mecánicos, ayudándonos a organizar el tiempo.
Si bien en Argentina se llaman “Ritmos árabes”, es conveniente saber las palabras Iqa, Iqa’at, Wazn y Usul (Usul para ritmos turcos) para poder comprender escritos, bailarines e interactuar sobre la cultura musical y rítmica árabe con personas de otros países.
Como bailarinas, es esencial entrenar el oído y poder encontrar el ritmo y la melodía. Es un entrenamiento igual de importante que el corporal, ya que sin poder encontrar estas aristas en lo que bailamos difícilmente lleguemos a marcar e intencionar lo que queremos mostrar a la hora de bailar.
Hola! La reflexión que me deja este texto es que deberíamos aceptar y respetar la cultura de cada país, lugar etc.
Hola. Me parece muy interesante e importante la guía. Por un lado es organizadora. Ayuda a organizar en ejes claros, concisos. Por otro lado ayuda a despejar y superar posibles dificultades que puedan sentir o tener las alumnas: espacios, tiempos, comparaciones, filmarse, etc. Dando alternativas para superarlas. También me parece fundamental el foco en el aprendizaje de una coreo como proceso. No solamente en lo individual, sino también en el aspecto grupal. Algo que me encantó de la guía es que da seguridad, confianza y compromiso para poder llevar el proceso de aprender una coreo. Confiar en la profesora que amorosamente guía. Confianza en el trabajo de una misma. Además estimula el compañerismo en el grupo. En lo personal, mi desafío es el tiempo y los detalles. A veces, por estar pendientes de lo general, se nos pierden los detalles pensando que los tenemos incorporados. Por eso destaco, en mi caso, filmarse y poder optimizar tiempos por semana.
Hola! Ahora si voy entendiendo como preparar una coreo y en que debo estar atenta al escuchar una canción. Si bien este año empecé a escuchar un poco mas de música árabe me doy cuenta que no la estaba escuchando como se debe. Esta muy bueno saber que hay canciones traducidas así la podemos interpretar mejor a la hora de bailarlas.
Hola! Me encanta tu explicación Maru, esta muy bueno saber sobre las formas musicales, y saber donde podemos encontrar al Taxím asi poder interpretarlo a la hora de bailarlo. Como asi tambien estar atenta a los silencios y al pico máximo, es decir interpretar lo que el músico va tocando y no hacer cualquier cosa. Para todo esto es importante escuchar mucha música, educar al oído.
Hola! Dos nuevas formas musicales que no conocía, me encanto saber las diferencias para poder reconocerlos.
Son muy lindos al oído. La explicación y el resumen que se hizo lo dejo todo mas claro. A seguir escuchando música.
El conocimiento nos abre puertas, nos proporciona un entendimiento más profundo de lo que realizamos. Nos aporta una mirada más amplia, más acabado y nos inspira. Aprender el inicio de una cultura, de la cual elegimos sus danzas, me parece sumamente enriquecedor. Como estudiantes, bailarinas, profesoras. Por lo cual siento que es estimulante e importante ahondar en un punto tan significativo como es los inicios de la música árabe. En el desarrollo de la clase ir viendo la evolución, no solamente en la música, sino en la poesía, las creencias, la organización social, la situación geopolítica, económica, las costumbres, los lugares de reunión e intercambio de la comunidad que se dieron en la época preislámica. En lo personal me encanta cómo está relacionada la poesía y la música en el mundo árabe, belleza del arte y la literatura. Acá me quedo con la frase: la poesía como punto de partida de la música. Por otro lado, si bien existe el inconveniente que era una cultura de la oralidad, de que hay poca evidencia arqueológica, se logra tener un esbozo o acercamiento a través de la historia y autores como Touma.
Conocer el contexto de ese momento histórico donde se desarrolló la música. Dos imperios: Bizantino, Sasánida. La situación en la península Arábiga, haciendo de tapón entre la disputa entre esos dos imperios. La importancia de las tribus de los lahmidas y gazanidas. La vida tribal de caravanas, pero también la vida en los centros de las ciudades como Maca. Me parece enriquecedor saber que tener una vida comercial muy activa generaba el intercambio con otras culturas como la persa, la griega, babilónica, romana, etc. Como se fue dando la poesía y la música en los cantos beduinos y la población sedentaria destacando el rol de la Qayna. Luego ir viendo cómo se fue desarrollando en los primeros tiempos de la era Islámica. Cómo fue mutando, evolucionando la música y la cultura. La época del profeta Mahoma. Los califas Rashidun. El rol de los músicos y mujeres y la aparición de los salones Majlis.
Hola!! El Taxim es otra forma musical que toda bailarina debe conocer, para poder ejecutar la interpretación a la hora de bailarlo.
El Taxim se caracteriza por la improvisación, por eso se debe tener mucha creatividad y conexión con el músico además de estar atentas a las pausas o silencios que tambien son importantes. Para todo esto hay que escuchar mucha música asi nuestro cuerpo y nuestro oído lo van reconociendo.
En esta forma musical se pueden hacer movimientos ondulantes ya que el instrumento es melódico.
Hola Maru!
Respecto al pulso, si bien para los bailarines es fundamental poder danzarlo, me resultó muy útil el tip de buscarlo con el aplauso, tal como lo hace el público de manera natural. También me sirvieron mucho los ejemplos de la gota de agua y la referencia al origen del concepto, inspirado en los relojes.
Quiero recalcar además la importancia de usar correctamente los términos para definir lo que conocemos como “ritmo” (ya sea Iqa‘, Wazn o Usul para el caso de los ritmos turcos —no estoy segura si las dos últimas las escribí bien).
También me pareció interesante conocer los distintos estudios sobre la teoría de la música árabe y a sus principales autores a lo largo de la historia, lo cual es de suma importancia para poder tener un contexto de la interpretación que podríamos darle a la danza. Conocer a los teóricos y la historia de la música árabe no es algo accesorio, es lo que da contexto y enriquece la interpretación de la danza.
https://drive.google.com/file/d/1qAQ8GeUfjogaZOp41BUJUe5GYB99A7w_/view?usp=sharing
En la segunda clase de introducción a la historia de la música árabe podemos continuar viendo como siguió desarrollándose la música en el período de los Califatos. Califato Omeya, Abassida y la zona de Al Andalus. Quiero compartir una apreciación personal de este período. Siempre que lo estudiamos me parece una época de gran florecimiento y desarrollo de toda la cultura islámica y me resulta interesante e inspiradora.
Algunos puntos que destaco:
*Se abre en este período la corte para los poetas y músicos.
*Se van a alentar y patrocinar a los músicos. Los califatos van a ser de gran importancia para el desarrollo de la música.
*Los músicos van a ir creciendo en importancia. Sus casan se convertirán en escuelas.
*Surge La gran tradición musical.
La tradición musical se va a producir combinando elementos de diferentes pueblos que se fueron conquistando. No va a ser solo propio árabe, sino que esta tradición también va a ser influenciada por otros pueblos no árabes.
*Se empieza a sistematizar, con normas, reglas.
* En la época Abbasida se le da importancia al Retrato del músico perfecto.
* Los Majlis como espacios importantes para el desarrollo de la música.
Para cerrar me gustaría comentar que, pese a la mirada negativa de autoridades religiosas con respecto a la música esta no dejó de desarrollarse, sino todo lo contrario.
Hola! La explicación de la terminologia de las palabras que usamos para conocer la Danza me pareció importante para saber diferenciar cada aspecto. En lo particular, cuando comencé la conocía como Danza Árabe y cuando empecé a estar mas tiempo me fueron introduciendo la palabra Bellydance.
Me parece que sirve al principio para poder atraer a las personas ya que la mayoría la reconoce asi “Danza Árabe” por lo menos yo, si tendría una escuela comenzaría asi.
Me parece muy interesante entender el origen de los distintos estilos musicales que bailamos. En el caso del bolero, sus orígenes en Cuba, su adopción y evolución en México, sus demás influencias y transformaciones; además del contexto histórico y cultural en el que se desarrollaron. Los sentimientos y emociones que se tratan en los boleros, el amor, desamor, deseo, soledad y la forma de expresarlos muestran ese proceso; y, al acompañar a las personas en momentos emocionales, van creando una identidad colectiva que hace que el bolero no pase de moda y cada tanto se reinvente en nuevas voces y arreglos.
Me llamó la atención el lugar que se le da a la mujer en la temática de las composiciones, primero como diosa que es idolatrada y luego como causa de dolor y desengaño; me interesaría saber qué fue lo que llevó a ese cambio. Vale la pena mencionar que también hubo mujeres intérpretes como Olga Guillot y grandes mujeres compositoras de boleros como Isolina Carrillo, compositora de Dos Gardenias, y Maria Teresa Vera, compositora de Veinte Años, ambos temas popularizados por Buena Vista Social Club que transmitieron esos sentimientos de añoranza, nostalgia por un amor imposible o perdido, y deseo que nos conmueven y acompañan.
Me parece muy importante que como bailarinas entendamos tanto el origen de los estilos y ritmos que bailamos, como su temática a fin de poder interpretarlos de manera adecuada. El ritmo utilizado (rumba masri) así como el tipo de pasos, el énfasis en los movimientos y vestuario a utilizar son la base para lograr una performance respetuosa y auténtica. Me gusta mucho la expresividad que permite el bolero, transmitir las emociones de amor, desamor, deseo, pasión a través de movimientos estilizados sobre una forma de base latina interpretada con instrumentos orientales.
Interesante ver el paralelismo entre la forma del Rondo y el de la Longa. Fue muy útil el ejercicio de prestar atención para identificar la repetición del tema principal (teslim) y las estrofas (hane) a lo largo de los temas, y como cada uno de ellas va cambiando de melodía mientras que el teslim se mantiene a lo largo del tema. Tambien me gustó saber el número de compases for hane pues permite preparar una coreo o hasta improvisar de mejor manera al conocer la estrutura y los ritmos utilizados.
Tras haber escuchado los ejemplos un par de veces se va haciendo mas fácil el reconocerla. Además, hace poner atención a temas occidentales y contemporáneos (en el pop, por ejemplo) que también utilizan esta forma.
Me dio la sensación que la danza Razif es bastante mas alegre en comparación con Dahha, mas allá de que las temáticas suelen ser similares. Es importante tener en cuenta una vez mas que en el bellydance varias danzas como estas podemos representarlas pero desde la fantasía.
Hola! La clase muy interesante. Aprender de todas las terminologias que hay me pareció fantástico, empecé a conocer a la danza como “Danza Árabe ” no me imaginaba que habia diferentes formas de llamarla. Recien cuando empecé a tomar clases conoci que tambien se la llamaba “Bellydance ” pero tambien me decían que “Danza Árabe ” era una Danza mas auténtica y “Bellydance ” era una Danza fusionada y mas estilizada.
Cuando subo algo a mis redes me acostumbre a poner #bellydance ya que me identifica mas esa Terminologia pero cuando digo que danza práctico siempre digo “Danza Árabe ” porque la mayoría de las personas que no estan en el ambiente lo entiende mejor.
Me encanto saber las diferencias de todas las terminologia. La historia siempre va cambiando y me parece que aveces hay que adaptarse pero eso va a hacer muy difícil porque no todos pensamos igual.
Me gustaría comentar que me parece necesario tener conocimiento de que existen variedad en la enseñanza de ritmos según la escuela que se estudie. Que hay escuelas que tienen un pack de 10 ritmos básicos y otras pueden enseñar 30 o más. En lo personal me ocurrió, estudiar en una escuela y encontrar que otra enseñaba muchos otros ritmos que no conocía, me generó desorientación en su momento. También conocer que no existe un método unificado y que en la Argentina circulan 3. Saber esto nos ayuda a ser flexible a la hora de ir a seminarios, estudiar en otro lado, trabajar con otros bailarines, profesores, músicos, etc. o simplemente enriquecernos de otras formas.
Me gusta la definición de Touma, que podemos ver dos géneros diferenciados de ritmos. 1- Género con organización rítmico temporal fija 2- Género con organización rítmico temporal libre. Sobre todo, para entender cuando tenemos un ritmo fijo y cuando bailamos un taxim, mawal o layali con organización rítmico temporal libre. Enriquece un montón saber estos puntos.
Por otro lado, aunque no sea muy utilizado en la comunidad belly, saber la terminología Iqa, wazan, turco usul para definir los ritmos. Que hay ritmos extranjeros que se han tomado y una variedad de formas. Algunos simples, otros más complejos. Reconocer ritmo y melodía.
Sobre la historia de los ritmos vamos a ver que empieza a ver un estudio más específico con el advenimiento del islam. Que tiene que ver con la prosodia de la poesía. Conocer algunos autores de referencia como Al Farabi, Ibn Al Akfani.
Punteo que realicé sobre PULSO
– Fundamental para bailar y entender sobre la música
– Es cómo latidos del corazón
– El pulso divide el tiempo en unidades proporcionales. Es un punto de referencia que nos ayuda a organizar el tiempo
– Pulso regular/Pulso irregular. El Taxim por ejemplo se da pulso irregular.
Que interesante que las integrantes de Taggagat traten de alejarse de esta etiqueta (pegar) ya que al cantar y usar instrumentos melódicos y no solo percusión, prefieran otros términos como cantante o artistas. Considero que tiene mucho sentido
Me sorprendió en las artes de la población sedentaria que se utilizara la danza para celebrar una victoria a la vuelta de una batalla y en el caso de Samri que la persona que se paro a bailar ( en el vídeo), tuviera todo el tiempo la cara cubierta
Reconocimientos de compas.
Me fue bastante bien en reconocer compás binario, ternario y cuaternario. Pero todos los compas mayores de cuatro me costaron un montón, de hecho, no me salía. Me resultó muy difícil poder reconocer, como si mi oído estuviera solo acostumbrado hasta cuatro. Seguiremos practicando
Algunos conceptos, punteo.
Compas
• Forma de dividir el tiempo musical en una agrupación determinada de pulsos.
• Los podemos agrupar, pensar como cajitas agrupadas de pulsos
• Tenemos varios tipos de compras, binario, ternarios, cuaternario.
• En el mundo árabe tenemos varias cajitas atípicas y una variedad enorme
• Importancia del acento para reconocer el tipo de compás
Acento
• Es un golpe un poco más fuerte que los otros golpes dentro del compás, ahí inicia el compás
Reconocer compas nos va a servir
1- Reconocer el pulso
2- Reconocer el acento
3- Cada cuanto se repite, nos va a indicar de qué tipo de compás es.
Tener en cuenta que un tema puede tener varios tipos de compas, ejemplo: presentación.
Me encantó la clase.
Por un lado, los ejercicios de encontrar el compás, me puse feliz al poder reconocer alguno de más de 4. En lo de Titanic, también pude reconocer algún que otro y eso me puso contenta. Muy difíciles algunos.
Sobre ritmo. Me encanta la clase, sobre todo aprender el método que usan los músicos. Cuando aprendí algunos ritmos en otra escuela fue a partir de la tabla dividida y solo poniendo los sonidos Dum, Tac por ejemplo. En cambio, este método nos facilita saber la duración de ese sonido. Cuánto dura ese Dum, tac o silencio. También está bueno para trabajar con músicos que usan este método.
Algo que me resulta importante es saber la diferencia entre lo que es el pulso y el ritmo. Que son dos elementos diferentes. Que el ritmo es la organización en el tiempo de determinados sonidos y silencios.
Sobre la guia para aprender a ensayar- Creo que es muy importante darme el tiempo para ensayar. Cuando lo hago me siento mas segura en las pasadas. Este ultimo tiempo que ensayamos con compañeras se siente mucho mejor.
Antes de entrar a Estudio Sahar, “Eftatahia” era un término desconocido para mí. Si conocía el uso de meyansé. He notado que algunos músicos deciden llamar a estas composiciones como Meyansé+Nombre de la bailarina, dejando claro para quién se compuso la canción. Creo que la eftatahia es el género más fácil de reconocer para el oído (además del pop), porque es la introducción a la “música árabe” de muchas de nosotras cuando empezamos a bailar. Aunque se lo presente en los primeros años, coreografiar toda una presentación me parece todo un desafío, tanto por su duración (algunas son bastante largas) como por la cantidad distinta de ritmos y bloques que pueden contener. Separar los distintos bloques de la música puede ser útil, así como reconocer la melodía principal. También considero importante conocer la diferencia entre estrofa-estribillo (A-B-A-B…) y rondó (A-B-A-C-A-D…), sobre todo por los cambios de melodía en el segundo. Si uno no está acostumbrado a escuchar con atención, puede llegar a confundirlos entre sí.
Dejo la consigna:
Tema: Inta Eyh de Nancy Arjam
https://www.youtube.com/watch?v=X4ICDHjGImA&list=RDX4ICDHjGImA&start_radio=1
Introducción melódica (0:00-0:18)
Estrofa 1 (0:18-0:52)
Repetición estrofa 1 (0:53 -1:28)
Estribillo (se repite dos veces 1:29 – 1:59)
Estrofa 2 (2:03-2:38)
Repetición estrofa 2 (2:38-3:13)
Estribillo (dos veces, 3:14-3:46)
Solo instrumental (3:47-4:17)
Estribillo (4:18 y se repite hasta el final de la canción).
Muy interesante todo lo que nos enseñaste sobre el inicio de esta música y su conexión con la historia. Es importante saber que estaba sucediendo en esas culturas para entender como emerge la poesía, el baila y la música como forma de expresión de sus emociones más profundas, de sus penas y alegrías. Me llama la atención la influencia de la religión y que en un momento estas formas de arte eran vistas como algo que alejaba de dios porque hacía que las personas se dejaran llevar por esto como algo hipnótico. Entiendo que Muhammad como poeta pudo romper con ese prejuicio dejando su legado en sus sucesores, los califas, que se explayaron y generaron una gran tradición musical. Es muy lindo saber que las reuniones musicales y de baile eran un punto de encuentro para todas las personas de la época.
Que llamativa esta costumbre de las mujeres que cantaban y arrojaban laxantes al mar.
En cuanto a la danza mizmar y su posible influencia del tahtib, me llamo mucho la atención que fuera usada en ocasiones como excusa para pelear. Mas allá del uso de bastones es algo que no hubiera esperado que ocurriera. El uso del fuego o algo que lo simule en el centro de la ronda también es algo que me resulto interesante.
En esta segunda clase sobre la historia de la música árabe vemos como se siguió desarrollando la música junto con otras expresiones de arte a lo largo de los califatos. Durante el Califato Omeya se designa la lengua árabe como la elegida para comunicarse por ser la lengua que dios uso para comunicarse con el profeta. Durante el siguiente califato Abbasi se llega al punto culmine de desarrollo cultural y artístico. Se estima a los músicos como aquellos que tienen un talento natural, son creativos, cantan y saben tocar varios instrumentos, se les da espacio en la corte y se los valora. Es interesante ver como a medida que iban aumentando los territorios de conquistas iban sumando expresiones culturales y mezclándolas entre aquellas personas que se dedicaban a entretener a los califas.
Los ejercicios iba bien hasta que aparecieron los silencios de corchea y corchea. Ahí se complicó un poco más, pero fue saliendo.
Fracciones saber:
Numerador nos indicará la cantidad de pulso por compás
Denominador nos indica que figura rítmica fue elegida para representar el pulso en el compás.
Aprender bien las figuras rítmicas y sus valores, los silencios va a ser fundamental para poder leer lo que se representa.
En esta clase empezamos a hablar sobre los ritmos. Vemos algunos autores que hablan sobre los ritmos árabes. Touma habla de dos géneros musicales uno con ritmo temporal “fijo” con estructura de pulso y ritmo repetitivo y otro género con ritmo temporal “libre” donde no hay ritmo regular y pulso fijo, un ejemplo de estos últimos es el Taksim. Vimos también como los ritmos árabes fueron integrando otros ritmos extranjeros. También vimos que hay formas de ritmo más simples que otras. Fue muy didáctica la manera que utilizaste para hacernos diferenciar canciones con y sin pulso.
Hola! La feria de Chicago me pareció importante para saber como veían a la danza en otro país. Recorrer virtualmente una parte de la Feria fue genial nos llevó al pasado. Y tambien poder ver a la bailarina con tal destreza para danzar con la silla seguramente para esa época fue impresionante, y para la actualidad tambien, me quedé asombrada.
Había muchos show y dos veces al dia habia un zaafa.
Sol Bloom también fue importante porque contrato a las bailarinas para la feria de Chicago, estaba seguro que iba a ser un gran espectáculo para el público.
La clase fue un gran viaje al pasado.
* Zaffa ( la escribí mal en el comentario)
Sobre los ejercicios. Están muy bueno. Puede ir haciéndolos con los compañeros y con la explicación para ir aprendiendo y despejando dudas. Algunos me costaron más que otros, sobre todos los difíciles. Pero me parece super importante para poder abordar los ritmos árabes tener esta base.
Del puntillo saber que se pone a la derecha de una figura rítmica y añade una mitad más de valor de esa figura. Entonces, si hay un puntillo al lado de una negra voy a tener que el valor será 1 ½. 1 de la negra y ½ por el puntillo.
Anacruza entendí que el percusionista puede elegir comenzar, dentro del compás, el segundo o el tercero o el cuarto pulso. No necesariamente debe empezar por el inicio, por ese pulso fuerte, el que tiene el acento. Y a ese grupo de notas que lo antecede se lo llama anacruza.
Por último, empezar a ver los ritmos árabes, con su estructura y forma de vocalizar. Me parece importan saber sobre los Dum, Tac y los silencios (que ocupan un lugar). Que son onomatopeyas de los sonidos de la percusión. Esto está bueno conocerlo porque muchas veces los nombramos de forma automática y no sabemos de dónde provienen llamarlos así. Saber que el Dum es grave y el Tac agudo. Que al silencio se lo puede nombrar como iss o ess.
Vimos lo que es el “compas” que se define como una forma de dividir el tiempo musical en una agrupación determinada de pulsos. Aprendimos a encontrar el “acento” que es el golpe más fuerte con respecto a los demás que están dentro del compas. Al encontrarlo podemos decir si el compas es binario, ternario, cuaternario y así. Es un conocimiento muy valioso para nuestra práctica de danza. Hay que hacerse el oído!
El apunte me parece muy útil para repasar el reconocimiento y la escritura de los ritmos, así como las variaciones de sus nombres y sus características. No creo que haya un método fácil de aprenderse los ritmos de una sola vez; hay que repetirlos y repetirlos hasta que el oído se acostumbre y repasarlos cada tanto para no olvidarse.
Me encontré en algunas escuelas y por internet con las distintas notaciones y vocalizaciones (inclusive con músicos que vocalizan el iss al cantar los ritmos). Personalmente, tengo más preferencia por el método de Mario Kirlis porque me permite escribir los ritmos en un cuaderno pentagramado (los de marca Istonio que se usan para enseñar música estilo occidental a los estudiantes), pero entiendo también las otras formas de anotación. Con el tema de los nombres, sí encontré al principio difícil aprenderse las variaciones de los mismos, por ejemplo, que el Nawari es el Tabl o que el Masmudi Saghir es el Baladi!
Hola! Poder seguir conociendo sobre las demas ferias nacionales es muy interesante porque además de saber sobre la vestimenta de las bailarinas tambien podemos saber que usaban elementos ya desde esa época.
También pudimos ver un pequeño vídeo que se centraba en la construcción de la torre Eiffel y de algunos países que participaron de la Feria de París de 1889.
Conocimos a muchas bailarinas famosas que las llevaban por su autenticidad como ser; Aiouche, Baya, La belle Fatma. Eran la base del Show.
Gracias a las fotos e ilustraciones podemos saber de ellas. Muy interante la clase.
En esta clase vimos las figuras musicales y los silencios y como leemos esto en una partitura. Muy bueno los ejercicios. También aprendimos lo que es una fracción musical, que el numerador es la cantidad de pulsos por compas y el denominador nos dice que figura rítmica se va a utilizar. Para mi es algo completamente nuevo así que me resulta desafiante y a la vez me encanta aprender de música.
Disfruto de hacer análisis comparativos y entiendo la relación rítmica entre tawil-malfuf y masmudi sguir y masmudi kebir. Los rellenos usualmente caen en los silencios o dividiendo algunas notas (remplazar negras en corcheas o semicorcheas), pero en general noto que la estructura general de los ritmos son similares en la mayoría de los músicos que he escuchado.
El texto de Anne Elise Thomas aborda la reforma de la música árabe a partir de La Conferencia de Música Árabe de 1932. Los reformadores intentaban imponer un enfoque más científico de la música. Sistematizar, ordenar la música árabe. Terminar con la falta de disciplina. Desarrollar planes de estudio para que la música sean parte de la educación en las escuelas públicas de Egipto y en los institutos de aprendizaje.
La autora plantea varios puntos a tener en cuenta del contexto y momento que se dio la reforma. Así, como también los resultados que se obtuve de la Conferencia de Música Árabe.
Por un lado, el carácter y la mirada de los reformadores sobre la música árabe. El enfoque comparativo que tenían sobre la música árabe y la música occidental. Donde las deficiencias que ellos creían que tenía la música árabe era comparada con las fortalezas de la música occidental. Aplicaban una visión de principios evolutivos a la música donde la música árabe no usaba armonías, sus instrumentos eran menos expresivos, además no era conocido en el mundo. Consideraban que era menos evolucionada que la música occidental. Se debía progresar porque era necesario seguir los pasos de la música occidental.
Por otro lado, excluyeron a muchos músicos profesionales. Además de las diferencias que tenían con los músicos árabes organizados en gremios. O sea, los propios ejecutores culturales de la música árabe no fueron incluidos en la reforma.
Si bien la reforma tuvo buenos resultados de algunos comités. Se logró grabaciones de música y recaudar manuscritos que fueron importante para la investigación y el estudio. La importancia del comité de educación musical que logró pautas para la enseñanza y fue base de planes de estudio para la educación pública e institutos de música árabe. No así se logró con otros comités. En especial Escala musical, modos rítmicos e instrumentos musicales.
La autora comenta la reforma en el presente. Pareciera que continúa una búsqueda entre los músicos de la necesidad de una reforma pedagógica de la música árabe contemporánea. Donde observan bajo nivel de instrucción instrumental en los institutos. Falta generalizada de disciplina en el sistema institucional entre maestro y estudiantes.
Conclusión personal:
El texto me dejó pensando en la mirada eurocentrista sobre la Conferencia de Música Árabe. Más allá que se lograron resultados importantes como en la educación musical, no se contempló el carácter propio y cultural de la música árabe. Me resuenan las palabras de la autora refiriendo que no se puede forzar las normas de un estilo musical para que se aplique en otro.
Hola Marina, solicito la activación del documental!!
Me parece super importante la clase. Profundizar en el conocimiento sobre la música árabe me resulta fundamental y estimulante como bailarinas. Si queremos bailar es imprescindible educar nuestro oído musical. Tener un entendimiento sobre las formas musicales y su estructura nos permiten tener conciencia y un conocimiento más acabado de lo que vamos a bailar, de lo que vamos a ejecutar en nuestra danza. En lo personal me genera dos puntos. Por un lado, una mayor comprensión y conexión al generarme un acercamiento más profundo al mundo de la música árabe para poder interpretarla con la danza. Y por otro, logro disfrutarla y sentirla más.
Me pareció enriquecedor tener un método de análisis de las piezas musicales. Poder tener esas herramientas ya sea a la hora de crear una coreo, como también, cuando aprendemos una coreo que nos da el docente. Ir de lo más grande a lo pequeño. Me encantó el ejercicio de la estructura ABABABA o Estrofa-estribillo que hicimos con el tema de Britney Spears. Me gustó porque además dispara la posibilidad de analizar temas que no son únicamente árabes.
Sobre la Wasla comparto estos puntos que me parecieron importantes:
– Es la estructura más macro que tenemos.
– La wasla, en verdad es un conjunto de composiciones, no un tema musical. Adentro tiene distintas formas musicales.
– Va a mantener un misma maqam, que es lo que va a unificar la wasla
– La duración varía: corta, mediana, larga
– Me gustó la imagen que es como si nos estuvieran contando un cuento. Que los músicos no van a ir llevando. Nos invitan a recorrer emociones, picos de intensidad, momentos de relajación, distintas sensaciones. Y en este punto agrego el maravilloso concepto del TARAB.
Si hay algo que amo en la música árabe es el taxim. Si bien uno fue desarrollando un oído para el taxim, siento que después de esta clase va a haber un cambio importante a la hora de interpretarlo. Sacarle el jugo al máximo.
Puntos que me encantaron aprender o profundizar: 1-La importancia de los fragmentos melódicos y las pausas. 2-Que el taxim es la representación musical de un maqam, las escalas se representan en el taxim, siguiendo a Touma. 3- El punto cúspide y el termino qaflax. O sea, el público es dirigido por el maqam, hay una base donde se va construyendo. Esa construcción se va desarrollando hasta un punto de tensión, el momento cúspide. Para luego desembocar, resolverse en el qaflax, el cierre. Todo este desarrollo y devenir me parece hermoso, poético, el alma del taxim. Me quedo con la idea que se dijo en la clase: como bailarines DEBEMOS SINCRONIZAR CON LA MÚSICA.
Poder analizar la estructura del taxim desde el punto de vista del maqam me parece novedoso e inspirador. Poder dividir el taxim en secciones que se pueden reconocer con sus diferentes duraciones. Clasificar esas secciones musicales en 4 grupos según su duración: minúsculas, cortas, medianas largas. A partir de ahí poder pensar en los tres tipos de taxim que exponen los autores: Tipo A, tipo B y tipo C.
Por último, remarco el saber de los usos del taxim para poder reconocerlo: Como un solo instrumental, como introducción a un tema, en el medio de una pieza musical y como transición entre piezas.
Hermosisima clase.
Hola! Esta feria me pareció importante conocerla porque desde el punto de una bailarina saber que el Bellydance le daba autenticidad es genial, ya que fue una forma representativa artística.
Aunque desde esa época se queria limitar los movimientos de las bailarinas.
Tambien saber que estuvieron excelente bailarinas que introdujeron elementos para destacarse es maravilloso.
Me encanta saber que toda feria tenia su propósito, en esta de 1900 fue inaugurar el siglo XX, mostrando todo lo moderno como asi tambien el avance tecnológico, eléctrico y el avance en la ciencia.
Hola! Me encanto el video, porque resume los términos que estuvimos viendo y nos aclara un poco mas el concepto de Bellydance. Me parece perfecto que cada uno pueda decidir que termino usar y como usarlo.
El layali y el mawwal son dos formas musicales que conocía, pero me cuesta bailar. Tal vez sea porque en las escuelas o profes que tuve era fundamentar bailar taxim. Pero, tanto el layali como el mawwal no se acostumbran a bailar o directamente no se ven.
Conocía lo fundamental de estas dos formas: improvisaciones vocales. En el caso del layali que se improvisaba a partir de 1 frase. Ambas ejecutadas por un cantante solista y acompañado por un instrumento, a veces pude ser más de uno.
La clase me dio herramientas y ganas de escuchar estas formas musicales. Como una invitación a escucharlas, poder conectar y así bailarlas.
Para poder bailarla me quedo con algo que se dijo en la clase: bailar el layali, por ejemplo, como si bailáramos un taxim.
Otro punto que me inspiran es esa unión que se da entre la música árabe y la poesía. La frase del layali viene de una poesía y el mawwal se está vocalizando un poema. Partiendo de ese lugar, me inspira poder escuchar para conectar con las emociones y sentimientos que se estén expresando.
Es una exquisitez leer a Mario Kirlis escribiendo sobre el taxim. Me emcamtó, es esclarecedor. Bailar taxim requiere conocer la forma musical, lograr la improvisación (que lleva trabajo y entrenamiento), tener oído, saber técnica de movimientos, estar abierto a lo que va proponiendo la música para llevarlo al cuerpo y la expresión. Me encantaron los consejos para las alumnas, ayuda a tener herramientas y un encuadre desde dónde partir (una base). Como por ejemplo saber que movimientos realizar, la importancia de las frases y pausas, cuando sube o baja, el punto máximo y el final.
Saher Al Sharq Etneen · Al-Ahram Orchestra
(https://www.youtube.com/watch?v=LZe7v8LQ4Rk)
Malfuf: 0:54
Sombati: 1:51
Maksum: 2:06
Masmoudi 2:22
Saidi 2:54
Baladi 3:27
Chiftetelli: 4:54
Karachi: 6:48
Inta Omri -Hozzam Ramzy
(https://www.youtube.com/watch?v=ceGmCUBkOQQ)
Chiftetelli: 0:52
Maksum: 5:10
Los instrumentos de percusión son mis favoritos. Noto que en una orquesta siempre hay algún tipo de pandero acompañando al derbakista. Los sagats o crótalos tienen un sonido muy agudo, me molesta un poco a los oídos el sonido abierto si lo escucho aislado, pero queda muy bien con una base de otro instrumento de percusión más grave de fondo.
Al igual que Ali comentó antes, el Sombati me resulta un confuso, porque relleno suena muy parecido al Chiftetelli si no fuera por ese dum demás que tiene el último. Además, si se toca rápido, suena muy parecido al maqsum. El compás de Samai taquil para reconocerlo me gusta dividirlo en partes de 3+2+2+3 para reconocerlo mejor.
Una clase muy interesante! al principio sólo escuchaba el pulso y definía el compás por el acento vocal o de algún instrumento que se imponía para marcar el corte, pero mientras más avanzaba la clase me di cuenta que el uso de aplaudir me ayudó un montón para poder definir de forma más asertiva cada compás de cada tema. Voy a seguir poniendo en práctica esto con cada tema que escuche de ahora en más, muchas gracias!
Mari porfa solicito ver esta clase 🙂
Me encanta volver a repetir estas clases, nos recuerda de lo importante de desarrollar cada una de las definiciones a lo largo del tiempo.
El baladi es muy importante dentro de la cultura árabe.
Es muy interesante las caterorias en las que se puede tener una relaciòn con una mujer con otras personas: compañera, amiga, vecina, conocida, compañera de trabajo o cliente, extraña, entre otras, cada una de ellas tiene un nombre distinto y se toma un comportamiento distinto con cada una.
Ame además el video de Fifi Abdo es uno de mis favoritos, me encanta su danza baladi, además el video de Farida Fatmi, quien establece como debería ser la proyección de una Bint al Balad.
Gracias por estas clases
Como siempre, súper interesante y llena de información esta clase sobre baladí. Me gustó resaltar la importancia de tratar de interpretar cada estilo de danza de manera distinta; por eso me parece muy útil cuando Marina menciona los pasos que generalmente se pueden hacer con cada ritmo, y que debemos manejar los distintos movimientos, energías y expresividad en cada danza.
El baladí también es uno de mis estilos favoritos ya que permite apreciar la expresividad y habilidad de las bailarinas cuando bailan.
Me gustaría que los nombres de los músicos y canciones se pudieran ver (así como con las partes de un baladí) para poder buscar más info después, también los nombres de los autores que se mencionan.
¡Qué lindo ver videos de músicos y bailarinas de la Golden Era! Realmente ejemplifica ese diálogo que debe tener la bailarina con los músicos al interpretar un baladí, la conexión de la que habla Marina, las miradas y el juego…y al mismo tiempo bailar e interpretar un baladí, me parece maravilloso. También me parece importante tener en cuenta el respetar los silencios cuando una baila una coreo o improvisa! No es necesario llenar todos los espacios con movimientos, y de hecho ¡a los silencios hacen que nuestro baile sea mas impactante!
Me gusta ese contraste que se menciona entre interioridad y proyección, realmente el baladi permite mostrar las cualidades interpretativas de la bailarina. También aprecio mucho que Marina nos especifique qué tipo de pasos realizar y cuáles no al bailar un baladí.
Qué importante es conocer el término baladí, de dónde viene, su significado, su contexto histórico, geográfico y social, y cómo se utiliza en diferentes contextos, para poder incorporar todo ese conocimiento teórico a nuestra danza. Pienso que conocer la historia y el contexto de cada danza que interpretamos nos permite realizarlas con mayor exactitud y sobre todo, respeto.
Gracias por mostrarnos las diferentes impresiones que se tienen sobre las personas baladí y las que ellas tienen de si mismas y de otros grupos. Me gustó mucho leer las citas de Roushdy y saber el contexto de cada una de las personas que las expresan. Es una forma práctica y muy didáctica de interiorizar las diferente acepciones del término baladí.
Me pareció muy interesante el utilizar el texto de una novela (Callejón de los milagros) para poder ilustrar los diferentes conceptos asociados con lo baladí, como en la descripción de la ropa y en los sentimientos de los personajes. Conociendo estos conceptos y características, es más fácil identificar la actitud con la que debemos bailar este estilo. Ver los videos de Fifi Abdo fue un complemento ideal para materializar todos lo aprendido hasta ahora en las clases de Baladi.
Me gusta el uso de productos culturales como una película para mostrar lo aprendido hasta ahora en relación a lo baladí y otros de los elementos de su contexto, como la vestimenta, comportamiento, valores, y la contraposición con otras clases sociales. Además me encantó el formato de conversación, guiada por las preguntas, es interesante escuchar las opiniones y apreciaciones de mis compañeras.
Me pareció importante resaltar que, como dice el músico Guy Schalom, el baladi es un género que surgió entre 1949 y 1950, en las zonas rurales de Alejandría y Cairo. Así, al interpretar esta danza podemos tener en cuenta el contexto en el que se dio forma y así utilizar un vestuario acorde, como se menciona en el texto, el alto de la falda, las formas de los vestidos, el uso de las túnicas, cestos, etc.
Me gustó también saber sobre el origen musical del baladi (taqsim) y como se fueron incorporando y adaptando los instrumentos occidentales. Asimismo, conocer las reflexiones de una bailarina sobre cómo interpretar el baladí, nos ayudará mucho en nuestra danza.
Qué bueno ver estos videos y conocer más sobre la música baladi y shaabi pero también los músicos y las bailarinas. Siento que el estilo ha evolucionado desde los videos de Tahia Carioca hasta los más recientes. También me surgen dudas sobre el uso del vestuario de dos piezas y por ejemplo, el uso de las mangas de murciélago en el video de Nagua Fouad. Lo cierto es que el baladí es un estilo muy diverso, me gusta ver videos antiguos y las bailarinas contemporáneas como fuente de inspiración!
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Rosa Maria Mariño
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Lorena Siehe
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Angélica Güerci
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Verónica Pignataro
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Carolina Miyagui Oshiro
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Excelente clase! y súper útil y necesario como base el saber las figuras musicales y sus duraciones, ver la tabla, repasarlas y ponerlas en práctica. Sentí que volvía a mis clases de música en la primaria y secundaria. En los ejercicios de encontrar el compás seguiré practicando, aunque me puse feliz al poder reconocer algunos.
La reforma musical árabe buscó “modernizar” la música desde una mirada eurocentrista, imponiendo criterios occidentales y dejando fuera a los propios músicos árabes. Aunque se lograron avances en educación musical, se perdió la esencia cultural del estilo. Lo que nos recuerda que no se puede medir ni reestructurar una tradición desde una mirada ajena
Yo porfa mi Mariii, quiero anotarme
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Estimada Marina. En este video de bienvenida se vio detenidamente qué es el nivel inicial del Profesorado Virtual en Danzas Árabes, el cual consta de doce módulos que se deben ir resolviendo uno por mes con su correspondiente asignación de evaluación para una aprobación y avance en los contenidos de primer año. Muchas gracias.
Estimada Marina. En esta lección se proporcionó el Programa de primer año (nivel inicial) en donde se pueden ver todos los contenidos que serán enseñados en el año lectivo correspondiente a este nivel. Muchas gracias.
Estimada Marina. En esta lección se dio una lista de objetivos que la alumna debe cumplir a lo largo del cursado del currículo de primer año (nivel inicial) del Profesorado Virtual en Danzas Árabes. Muchas gracias.
me anote tarde, sera que puedo verlo?
En este texto repasamos conceptos sobre los iqa’at árabes y su historia a través de los siglos, destacando la elección de dum, tak y taka para representar los timbres y, con ellos, los modos rítmicos en épocas más recientes. También se abordaron nociones de ritmología como pulso, tempo, compás, acento, ritmo, polirritmia y anacruza, entre otras.
Personalmente, como bailarina, prefiero interpretar coreografías en las que el pulso esté claramente definido, antes que composiciones sin organización rítmica (como el taqsim), aunque estas últimas permitan una mayor fluidez en los movimientos. La variación en el volumen tanto de los dum como de los tak dentro de un ritmo puede ser útil para determinar la intensidad del movimiento que se ejecuta (cortes más fuertes o más suaves).
Por otro lado, el hecho de que las notaciones y ornamentaciones no estén aún debidamente estandarizadas puede resultar un desafío, ya que obliga no solo a aprender un ritmo, sino también los distintos nombres y variaciones que este posee. Por ello, la bailarina debe mantenerse en contacto con las diferentes formas de interpretación de los músicos, pues acostumbrarse a una única fuente de referencia puede ser contraproducente al momento de adaptar el baile a nuevas situaciones.
La visualización es un recurso que me resulta muy útil, sobre todo si ya conozco la música y puedo representarme debidamente en la cabeza en que momento va cada movimiento. Me gusta crear mapas mentales de como se unen los pasos entre sí, para sentirme menos perdida a la hora de llevarlo a la práctica y con más seguridad al momento de subirme en al escenario. La corrección de la técnica me parece una etapa muy importante una vez que la coreografía ya se reconoce de principio a fin.
Los címbalos son instrumentos musicales de percusión con dos siglos de historia en los espectáculos de las bailarinas egipcias, cuya presencia está atestiguada por diversas fuentes. Las bailarinas podían usarlos con diversos propósitos, entre los que destacaban sus fines estéticos (por ser accesorios de los dedos y que proveían cierto estilismo en el uso de las muñecas y los brazos) y sus fines musicales (por su sonoridad peculiar). Su ejecución era también una muestra de la destreza musical de la bailarina. Villoteau nos describe la forma en la que se tocaban, el sonido que producían y el impacto emocional que generaban en su público. Sin embargo, los címbalos cayeron en desuso a lo largo del siglo XX. Actualmente, la “bailarina, música y cantante” que nos describen las fuentes ya no se concibe como tal, y esos los roles se han separado en diversos actores. La bailarina se ha ido especializando hasta derivar en una artista mucho más enfocada en la interpretación de la musicalidad desde el movimiento que en la ejecución instrumental. Aun así, si bien los espectáculos con chinchines no son los más representativos de las ejecuciones de bellydance moderno, su uso se mantiene con fines didácticos (como herramientas útiles para enseñar teoría rítmica) y, como antaño, como una demostración de destreza artística al poder acompañar una pieza musical.
Me resulta interesante que este concepto de tarab pueda vincularse para algunos autores a la música pero para otros también a otras artes como la pintura o la danza. También el hecho de que este encantamiento o estado alterado de la conciencia puede ser vivenciado de diferentes formas dependiendo en cada caso. La importancia de escuchar, independientemente de la cultura que posea cada oyente y los diferentes espacios donde puede darse este fenómeno, Las características de la música tarab también me llamaron la atención, el que suelan ser abstractas, líricas, la jerarquía de la voz, las letras cortas y la libertad interpretativa.
El lugar importante de la bailarina al ser una interprete y una mediadora por tal motivo también considerada una samia(oyente) que puede evocar recuerdos y emociones.
que interesante que muqaddina parezca un tema en si mismo tanto por su extensión, como por sus partes tan marcadas con variedad de momentos. He notado anteriormente esas frases que se repiten que me parecían bellas pero nunca había prestado atención que daban pie al ingreso de la cantante.
Aquí se suman los términos mazhab y couplet al de muqaddina que intentare recordar para poder escribirlos y pronunciarlos correctamente. La tarea de empezar a reconocer estos momentos también sera todo un desafío. Me resultó muy interesante en el vídeo ver la reacción de la gente al finalizar cada sección. Esperaba que los aplausos solo aparecieran a final de la canción. Darle una coherencia coreográfica a cada frase musical, respetar los teslim seguramente provocara un resultado mas armonioso.
Estimada Marina. En esta lección se explicó los lineamientos legales y conductuales para el uso correcto de los medios de Estudio Sahar. Muchas gracias.
Estimada Marina. En esta lección se presentó la música correspondiente al Nivel Inicial del Profesorado Virtual en Danzas Árabes para estudiar la lista de canciones que se usarán para el cursado. Muchas gracias.
Me encanta escuchar la música y bailarla con las manos para ubicar la melodía, ritmo y tiempo. También me gusta realizar el mismo movimiento pero variarlo, dándole otra textura o intensión, o variando los brazos y pies. Sobre el espacio, procuro quizá en algún parque o espacio grande solo marcar caminata como para darme una idea de cómo me manejaría en un espacio grande, pero sí también puedo adaptarme en casa. Siento que es mejor grabarme porque en el espejo no puedo ver cada parte de mi cuerpo al mismo tiempo, peor, cuando giro o debo mover la cabeza. El espejo ayuda pero para mi grabarme es muchísimo más importante.
Las palabras de Farida Fahmy muestran cómo el significado de ciertos términos puede deformarse cuando se emplean fuera de su contexto e idioma nativo. Sa‘idi, en la jerga del bellydance internacional, además de designar un iqa‘ alegre presente en una gran variedad de composiciones, se utiliza para referirse a un estilo de danza con rasgos estilísticos definidos en su vestuario, su ejecución y el uso del bastón como elemento distintivo. Esta definición del “baile Sa‘idi” resulta restrictiva y excluyente, ya que no abarca otras danzas pertenecientes a la amplia región a la que originalmente alude este término. Su empleo termina privilegiando una única danza, invisibilizando otras corrientes estéticas de la misma zona.
Por otro lado, puede observarse que el bastón ha estado presente en la danza desde hace siglos, aunque su uso escénico no ha permanecido inalterado. Ha sido adoptado con diversos propósitos expresivos, como se evidencia en las fuentes citadas. La danza con bastón actual muestra múltiples influencias, entre ellas las representaciones de la Reda Troupe, de las Banat Mazin de Luxor y ñas de reconocidas bailarinas de la Golden Age. Por lo tanto, puede concluirse que no se trata de una danza folclórica pura, sino que el Raqs al Assaya contemporáneo ha sido estilizado desde sus raíces rurales para adaptarse mejor a la dinámica escénica, tanto en su expresión individual como en las composiciones grupales. Por lo tanto, es importante no caer en la ingenuidad de querer representar a toda la población del Alto Egipto usando un número limitado de elementos que han sido sometidos a un proceso de selección.
Súper interesante ver cómo va apareciendo música desde la arabia preislámica, pero es comprensible que quienes redactaron la historia la consideren “inferior” dado que es lógico que a través de los años se complejice, sumado a que se da en un periodo previo a la revolución religiosa que tuvo el mundo árabe con el profeta Muhammad. Me hizo gracia la historia del camello y el de la mano herida. Me recordó un poco a las canciones de Um Kalthoum donde se repite la misma estrofa pero entonada de formas diferentes, con sentimientos distintos, alargando exageradamente o cortando súbitamente las vocables y me pregunto si en parte la inspiración de ella en las canciones que duraban horas vendrían de esta forma de expresarse en cantos largos y que en cierto modo el cantar fuerte y prolongadamente es alguna forma de expulsar algún dolor no solo emocional sino hasta físico quizá. Gritamos cuando nos duele algo. Sobre la llegada del profeta y los instrumentos precursores, comprendo que es parte humana querer alabar con lo mejor que podemos darle, sea nuestra energía y música ya que para mi la música es una forma de energía que une a todos. Hermosa que la experiencia de Jamilla de peregrinación logró una odisea musical y que las mujeres hayan podido incursionar con fuerza en la música ya que recuerdo que en algunas partes del mundo en la historia se prohibía a las mujeres participar de la música por lo que aparecían hombres castrados (castrati italianos) cantando o actuando como mujeres en obras. Me sorprende que a pesar de haber mujeres que puedan cantar como Jamilla o Aisha, existan mukhannathun.
Angélica Güerci
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Evelyn Andersson
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Interesante que la música (sobre todo la percusión) y el entretenimiento antiguamente se relacionaran con los esclavos y los oficios manuales. De esta clase, sobre todo me guardo para repasar de nuevo en el futuro el mapa de las danzas beduinas (que trascienden las fronteras políticas actuales) y los videos.
El movimiento del cabello en ocho de las mujeres siempre es lo que más me llamó la atención, pero no creo que adhiera a sus secretos para cuidarlo. Tampoco creo que en este lado del globo sea tan halagador ser comparada con un caballo, pero considerando la importancia que tenían los mismos, al punto de que la misma danza imitaba sus movimientos, tiene mucho sentido. Los comentarios anteriores ya mencionaron la importancia de conocer los gestos de las manos y su significado para mejorar la interpretación. Me siguen asombrando la inmensa cantidad de danzas de esta zona y la clasificación de las mismas.
La música es un vehículo para inspirar emociones como “el valor” en el caso de los pescadores. Antes de la era tecnológica como la de hoy donde la llevamos a todos lados, era necesario contratar personas que la ejecutaran en vivo. Lo mismo las presentaciones de canto y baile que duraban toda la noche. También vemos que el baile es un vehículo para expresar sentimientos reprimidos, así como el Mizmar era usada como excusa para pelear y descargarse con ese otro con el que estabas en conflicto. Muy inspirador conocer distintas representaciones culturales de la península arábiga. Gracias por las clases.
https://www.youtube.com/watch?v=mabljPZNSWw En este video la protagonista principal es la voz del cantante, pero alrededor de los minutos 3 y 15 encontramos un solo de un instrumento tipo flauta (posiblemente una kawala o un nay)
https://www.youtube.com/watch?v=P9Vkl3GgejY Una muy bella interpretación de Naseer Shamma en el oud.
Es muy satisfactorio conocer las diferentes agrupaciones musicales árabes y los instrumentos que las integran. Muchas bailarinas novatas escuchamos hablar de “orquestas” sin conocer realmente las funciones de quienes participan en ellas. Resulta interesante observar cómo evolucionaron a lo largo de la geografía y la historia de la música árabe. Los ejercicios de reconocimiento también fueron muy útiles. En cuanto a los instrumentos adaptados, debo agregar que, dado que los teclados electrónicos tienen la función de imitar instrumentos, a menudo reemplazan en la música actual a los de viento y cuerda tradicionales. Generalmente, el sonido digital se percibe más limpio y con transiciones más claras, pero menos “entero” y rústico que el sonido natural del instrumento analógico. Sin embargo, considero que el teclado resulta muy útil en una orquesta cuando se busca componer melodías complejas sin recurrir a múltiples instrumentistas.
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En esta clase entendí que la gestión cultural es mucho más amplia de lo que parece. No se trata solo de administrar cosas o armar eventos, sino de entender que el gestor cultural cumple varias funciones al mismo tiempo: organiza, media y resuelve problemas según lo que cada evento o proyecto necesita.
Orozco plantea tres grandes funciones: organizar actividades, mediar y resolver problemas. Y para mí eso muestra que el gestor cultural es alguien que está siempre en el medio de todo: entre el artista y el público, entre la idea y la logística, entre un conflicto y la posible solución. No se trata solo de armar un evento porque sí, sino de entender qué se quiere mostrar, por qué es importante y cómo hacerlo accesible. Ahí aparece la parte de mediación: no todo el mundo entiende o conecta de la misma manera con esa propuesta cultural, y el gestor tiene que achicar esa distancia. En ese sentido, su trabajo también es educativo: formar públicos para que puedan disfrutar lo que se les ofrece.
Padula Perkins se pregunta si el gestor es más administrativo o creativo. En Argentina, muchas veces queda encasillado en lo administrativo, y creo que ahí está el problema: se pierde la parte de la imaginación, la investigación y la innovación. Martinelli también lo marca: un administrativo hace el trámite; un gestor cultural busca una transformación social, va más allá. Y es verdad que la gestión cultural puede transformar, ya sea en lo ético (reconociendo la diversidad), en lo político (respondiendo a demandas culturales) o en lo social (activando vínculos intergeneracionales y participación real).
También entiendo que el gestor cultural necesita ciertas condiciones. Algunas básicas, como poder moverse entre lo local y lo global, saber diagnosticar un contexto y mediar entre actores. Y otras más específicas, como comprender tendencias culturales, saber liderar, diseñar proyectos completos y trabajar en cooperación. Nada de esto es menor, y muestra que el campo cultural es enorme: teatros, festivales, empresas, museos, espacios públicos, organismos estatales…El gestor puede actuar en cualquiera de esos lugares.
En resumen, para mí la gestión cultural es un campo súper dinámico que combina transformación, administración, análisis social y mucha capacidad de innovar. No es solo hacer actividades, sino construir sentido, generar accesos y dar respuesta a necesidades culturales reales.
Cuando pensamos qué es un proyecto de gestión cultural, me quedó claro que no se trata solo de armar una actividad artística linda o mostrar un espectáculo de calidad. Un proyecto es básicamente un conjunto ordenado de decisiones sobre qué hacemos y con qué recursos contamos para llegar a ciertos objetivos. Pero en gestión cultural esos objetivos siempre apuntan a generar un impacto social real en una población específica, transformar algo en esa comunidad: un problema, una falta de diálogo, una situación de discriminación, etc.
También entendí que un proyecto no es algo lineal. No es necesario primero hacer la teoría y después la práctica, sino que todo el tiempo tienen que estar dialogando. Mientras voy planificando actividades, tengo que revisar los objetivos, revisar el contexto, y volver a pensar si lo que estoy haciendo realmente responde a lo que esa comunidad necesita. Ese ida y vuelta permanente es clave, porque el proyecto siempre se inserta en un territorio y en un país concreto, y eso influye en todo.
También vimos que no hay un único modelo correcto: cada proyecto se arma según la experiencia, la formación y la realidad de quien lo lleva adelante. Lo importante es tener claro qué queremos lograr y no perder de vista que las actividades tienen que responder directamente a ese objetivo.
Además pueden aparecer dificultades como no conocer bien el ambiente donde trabajamos, hacer un proyecto demasiado largo o rígido, calcular mal los presupuestos o incluso saltearse etapas. Por eso es esencial conocer a la población y al territorio, saber cuántas personas necesitamos, y no pensar actividades que no tienen relación con el objetivo social.
Mi conclusión es que un proyecto de gestión cultural no es solo planificar actividades: es pensar estratégicamente cómo intervenir en una comunidad de manera coherente, organizada y con impacto social real.
En esta clase aprendi que un proyecto de gestión cultural está dividido en etapas que se relacionan entre sí todo el tiempo: diseño, gestión de recursos, producción y evaluación. La primera parte es más intelectual, donde realmente tengo que pensar por qué hago el proyecto, en qué contexto se inserta, cuál es el territorio, qué objetivos tengo y cómo voy a fundamentar todo eso. Ahí también entra analizar mi propia organización o equipo, porque no se puede planificar sin saber desde dónde estoy trabajando.
Algo que me quedó muy claro es que el proyecto no se hace desde el aire, tengo que tener en cuenta mi experiencia, mis conocimientos, mis fortalezas y debilidades; pero también cómo trabaja mi equipo, qué roles tienen, quién lidera, y qué puede aportar cada uno. Además, no puedo ignorar el contexto más grande: las dinámicas económicas, políticas y sociales del momento, además de las cuestiones jurídicas que pueden habilitar o complicar mi proyecto.
Otra parte central es la dinámica territorial. Tengo que arrancar describiendo el territorio concreto de mi proyecto: país, barrio, porque todo eso condiciona la realidad donde voy a intervenir.
Y no alcanza con conocer el territorio: también tengo que entender la dinámica sectorial en la que voy a trabajar. Esto implica su historia, tensiones que suelen aparecer, que prefiere la gente y hasta quién “compite” conmigo. Saber todo esto me ayuda a que el proyecto no sea ingenuo ni repetitivo, y a pensar propuestas que respondan a problemas reales y no a lo que yo imagino desde afuera.
Lo que destaco es que un proyecto de gestión cultural es una mezcla entre pensar muy bien el contexto y al mismo tiempo organizarse para actuar de manera concreta. Y que la evaluación no es algo del final, es constante, y es lo que permite mejorar, ajustar y no repetir errores.
Nunca había escuchado el termino tabloh y fue buenísimo ver la variedad de videos porque no me imagine que era una parte tan elaborada. Se observa claramente la intención de contar una historia, la dedicación puesta en el vestuario y la coreografía y la creatividad, Mas que interesante me resulto.
Para que funcione mi proyecto, primero tengo que entender quiénes son las personas con las que quiero trabajar. No como un dato suelto, sino como un conjunto real: qué viven, qué les interesa, cómo se relacionan, qué problemas tienen y qué lugar ocupan en su contexto.
A partir de ahí recién puedo plantear hacia dónde quiero ir. El objetivo general marca la dirección, y los específicos son los pasos que me van a llevar hasta ahí. No pueden contradecirse entre sí ni alejarse del problema inicial. Y algo importante es que se tienen que poder evaluar. Si no se pueden medir de alguna manera, es como trabajar a ciegas.
Otra cosa que me parece fundamental es reconocer los límites y posibilidades del equipo. No sirve armar un proyecto muy ambicioso si el grupo no tiene la experiencia o los recursos necesarios, para no frustrarse en el camino. La redacción, la claridad y hasta cumplir horarios y fechas de entrega también forman parte del trabajo, aunque parezca más administrativo.
un proyecto funciona cuando los objetivos están bien pensados y cuando la población está bien entendida. Todo lo demás como las actividades, la redacción del proyecto, las fechas, la estrategia, termina ordenándose alrededor de eso.
Me encanto tanto la túnica típica blanca como la de fantasía con brillos. y me parece hermoso el detalle del pañuelo en la cintura que resalta los movimientos. Desconocía que debe llevarse algo en la cabeza. tampoco sabia que había un tipo de aros y pulseras que fueran correctas utilizar. La presencia que tienen Fifi Abdou y Nesma en el escenario, la sonrisa y la elegancia con la que bailan me causa admiración.
Las actividades son el momento donde el proyecto deja de ser una idea y se vuelve algo real. Y tienen que nacer directamente de los objetivos generales y específicos. Si los objetivos están mal pensados, las actividades también lo estarán, porque son su consecuencia directa.
Para saber planificar actividades hay que responder muchas preguntas concretas. Qué quiero hacer, por qué lo hago, para qué sirve, dónde se va a hacer, con qué recursos cuento, cuánto va a costar. Al principio parece un cuestionario pero en realidad te obliga a no dejar nada afuera. Si no se puede responder a alguna de estas preguntas, es señal de que algo del proyecto todavía está flojo.
Otra cosa importante es que las actividades no son solo lo visible para el público, también incluyen todo lo que pasa detrás. Y eso se nota cuando se explican las diferencias entre actividades principales, complementarias y derivadas. Las principales son las que le dan sentido al proyecto, las complementarias acompañan y enriquecen, y las derivadas son necesarias para el desarrollo de las otras actividades. Me ayudó el ejemplo del Asia Festival, porque muestra cómo una actividad principal (los espectáculos) necesita actividades complementarias (talleres) y también un montón de tareas derivadas que hacen posible que todo ocurra.
En resumen, si las actividades están claras, ajustadas a los recursos, pensadas para el público correcto y organizadas con un ritmo coherente, el proyecto tiene chances reales de funcionar. Es un recordatorio de que materializar una idea siempre exige planificación concreta.
En esta última parte del curso entendí que llegar a la ejecución de un proyecto es el resultado de todo lo que venimos construyendo desde el inicio.
Cuando hablamos de producción y planificación, básicamente estamos hablando de cómo transformar todas esas ideas, objetivos y actividades en algo organizado y posible. La producción es esa fase más operativa, la que exige gestión concreta y toma de decisiones. Y la planificación es lo que ordena todo eso en el tiempo para que cada tarea tenga su lugar, se sepa quién la realiza y cuándo se debe hacer, asegurando que todo avance de manera coordinada y eficiente.
Algo que me quedó claro es que es clave identificar cada tarea desde el principio hasta el final, agruparlas por tiempos, áreas o responsables, y después ordenarlas en secuencia. Ahí entra la idea de asignarles temporalidad, cuánto debería llevar cada cosa, y decidir quién se ocupa de qué. Porque si no se define, después se generan confusiones o atrasos que podrían evitarse.
Las herramientas como el cronograma de barras o de Gantt muestran que organizar un proyecto también implica visualizarlo. Poner tareas, tiempos y responsables hace que todo se vuelva más concreto. Y aunque el diagrama de Pert sea más técnico o quizás más complejo, igual entendí el concepto de pensar la relación entre tareas y cuánto tarda cada una. Todo eso es parte del mismo objetivo: que el proyecto avance de manera lógica y sin superponerse.
Es la primera vez que tengo contacto con parte teórica del hagalla, así que todo es nuevo para mi, el vestuario, la vara, la cara velada de la bailarina, los hombres en semicírculo. Estoy observando lo que decís sobre los aplausos. Creo que no hubiera puesto atención en eso sin tu comentario. Es interesante aprender sobre todas las particularidades y las tres partes en que se dividen a poder representarlo de manera correcta. Se nota que en el escenario a pesar de estar enriquecido con detalles de vestuario coreografía etc, se mantiene la esencia.
Gestionar un estudio de danza árabe empieza por entender qué quiero que represente mi estudio y cómo quiero que se perciba. Y encontrar mi propia propuesta, algo auténtico que marque una diferencia real. Por eso, hasta algo tan simple como el nombre se vuelve una decisión importante. Tiene que ser único, profesional y capaz de acompañar al proyecto a largo plazo. También entendí que la historia y la trayectoria, tanto mía como de los profesores que dicten clases, forman parte de esa identidad. Se trata de mostrar con claridad desde dónde nace el estudio, qué experiencia tiene el equipo y qué valores queremos transmitir. Esa transparencia genera confianza.
Los objetivos también cumplen un papel clave. No basta con “dar clases”, un estudio puede tener metas más amplias, como difundir la cultura, promover la historia o formar una comunidad. Y está bueno saber que esos objetivos pueden modificarse con el tiempo, porque el estudio también crece.
Gestionar un estudio implica pensar cada detalle con intención, porque todas esas decisiones construyen la identidad y el futuro del proyecto.
En esta clase entendí que la organización de un estudio es la base para que todo funcione como se espera. La gestión no se improvisa, se planifica. Y esa planificación se sostiene en documentos claros, digitalización, calendarios actualizados y un sistema que me permita saber dónde está cada cosa.
También la organización interna afecta directamente a la externa. Cuando adentro hay orden, programas, teoría, reglamentos, asistencias, materiales para muestras, hacia afuera se transmite seguridad y coherencia. De una manera las alumnas sienten que el estudio tiene una estructura y eso influye en la confianza, en la continuidad y en la seriedad del lugar.
Por otro lado me llamó la atención lo importante que es tener documentos concretos para cada área y la cantidad que puede haber: reglamentos, carpetas con música, vestuario, ideas de la muestra, exceles con programas y notas, devoluciones, objetivos por año. Entiendo que si quiero un estudio serio, necesito procesos serios, y estos documentos no pueden faltar. Y al mismo tiempo, que el calendario tiene que tener estructura pero ser flexible, porque la enseñanza no siempre va exactamente según lo planeado.
La idea de digitalizar todo también me pareció clave. No solo por una cuestión práctica, sino porque hoy la virtualidad es parte del trabajo docente. Existen plataformas simples hasta sistemas más profesionales, y cualquiera de ellos puede complementar lo presencial y facilitar el acceso al material.
Un estudio ordenado se construye desde carpetas, documentos, planificaciones y plataformas que sostienen todo lo demás. Y aunque sean muchas cosas a tener en cuenta, en realidad es lo que hace que se sienta profesional desde adentro y hacia afuera, y tenga una base sólida y pueda sostenerse en el tiempo sin desbordarse.
Las palabras de Farida Fahmy muestran cómo el significado de ciertos términos puede deformarse cuando se emplean fuera de su contexto e idioma nativo. Sa‘idi, en la jerga del bellydance internacional, además de designar un iqa‘ alegre presente en una gran variedad de composiciones, se utiliza para referirse a un estilo de danza con rasgos estilísticos definidos en su vestuario, su ejecución y el uso del bastón como elemento distintivo. Esta definición del “baile Sa‘idi” resulta restrictiva y excluyente, ya que no abarca otras danzas pertenecientes a la amplia región a la que originalmente alude este término. Su empleo termina privilegiando una única danza, invisibilizando otras corrientes estéticas de la misma zona.
Por otro lado, puede observarse que el bastón ha estado presente en la danza desde hace siglos, aunque su uso escénico no ha permanecido inalterado. Ha sido adoptado con diversos propósitos expresivos, como se evidencia en las fuentes citadas. La danza con bastón actual muestra múltiples influencias, entre ellas las representaciones de la Reda Troupe, las Banat Mazin de Luxor y reconocidas bailarinas de la Golden Age. Por lo tanto, puede concluirse que no se trata de una danza folclórica pura, sino que el Raqs al Assaya contemporáneo ha sido estilizado desde sus raíces rurales para adaptarse mejor a la dinámica escénica, tanto en su expresión individual como en las composiciones grupales. En consecuencia, es importante evitar la ingenuidad de pretender representar a toda la población del Alto Egipto mediante un número limitado de signos que han pasado por un proceso de transformación.
Armar un profesorado es construir un recorrido formativo que tenga sentido. Hay cierta libertad, porque no existe un único modelo ni un consenso total en música, ritmos o teoría, pero justamente por eso la planificación tiene que ser más consciente. Uno puede tomar un programa ya hecho o crear el propio, pero en los dos casos la responsabilidad es la misma, pensar qué tipo de alumnos quiero formar.
Por otro lado algo que me quedó es que un plan de estudios no puede quedarse congelado. Lo ideal es revisarlo cada año, ajustar lo que no funciona, sumar lo que falta y adaptarlo a cómo responden los alumnos. Esa revisión constante es la que mantiene vivo el profesorado y evita que se vuelva una estructura rígida.
La teoría también aparece como una parte esencial y para mí lo es. No hace falta convertirla en algo académico enorme si los alumnos no buscan algo profundo, pero sí asegurar un mínimo que dé los conocimientos básicos. Lo importante es encontrar cómo hacerla accesible y atractiva, para que no se sienta como “un peso”, y si recién estoy empezando, incluso puedo introducirla de a poco.
Todo esto se apoya en documentos que organizan la formación, características generales, lista de contenidos por nivel, planificaciones anuales y mensuales, exámenes, objetivos. Es lo que mantiene el profesorado ordenado y permite que quienes ingresen sepan exactamente qué camino están por recorrer.
Formar un ballet dentro de una escuela implica tener muy claro qué tipo de grupo quiero construir y cómo lo voy a sostener. Mas allá de si nace de manera espontánea o a través de audiciones, lo que realmente lo mantiene unido es la organización y las reglas que se puedan establecer desde un principio para evitar confusiones o roces que podrían llevar por un mal camino al grupo. También entendí que la figura del líder, del maestro, es central. Además de que tiene que ser desde un lugar autoritario, también desde la coherencia: ser organizado, ser ejemplo, marcar límites y saber mantener la distancia justa con las alumnas. Y, en el fondo, también suma la experiencia previa como haber formado parte de un ballet que ayuda a entender la dinámica interna, lo que funciona y lo que no, y eso después se refleja en la manera de guiar a un grupo propio con más claridad y seguridad.
Me encanta!!, los entrenamientos que hicimos contigo Mari tanto de shimmies como de brazos estuvieron espectaculares
Me encanto esta clase!!!,, el ballet es muy importante en la postura
Una muestra anual implica mostrar un año entero de trabajo, porque además de mostrarse bailando, hay que coordinar un montón de cosas detrás para que todo funcione. Se requiere ser realista con los recursos que tengo y con que cantidad de alumnos cuento, porque eso condiciona desde el lugar donde se hará hasta la forma en que voy a organizarlo. Lo que más influye y define todo es la planificación previa: anotar todas las tareas, ordenarlas, anticiparse a los tiempos, conocer las medidas, imaginar figuras y distribuciones que se vean bien desde el público. También el día de la muestra hay muchas áreas funcionando al mismo tiempo como el área técnica, backstage, luces, audiovisual y que todas se entrelazan para que el espectáculo fluya.
Una muestra refleja no solo cuánto aprendieron las alumnas durante el año, sino también cuán ordenado y consciente fue el proceso detrás.
El texto repasa los primeros trabajos históricos sobre el desarrollo del concepto de ritmo en la música árabe. De lo leído, observamos una clara asociación de este concepto con el de la prosodia en la poesía, siendo esta última de gran relevancia por la oralidad propia de la cultura árabe. Al-Farabi, reconocido filósofo medieval, tomó, como sus antecesores, los conceptos de metro poético y los introdujo en su teoría musical del ritmo. El filósofo basa su teoría en el concepto de “ataque”, que define como “un golpe de un cuerpo sólido con uno delgado” —el cual podríamos relacionar con el concepto actual de figura musical—. Una característica importante es que el ataque no tiene una duración definida; sin embargo, el tiempo transcurrido entre un ataque y otro debe ser finito, y es la duración del intervalo entre dos ataques lo que nos da una representación del tiempo. A su vez, esta duración nos permite clasificar los iqa’at en tres tipos: suaves, medios y fuertes, siendo los últimos los que menor duración tienen entre ataques. Una de las grandes aportaciones que puedo reconocer de Al-Farabi su creación de un sistema de notación rítmica inspirado en sílabas y flechas. Aunque resulte desafiante traducir sus conceptos de “duración” a la notación actual, sus descripciones ofrecen un panorama rudimentario de cómo sonaba la música árabe en su tiempo y cómo pueden vincularse con los modos rítmicos que conocemos en la actualidad. Intuyo que muchos de los ritmos que actualmente conocemos pueden tener un origen antiguo. Algunas denominaciones de Al-Farabi, como “taquil” para describir un ritmo lento y pesado, siguen vigentes en nombres como “samai taquil”, lo que nos demuestra la gran importancia de este filósofo en el desarrollo del pensamiento musical posterior.
Conocer la correcta posición de los brazos es importante para hacer que estos luzcan bellos cuando bailamos géneros muy estilizados!
En esta última clase pude notar cómo la ética atraviesa cada rincón de la danza, tanto siendo alumno como maestro. La ética aparece en la puntualidad, la preparación, la atención y la responsabilidad con el grupo. También se refleja en cómo nos vinculamos con alumnos y colegas, y en la coherencia entre lo que exigimos y lo que hacemos.
Después de tanta técnica, planificación, muestras y organización, lo que realmente queda es quiénes somos cuando enseñamos y cómo hacemos sentir a quienes tenemos enfrente.
Un docente debería ser empático con el alumno y sostener un espacio donde cada persona se sienta respetada y que también sienta que nos importa. Desde mi lugar de alumna, valoro que más allá que sea un excelente maestro o bailarín, me importa cuando también entiende, acompaña, escucha. No todo pasa por la técnica, si no por la humanidad con la que nos acompañan en nuestro camino de la danza. Y eso es lo que, de verdad, perdura.
Es muy interesante esta música, un poco difícil en percepción de ritmo, pero al ver a las mujeres romanies bailar, se nota como ellas expresan y entienden el significado de danzarla. Que interesante y todo un reto para nosotras, nos saca de nuestra zona de confort.
El ensayo es de finales de los 90 pero no ha perdido actualidad. En la presente década, a casi 30 años de su escritura, todavía vemos en noticias nuevas prohibiciones de la música por parte de los regímenes talibanes. El autor hace un buen análisis, citando autores y fuentes históricas, de las dos posiciones contrarias dentro del islam: aquellas que prohíben la música, en sus formas clasificadas como “sama”, y las cofradías místicas que la defienden como parte de sus prácticas religiosas. En general, ambas posturas no se refieren a la música ni a la danza de forma material, sino que el debate se centra en las diferentes sensaciones emocionales que la práctica musical genera en sus receptores (y, por extensión, en sus intérpretes y en la función de los instrumentos musicales). Por un lado, las cofradías hablan de la música como una herramienta de conexión espiritual y un vehículo para alcanzar estados “elevados” que propician la comunión con la deidad, mientras que los abolicionistas no solo rechazan la veracidad de esta afirmación, sino que condenan la música por estar íntimamente relacionada con actividades “pecaminosas y corruptoras”. Entonces, vemos dos interpretaciones distintas para un estado sentimental alterado por la sensibilidad típica que escuchar música provoca: una asociada a aspectos positivos de la espiritualidad, y otra con connotaciones peyorativas, dado que la misma incitaría a hacer el “mal”. Dado que mi postura personal es que la música y el baile deberían analizarse desde el laicismo, no puedo ejercer una opinión ni preferencia sobre argumentos de una u otra postura, ya que ambos están condicionados por las interpretaciones religiosas. Si bien se resalta que en el Corán no dice nada ni favorable o reprochable sobre la música, los hadices también son válidos para el ordenamiento legislativo de la vida en varios países, y la interpretación de estos textos requiere años de estudio en legislación islámica. En general, las bailarinas no estamos capacitadas para emitir un juicio de valor que vaya más allá de nuestro propio gusto personal por la música y el baile, y el rechazo que nos pueda provocar su prohibición, dado que las visiones abolicionistas difieren enormemente de la forma que nosotras interpretamos la música y el baile en las aulas. Por lo tanto, la conclusión que me deja este texto es que debemos hacer una revisión histórica y contextual cuando analicemos el impacto que genera la música o la danza, dado que no hay una única visión universal de lo que significa un estado emocional inducido por la sensibilidad artística, aunque en nuestra tradición lo asociemos a estados positivos. Incluso como resaltaba un comentario anterior, en occidente tenemos divisiones entre categorías de música que disfrutan distintos grados de aceptación moral y social según se traten de cuestiones académicas o populares, siendo relativamente común escuchar quejas sobre el grado de “vulgaridad” de ciertos géneros masivos, aunque no estén expresamente prohibidos por autoridades legales.
En el texto se repasa la clasificación tradicional de instrumentos árabes en tres grupos: de cuerda, viento y de percusión. También encontramos una cuarta categoría de instrumentos de origen occidental que han sido adaptados, como la guitarra eléctrica, el violín, el piano y el acordeón, entre otros. La clasificación tradicional se basa en el origen del sonido, mientras que considero que la clasificación de Farraj y Shumays me parece más acorde a la función que ocupan en el contexto musical. Los Iqa’at son dominados por los instrumentos de percusión, mientras que el desarrollo de los maqams se sustenta en los instrumentos melódicos, ya sean de cuerda o de viento. Son dos dimensiones de la música árabe complejas por separado y no sorprende que haya pocos músicos que puedan dominarlas a la vez, como mencionan estos autores. Al-Farabi consideraba la voz como el instrumento más perfecto, a lo que yo agregaría la palabra “melódico”. Es decir, consideraría a la voz “el instrumento melódico por excelencia”. Aunque no se clasifican como instrumentos, considero que las manos humanas son los instrumentos de percusión por excelencia.
Hola! Por fin pude terminar de ver estas clases! Paso para agradecer a Meli por todos los conocimientos que compartió!! Y por supuesto, también gracias a Maru por traer esta formación, siempre pensando en nuestra formación integral Cariños a las dos!!!
En esta clase vimos las figuras musicales, sus valores y también los silencios. También vimos la implementación en ejercicios de partituras musicales. Las fracciones musicales: el Numerador, que nos indica el número de pulsos por compás, y el Denominador, que nos indica qué figura rítmica va a representar el pulso en el compás. El tip de marcar con la mano me lo llevo para seguir practicando. Aprender sobre ritmos y pulso es fundamental para que en la práctica, no nos vayamos de tiempo.
El Puntillo añade 1 mitad más de valor a la figura rítmica que acompaña. La Anacruza significa que el percusionista puede elegir comenzar dentro del compás por un pulso que no es necesariamente el primero (ej ritmo Bambi).
Barras de compás: hay 5 tipos. Según la barra que aparezca, sabremos si finalizamos, si repetimos, si se subdivide un compás, si seguimos vocalizando, etc.
Ritmos árabes: se componen de 2 sonidos básicos, uno es el DUM (sonido grave) y el otro es el TAC (sonido agudo). Hay otros, pero estos son los principales.
En la vocalización, el silencio se puede representar con la palabra ISS o ESS.
El silencio ocupa un lugar en el tiempo, y este método de vocalización puede servir para respetar el espacio del silencio.
Todos estos conceptos nos sirven para todo y para practicar con los chinchines.
Muy interesante la descripción del Zaffa al Arusa, y la tradición de llevar a la novia hacia la casa del novio y el Zaffa en general como un “rito de pasaje”, una transformación que sucede en la mujer de niña inocente a una mujer casada y compartir su vida con su marido.
También se puede apreciar los roles maritales tradicionales tanto del hombre como de la mujer, en la negociación de la dote, en el compartir entre la madre del novio y la novia, en la diferencia entre la ceremonia de una niña/mujer que se casa por primera vez y la de una viuda o divorciada.
Los cambios entre el Zaffa tradicional y moderno se podría equiparar a la forma en la que los rituales de bodas han cambiado en la cultura occidental, por ejemplo en la contratación de un/a wedding planner para encargarse de todos los detalles de la ceremonia, cuando antes los novios (o novia, parientes) se encargaba de la organización, y las recepciones eran en las casas.
Con respecto al rol de la bailarina, es interesante que, por un lado, consideren a las bailarinas como poco confiables, simbolizando la sexualidad, o que tengan que detener a las mujeres que bailan “para llamar la atención” con un ritmo Zaffa pero, al mismo tiempo, es apropiado contar con su presencia en las bodas, dando estatus a la ceremonia. Creo que refleja la ambigüedad del lugar de la bailarina en la sociedad.
Me encanta Sophie Armoza!! que belleza!, las botas y el vestido mascan aun mas los movimientos de esta danza lo que no se aprecia tanto en la danza de Didem, que me encanta como bellydancer
En esta clase vimos varios conceptos sobre los llamados “ritmos árabes”, que pueden nombrarse como Iqaa o Wazn. Siguiendo lo que plantea Touma, se distingue entre ritmos con estructura libre (como el taqsim) y ritmos con estructura fija. También se mencionó que no todos los ritmos son nativos, sino que muchos vienen de influencias occidentales y turcas.
Otro punto importante fue el pulso, que funciona como la referencia para ubicarnos en el tiempo y no salirnos del ritmo. Puede ser regular o irregular, pero siempre es clave para poder bailar con claridad y sostener la musicalidad.
Esta clase me pareció clave porque entender que los ritmos están formados por sonidos y silencios realmente ayuda a que la bailarina pueda ubicar mejor los pasos y las secuencias. Trabajar el oído y familiarizarse con el pulso (sea constante o irregular), los acentos y los distintos ritmos es fundamental. Cuanto más sepamos sobre esto, más sencillo se vuelve reconocerlos en la música y aplicarlos al momento de bailar o aprender una coreografía.
Después de leer el texto, me llamó la atención cómo la Conferencia de 1932 intentó “ordenar” y reformar la música árabe desde una mirada muy influenciada por lo occidental. Se ve claramente la tensión entre los reformadores, los académicos extranjeros y los músicos profesionales, y cómo muchas decisiones se tomaron sin incluir a quienes realmente sostenían la práctica. Lo irónico es que, aunque buscaban imponer un sistema más “científico” y disciplinado, lo que termina fortaleciendo a la música árabe hoy es justamente la creatividad diaria de los músicos, su autoformación y su manera de seguir transmitiendo la tradición. Eso muestra que la verdadera evolución no nace de imponer reglas, sino de escuchar las prácticas que permanecen vivas.
Este texto me ayudó a entender mejor cómo funciona el Ritmo en la música árabe y por que es tan importante para nosotras como bailarinas. Me quedó clara la diferencia entre cuando un tema tiene un pulso fijo y cuando es más libre, como en un taxim o un mawal. También me pareció útil repasar cosas básicas como el dum, el tak, el pulso, el compás y los acentos, porque al final todo eso es lo que nos permite ubicarnos en la música. Saber los nombres, la estructura y el carácter de cada ritmo realmente hace que bailar sea más fácil y más consciente, porque entendemos mejor qué está pasando y cómo acompañarlo.
Hola Marii, porfa ayudame activando esta clase. Muchas gracias
El texto muestra cómo distintos autores medievales fueron intentando explicar el ritmo árabe desde la poesía, la filosofía y la música. Cada uno aportó algo distinto, pero el más completo fue al-Farabi, que trató de ordenar los ataques, las duraciones y los modos rítmicos. Me queda la idea de que, aunque estas teorías sean antiguas, entenderlas ayuda a ver que el ritmo árabe tiene una base muy sólida y pensada, y que eso enriquece mucho la forma en la que hoy escuchamos, estudiamos y bailamos esta música.
El texto muestra lo complejo que fue (y sigue siendo) el lugar de la música en el Islam: por un lado, muchos juristas y autoridades religiosas la asociaron con el malahi (diversión, distracción, tentación) y hasta con la influencia de Satán. Por el otro, las órdenes místicas veían en el Sama (escucha, música y a veces danza) un camino directo hacia el éxtasis espiritual y la unión con lo divino. Me pareció muy fuerte ese contraste, una misma música que para algunos es peligro y desorden, y para otros es una herramienta sagrada. La sensación que me deja es que la música tiene un poder tan grande sobre las emociones y el cuerpo que ninguna tradición religiosa puede ignorarla, y por eso mismo despierta tanta fascinación… y a la vez tanto miedo.
Este texto me hizo dar dimensión de la cantidad y variedad de instrumentos árabes que hay y cómo cada uno tiene una personalidad propia. No es lo mismo escuchar un Laud o un buzuq, un qanun, un nay, una rababa o una derbake / tabla, que un riqq, daff, bendir o incluso un violín “arabizado” o un acordeón árabe. También me llamó la atención cómo muchos instrumentos occidentales (violín, guitarra eléctrica, teclado, acordeón, saxofón, batería) fueron adaptados para poder tocar maqamat e iqaat, manteniendo el color y la intención árabe. Como bailarina, siento que conocer estos sonidos me ayuda a “escuchar distinto”: no bailo igual si el protagonismo lo tiene el nay que si lo tiene el Laud o la percusión, y entender qué instrumento está “hablando” hace que la interpretación sea mucho más rica y consciente.
Es cierto que, como bailarina, reconocer los instrumentos suma muchísimo. Cuando escucho viento, automáticamente me salen movimientos más ondulados; con las cuerdas, van mas las vibraciones, y con la percusión, los golpes.
Estas tres clases me ayudaron un montón a conocer instrumentos que no tenía tan registrados y a empezar a distinguir el sonido de cada uno. Siento que ahora puedo identificar mejor quién está tocando y eso me da más herramientas a la hora de bailar.
Es interesante como puede llegar a tergiversarse a información que tenemos acera de este tema tan controversial, es importante siempre recurrir a fuentes confiables, que puedan darnos una perspectiva adecuada. Me gusta mucho la perspectiva de Shay, “las Ghawazee eran bailarinas publicas que trabajaban en forma opuesta a las awalim.
Me encanta volver al tema de los viajeros, siempre pensaré que en sus escrituras y narraciones tendremos un poco de información sobre detalles de la vida en esas épocas, claro que si, tomando en cuenta que cada quien tendrá un punto de vista distinto, según su pensamiento, pero siempre hay detalles que concuerdan entre si.
Me encanto saber sobre las agrupaciones musicales árabes, y me sorprendió ver cómo la cantidad y el tipo de instrumentos determinan si hablamos de un takht, una orquesta moderna o de otras formaciones más pequeñas o grandes. Me resultó muy útil entender qué lugar ocupa cada instrumento dentro de estas agrupaciones, porque muchas veces hablamos de “orquesta” sin realmente saber bien como está compuesta.También fue interesante ver cómo estas formaciones fueron cambiando según la época y la región, y cómo eso influye en el sonido. Los ejercicios de reconocimiento me ayudaron un montón a distinguir mejor a cada instrumento.
Me ayudó un montón entender que el samai no es solo el ritmo samai thaquil, sino una forma musical instrumental con sus hane y teslim. También me pareció interesante ver cómo viene de la influencia otomana y cómo hoy existen versiones más modernas que no siguen estrictamente la forma original. Y algo clave: no hay una “danza samai” fija, una puede bailarlo con distintos estilos, por Ej: Estilo Reda. Ahora siento que identifico mejor qué estoy escuchando y cómo encararlo desde la danza.
El la película Fatma, pudimos observar con claridad características muy cercanas a los datos de baladi de las clases pasadas, es una representación que nos sumerge dentro del mundo baladi como tal y entenderlo de una mejor manera.
Que diferencia estudiar al zaffa de esta forma tan detallada, para mí, el zaffa al-arusa siempre ha sido una de las expresiones más lindas dentro de la danza árabe, porque no se trata solo de pasos o música, sino de acompañar a alguien en un momento importante de su vida. Es una danza que vibra con alegría, con comunidad y con ese deseo sincero de bendecir el camino de la novia. Cada palma, cada toque de percusión y cada sonrisa tiene un significado profundo: es como decir “no estás sola, tu gente camina contigo”.
Me encanta porque, aunque es una tradición antigua, sigue transmitiendo calor humano, celebración y unión, recordándonos que la danza también es un acto de cariño y de apoyo colectivo.
Y entenderlo de esta forma tan explicita, con los diferentes momentos de ser, se vuelve mucho más profundo y sentido.
Que importante es conocer la historia de estas danzas que amamos tanto!.
Me pareció muy útil empezar a trabajar la expresión de emociones en la danza, sobre todo entendiendo que cada estilo (Baladí, Vals, Bolero, Zar, etc.) trae una energía y un “personaje” diferente. El ejercicio de observar caras en la vida cotidiana me ayudó a darme cuenta de cuántos detalles mínimos cambian una emoción: la mirada, las cejas, la boca, hasta la postura del cuerpo. Siento que esto va a ayudarme a que mis interpretaciones sean más claras, tambien recuerdo el ejercicio que hicimos el año pasado de enviar fotos de nuestras propias caras expresando distintas emociones como Alegria, tristeza, sorpresa, enojo. Muy interesante para seguir aportando a nuestra danza.
Me pareció súper útil ver toda esta variedad de ritmos y entender que no solo importa “qué ritmo es”, sino en qué contexto aparece y cómo cambia la energía según la forma musical o el estilo. El año pasado rendí una secuencia que combinaba varios de estos ritmos y fue hermoso y desafiante poder resolverla, así que ahora al leer todo esto, muchas cosas me cierran mucho más. También me llamó la atención cómo ritmos que parecen parecidos se sienten completamente distintos según dónde aparezcan. Siento que conocer estas diferencias me va a ayudar a interpretar mejor y no bailar todos igual. Me sirvió muchísimo agruparlos según su estilo y cadencia.
Me encantó ver cómo la música del mundo termina conectándose, mezclándose y creando cosas nuevas. Tal como menciona Mohamed Abdel Wahab, esa unión entre lo oriental y lo occidental es parte de la evolución natural de la música. Y lo más loco es entender cómo la música latinoamericana llegó a Egipto vía Estados Unidos, generando géneros y fusiones que hoy seguimos disfrutando.
La clase me pareció súper interesante, y escuchar temas de Mohamed Abd El Wahab y Farid Al Atrash con esta mirada hizo que los disfrutara aún más.
Este módulo me ayudó a ordenar mejor lo que escucho y a darle una identidad más clara a cada ritmo. Trabajamos Ayyub, Bambi, Fox, Hayya, Wahda u Nuss y Wahda Saghira, Maksum, etc. Vimos sus estructuras y practicamos su reconocimiento. Siento que mientras más los escucho, más sentido me hace.
Hoy entendí un poco más el mundo de la música: figuras, silencios y cómo leerlos. Las fracciones musicales todavía me desafían,es parte de seguir aprendiendo e ir afinando el oído pero me encanta descubrir algo nuevo y sentir que esto como un desafío para seguir avanzando.
Sentí que entendí mejor dos conceptos clave: el puntillo y la anacruza. Destaco lo importante de cómo un simple punto puede cambiar tanto el valor de una figura, y cómo la anacruza puede preparar el ritmo antes de que llegue el pulso fuerte. Son detalles que al principio parecen pequeños, pero que hacen que la música tenga otra profundidad. Esto me hace pensar que empiezo a reconocer de a poco estas cosas que igual con práctica lo que antes pasaba desapercibidas ahora va tomando más forma y claridad con lo visto en esta clase.
Excelente clase! Me llevo mucha información para mejorar a la hora de analizar un tema y luego llevarlo a escena de una mejor manera, sacándole todo el jugo. El ejercicio de Estrofa-Estribillo me parece fundamental, y estoy feliz porque veo que algunas cosas las analizaba en forma intuitiva. Con esta información voy a estar más atenta y la pondré en práctica para mejorar como bailarina e intérprete. Me encantan estas clases porque entiendo que no solo se trata de bailar, sino también de respetar la emocionalidad del tema, la intención del autor, la historia que quiere contar junto a sus picos y matices para llevar a escena la mejor versión del mismo.
Que clase más enriquecedora y que importante es entrenar el oído para poder sincronizarnos con la propuesta del Taxim. Me llevo de tarea el seguir escuchando música para poder interpretarla mejor, el no darlo todo de entrada sino escuchar por dónde viene la propuesta del músico y ser coherente con el cuerpo para evitar el ruido musical-visual al espectador. Los tipos de Taxim y sus usos me parecen claves aprenderlos, y veo como un desafío el Taxim con percusión de base. Creo que luego de ver esta clase va a cambiar mucho mi forma de analizar e interpretar un Taxim.
Esta clase me hizo tomar aún más conciencia de lo importante que es entender la música árabe para poder bailarla. Sentí que, al aprender sobre estructuras, no solo es cuestión de comprensión técnica, sino también mi conexión emocional y lo que como futura bailarina voy a transmitir.
La Wasla me encantó que se puede relacionar como un cuento o historia musical lo que me da otra visión para escuchar de otra manera, con la emoción entre lo sensible y la presencia. Es una gran herramienta que servirá al momento de armar una coreo y que es completamente aplicable de ahora en más puedo buscare ese sentimiento oculta en las canciones, para disfrutarlas a mayor piachere”
Me sorprendió un montón descubrir que el ritmo Sherk aparece también en música nubia, porque siempre lo tuve asociado a algo más occidental, como un ritmo típico de batería o muy similar. Ver cómo estos cruces aparecen en diferentes momentos y lugares me hace entender que la música es mucho más amplia de lo que pensamos. Y también me di cuenta de que varios de estos ritmos los escuché mil veces sin registrarlos… afinar el oído cambia todo.
https://www.youtube.com/watch?v=tNVNe_Aw6tU&list=RDtNVNe_Aw6tU&start_radio=1 1:25 Wahda U Nuss ———————————- https://www.youtube.com/watch?v=6sD5PgUHY5Q&list=RD6sD5PgUHY5Q&start_radio=1 2:20 Hayya ———————
Me gustó esta lectura porque te ordena la cabeza: clase, ensayo y entrenamiento no son lo mismo, y cada uno cumple una función distinta. A veces una cree que con solo tomar clases alcanza, y no. El cuerpo necesita fuerza, técnica y práctica real para que todo fluya. También me sirvió la idea de poner objetivos cortos y medibles. Entendí que si falta uno de los tres pilares, tarde o temprano se nota en la danza.
Esta lectura del vals me hizo verlo de otra manera. Yo siempre lo tenía como un baile mas romántico, de pelicula, de la Elite y en realidad fue re polémico en su momento esto del abrazo cerrado, vueltas, faldas volando, un escandalo para los moralistas.
También me sorprendió que venga de bailes más rústicos y campesinos, y que después haya terminado en palacios, congresos, etc. Nunca imagine que el vals era como “el gran igualador”, donde cualquiera podía lucirse si sabía bailar.
En definitiva el Vals fue un baile bastante rebelde para su época.
La lectura deja claro que el bolero no nació de un día para el otro, sino que es el resultado de un montón de mezclas culturales e históricas entre África, Europa, el Caribe, Cuba, México, todo junto. Cada etapa le fue agregando algo distinto: primero el mestizaje y la vida en las plantaciones, después la trova cubana, más tarde la radio y el cine que lo hicieron masivo, y luego su época de oro por toda Latinoamérica. También entendí que el bolero siempre sube y baja según los cambios sociales: a veces estuvo súper de moda y otras quedó medio desplazado por ritmos más “modernos”, pero nunca desapareció del todo. Y en los 90 vuelve con fuerza porque la gente necesitaba justamente eso: algo emocional, cercano y reconocible. En resumen, el bolero refleja bastante la historia latinoamericana: mezcla, resistencia, cambios, crisis, resurrecciones… y siempre vuelve porque conecta con la forma en que vivimos y sentimos en Latinoamerica.
Lo que más me quedó del texto es cómo el bolero no solo habla de amor, sino que en muchos momentos funcionó como una forma de resistencia en medio de crisis políticas y sociales. Mientras todo cambiaba alrededor, el bolero sostenía una bandera distinta: la del amor, la emoción y lo humano. Me parece fuerte pensar que, a través de estas canciones, la gente encontraba un refugio y también una manera de seguir luchando, pero desde el sentimiento. Me gusto mucho conocer de donde proviene las palabras Palenques y Quilombos.
Me parece muy importante que, como bailarinas, entendamos tanto el origen de los estilos y ritmos que bailamos como su temática, para poder interpretarlos de manera auténtica. La Rumba Masri (Rumba Egipcia) empieza a asociarse dentro del bellydance con algo romántico, casi melancólico. A la hora de bailarla, requiere un enfoque más estilizado y etéreo: aparecen arabesk, ondulaciones, líneas más suaves. Es como una hermosa fusión entre elegancia, fluidez, pasión, seducción y romanticismo. Todo esto, sumado al ritmo y al tipo de movimientos, nos da la base para lograr una interpretación respetuosa y con sentido
Me pareció una lectura súper clara sobre el vestuario baladí. Muchas cosas ya las conocía, pero igual está bueno repasarlas: la túnica tradicional (más recta y sencilla), las versiones más modernas con lycra o cierres, y el vestido estilo años 50 para cuando usamos melaya. También los detalles que nunca pueden faltar: pañuelo, pulseras, algo en el pelo, y los zapatos si se baila melaya. En resumen, todo depende del estilo que queramos lograr: más tradicional o más moderno. Es un vestuario simple pero con mucha identidad, y bien elegido suma muchísimo a la interpretación.
El baladi es, sin duda, el estilo que más me gusta. Y cuanto más pasan los años, más me doy cuenta de que muchas ideas que tenía antes eran incompletas o directamente erróneas. Me encanta entender su polisemia y cómo el término “baladi” puede significar tantas cosas distintas según el contexto. También me parece importante recordar que lo que en bellydance llamamos “estilo baladi” es una construcción, no algo literal. Aun así, dentro de la danza nos sirve muchísimo como código: si un músico dice “voy a tocar un baladi”, ya sabemos perfectamente de que se trata. Es un estilo para relajarse, sentirlo y dejar que fluya desde un lugar auténtico y bien a tierra.
Qué lindo ver videos de músicos y bailarinas de la Golden Era. Ahí se ve clarísimo ese ida y vuelta entre música y danza que hace tan especial al baladí: las miradas, el juego, la conexión. Y también lo importante que es respetar los silencios cuando bailamos… no hace falta llenar todo, a veces el impacto está en dejar respirar la música y respirar nosotras tambien.
Además, me gusta recordar que “Baladi” es una palabra muchísimo más amplia. En el ambiente del bellydance la usamos como si fuera un solo estilo o tipo de música, pero en el mundo árabe tiene un montón de significados y variantes, por eso es tan rico y tan diverso.
Me encanta la historia del zar, a veces como bellydancer tendemos solo a creer que es una danza fuerte con jugueteos de pelo, al entender más la historia podemos también crear un contexto más profundo, incluso podemos crear una historia en base a ello. Gracias por resaltar que solo lo teatralicemos y no lo ejecutemos para llamar a los espíritus jajajjajaja
Me gustó ver cómo tanto Mario Kirlis como Nesma explican el Baladi desde sus raíces: esa mezcla preciosa entre improvisación, naturalidad y diálogo entre instrumentos… y cómo eso se traduce en nuestra danza. También entender que el baladi accordion es solo uno de los tantos tipos de baladi que existen.
Me encantó ver esta selección de videos porque realmente te abre la cabeza sobre lo amplio que es el concepto de Baladi. Muchas veces, desde el bellydance, lo encasillamos en “lo que ya conocemos”, pero cuando empezás a ver distintos músicos, épocas y formatos, te das cuenta de que el Baladi tiene mil caras posibles.
Algunos videos sinceramente jamás los habría asociado al Baladi
0:00 a 0:13 Taxim, 0:13 a 0:49 Preguntas y Respuestas 0:49 a 2:24 Baladi Lento o Awadi, 2:21 a 2:32 Aceleracion 2:32 a 4:31 Maksum o Tet Sari, 04:31 a 05:10 Maksum + Cortes, 05:18 Final. https://www.youtube.com/watch?v=716h9mO-pNQ&list=RD716h9mO-pNQ&start_radio=1
0:00 a 0:13 Taxim, 0:13 a 0:49 Preguntas y Respuestas 0:49 a 2:24 Baladi Lento o Awadi, 2:21 a 2:32 Aceleracion 2:32 a 4:31 Maksum o Tet Sari, 04:31 a 05:10 Maksum + Cortes, 05:18 Final. https://www.youtube.com/watch?v=716h9mO-pNQ&list=RD716h9mO-pNQ&start_radio=1
Cuando rendí el teórico ya me había metido un poco en el tema del Zaffa y todavía me parece re intrigante cómo cada momento del ritual tiene su función y su simbolismo. Lo que sí me sigue shockeando es lo de las chicas tan jóvenes… yo lo imaginaba más como un casamiento y en realidad es más parecido a lo que hoy sería un compromiso. Me encantó esto de que aparezca el Zaffa cuando la pareja ya estaba llamando demasiado la atención, súper teatral. Y lo loco es que, más allá de todas las diferencias culturales, tiene algo parecido al casamiento católico que conocemos, pero con ese toque más alegre, rítmico y festivo que lo hace tan único. Quiero ver el Zaffa de tu casamiento. Que lindo!
Muy lindo el Samai, aunque el ritmo Samai Thaquil es bastante complejo y lleva su tiempo incorporarlo, una vez que lo haces, empezas a sentirlo mas natural y familiar. Es complejo entender su estructura, con los cuatro hane y el teslim, y cómo eso le da un carácter tan particular. También me resultó súper interesante la relación con la música del Imperio Otomano, donde esta forma musical ya existía pero con otro nombre y otro enfoque rítmico, usando el Aksak en lugar del Samai Thaquil.
Escuchar un Saz Semai y conocer obras como el Samai Shataraban de Tamburi Cemil Bey me abrió un panorama totalmente distinto sobre cómo se interpreta en la tradición turca. Es un universo enorme, lleno de detalles históricos y musicales. Espero poder escuchar facilmente las diferencias entre el estilo árabe y el estilo turco.
0 a 0.16 Intro / 0.16 a 0.24 HANE 1 / 0.24 a 1.08 TESMIL / 1.08 a 4.12 HANE 2 / 4.12 a 4.31 TESLIM / 4.31 a 5.29 HANE 3 y 5.29 a 5.36 Final https://www.youtube.com/watch?v=TEKJmcSgQ20&list=RDEMHyIAQrSHmf84VF0whqH9Rw&index=2 (Ya Shadi Al-Alhan)
Qué interesante todo lo que cuenta la lectura sobre la Península Arábiga. La mezcla de pueblos, costumbres y regiones que pasaron por ahí (África, Iraq, Irán, etc.) terminó formando una identidad musical súper variada, sobre todo en la percusión. También es interesante ver cómo la música estuvo ligada a la esclavitud y cómo muchas veces fue censurada por el islam, especialmente para las mujeres. Todo ese contraste entre lo popular, lo festivo y lo que estaba permitido o no, la mezcla de nacionalidades explica mucho de la fuerza cultural de la zona. Quiero seguir aprendiendo más del estilo Khallegee / Saudi. Impactante la cantidad de Danzas que puede haber en una misma region.
Qué interesante todo lo que plantea la lectura sobre las artes beduinas de las mujeres. Ver cómo estas danzas aparecen en bodas, con las mujeres acompañando a la novia, pidiendo éxito para la unión, y cómo con el tiempo pasaron de ser rituales familiares a tener personas contratadas e incluso DJs, muestra cuánto cambió todo.
Las taggagat marcando el ritmo con palmas y percusión, las letras tan bélicas, la idea de que no se considera “danza” sino “juego” ligado a la sangre, la lealtad y el honor… es un mundo completamente distinto. Y me pareció muy interesante cómo comparar a una mujer con un caballo era algo honorable, relacionado a esa actitud fuerte, orgullosa y superior. Hasta el movimiento de los pies, que recuerda a un galope constante, tiene sentido cuando lo entendés desde ese lugar. En una misma región conviven un montón de artes.
En esta clase me llamó mucho la atención la danza Mizmar, sobre todo porque aparece el uso de bastones. Distintas regiones tienen sus propias danzas con varas y sentidos distintos. También me encantó saber que varias de estas danzas están reconocidas como patrimonio cultural. Intrigante lo de los rituales que las mujeres cantando y tirando laxantes al mar, o el fuego en el centro de la ronda… Y lo del Mizmar como danza para que el guerrero muestre su arte. En los 90 esto termina porque esta danza comienza para pelear con otra persona, el gobierno lo prohibe. Es verdad que para mi Mizmar era solamente un instrumento de viento, pero en este caso es solo percusion y es una Danza influenciada por el Tahtib.
Me encantó conocer un poco más sobre Irene Shams y entender por qué su trabajo marcó tanta diferencia, ya que venía de la danza, de la música y de la pedagogía, así que sabía exactamente qué les faltaba a las bailarinas y cómo explicarlo de una forma clara. Esa idea de que “a las bailarinas les falta formación musical” es real… y ella básicamente vino a solucionar esto. Llegó a formar a más de 2500 personas, hizo arreglos para los shows de Nesma y creó cursos pensados específicamente para nuestro oído: educación auditiva, ritmos, sistemas musicales, muwashahat, etc.
También me gustó entender mejor el mapa general:
Al-Ándalus, Imperio Otomano, Magreb, Masriq… todas estas regiones generando estilos, géneros y estructuras diferentes.
El Muwashah (poema) y la Sana (canción).
La Nawba, la Wasla/Fasl, como formatos musicales enormes.
Y dentro de todo eso, el Samai, que hoy conocemos desde su influencia otomana, pero cuya etiqueta “andalusí” no significa necesariamente que venga del Al-Ándalus.
Me llamó la atención el Saz Semai, el ritmo Aksak Semai, y cómo en el mundo árabe aparece el iqa Samai tawil/taqil, que puede funcionar como género instrumental o como estructura rítmica en piezas vocales.
Parece que todo está conectado, pero al mismo tiempo No. Gracias a gente como Irene, todo ese universo tan complejo se hace más accesible para quienes venimos desde la danza.
Es una clase con contenido importante y muy enriquecedor, es entender un poco la importancia de entrenar el oído, se diría que realmente escuchar, esto nos permite que al escuchar primero la propuesta del músico nos lleva a mantener coherencia en el movimiento y por ende lo que se quiere expresar. El que existan tipos de Taqxim o Taxim es importante ya conocer o tener la primera vas para poder identificarlo y en mi caso es lo desafiante ahora solo me corresponde poder ponerlo en práctica de ahora en más.
La clase me encantó porque fue la primera vez que escuché el layali y el mawwal. No los conocía y me sorprendieron lo lindos que suenan y lo diferentes que son. Ha sido un gran explicación me ayudó un montón a entenderlos.
La música árabe valora mucho la improvisación.
El taqsim es improvisación instrumental basada en un maqam, libre en ritmo y con un desarrollo que va creciendo, mostrando técnica y emoción.
El layali y el mawwal son improvisaciones vocales: el layali usa una frase melódica y el mawwal es un poema cantado.
Todas estas formas mezclan tradición, creatividad y conexión emocional. Permite escuchar con el alma y transmitirlo en el baile.
Esta clase es muy importante porque me permite comprender y presentar que la terminología con la que nos comunicamos acerca de la danza sí importa, ya que determina la forma en que entendemos y transmitimos las culturas. Decir “danzas árabes” no es necesariamente malo ni incorrecto, pero conviene emplearlo con conciencia como señala Maru, entendiendo que detrás de esa etiqueta existe una enorme diversidad de estilos, historias y significados.Además, utilizar la terminología adecuada sienta una base sólida no solo para nosotros como estudiantes o intérpretes, sino también para nuestro futuro alumnado. Esto facilita que más adelante puedan comprender de manera clara conceptos como el de Bellydance y su relación con otras tradiciones dancísticas de los países árabes.
Si bien actualmente no existe una normativa unificada y cada profesor o profesora propone su propio programa y enfoque, puedo intuir, desde mi poca experiencia, que la mayoría sigue líneas generales similares, aunque el contenido varíe según el país, la escuela o el contexto cultural. Aun así, considero fundamental que cada uno desarrolle una actitud investigativa, como ocurre en áreas como la medicina o la biología, donde constantemente se revisan avances, se actualizan conceptos o se reemplazan terminologías obsoletas. Por eso, más allá de que cada academia marque una pauta de estudio específica, es importante que dicha planificación sea consciente y crítica, y no se base únicamente en creencias personales o en un adoctrinamiento rígido, sino en una búsqueda genuina, abierta y espontánea del conocimiento.
Me resultó muy valiosa la explicación inicial sobre la cronología del bellydance, porque en los profesorados la información suele llegar en partes y no siempre es fácil armar una secuencia clara de todo lo que ocurrió. Los términos como MENA y SWANA no los había escuchado antes y el termino que Mena esta visto como algo más colonialista es rarisimo.
Usar el termino de bellydance es más conocido y da facilidad de comunicación. El termino de danza del vientre, es más conocido o asociado específicamente incluso a una artista especificamente cantante y ella misma lo vende como una danza insitú e incluso tambien se relaciona de forma inmediata con el temino danza árabe. Por ello volvemos a lo visto en la clase anterior el concepto es muy amplio y engloba varias cosas. Raqs sharqi entiendo se ha asociado más al estilo egipcio, de como se baila y con un caracter más estilizado.
La distinción de Oriente y Occidente, marca tambien un punto fuerte en lo que es el desarrollo de los terminos historicos, geografico y cultural de la danza, que tambien refieren a como son las diferentes danzas.
Considero que estos consejos son muy completos, y hay valor en cada uno de ellos. En mi experiencia, escuchar la música fue super importante para no hacer los pasos solo “de memoria”, sino que de manera más integral. El poder practicar frente al espejo o verse en vídeo sirvió también para hacer varias correcciones tanto de postura como de tiempos y tecnica.
Otro consejo que considero que puede ayudar es tirar la vergüenza por la ventana. Muchas veces no hacemos las cosas por miedo a lo que digan los demás o por juzgarnos en demasia. Como bien dice la guía todos los procesos son distintos, pero lo importante está en permitirse seguir bailando, incluso si aun no sale de manera perfecta. Si nos quedamos con que “no nos sale” entonces nunca vamos a evolucionar.
Otra cosa que me ha servido es cuando compas se acercaron a darme correcciones, o cuando le pregunté para ver como se hacía x paso. Está bueno poder ser receptivo a un otro, y escuchar lo que tiene para compartir.
Hola , para activar el documental de “REEL BAD ARABS”. Por favor
Me encantó esta clase, me encanta el taxim y a la hora de escuchar lo sé interpretar bien, pero me pasa que a veces a la hora de bailarlo es como que me quedo trabada porque no sé que hacer, aunque también viendo esta clase me da a entender mas, que mas allá de entrenar bastante el oído, también va como en juego o conexión de la bailarina con el musico, el taxim creo que se denomina por ser a libre interpretación y eso lo hace único en su estilo
Me encantó, no sabía la diferencia entre los tres, si bien siempre conocí el Layali y el Mawwal, pero nunca sabía las diferencias entre Layali, Mawwal y Taxim, ahora sé que son la composición vocal del Taxim,con pequeñas diferencias entre Layali y Mawwal.
Ahora voy a estar todo el tiempo prestando atención y diferenciando el Layali y el Mawwal jaja!!!
Me parece interesante como la música se originó para acompañar y enriquecer la poesía con su propio sonido y ritmo, pero a la vez no son una sin la otra ya que la poesía es el punto de partida de la música. Me llama la atención como el ritmo y la melodia se forman desde algo tan simple como pasos de camello o un lamento, como en el canto beduino. También siento una posible paradoja en el ataque cultural y religioso por parte del islam al poeta y el origen musical, que lo minimizan historicamente como simples canciones folclóricas, asociados los espíritus que los inspiraban a los y la rendición emocional que la música generaba que solo debía otorgarse a Dios, y a su vez el estatus e importancia que tenía el poeta, ya que su arte estaba directamente ligado a la vida social y comercial.
Nunca, nunca había escuchado el término Eftatahia, primero lo aprendí como Presentación y con los años como Meyanse. Acá abajo dejo los links de las canciones que estudié:
https://youtu.be/0xJ-evHMOBI?si=ffwovBlmrQyB7dux
La canción es Innuendo de Queen, me parece que tiene muchos cambios como de ritmos, pausas.
Comienza instrumental y recién a los 28 segundos comienza la parte power, su estribillo se repite en el 05:35 hasta el 05:50. Esta canción tiene muchos cambios y como puntos limites donde cambia de un rock a un a especie de estilo como flamenco .
No la puedo seguir analizando porque es una canción que me encanta y la disfruto un montón, jajaja!!!
Me sirvió mucho pensar en la palabra Gipsy como algo que viene de afuera ( cargada de estereotipos) y Romani como un termino que viene de adentro. La misma población se denomina Romani (idioma indoeuropeo)
Esta población esta por todo el mundo y en cada país la danza se baila de forma diferente, con costumbres distintas. Las bailarinas de belly no tomamos en cuenta esto. ya que combinamos pasos de un lugar vestuario de otro etc La real academia española decía que un gitano era un estafador la unión Romani internacional tuvo que luchar mucho para que la modificaran del diccionario.
La población Romani realiza danzas nativas sin modificar llamadas karsilama y danzas nativas modificadas. (Roman havasi)
Ambas trabajan en 9/8. También bailan chifteteli como danza. Nacida en el imperio otomano y bailada por mujeres en Estambul.
Creo que el texto me ayuda a entender mejor toda la estructura, aunque debo reconocer que se me hizo medio difícil al principio, ahora puedo comprenderlo con más claridad, es fundamental que todas las bailarinas conozcan este tipo de estructura ya que nos puede muchas veces ayudar a no pasar un papelón, he visto a mucha gente bailar fuera de tiempo como si nada, y yo observándolos y pensar -pobre, no sabe ir a tiempo-, hoy pienso y reflexiono que en muchos estudios se enseña a bailar pero no se enseña toda la estructura musical, lo cual es terrible, hay quienes les cuesta un poco y a otros no tanto, pero creo que este tipo de materia ayudaría a quien le falta aprender sobre esto.
Al principio un poco me costaba entender todo esto, porque donde estudiaba no lo enseñaban como paso por paso, tal vez le daban más importancia a bailar, y no se detenían a enseñarte como el “paso a paso” o lo enseñaban muy por arriba, entonces me ha costado, pero creo que después va todo en la práctica y en seguir reforzando
Creo que está bueno repasar los ritmos, así estes cocinando, en el trabajo o haciendo cualquier otra cosa que no sea bailar, te ayuda a memorizar mejor y como a desprender directamente del baile aunque también te ayuda a conectarme, o aunque sea es un ejercicio que lo tengo tan asociado que a veces solo lo empiezo a cantar por inercia!!! Jajaja
Estudiar los origenes de la música arabe y su contexto permite apreciar con más profundidad la danza, no solo para entender cómo se construyó sino porque permite ver la “huella” de aquellos quienes la trabajaron para que sea lo que conocemos hoy.
Si bien es una pena que evidencia arqueologica se haya perdido debido a la tradición oral, me parece hermoso que a pesar de que los registros de la epoca de la Yahilia sean casi nulos, la tradición poetica y musical trascendio el tiempo.
Si bien tribus árabes como Lahmidas y Gazanidas se encontraban en conflicto debido a la proximidad a imperios enemigos, es interesante como ambos lugares desarrollaron su propia cultura musical, independientemente de cómo los autores posterioreslas consideren “simples canciones folcloricas”.
También, me llama la atencion esa relacion “espiritual” con la música, donde se percibia que uno “se rendia” ante la misma. Opino que a pesar de la persecución que pudo generar en su epoca por las creencias religiosas predominantes, es este un factor importante de porque a pesar de las diferencias el hombre disfruta y busca conectar con la música.
Que interesante lo que habla Farida Fahmy, una vez mas nos lleva a concientizar sobre la importancia de conocer más sobre la cultura y la historia, para poder danzarla y además poder transmitirla de una forma correcta y en su correcto significado.
Que hermosa que es esta danza!!! gracias por ponerla a colación mi Mari y además que nos expongas el contexto histórico del uso inicial de la Melaya. muy importante conocer que no es una danza antigua de la Mileya, sino que es una incorporación de la misma en la danza.
Mari porfi ayudame con la activacion de esta clase
El artículo de Farida Fahmy habla de la millayah laff, no solo como una prenda de ropa, sino como un símbolo lleno de historia y dignidad para las mujeres egipcias, especialmente para la bint al-balad, la mujer sencilla, fuerte, trabajadora y auténtica de los barrios tradicionales. Farida explica que esta prenda no nació para la danza, sino para la vida diaria, y que su uso influía en la manera en que las mujeres caminaban, se movían y expresaban su personalidad.
Ella cuenta que la famosa “danza con millayah” no es una danza tradicional antigua, sino una creación escénica de la Reda Troupe, quienes transformaron costumbres cotidianas en un lenguaje artístico para el escenario. Ese lenguaje tenía respeto, identidad y un entendimiento profundo de la cultura.
Con el paso de los años, Farida empezó a ver cómo en muchos países se enseñaba y se bailaba una versión totalmente distorsionada con actitudes que convertían a la mujer egipcia en un estereotipo ofensivo. Todo esto la llenó de frustración porque sentía que no solo se deformaba el arte escénico que ella misma ayudó a crear, sino que también se irrespetaba parte del patrimonio cultural de Egipto.
La lectura de este texto me hizo ver la millayah laff desde un lugar más profundo. Farida Fahmy recuerda que este elemento no nació para el show, sino para la vida real de mujeres fuertes y auténticas.
Su mensaje, al final, es un llamado al respeto: antes de bailar algo, hay que conocer su historia y honrar la cultura que lo inspira. Es un recordatorio bonito y necesario para cualquiera que ame la danza.
Mari porfa ayúdame con la activación de este curso. Mil gracias
Aquí de verdad se me voló la cabeza, el uso del millaya sin moneditas en la cotidianeidad te saca del estereotipo que hemos creado para el montaje de un show, de verdad era de las que pensaba que el millaya venia con moneditas y que así se usaba, aunque ahora entendiéndolo en el contexto de lo “cotidiano”, claro hasta incomodo utilizarlo así al diario. 🙂
Me encanta la gracia de Fifi Abdou. Ame esa coreo y la naturalidad con la que la realiza.
Mi Mari porfa ayúdame con la activación de esta clase.
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Al leer este texto sobre la historia de los romaníes en los Balcanes, no pude evitar sentir una mezcla de admiración y tristeza. Admiración por la fuerza de un pueblo que, a pesar de siglos de rechazo, esclavitud, persecución y prejuicios, ha mantenido viva su música, su danza y su identidad. Y tristeza porque, una vez más, la historia nos recuerda cómo los estereotipos pueden deshumanizar a comunidades enteras.
Lo que más me impacta es cómo la danza y la música romaní no son solo expresiones artísticas, sino una forma de resistir. Para ellos, bailar no es superficial ni decorativo: es un espacio donde se afirma quién se es, donde se transmite tradición, donde la comunidad se sostiene emocionalmente. A pesar de la discriminación, de la pobreza y de las políticas que han intentado borrar su cultura, su arte siempre ha encontrado la manera de sobrevivir y transformarse.
También me hace pensar en cómo, desde afuera, muchas veces se romantiza o exotiza lo “gitano”, sin conocer el dolor y la lucha que hay detrás. Este texto me recuerda que antes de apreciar una danza o un estilo musical, es importante reconocer la historia de quienes lo crearon. Y, sobre todo, hacerlo con respeto.
En resumen, siento que los romaníes han construido un legado inmenso a partir de la resiliencia. Su música y su danza son más que entretenimiento: son un testimonio vivo de que la cultura puede ser un refugio, una resistencia y una forma hermosa de seguir adelante a pesar de todo.
Esta clase para mi es de mis preferidas, me enseño desde que la tome muchísimo acerca de los romaníes y como utilizar bien el término.
Cada ve3z me convenzo mas que en la danza y en la vida debemos informarnos muchísimo más acerca de las culturas, los grupos etno, su forma de pensar su forma de ser, y como afectan ciertos estereotipos que sin saber los vamos repitiendo de generación en generación. El termino gypsy si bien es cierto creoque todos lo hemos utilizado, es importante que tome un giro distinto, y que podamos eliminarlo, pero esto es mucho cuestion de tiempo y de informacion
Me encanta la segunda version de Djelem Djelem.
Cuando escucho sobre el pueblo romaní, siento una mezcla de fuerza y nostalgia. Ellos han construido su identidad en medio de muchos dolores, pero también con una enorme dignidad y alegría por la vida.
Su himno lo expresa de forma profunda: habla del sufrimiento que vivieron, pero también del orgullo de seguir adelante unidos. Es una canción que toca el alma porque no solo cuenta su historia… la siente.
Me resulta una herramienta muy útil para el repaso y el reconocimiento de los ritmos, la parete de la escritura tambien en el material es un ayuda memoria que en mi caso me ayuda para recordar el ritmo rápido,aun me falta mucho pero es clave practicarlos,prácticarlos y practicarlos. Destaco que aprender de estos nuevos ritmos es un mundo que desconocia completamente y la gran variedad que tiene es hermoso.
No conocía el término Eftatahia, y aprenderlo me sirve poder incorporarlo en el vocabulario de esta danza.
Algo interesnate es que los terminos como el Meyanse, Interludio tambien sirve para comunicarse con personas dentro entorno o fuera de él de acuerdo a la referencia que tambien podamos explicar,e incluso a la hora de buscar y comprender la música que vamos a bailar.
La clase en si misma considero enriquece mucho no sólo de pensarlo en la manera de bailar y sino tambien cuando uno debe armar una coreografía, porque se aprende a desglosar la música.
La danza es un mundo fascinante y todo lo que aún me falta por aprender y seguir sumando en este camino del conocimiento.
Al leer sobre el origen del vals, me llamó mucho la atención cómo un baile que hoy asociamos con elegancia, en su momento, fue algo completamente escandaloso, osado y con un toque revolucionario para la época.
Me hizo pensar en cómo la danza siempre está ligada a la sociedad y a los cambios culturales. Así como otras danzas, el vals no solo transformó la manera de bailar, sino también la forma de relacionarse, de expresarse y de compartir un espacio con otros. La historia que venimos estudiando a lo largo de la cursada, me permite valorar más la danza como un proceso que evoluciona, que parte de un principio de incomodidad para luego transformase en formas de expresión mediante el movimiento del cuerpo y su conexión con él .
Siento que para evolucionar en la danza es necesario tener noción de teoría musical y entender como se componen y cuáles son los ritmos del genero que bailamos. El poder tener noción de los mismos permite poder interpretar coreografías afines a la música, poniendo las acentuaciones y pausas en los tiempos correctos, además de ser un recurso muy util para la improvisación. Aparte de estudiar los distintos ritmos y que movimientos van con ellos, siento que me fue muy util el poder “nombrar” los sonidos por “dum” y “tak” ya que así se me fue mas fácil identificarlos en la escucha.
Si bien existen varios sonidos, los que conforman la mayoría de los ritmos árabes son el dum (D) y el tak (T). El silencio se puede vocalizar usando un iss o ess (-).
En esta lección, vimos los siguientes ritmos:
* Maksum: (4/4) D T – T | D – T –
* Baladi/Masmudi Saghir: (4/4) D D – T | D – T –
* Saidi: (4/4) D T – D | D – T –
* Tabl/Katakufti/Nawari: hay dos versiones:
(4/4) – D – T | D – T –
(4/4) T D – T | D – T –
En esta lección repasamos los siguientes ritmos usando de relleno el taka (tk):
* Maksum: (4/4) D T tk T | D tk T tk
* Baladi/Masmudi Saghir: (4/4) D D tk T | D tk T tk
* Saidi: (4/4) D T tk D | D tk T tk
* Tabl/Katakufti/Nawari: (4/4) D D D T | D – T –
Tambien vimos estos otros ritmos:
* Malfuf/Malfouf/Laff: significa “enrollado” o “envuelto”, es un rimo ciclico. Se usa mucho en los temas de presentación, y es un ritmo para desplazarse.
(2/4) D T T
* Tawil/Wahda: este ritmo se caracteriza por tener solo un dum, y ser lento.
(4/4) D – – T – – T –
(4/4) D tk tk T tk tk T tk
* Karachi:
(2/4) T T T D
(2/4) T – T D
* Masmudi: es un ritmo lento, y tiene un carácter mas formal. Al final a veces se lo cambia por un tawil.
(8/4) D D – T | D – T –
(8/4) D D tk T | D tk tk T tk tk T tk
En esta lección vimos los siguientes ritmos:
* Chifetelli: se suele usar como base para improvisaciones, es un ritmo lento. Se utiliza mucho para bailar piso o hacer equilibrio con algun elemento como un sable.
(8/4) D TT TT | D D T –
* Sombati/Wahda Sombati/Wahda Tawila: se encuentra tanto en improvisaciones como en composiciones.
(8/4) D T T | D – T –
* Fallahi: se usa mucho en la musica folclórica egipcia, y también para terminar temas.
(2/4) D ka T ka D T
* Samaithaquil: (10/8) D – – | T – | D D | T – –
La clase tiene un énfasis muy interesante en la institucionalización de la cultura y la música. La música pasó de ser una práctica cotidiana, a una disciplina sistemática gracias al patrocinio de los califas, teniendo que aportar el músico una educación mas integral, con talento natural, habilidad escénica y dominio de instrumentos y literatura. La música era vista como una extensión de la alta cultura y filosofía, que se demostraban en éstos espacios llamados majlis donde se intercambiaban intelecto y arte.
El mundo islámico actuó como un puente cultural, traduciendo a otras civilizaciones y convirtiendo el arte, música y poesía en una práctica de estatus social.
Me estoy amigando con los chinchines, y esta clase me ayuda un montón a reconocer mejor los ritmos, ahora no puedo dejar de cantarlos en mi cabeza!!! Al principio me confundía el Chiftetelli con el Baladí pero después pude diferenciarlos!!!
Reina de la noche- Orquesta Ilahum
https://youtu.be/mp1dldk2f1Y?si=uo_zpcZoiMfGVaHr ritmo Malfuf en el minuto 00:40.
Bel Hadawa
https://youtu.be/AmbqqJk2tBk?si=8XH_7dz1Mjae2F_F ritmo Makzum en el minuto 00:09
El Hob hala-Hossam Ramzi
https://youtu.be/h3wvAJ-5UZI?si=jxXRFoyCleotTfPT ritmo Baladi en el minuto 2:00
Habibi Ya Eini-Tony Mouzayek
https://youtu.be/wJdcydbBK_g?si=bmPdVMoi5PmzbRRB ritmo Masmoudi en el minuto 00:40
Sallam Allay
https://youtu.be/cEiFs3oEyko?si=nZ75tINyimx2_5FE ritmo Falli en el minuto 00:00
Ana Bastanak
https://youtu.be/ZWr9phEWGLQ?si=_GFSCCj0tawhcGGM ritmoKarachi en el minuto 5:00
Me parece muy interesante como a pesar de estigma que haya podido tener la musica culturalmente, que aun asi teniendo en cuenta “el retrato del musico perfecto” quienes se dedicaban a la misma se acercaban a la figura de Adab. También, si bien entiendo que la musica no se termino de sistematizar del todo en el periodo mencionado, me llama la atención que se hayan integrado elementos de pueblos árabes como no árabes, así como el interés por traducir textos de culturas incluso que no tenían relación. Siento que gracias a esta “apertura” la musica se pudo ver enriquecida.
Siento que las consecuencias de la reforma son de esperarse cuando opiniones externas “de prestigio” son más valoradas que la voz y la experiencia propia del grupo de personas que se buscan representar.
Si bien poder entender y realizar un curriculum de la música árabe es fundamental para que perdure en el tiempo, creo que esta iniciativa estaba destinada a fracasar al imponer ideas y formas externas a la costumbre de los músicos locales. Más aún teniendo en cuenta que se despreciaba y prejuzgaba a una gran parte del grupo de estudio, y por ello mismo se los segregaba de la investigación.
Lamentablemente pienso que no es un fenómeno aislado ni de la música ni del estudio de la cultura árabe; es responsabilidad de cada alumno e investigador acercarse a las culturas con respeto, tanto para entenderlas como representarlas de manera auténtica.
De ésta clase se pueden tener las siguientes conclusiones sobre la música árabe.
Terminología fundamental: El ritmo se define mediante el concepto de Iqa o Iqa’at en plural. También se utiliza la palabra Wazn, que significa peso, derivado del verbo waq’a (caer). Entonces se vincula el ritmo con el acto físico de hacer caer los golpes.
Estructura rítmica: se distinguen los géneros; Organización temporal fija: tiene pulso y patrones rítmicos regulares, ej: Malfuf y Organización temporal libre: carece de pulso y estructura fija. Ej: Taqsim o Layali
El pulso se define como un latido, punto de referencia para organizar el tiempo. Se utilizan sonidos específicos para diferenciar golpes, dum ( golpe fuerte grave) y tac
( golpe suave agudo).
Historicamente éste sistema fué formalizado por teóricos como por ejemplo; Al- Khalil, padre de la teoría rítmica y métrica y Al- Mousili, autor más antiguo que documentó la composición de melodías.
La música arabe permite momentos de libertad que rompe con la idea de seguir siempre un reloj. El dum y el tac hacen que sea más accesible a la hora de entenderla y comunicarla.
En ésta clase aprendimos que el compás es la división del tiempo musical en grupos de pulsos y se reconoce a través del acento, que puede reconocerse por el pulso que suena más fuerte.
Hay diferentes tipos de compases.
Compás binario ( compás de 2 pulsos) ternario ( compás de 3 pulsos) por ej: un vals, cuaternario, etc. En el árabe podemos encontrar compases de 10 o más pulsos y en algunos temas como por ejemplo una Presentación compuesta de varios ritmos con compases diferentes.
Creo que algo que embellece una coreografía es bailar los acentos y es necesario entender muy bien el compás de una canción para que resulte bien.
En ésta clase aprendí que el ritmo es la organización del tiempo mediante sonidos y silencios. Las figuras son símbolos como la redonda, la blanca, la negra, etc, que representan cuanto tiempo dura el sonido. Los silencios son equivalentes a las figuras pero representan la ausencia de sonido durante el mismo tiempo. Respetar cada nota es importante cuando se baila pero me parece igual de importante el silencio, es algo que se baila también y aporta un espacio para la respiración.
Esta guía me hace reflexionar sobre lo importante que es no solo ensayar para mejorar, sino hacerlo de manera consciente, con atención y apertura. El ensayo no es solo una tarea, sino una oportunidad de crecer y conectarnos más profundamente con lo que estamos creando, también es fundamental como futuras bailarinas y profesoras poder transmitirlo, porque es parte del proceso de seguir creciendo y especializándose al igual que el compartirlo entre compañeras es una forma de complemento.
Los reformadores consideraban que a música tenia que volverse ordenada y querían hacerlo imponiendo un enfoque mas científico, también sobre la creencia de que la teoría debía generar la practica y no al revés. Eduard Lane había comentado su disfrute por la música en Egipto pero mostró claramente que muchos viajeros extranjeros consideraban todo lo contrario. La música de Egipto estaba por encima dentro de oriente y no podían permitir una degradación causada por la pereza y el abandono de músicos contemporáneos que no tenían disciplina. En la conferencia no se alcanzo un consenso en los comités de escala musical métodos rítmicos y melódicos e instrumentos musicales. No pudieron ponerse de acuerdo sobre si los maqam de la música árabe podían derivarse de una escala maestra que consistía en 24 cuartos de tonos iguales, tampoco sobre que instrumentos europeos eran apropiados para la música árabe. El logro de mayor alcance de la conferencia fue el desarrollo de un plan de estudios integral de educación musical en Egipto que pronto se replico en otros países árabes. La nuevas instituciones y planes de estudio ofrecieron oportunidades para que os reformistas determinaran tanto el contenido como el personal de este nuevo campo de conocimiento.
En el presente los músicos acusan que hay una falta generalizada de disciplina en el sistema institucional, queja irónica ya que es la misma acusación que los reformadores de 1932 hicieron contra los músicos profesiones de ese momento. Los instrumentistas que desean ser músicos profesionales deben desarrollar su habilidad a través de otros medios como la búsqueda de mejores maestros fuera de los institutos o el autoestudio.
Esta conclusión me parece mas que interesante: Una cultura musical vibrante que sea significativa para una sociedad e inspiradora para los jóvenes músicos, es mas probable que sea el resultado de fomentar la exploración creativa por parte de músicos individuales que de la aplicación de reglas musicales científicas.
Me encanta el apunte sobre los ritmos, te hace conocerlos o reconocerlos mejor, es muy util para repasarlos continuamente y poder trabajar el oído y también la parte de lectura, no conocía como la parte “más técnica” de los ritmos hasta llegar al estudio
En ésta clase logré resolver mejor los ejercicios, los fuí cantando para probar mi comprensión. Lo más dificil fué cantar el silencio de corchea más la corchea, pero se entendió perfectamente como hacerlo.
Aprendí también que el numerador indica la cantidad de pulsos que existen por compás. Por ejemplo; una estructura de dos pulsos tendrá el número 2 como numerador e indicará que es un compás binario.
El denominador identifica la figura rítmica, negra, blanca, corchea, etc, que representa el pulso del compás.
En ésta clase se explicó el puntillo, que añade a una nota la mitad de su propio valor, por ejemplo si una negra vale 1 pulso con puntillo valdrá 1 1/2.
Una anacruza son esas notas que aparecen justo antes del primer compás completo.
Vimos las barras de compás que pueden ser simple, doble, doble final, doble con repetición y subdivisión.
Se habló sobre los sonidos básicos en los ritmos árabes, que son el dum y el tak. El dum es un sonido grave que se produce en el centro del derbake y el tak es un sonido más agudo y se marca en el extremo del instrumento.
Algunos músicos vocalizan el silencio con un iss.
La conferencia de música arabe de 1932 no fué solo un encuentro académico, sino una intervención para modernizar la música árabe. Los reformadores conocidos como la effendiyya (una elite educada) creia que la música de su tiempo estaba en un estado de desorden y decadencia. Su meta era aplicar un método científico inspirado en la musica occidental para lograr el mismo grado de refinamiento. Como resultado se establecieron planes de estudio estandarizados en varios países árabes y se crearon institutos de enseñanza formal. También se grabaron 175 discos para preservar melodías auténticas. No lograron estar de acuerdo en temas como la escala de 24 cuartos de tono. Los músicos y academicos no lograban decidir si esa escala artificial representaba la esencia de los maqams, modos melodicos tradicionales.
En ésta clase se explicó el concepto de wasla, que es una forma musical macro que integra distintas formas musicales e improvisaciones y su principal característica es que todas sus partes pueden estar basadas en el mismo maqam. También recorrimos toda una guía de análisis musical para el armado de una coreografía. Los conceptos fueron bien comprendidos.
Este texto repasa como diferentes autores quieren explicar los ritmos árabes a través de diferentes miradas, desde la filosófica y/o la poesía. De verdad me encantó este texto, aunque tuve que leerlo dos veces porque no lograba poder comprenderlo bien, no tenía idea o dimensión alguna sobre los estudios sobre los ritmos árabes, es mas, hasta podía llegar a pensar que era como algo mas superficial, pero ahora me doy cuenta que no, y eso me hace comprenderlos mejor.
El estudio de los ritmos y el reconocimiento del pulso son herramientas fundamentales para cualquier bailarin, ya que permiten realizar una interpretacion más fiel a la música que se está bailando; sea para improvisaciones como la creacion de coreografias, ademas de ir a tiempo.
Está bueno poder empezar a diferenciar qué melodías tienen organizacion ritmica fija, y cuales tienen una más libre. Me gusto el ejercicio de los aplausos para poder ir identificando el pulso; al analizarlo en melodías de otro género también sirvió para entender aún más el concepto.
También, algo que me resultó interesante de esta clase fue el ver cómo a lo largo del tiempo quienes se dedicaron a estudiar la música arabe ponian al componente ritmico como foco de estudio.
En ésta clase se habló del taxim, no solo como una improvisación libre, sino con reglas y estructura, basadas en sistemas de modos musicales llamado maqam.
Se caracteriza por la fragmentación de la línea melódica con silencios. Estas pausas pueden ser de 2 a 4 segundos y sirven para conectar emocionalmente con el público. La estructura depende de la duración de sus secciones; pueden ser minúsculas, cortas, medianas o largas. Estas secciones se alternan para formar una pieza.
Por último se hablo del qafla que es la frase musical que marca el final de una sección o de todo el taxim.
En ésta clase se explicó sobre diferentes formas musicales, Layali y Mawwal, que forman parte de la improvisación de la bailarina. En comparación con el taxim, que es una improvisación solo instrumental, el layali y el mawwad son vocales. El layali se basa solo en una frase y el mawwad en una poesía. Me parecieron inspiradoras ambas formas musicales.
Me parece fundamental conocer éstas formas musicales, para saber interpretar el taxim, es inspirador, me parece un gran momento de conexión entre el músico, la bailarina y el público, un lenguaje único e inmersivo para el que lo ve y escucha aunque no conozca técnicamente lo que se está haciendo. Permite disfrutar a todo espectador.
Hola profe. Solicito la activación del documental. Gracias.
En esta clase, aprendimos que el compás es una forma de dividir el tiempo musical en una agrupación determinada de pulsos, e identificamos los mismos en distintas canciones. Para identificar el mismo, hay que estar atentos al acento. Está bueno saber que no necesariamente el tipo de compás se mantiene en todo el tema, este puede variar.
Luego de ésta clase me planteo que termino usaría yo. Creo que llamar Danza Árabe para identificar lo que voy a transmitir por medio de la enseñanza, me resulta correcto por el fuerte peso cultural e idiomático. Sería una oportunidad pedagógica para limpiar tantos prejuicios que giran al rededor, usar el nombre pero también explicar el origen, diferenciando lo que el cine o el arte occidental inventó, la fantasía orientalista, aclarando la realidad de los pueblos árabes. Podria acompañar cada danza con una introducción acerca de su historia geográfica por ejemplo. Que no es algo solo ” exótico” sino que es una disciplina con reglas, ritmos específicos y una conexión real con la cultura y el idioma. Me pareció muy gratificante la clase y expande mucho la conciencia sobre la importancia de los términos que muchas veces se los utiliza sin pensar en lo que implica.
En esta clase repasamos la identificación de compás, y vimos lo que es el ritmo. El ritmo no es lo mismo que el pulso; mientras el pulso se trata de un latido que puede ser regular o irregular en una melodía, el ritmo organiza el tiempo en sonidos y silencios en un espacio. También vimos las distintas figuras musicales (redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa, semifusa), con sus respectivos valores en tiempo y equivalencias con el pulso para poder leer ritmos.
La verdad que el texto da a entender la complejidad de la música en el Islam, se nota que el Sama va mucho en lo espiritual, en el éxtasis. No puedo dejar ahora de pensar en el Sufi y en leer un poco más para poder comprender aun mejor su complejidad, anteriormente, me preguntaron en casa que es el Sufi y no supe que responder ya que desconocía todo esto.
Amo el Samai, tiene tanta presencia y delicadeza, antes sol o lo tomaba como un ritmo valseado y no salia de ahi, pensaba que era todo lo mismo, ahora puedo comprender mejor cual es la diferencia con el Samai Taquil, hasta incluso que no es lo mismo que el Muwashahat.
La clase me pareció sumamente interesante, el recorrido de toda la terminología muy necesario para ser capaces de nombrar lo que hacemos más allá de lo que esté en auge. El término raqs sharqi, creo que sería correcto, respetuoso con la raíz cultural y contexto geográfico. Sí reconozco que “danza árabe” es lo más reconocido para el público en general, quizas por ese sentido lo convierte en lo más apropiado. Danza del vientre y bellydance fueron creados por observadores externos como Francia y Estados Unidos.
Muchos son los términos que se utilizan en este texto que eran desconocidos para mi. Intentare recordar el nombre de ala musiqiyya (instrumento musical). La designación para decir instrumentos de cuerda de viento y de percusión ya me resulta muy difícil pero si recordare esta división en 3 y una cuarta que podríamos agregar para designar los instrumentos occidentales adaptados y adoptados por la música árabe y tengo muy presente el valor que le dan a la voz del cantante por encima de los instrumentos. Quienes no estaban de acuerdo con esta división los clasificaban en instrumentos melódicos y de percusión. En este caso me resulto interesante el hecho de que muchos músicos que tocan algún instrumento de percusión prefieren aprender a dominar varios instrumentos de esta categoría antes de aprender a tocar uno melódico y viceversa. Siendo muy pocos los músicos que dominan ambos. Mis instrumentos favoritos son los de cuerda y veo que para esta cultura también. El laud de mango corto llamado ud es considerado el sultán de los instrumentos . También hay laudes de cuello largo entre los que se destacan el buzuq de Turquia y el Guimbri marroquí. Me resulta belisimo el sonido del laud . Ahora tendré que empezar a escuchar ambos y apreciar sus similitudes o diferencias. Hay violines y violas. Rabab es el nombre genérico para los violines arqueados (aun no se bien a cuales se refiere) y suele haber de dos tipos los populares y los clásicos. El violín creería que es mi instrumento favorito.
En el mundo árabe se utilizan citaras de mesa como el qanun y el santur. La liras que encontramos son la tambura, el kis y la simsimiyya, Oboes de diferentes tamaños que corresponden a registros vocales, Gaitas, trompas y trompetas (instrumentos que se soplan en ceremonias religiosas, rituales y procesiones al aire libre)
Encontramos ideofonos como címbalos de tres tamaños y sonajeros que suelen destinarse a los niños. Membranofonos como tabla timbales panderos y panderetas. Todos los panderos se sostienen con el pulgar y el dedo indice de la mano izquierda. La mano derecha ejecuta los sonidos graves (dum) en el centro los sonidos agudos (tak) en el borde. Tambores de doble membrana.
Por otro lado me parece importante destacar que suelen denominarse sharqui (oriental) a los instrumentos no árabes que han sido adaptados. El violín ha sido adaptado con mayor amplitud y éxito. También han sido adaptados la viola el violonchelo y e contrabajo. La mandolina occidental fue introducida en Argelia por los colonizadores en el siglo 18. La guitarra eléctrica fue introducida en el norte de África en la década de 1930 y luego al mundo árabe. Fascino a los músicos modernos debido a su similitud con el ud y el buzuq
Teclado, órgano y piano: En 1922 se creo en el Cairo un piano capaz de tocar todos los cuartos de tono de a música árabe.
El acordeón es el aerofono que mas ampliamnete ha sido adaptado.
Saxofón y metales: El saxofón ingreso debido a las bandas militares junto con la trompeta y e clarinete. La baterías occidentales son ampliamente utilizadas en a música popular moderna en todo el medio oriente
https://www.youtube.com/watch?v=-VXFximdV58&list=RD-VXFximdV58&start_radio=1 en el minuto 00:04 empieza a sonar la Kawala, tiene gran parte de la canción como instrumento mas fuerte a la Kawala
https://www.youtube.com/watch?v=t5C9brgqWDI&list=RDt5C9brgqWDI&start_radio=1 Taxim con Laud de Gaston Chaade
Con los Sagats tengo una pequeña rivalidad, me encantan aunque después de un rato te dejan un poco aturdido por su sonido tan agudo, igualmente destaco que son fundamentales para poder reconocer mejor los ritmos, y admiro muchísimo quien tiene bien incorporado la coordinación de tocar y bailar, cosa que a mi me cuesta un montón, pero estoy tratando de poco a poco ir asociándolos mejor.
Siempre me llamó la atención de tener un teclado especifico para tocar música árabe, es mas, en casa había uno y yo quería tocar música árabe, pero no había caso, hasta que ya de grande me di cuenta que necesitaba uno especifico.
Creo que el instrumento que vos mencionas Maru que es como unsa membrana electrica , si no me equivoco es el Theremin , es conocido como el instrumento que no se toca pero que haciendo como una especie de “malabares” con las manos, emite sonido, fue creado por un físico y musico Leon Theremin, es un instrumento ruso, creado en plena era soviética, su creación fue en la década del 20, el estaba investigando sobre la detección de movimientos con ondas electromagnéticas, yo lo conocí por mi hermano que es un loco apasionado por la música y los instrumentos, y justamente este instrumento le llama mucho la atención.
No sabía sobre las agrupaciones musicales árabes y como la cantidad de instrumentos determina las diferentes agrupaciones.
La mayoría de los términos de los instrumentos los desconocía, pero me encanta que con esta clase los puedo conocer mejor.
La evidencia antigua que se muestra en ésta clase es preciosa y rompe con mitos que como ví, se utilizaron como una verdad absoluta. Si bien, no me incomoda ésta corriente que hasta hoy sobrevive, creo que está bueno llevar la danza a una conexión profunda con una misma, la idea de diosa, de sacerdotisa, puede ser beneficiosa a la hora de expresar lo que hacemos, pero estoy de acuerdo en que no se puede utilizar una mirada personal para resumir la historia que tanto difiere de ésta idea sobre la danza árabe. Me encanta saber que bailar, más allá del género, estilos, etc, es nuestro modo de comunicación mas antiguo y universal.
En ésta clase aprendí diferentes estructuras, de estrofa y estribillo y rondó. Quedó muy claro cómo se divide una Eftatahia y como reconocer el rondó y el fadi, que es un momento que me gusta mucho, tiene su encanto a la hora de bailar, te prepara, crecés en esa fase musical para salir al escenario con todo.
Comprender éstos conceptos es la base fundamental para el músico y la bailarina, especialmente en la danza árabe. Nos permite movernos en total sincronía con la estructura musical dándole sentido. Para el que lo vé y no conoce de música y danza por ejemplo, se convierte en algo sumamente entretenido, ya que puede captar la armonía que se genera en esa comunicación entre el músico y la bailarina. Ésto solo se logra con un conocimiento profundo de la música y su estructura. El texto es enriquecedor.
Todo lo que se de ritmos árabes lo aprendí en ésta escuela. Va quedando cada vez más claro. Creo que la manera más efectiva de anotación es entre dos lineas con reconocimiento de duración de cada nota. Los ritmos maksum, baladi, saidi y tabl me resultaron fáciles de vocalizar y escribir sin copiar ya que entiendo la posición de las plicas en el dum y el tak y los silencios de corchea.
En ésta clase repasamos más ritmos. En el ejércicio de reconocimiento no me fué mal, el relleno lo complica un poco. Lo positivo es que quedaron más afianzados.
En esta clase repasamos lectura de ritmos, y aprendimos que las fracciones en las partituras sirven para entender cuántos pulsos tiene cada compás (numerador) y que figura rítmica fue elegida para representar el pulso de ese compás (denominador).
A medida que fuimos avanzando con los ejercicios admito que me fue un poco desafiante cantarlos, pero más aún intentar seguirlos con chinchines (nomas para practicar). Creo que hacer este tipo de ejercicios es fundamental para una mejor lectura y escucha de cualquier tema.
Me fué excelente con el reconocimiento de ritmos practicando todos los vistos hasta ahora! Ayuda muchísimo saber escribirlos y vocalizarlos.
Me fué muy bien en el reconocimiento. En el primero hice un 9/10 y en el segundo ejercicio 7/10. Cuesta más con la música centrarse en el ritmo pero estoy contenta con el resultado ya que no es fácil. Es cuestión de escuchar y de aprender la mayoría de ritmos para lograrlo.
Excelente método de ejercicio. Creo que uno de los que me cuesta es el chifetelli. Los demás con todas éstas prácticas se fueron asimilando más. Me da mucha satisfacción lograr algo y escuchar ahora con claridad diferentes ritmos y saber de cuáles se trata.
Siempre me pareció increíble o impresionante como llegan las influencias Europeas a Egipto, y siempre imaginé que tiene mucho que ver Napoleón Bonaparte en su Conquista a Egipto, y también los ingleses cuando instalan sus colonias, al igual que el Imperio Otomano, creo que estas dos fuertes potencias históricas tienen mucho que ver con la llegada de las influencias musicales, creo que no imaginaba sobre los gobernantes egipcios pero ahora que lo pienso y reflexiono, al igual que los gobernantes egipcios, muchos otros países toman a Europa como el modelo a seguir, no solo con la música sino en otras áreas también.
Me encanta la variedad de ritmos que hay, y a veces lo que se le hace difícil a un bailarín es poder contextualizarlo, por eso está bueno estudiarlos y conocerlos para saber ponerlo en contexto.
El saber ponerlo en contexto, también te lleva a la variedad de pasos que podes agregar, por ejemplo, no podes meter un paso mas estilizado en un Ayyub porque no te da, el Ayyub te da más a pasos bien a tierra…
Este módulo me ayudó a diferenciar el Maksum del Wahda, el Wahda parece tener como un tak demás que el Maksum no lo tiene, y además la velocidad de los ritmos son diferentes.
El texto cuenta sobre la evolución de las teorías del ritmo y el metro en el medio Oriente medieval y destaca la relación entre la música y la poesía, desarrollando un sistema para entender el ritmo basado en la estructura de la poesía. Al-Farabi en el siglo X definió el ataque (la unidad básica del sonido) como un punto atemporal que separa duraciones.
La teoría musical medieval del Medio Oriente no era una disciplina aislada, sino que era una ciencia matemática y lingüística. La transición de definiciones inconcretas hacia sistemas de notación precisos como los de Al-Farabi, permitió que los ritmos antiguos pudieran ser analizados y transcritos a la notación occidental.
El texto de Amnon Shiloah cuenta sobre el largo debate de la música en el mundo islámico, centrándose en cómo las autoridades religiosas, los místicos y los juristas han interpretado su legalidad. Detalla cómo la música ha sido un terreno de disputa constante debido a la falta de menciones explícitas en el Corán. Esto obligó a los juristas a recurrir al hadiz y a la interpretación analógica para juzgar su legalidad.
Es notable cómo la música en el Islam no se juzga por su valor estético, sino por su intención y su efecto en el alma.
Lo que resulta más interesante es la paradoja de la “no música” para evitar la prohibición, muchas formas de expresión sonora como el canto de himnos o la entonación del Corán, se clasifican como algo distinto a la música. Esto demuestra una capacidad de adaptación cultural, donde el arte sobrevive transformando su nombre para encajar en lo legal. Este debate no trata realmente sobre sonidos, sino sobre el control de las emociones y el espacio que se le da al placer en la vida religiosa.
Logré reconocer todos los instrumentos sin error. Me ayudó ir anotando como sonaba cada uno o a que se parecía. Suenan bellisimos!
En el reconocimiento de ésta clase logré hacer 7/9 Me confundí solo con dos de cuerda. Del que no tengo dudas al escuchar es el canun.
En el ejército de reconocimiento logré identificar 12/17 Los instrumentos más importantes que se requieren tener asimilados, como El Mismar, Canun, Laud, Riqq, Derbake, Rababs, me fué muy bien con ellos y varios otros. Si bien es muy divertido el ejercicio, también es un gran desafío, pero definitivamente hace a la construcción del bailarín. Una buena interpretación en la danza se enriquece mucho reconociendo el sonido del instrumento.
Muy interesante saber distinguir orquestas árabes, por quiénes y cuáles instrumentos están compuestas, que están divididas por tamaño o número de integrantes con lo que varían esos instrumentos o se repiten y lo que tienen en común. La música árabe a mi parecer, es la más hermosa del mundo.
En el ejércicio de reconocimiento, tuve una excelente respuesta logrando 15 aciertos de 16. Me faltó uno que me cuesta un poco todavía que es el Simsimiyya.
Puse reconocerlos gracias a mis anotaciones de cada uno y por describirlos a través de alguna relación que me suene a mí, comparándolos entre sí, alguno sonaba parecido pero uno mas grave y otro mas agudo, o más áspero, arpeado, limpio, o como trompeta desafinada. Fuí agregando características a mi parecer a cada uno como guía.
Lo más importante que nos dice el texto es que la música árabe no es solo un montón de sonidos, sino que tiene una lógica más humana, por ejemplo; observo que la voz es la jefa, ponen a la voz humana como un instrumento perfecto. Todo lo demás, el laud, la flauta y el violín tienen que sonar tan expresivos como una persona cantando. Otra cosa es la importancia del sentir, más alla de lo que esté hecho el instrumento, si de madera o metal, se fijan en como se siente el sonido, ejemplo; largo, suave, como arrastrado o un golpe seco. También la predisposición de utilizar nuevos instrumentos si eso ayuda a expresar las emociones. Cada instrumento, despues de los ejercicios de reconocimiento, tiene un encanto particular, te traslada y emociona de maneras diferentes. Uno que me gustó muchísimo es el arghul.
El texto habla de que el Samai es una forma de música instrumental importante en la cultura árabe y turca y que aunque es muy antigua su forma actual viene de la influencia del imperio Otomano. Dentro de su estructura tiene cuatro partes llamadas hanne y entre cada una de éstas partes se repite un estribillo musical llamado teslim.
Lonque mas lo identifica es un ritmo de 10 tiempos llamado Samai Thaquil. En la última parte el ritmo puede cambiar y volverse más rapido o valseado.
El samai una la técnica con la emoción y su estructura sirve como guía aunque sorprenda en el final.
Para mí, ya viéndolo como con más sentimiento, el Zar es una práctica profundamente humana, donde el movimiento no busca ser observado, sino sanar y liberar. Ya sea en su forma silenciosa o con percusión, el ritual sigue una estructura clara que acompaña el proceso de recuperación espiritual.
La identificación de la enfermedad o malestar reconoce la presencia de un espíritu que afecta a la persona. El Al Fawatih abre el ritual y prepara el espacio para que el cuerpo y la mente entren en disposición de sanación. El sacrificio de sangre, entendido como ofrenda simbólica, refuerza el compromiso con el proceso. Durante la Zaffa, músicos profesionales especializados ejecutan cantos y ritmos dirigidos a un espíritu específico, guiando el trance para que el espíritu pueda manifestarse y finalmente salir del cuerpo. La cena y la reclusión cierran el ritual, sellando la liberación y el cuidado comunitario.
El Zar silencioso me parece íntimo y profundamente introspectivo, mientras que el Zar con percusión se vive de forma colectiva y sostenida por la música. Ambas formas me confirman que el Zar no es una danza escénica, sino un ritual estructurado de liberación espiritual, que merece respeto y conciencia cultural al ser estudiado desde la danza.
Me encanta la delicadeza del Samai Darig, es muy estilizado como si fuera que bailas entre nubes, y con el Zaffa me pasa que lo canto todo el tiempo en mi cabeza, estoy cocinando, trabajando o lo que sea que esté haciendo y lo estoy cantando. No sabía que el sherk se podía encontrar en las danzas nubias.
https://open.spotify.com/track/5n16sGfjQ5MukOMH0eA9tA?si=u2KzIgUaSpiygwG75B_Zzg Canción: reina de la noche, ritmo Samai a partir del minuto 02:36
https://open.spotify.com/track/49JXjQQa9exrVkVLK9x4aw?si=BSdnmfQKTR6i-QU_iZMtqw Canción: Saida Baladi, ritmo Baladi a partir del minuto 02:55
El texto planteado por Mari, nos permite comprender al Zar no solo como un ritual de posesión, sino como una forma de conocimiento y de relación con el mundo, donde cuerpo, emoción y espiritualidad no están separados.
Resulta especialmente valioso cómo se muestra que el Zar no es uniforme ni fijo, sino una práctica viva que se adapta a distintos contextos culturales, manteniendo su esencia de sanación y negociación con lo invisible.
La manera en que la posesión es entendida como algo que se integra a la vida de la persona y no como algo que debe ser expulsado, es de tomar en cuenta, así como el rol central de la música, el canto y la danza para identificar, comunicar y reconciliarse con los espíritus. Hay que considerar de manera significativa el protagonismo de las mujeres y de los músicos especializados, ya que el Zar aparece como un espacio donde se construyen redes de apoyo, identidad y pertenencia más allá de las jerarquías sociales tradicionales.
Desde una mirada personal, el texto refuerza la idea de que el Zar no puede ser reducido a una danza escénica, porque es un sistema simbólico complejo donde el movimiento es lenguaje, la música es medicina y el ritual es una forma profunda de habitar el cuerpo y la cultura.
Es muy interesante como Mari plantea que el Zar en los siglos XX y XXI no es solo un ritual antiguo, sino una práctica viva que ha sabido adaptarse al tiempo, manteniendo su sentido profundo. Me resulta muy interesante cómo el Zar conserva una estructura ritual clara, pero al mismo tiempo es flexible y se ajusta a las posibilidades económicas, sociales y personales de quienes participan.
La relación del Zar con la Zaffa y el casamiento en mi punto de vista es muy importante, porque muestra que la reconciliación con el espíritu se vive como un vínculo permanente, similar a un matrimonio, donde hay derechos y responsabilidades mutuas. Esto ayuda a comprender que el objetivo no es expulsar al espíritu, sino aprender a convivir con él de una manera equilibrada.
También me llama la atención la importancia de la música, el canto y la danza, sobre todo en el zar con percusión, donde los músicos especializados permiten que los espíritus se manifiesten a través del cuerpo y el trance. Y hay que tomar en cuenta cómo estas prácticas han cambiado con el tiempo, mezclando estilos musicales y panteones, lo que refleja transformaciones culturales y sociales.
Pienso que, este texto refuerza la idea de que el Zar no puede pensarse como un espectáculo, sino como un ritual complejo de sanación, comunidad e identidad, donde el movimiento y la música tienen un sentido profundo que va mucho más allá de lo estético.
Que hermosos e impresionantes documentos de éstas danzas. Dan ganas de viajar en el tiempo y estar ahi observando. La danza del caballo y Kaff fueron las que mas me atrajeron. Me sorprendió el caballo y los pasitos que hacía, los he visto realizar una marcha pero nunca bailar. Muy interesante toda la clase.
Más documentos que son oro y bellísimos! Pude observar y comparar el thatib con la manera en que lo ejecutamos cuando bailamos; los golpes en el piso que son con mucha energía, casi amenazantes, nosotras cuando bailamos pegamos contra el piso el bastón, también cuando cruzan bastones, me sorprendió la coordinación, los movimientos lentos, cuando giran el bastón por encima de la cabeza, el control de energía para no lastimarse entre sí. Poder verlo como realmente es es hermoso.
Mucha gente cree que el Said es un tipo de baile específico del sur de Egipto. El texto dice que está mal usado. Sa’ id es en realidad una región enorme, el Alto Egipto. Decir que bailas “Saidi” es como decir que bailas latinoamericano, es un nombre demasiado grande porque en esa zona hay muchísimos bailes diferentes, no solo uno. En esa región existen muchas danzas distintas, unas con bastón, otras que son solo aplausos como kaf, otras con caballos y otras que hacen las bailarinas Ghawazi. El texto dice que la comunidad de danza moderna inventó esa etiqueta de “estilo Saidi” para que fuera más fácil de enseñar, pero en la realidad es mucho más variado.
Nos dice que el Saidi que vemos en los escenarios hoy es una mezcla moderna. No es exactamente lo que se bailaba en los pueblos antiguos, sino una versión creada para el teatro y el cine que junta muchos elementos del sur de Egipto.
Es bueno saber esto para no quedarnos solo con la etiqueta. Aprender que el bastón no es solo un accesorio, sino que viene de una cultura de guerreros y de bailarinas antiguas, hace que al bailar lo hagamos con más respeto y conocimiento.
Ésta es una clase clave para desmentir algunos mitos. Desde mi ignorancia sobre la historia del velo previa a rendirla y estar mucho más informada, quedé sorprendida con su origen. Jamás imaginé que se daría en occidente a través de la obra de Oscar Wilde. Es emocionante saber al respecto, disfruté mucho los mitos que giraban al rededor de la historia de su uso. Creo que el uso del velo trasciende la cultura árabe y su práctica en occidente como lo hacemos, encanta a muchas mujeres que de repente no entienden o nunca bailaron. Muchos identifican la danza árabe con éste elemento en especial o cada vez que se la imita o parodia. Sus mitos son hermosos pero su origen muy sorpresivo.
Las melodías más hermosas tienen influencia Europea y de Estados Unidos. Es interesante saber como Egipto no se quedó estancada sino que evolucionó al querer mezclarse con sonidos de otras partes del mundo. El resultado es un arte admirable y único.
El conocimiento de ritmos para lograr una buena interpretación de un tema es fundamental. Queda claro que aprender a bailar no es solo moverse, sino que es un proceso de entender la cultura y la estructura de la música. La bailarina es casi como un instrumento más. No se trata de repetir pasos mecánicamente, sino de reaccionar al carácter del ritmo.
https://www.youtube.com/watch?v=8oQ7XAId8fA&list=RD8oQ7XAId8fA&start_radio=1
Soraya de Mario Kirlis
Malfuf 0,16 a 0.57
Baladi 0,58 a 1,40
karachi 1,41 a 1,59
saidi 2,18 a 3,44
https://www.youtube.com/watch?v=BgwydrYSkvA&list=RDBgwydrYSkvA&start_radio=1
Romeo y Julieta de Armen Kusikian
Chiftetelli desde el inicio hasta 0,26
tawil de 0,27 a 1,04
En ésta clase repasamos ritmos ya vistos y nuevos e hicimos reconocimiento de ellos. Cada vez se agudiza más la escucha y la lectura de sus estructuras.
En ésta clase aparecieron los ritmos con influencia occidental y mi favorito entre éstos es Rumba Masri. Me gusta la fuerza del Bambi también. El Sherk en la música Nubia me sorprendió.
Todo un desafío, los ritmos quedaron claros, en el reconocimiento me fué bastante bien, algunos me costó un poco. 19/26
Emociona que a través de la música y en éste caso del Bolero, los esclavos, entre tanta tristeza e incertidumbre encontraran esa unión en éste ritmo, que los ayudara a entender la vida, la política y la sociedad. El Bolero se adaptó al paso de los años y las influencias sin perder su esencia sentimental. Es una historia de resistencia y creatividad a la vez. El bolero es el alma de Cuba.
Es muy interesante notar que se clasifica como un género de nivel intermedio. Es decir que para bailarlo bien no basta con la técnica básica, se requiere una madurez emocional y un control corporal mayor para transmitir esa fluidez y ese carácter etéreo. La Rumba Masri es el corazón de este estilo y le otorga al Bolero solemnidad y romanticismo. El hecho que pueda ser romántico, alegre o de una pérdida, hace que la bailarina a demás de bailar tambien actúe ese sentimiento.
Bailarlo de manera ligada y estilizada es clave para darle ese encanto y respetar su cadencia.
En mi opinión, más subjetiva, el texto está acertado cuando dice que el bolero es una resistencia. Mientras hoy todo va rápido y parece que lo más importante es el dinero o la tecnología, el bolero obliga a detenernos y hablar de lo que sentimos.
Lo más valioso que plantea el autor es que el bolero humaniza, nos recuerda que todos, sin importar nuestra clase social, sufrimos y amamos de la misma forma. Es, básicamente, el diario emocional de nuestro continente quizás, por eso, aunque pasen cien años más, la gente seguirá encontrando consuelo en una buena letra de bolero cuando le rompan el corazón.
En ésta clase vimos que la Longa es una forma musical tradicional muy importante en la música árabe y turca.
Suele usar un ritmo de 2/4 (Fox), pero que en ciertas secciones, como en la cuarta parte (Hane 4), el ritmo puede cambiar a algo más movido como el Samai.
Su estructura se entendió perfectamente y logré identificar sus diferentes partes en el tema.
En ésta clase logré reconocer fácilmente la forma AABA. Me resultó más simple que otras y en los ejemplos de canciones sonaba muy claro. El tema Lamma Bada es una belleza.
Ésta clase demuestra la importancia de estudiar y entender la teoría de un estilo como el Baladi. Comprender su significado permite explorar otros movimientos más a tierra. Respetar en la interpretación su raíz para obtener un resultado puro y significativo. Me resulta un estilo, que más allá de no tener una demanda estética y estilizada, no es simple de expresar cuando hablamos de bailar a tierra. Me gusta igualmente que permita bailar lo que se siente, fluyendo desde la comprensión de lo que Baladi significa.
Éste es un estilo bellísimo, la clase muestra bien como es la interpretación, como ejemplo, en las bailarinas de la Golden Era, que mantienen esa conexión y juego con el músico. Me gustó ver otros ejemplos de música Baladi que salen de los tradicionales de grandes músicos como Gastón Chaade, que personalmente lo admiro. Es importante saber que detrás de una buena interpretación hay conocimiento de teoría, estructuras musicales y ritmos para lograr armonía con el músico.
Lo que me parece más fascinante de este texto es la búsqueda de la autenticidad. A menudo, cuando aprendemos una disciplina artística, nos obsesionamos con la técnica perfecta y las poses, pero el Baladi nos muestra que el verdadero arte, es el que se siente real. Es increíble cómo los músicos egipcios tomaron instrumentos occidentales (trompetas, saxofones, acordeones) y los “reprogramaron” para que sonaran a su tierra. Eso demuestra que la identidad cultural es más fuerte.
En el texto, la bailarina Nesma menciona que “hay que pensar en qué movimientos no hacer” para no perder la esencia egipcia. Me parece que a veces, en el arte menos es más.
El hecho de que sea un estilo de preguntas y respuestas deja claro que nadie es protagonista, es como una colaboración constante entre el que toca y el que baila.
El Baladi no es solo un género, sino que es una filosofía de vida, de lo popular sobre lo estructurado y lo artificial.
El texto es fundamental para poder llevar la interpretación a otro nivel si queremos mostrar un Baladi tradicional por ejemplo. Tener una caracterización correcta lleva a que el vestuario no solo sea algo bello, sino que cuente la historia correcta de cada danza.
En esta clase aprendimos lo que es el puntillo (añade la mitad del valor de la figura, por ejemplo, si es posicionado al lado de una negra agrega un 1/2), la anacruza (un par de notas que preceden un compás fuerte) y las distintas barras que pueden aparecer en un compás (simple, doble, doble final, doble con repetición y subdivisión), además de repasar con ejemplos.
Así mismo, vimos una introducción a ritmos árabes; como vocalizarlos usando dum, tak y el iss para los silencios.
No sabía que el Bolero termina de surgir en Cuba, no me lo hubiera imaginado nunca!!! Y que lindo que surge de una manera protestante como mas en paz, en un contexto de tanta crisis, otra forma de manifestar el malestar colectivo sin sangre, ni violencia.
Amo el Bolero, y tiene mucha pasión, y el poder conocer su Historia es hermoso
Considero que para poder bailar un Bolero, requiere de mucha expresión lo cual me parece bárbaro que se dé en un nivel intermedio, y porque no, en un avanzado también, es importante entender la fluidez de los pasos y también de la vestimenta, como también es super interesante y enriquecedor poder conocer sus raíces.
Me encantó la Longa, es como muy alegre, y ahora puedo comprender mejor que su forma musical es muy importante en la música árabe, pude comprender muy bien sus cambios de ritmos, y como vuelve a retomar su melodía principal
Lo que puedo ver en ésta introducción de la historia del Baladi, es que no se trata de buenos y malos, entre los habitantes de Bulaq, y los que respondieron a éste acto por parte del gobierno, de estigmatizarlos para su relocalización con el fin claro de industrializarlo. Sino que se trata de gente que resistió por un lado frente a las ocupaciones extranjeras y aquellos que quizás, a mi parecer, prefirieron conservar su anterior, positiva y verdadera imagen y que de alguna manera también resistieron, con su migración hacia otros pueblos, la idea de occidentalización por parte del gobierno.
La raíz de su contexto social me pareció fascinante.
Es interesante como se vá dando una construcción de la identidad de cada grupo, Baladi, Saidi, Fallahi, a raíz de una comparación entre ellos y de la percepción que tienen del otro, de las características también de las que se sienten orgullosos sobre sí mismos; como ser más creyente y religioso o tener la soltura y el carácter. Como la división esta marcada en los opuestos.
Una persona Baladi me hace pensar en una persona arrabalera acá en Argentina.
En ésta parte del curso se habla de la identidad de la mujer Baladi en el contexto egipcio. Como se utiliza la palabra baladi para hablar de matices sociales y morales más el significado de su vestimenta y su representación en los escenarios.
El curso, amplió mucho mi conocimiento sobre el Baladi. Desde como nace, su contexto, el estereotipo, su identidad, resistencia a la invasión y modernización, las diferencias con las clases más altas, el abanico de significados de la palabra, la ambivalencia en la mirada sobre la sociedad Baladi, la mirada de ellos a otros grupos de contextos sociales y económicos distintos. El rol de la mujer Baladi, su carácter, capacidad, vestimenta, diferencias con mujeres de otros contextos, del norte y sur. Interpretaciones de bailarinas como Fifi Abdo y las tradiciones baladi. Análisis de la película Fatma y la comparación con la realidad Baladi.
En éste módulo profundizamos en los rituales específicos del Zaffa (la procesión nupcial) y las tradiciones del casamiento en Egipto, basada en la información de los estudios de Edward Lane. El casamiento es un proceso con simbolismos y etapas. Preparativos, elección, contrato, dote, música, baile. El Zaffa simboliza la transformación de la novia de niña a esposa y madre.
Con la modernización, el zaffa a pasó de ser un ritual donde la novia estaba más oculta, a uno con un rol mas visible. Se mantiene la música, la procesión el concepto de privacidad.
El Zar es un ritual de curación que se practica en países cercanos al Mar Rojo (como Egipto, Etiopía y Sudán). No es un exorcismo para “echar” al espíritu, sino un proceso para negociar y hacer las paces con él, ya que se cree que la posesión es permanente.
El Zar parece ser una forma muy humana de lidiar con el sufrimiento. En lugar de ver la enfermedad mental o emocional como algo que debe ser “extirpado”, este ritual propone escuchar y convivir con ese malestar a través de la música y danza y la compañía de otros. Es fascinante cómo una creencia espiritual sirve para unir a las personas y darles un sentido de identidad y alivio.
Desde una perspectiva cultural, creo que el Zar es fascinante porque funciona como un apoyo social y psicológico. En lugar de tratar la enfermedad como algo biológico o como algo malo que debe ser extirpado, el ritual le da a la persona un espacio de música y expresión emocional en comunidad.
Es interesante cómo utiliza el lenguaje del matrimonio para explicar la relación con lo invisible, sugiere que en la vida no siempre podemos eliminar nuestros problemas o demonios, sino que debemos aprender a convivir con ellos, negociar y encontrar un equilibrio para seguir adelante.
Me parece un texto muy interesante porque muestra que el baile no es solo mover el cuerpo por diversión, sino que es parte de la identidad y la historia de un pueblo.
Es triste ver cómo una tradición tan antigua de una familia entera se va perdiendo porque las nuevas generaciones ya no quieren o no pueden seguirla. Sin embargo, es admirable el esfuerzo de Khairiyya y de la investigadora Nearing, quienes lucharon por mantener vivo ese arte, demostrando que aunque las tradiciones cambien, siempre hay alguien dispuesto a proteger la cultura para que el mundo no la olvide. Es un recordatorio de que detrás de lo que hoy conocemos como bellydance, hay raíces familiares muy profundas
En mi opinión, lo que el texto intenta mostrar es que la historia del bellydance es mucho más rica y “mezclada” de lo que parece. A veces nos gusta poner etiquetas simples como decir que todas eran gitanas, pero la realidad es que la danza evolucionó a través de familias específicas y gremios de artistas que sobrevivieron a través de los siglos. Es fascinante cómo un baile que hoy vemos en grandes escenarios empezó como una tradición familiar y un oficio organizado por el estado para cobrar impuestos.
Los textos analizan cómo los viajeros europeos del siglo XIX (como Napoleón, Edward Lane y Gustave Flaubert) describieron Egipto, especialmente su música y danza.
Al principio no podía comprender bien que eran las formas AABA, luego de escuchar varias veces las canciones me di cuenta, y son muy fáciles de reconocer
Disfruté mucho escuchar el Saz Semai, la clase muestra claramente la conexión entre la música árabe y la otomana a través de la forma musical Samai o Saz Semai en turco.
En ésta clase aprendimos sobre grandes compositores de Samai. Escuchamos algunos ejemplos de la música y los analizamos para reconocer los hane y los teslim.
Resulta muy interesante el hecho de que Khyria Mazin, quien pertenece a la tradición Ghawazy, ya no desee ser llamada de esa manera. Esto nos invita a cuestionarnos si debemos seguir utilizando o no dicho término, especialmente porque en los países occidentales no suele tener una connotación negativa. Por ello, pensar en eliminar el término únicamente a partir de la postura de una sola bailarina Ghawazy parece apresurado; considero que sería más adecuado continuar investigando y analizando el contexto histórico y cultural antes de tomar una decisión definitiva.
Amo el Baladí, y es uno de mis estilos favoritos pero a la hora de interpretarlo me siento muy goma, como que aún me falta afianzar la interpretación, creo que este estilo tiene la combinación perfecta entre folclórico y sensual, y es un desafío, por eso es muy importante conocer su historia y significado, creo que con ésta clase uno puede entenderlo mejor para después poder llevarlo a la interpretación.
La clase cuenta cómo la música y la danza en países como Qatar, Kuwait, Arabia Saudita y los Emiratos Árabes no son solo entretenimiento, sino un reflejo de la geografía y estilo de vida.
Me parece muy interesante ver como la música no es algo separado de la vida diaria. En lugar de ser solo canciones, son herramientas que ayudaban a los pescadores a trabajar o a los guerreros a prepararse para la batalla.
No sabía nada sobre Bulaq, es más, es la primera vez que lo escuché, me puse incluso a buscarlo en Google Maps y mire algunas imágenes.
El estudio de campo Antropológico es fascinante y a veces arriesgado, pero creo que hacen un trabajo importante, para poder entender como viven otras sociedades o culturas, es ponerse como “en la piel del otro”, a mi entender y fascinación por Egipto y por la Antropología, podría estar hablando horas y horas.
Creo que a medida que voy viendo las clases, voy comprendiendo mejor lo que significa Baladí, que no es solo un estilo de danza, sino, que es parte de la cultura en general, forma parte de las costumbres y está en muchas cosas cotidianas de la vida de muchos egipcios, de verdad desconocía y creo que es re importante conocer todo esto, porque te cambia un montón la visión o perspectiva de como viven también
Puedo comprender mejor como la palabra Baladí puede ser más amplia de lo que uno imagina, puede referirse desde un estilo de danza, a la cotidianidad de una persona, es como el Gentilicio de decir “el porteño”, “mendocino”, etc.
Ésta clase trató sobre el Folclore Arábigo, enfocándose en las artes y danzas de las culturas beduinas y sedentarias.
Me parece muy interesante cómo estas danzas no son solo entretenimiento, sino una forma de contar la historia de su pueblo. Es increíble que cosas como el movimiento del cabello o la forma de mover las manos tengan significados tan profundos, como mostrar el orgullo de una familia o si una mujer es soltera o casada. También llama la atención cómo separan las danzas de guerra para los hombres y las de celebración para las mujeres, manteniendo vivas sus tradiciones.
Lo que más destaca de ésta clase para mí es cómo la música no era solo un adorno, sino una herramienta para sobrevivir y unirse como comunidad.
Es fascinante ver que la música ayudaba a trabajar a los buscadores de perlas y la usaban para aguantar el miedo y el cansancio en el mar.
La danza es una forma de respeto también como en la danza Mizmar, no se trata de pelear de verdad, sino de mostrar valentía y elegancia frente a los demás.
Me sorprendió la conexión familiar y el hecho de que las mujeres cantaran desde la orilla esperando a los hombres, demuestra que toda la sociedad estaba conectada a través del arte.
En ésta clase se destaca la fluidez de género y la diversidad étnica en las artes escénicas del Egipto otomano. Es interesante observar cómo la identidad del bailarín Khawal vs Gink no solo dependía de su actuación, sino también de su origen étnico y religioso.
Además el uso de términos como Almeh o Ghawazee variaba según el viajero europeo (como Napoleón o Lane), lo que sugiere que nuestra visión actual de éstas danzas está muy filtrada por la mirada externa del orientalismo.
Me encanta ver como se muestra la identidad de las mujeres Baladi, tenía entendido que siempre fue muy conservador, pero sé que eso fue un cambio a través de los años, e visto imágenes incluso de mujeres en los años 20 o 30, que por todas las características que se dan, eran mujeres Baladí. Incluso me interesa ver la peli, ya la busqué y seguramente me ponga a verla en unos días, para poder diferenciarlas mejor.
Me llama la atención ver cómo el baile, que es una expresión de arte y cultura, terminó convirtiéndose en un tema político y moral. Hubo una contradicción entre lo que los turistas querían ver y lo que el gobierno egipcio quería mostrar al mundo, en lugar de resolver problemas de fondo, el gobierno decidió expulsarlas para intentar dar una imagen de limpieza o moral ante los ojos de Europa y los sectores más conservadores. Es un buen ejemplo de cómo el arte a veces es castigado cuando se mezcla con los prejuicios de la época.
Es fascinante ver que bailarinas como Safiyya eran valoradas no solo por su baile, sino por su capacidad intelectual para cantar y tocar música, ser una Almeh.
Me sorprendió el lado pícaro de la danza de la abeja, demuestra que el baile también tenía el fin de entretenimiento social y juego con el público, usando el humor y la actuación para romper el hielo.
EL arte era muy rico en cultura y tenía nombres y apellidos de mujeres que fueron verdaderas estrellas de su tiempo.
En ésta clase se habla del aprendizaje de la danza, no en academias formales, sino en espacios sociales como los Coffee Houses, elementos tradicionales (sable, taza, pandereta, bastón).
En esta época, el baile en el Cairo se volvió más variado y organizado. Es interesante ver cómo el lugar donde se bailaba , como el teatro El Dorado, definía el estilo, también , que las palabras Ghawazee y Awalim dejaron de diferenciar solo a las clases sociales; ahora lo que importaba era si la bailarina era de la ciudad o del campo. El baile cambió no solo en los pasos, sino también en la ropa y en el público que pagaba por verlo.
Que apasionante éste ritual y su historia. Desde un punto de vista cultural, el ritual del Zar es fascinante porque muestra una forma de medicina tradicional que no solo trata el cuerpo, sino también la mente y el espíritu.
Que maravillosos los videos!! A mi personalmente me encanta lo que es ritual. Todos los elementos que se utilizan, la vestimenta según el espíritu, la ceremonia zaffa, el trance en el que entran. Un ambiente tan especial con música, incienso y reglas claras, que nos permita sentir que estamos fuera de la rutina normal. El ritual funciona porque todos los participantes se ponen de acuerdo en seguir las mismas reglas para alcanzar un estado distinto. Uno de los mejores y más apasionante temas.
Que emocionante ver éste registro de Khyria Mazin! Se entiende la emoción de la entrevistadora al irse! También es fascinante ver cómo una danza que nació como un ritual social o familiar se convirtió en una industria del entretenimiento mundial. Hermosa raíz tiene lo que hacemos hoy.
La clase fué muy interesante, profundizar la vestimenta ghawazee, las presentaciones y oruba de existencia de otras ghawazee como Hannan, Manal, Umm Hashim y Mahasin. Quedó entendido que no representa el estilo original de la danza lo que ellas hacen, pero es un documento maravilloso lo que se muestra y el curso aclara mucho mito que rodea a este estilo. La relación entre ghawazee y gipsy que alguna vez creí que eran lo mismo, por ejemplo. Todo el curso fué sumamente interesante y también emotivo con las imágenes que se ofrecieron.
Hermosa recopilación de videos, diferentes maneras de apreciar el Baladi.
Reconocimiento de ritmos
1. https://youtu.be/ceGmCUBkOQQ?si=xAvpxDzB1Kq3Lqon, 1:28 a 1:37 samai taquil.
2. https://www.youtube.com/redirect?event=channel_header&redir_token=QUFFLUhqbjZBdzE4TWVFMTZFRWgyRHdZejhDNS1rWUtld, 0:38. Saidi. El Fen
3. https://www.youtube.com/redirect?event=channel_header&redir_token=QUFFLUhqbVNGQzZjX2w1bUx1bEE4TDhPMVV2Zm 0:34 Maksum. 0:59 Malfuf. Ana Fi Intisarak
4..https://www.youtube.com/redirect?event=channel_header&redir_token=QUFFLUhqbVNGQzZjX2w1bUx1bEE4TDhPMVV2Zm 0;43 baladi, 1:11 a 1:20 tawil. El maestro Armen Kusikian
5.https://youtu.be/1LeDbH-w0cc?si=bYVyS5O3A11b4l1 0:38 baladi Alf Leyla wa leyla
6.https://www.youtube.com/redirect?event=channel_header&redir_token=QUFFLUhqbVNGQzZjX2w1bUx1bEE4TDhPMVV2Zm
1:18 chiftetelli A night at the Cabsbah
En el archivo de los primeros ritmos, maksum, baladi, saidi tabl malfuf tawil karachi masmudi chiftetelli sombati mosalas fallahi y samai thaquil se muestra la escritura de este grupo de ritmo, donde con dum tac y silencios, es posbile escribir la estructura de los ritmos. Este metodo es muy pedagógico.
Esta clase es muy interesante ya que muestra cómo la danza fue transformándose junto con los cambios sociales y culturales de la época. No se trataba solo de bailar, sino de una preparación integral: las bailarinas que aspiraban a presentarse ante las clases altas debían dominar otras artes como el canto, la poesía y la tradición musical, e incluso aprender idiomas para comunicarse con los extranjeros. Esto refleja el alto nivel de exigencia y profesionalismo que se esperaba de ellas.
La aparición de los coffee house o qahweh también marca un punto importante, ya que estos espacios ofrecieron un nuevo escenario para la danza, ligado a prácticas cotidianas como tomar café o fumar, surgidas en un contexto de prohibición del alcohol. Además, el uso de objetos e instrumentos como el sable, el bastón, la taza de café o la vasija no solo enriquecía la danza, sino que aportaba significado, simbolismo y una fuerte conexión con la vida diaria.
La clase me resultó muy clara e interesante, especialmente porque permite entender cómo la tercera etapa de la historia de las Ghawazee va transformándose y refleja importantes cambios sociales y culturales. Entre 1830 y 1890, la danza y la imagen de las bailarinas comenzaron a adaptarse a nuevas miradas, lo que se evidencia en los cambios del vestuario, cada vez más sencillo y con ciertas influencias europeas, pero sin perder completamente su identidad.
Me llamó la atención cómo la búsqueda de mayor recato, como la desaparición del escote, responde a un cambio en los espacios donde se presentaba la danza. El traslado de los eventos conmemorativos a los clubes nocturnos marca un quiebre importante en la función social de estas bailarinas. Además, la diferenciación entre las Ghawazee rurales y las Awalim de ciudades como El Cairo y Alejandría ayuda a comprender mejor que ahora ya no se trataba de algo jerárquico sino geográfico.
Definitivamente esta clase de Ghawazee es para mi una de las más interesantes, surgen nuevas características, etilos, proyección escénica.
Me encanta el volverlas a ver.
Gracias Mari
Mi Mari, solicito la activación de esta clase porfa
Es curioso como una mismo baile puede ser interpretado de maneras tan diversas e incluso opuestas dependiendo de la época.
Creo que la gran mayoría de las personas consideramos al vals actual como un baile elegante. No se me hubiera ocurrido que en sus orígenes fuera visto como algo revolucionario. Es la primera vez que leo sobre los orígenes del vals. por lo tanto desconocía sobre la existencia de la danza volta y la danza landler. Estas danzas fueron cuestionadas desde lo moral ya sea por el abrazo cerrado, la pierna al desnudo de la mujer aunque intentara ocultarla sosteniéndose la pollera y peligrosas poniendo incluso en riesgo la vida por los saltos. Me resulta interesante que los historiadores creían que estos movimientos se debían a ritos de fertilidad donde se utilizaban los saltos para implorar a lo divino una cosecha abundante. Debido a las tantas criticas comenzaron a surgir modificaciones como bailar en fila india, eliminar los lanzamientos de la mujer y se volvió todo mas suave. Con la llegada del romanticismo se derrumbaron barreras entre las diferentes clases. Es el congreso de Viena el vals reino supremo. Se propago rápidamente por todo el continente y a pesar de las numerosas protestas que hubo en su contra el vals fue adoptado casi universalmente por la alta sociedad. La enorme popularidad del vals genero la necesidad de espacios adecuados para bailarlo y pronto los salones de reunión se convirtieron en salones de baile mientras que nuevos palacios de danza surgían por todo el continente. Tal vez los mas opulentos fueron construidos en Viena ( la cuna del vals) ya que eran insuperables en esplendor y tamaño. La forma musical del vals moderno nació a fines del siglo 18 y esta mas asociada con la ciudad de Viena. Los músicos rurales que carecían de formación técnica pero poseían energía y un fuerte sentido del ritmo encontraron una audiencia receptiva. Al principio estas melodías eran bastante primitivas y se basaban en antiguas melodías de landlers.
Mozart incluyo un vas en su opera Don Giovanni. Era un apasionado como bailarín . Las danzas de Mozart eran refinadas y sofisticadas y si bien no desarrollo la forma del vals verdaderamente el , Martín y Soler iniciaron una tendencia que continuo durante el siglo 19 dando lugar a bellas piezas compuestas por Haydn. Beethoven y Shubert.
Creo que es re importante poder conocer la estructura y la forma musical, si bien el Taxim es único y lo considero como una mezcla de colores entre el musico y la bailarina, es importante conocer la forma musical ya que esto mismo te abre a más posibilidades de interpretación y seguridad, y eso permite que una como bailarina pueda relajarse más y poder disfrutarlo y tal vez no estar tan pendiente a lo que puede seguir
https://www.youtube.com/watch?v=Tq-so2MTEeU&list=PLkBAgdP5KfULlR5-CskLYqg2A0WMhxZAZ
Cancion: Taxim y Baladi, Orquesta Horus Arab
Comienza el Taxim en el minuto 00:00 hasta el minuto 02:00
A partir del minuuto 02:01 comienza el Baladi
Me encanta el vestuario de Baladí, es como sutilmente sensual, como que no es necesario que la mujer muestre demás para ser sensual, y más con una cinta en la cabeza, o es lo que yo usaría, y en cuanto al calzado, en este caso un Baladí yo lo bailaría descalza ya que el ritmo amerita a bailarlo descalza ya que es un ritmo bien a tierra. En cambio el vestuario de Melaya me parece como mas tierno, parece como que habla de una mujer tierna, dulce y mas con los pompones en la cabeza y las trenzas, en cuanto a la Melaya si lo bailaría con zapatos ya que se me hace que queda más sofisticado, obviamente que uno como artista puede usar dentro del vestuario adecuado, puede variar sus usos, creo que eso es muy personal, en mi caso, ambos me gustan y estas son las maneras en que yo lo usaría.
Y para finalizar, agrego un pequeño comentario mas, que, en el caso de la vestimenta de Melaya, creo que es lindo y mas acorde usar telas floreadas, estampados llamativos, en cambio el Baladí usaría mas bien telas lisas.
Que lindos ver todos estos videos, la diferencia de Baladi entre bailarinas, me encantó!!!!
¡Muy interesante como siempre! No tenia conocimiento de las tradiciones beduinas y me gustó mucho conocer la complejidad de cada baile y entender los orígenes del bellydance que hacemos nosotras. Los videos proyectados casi al final, no solo nos permite ver la danza en su contexto si no que también nos permiten conocer la danza a través de las palabras de los beduinos que las realizan.
Me gustaría que los términos árabes o los nombres de los autores que se mencionan, puedan quedar en las diapositivas para quienes vemos el video en diferido y no podemos acceder al chat en vivo.
Estas clases son muy buenas pues nos dan bastane información académica y práctica sobre los temas, mientras siembran en nosotras la curiosidad y el interés por conocer más. Por ejemplo, busqué videos en YouTube de Dahiyya y realmente es una danza impresionante!
Hola! por favor, quisiera activar esta clase.
Me encanta el Zaffa, es mas, creo que si me caso haría la entrada con esta danza, ya el ritmo de por si solo te da como una entrada nupcial, si no sabía que había diferentes tipo de zaffa ritual, pensé que era una solo en general. Creo que algo similar se hacen en los casamientos o en los 15 en Bolivia, con la diferencia que los invitados van entrando a la fiesta al ritmo de una danza y con los regalos para los recién casados o quinceañeras, y regalos hablo desde plata, muebles, electrodomésticos, etc., lo cual es un golazo, te re equipan, jajaja!!!
Como siempre, súper interesante esta clase. En Perú, tenemos una danza muy tradicional llamada marinera, y en su variedad norteña, los pasos de la pareja también intentan simular el galope de nuestro caballo de paso. Me pareció curioso porque también los bailarines se muestran orgullosos, moviendo los pies con vigor. Es una danza de cortejo con un poco de altanería; al escuchar la descripción del baddawi pensé en esta danza. Aunque, después de ver videos de baddawi, no encuentro parecido entre ambas, es interesante como los pueblos desarrollan expresiones artísticas unidas a sus labores diarias, como la agricultura, la lluvia, o en este caso, la importancia del caballo para la vida y el prestigio social. También me pareció interesante el uso del movimiento de la cabeza para mostrar lo bonito y largo del pelo de la bailarina, como señal de salud, de belleza y cuidado. Como ya se mencionó aquí, conocer los orígenes de los movimientos que hacemos enriquece mucho nuestra ejecución.
La lectura explica que el vals no apareció de la nada, sino que evolucionó de la Volta, un baile de la nobleza, y el Landler, un baile de campo. El vals pasó de ser una amenaza a la moral a ser el baile favorito de la sociedad. Lo que antes era visto como algo sucio o peligroso, hoy es un símbolo de clase y respeto. Ésto prueba a mi parecer, que las reglas sobre lo que está bien o mal en la cultura, suelen depender de la época y de cuánto miedo le tiene la gente a lo nuevo.
Al principio de la clase se nombra al Kawleeya, es un estilo que tiene mucho peso al bailarlo y me encanta, aunque “históricamente” conocía poco y nada, es mas, creo que acá en Argentina aún se tiene bastante desconocimiento.
Incluso, también desconocía un poco sobre los Beduinos, y es muy interesante todo lo que se habló en esta clase, imagino que hay mucho más para investigar, y todo eso sirve para poder entender mejor y llevar un poco la danza desde el respeto.
Muy interesante ver como la danza en los beduinos es una forma de protesta o de contar su historia, tiene un fuerte impacto y sus letras o la manera en que manejan las manos tengan significados diferentes,..
Me gustó mucho conocer sobre las artes del mar, sobre todo las tradiciones que practican las mujeres que esperan en la costa a sus parejas que han ido a ultramar a recoger perlas; lanzar laxantes al mar para que les devuelva a sus amados, o usar un gatito para predecir su arribo seguro, son ciertamente costumbre curiosas, pero principalmente pienso en cómo la música acompaña diversos momentos de la vida, el trabajo, la espera, la preparación para la batalla, etc.
Me gustan mucho los videos que se comparten para poder apreciar las danzas y su energía, descritas durante la clase. El video completo de la UNESCO sobre el Al Mezmar esta aquí: https://www.youtube.com/watch?v=LgnjjUjObPQ. Allí se puede apreciar que se refieren a los danzantes como “jugadores”, y se aprecia la ropa utilizada, el uso de la percusión, el canto y la sincronización con las palmas.
Se me hace que el Mizmar es similar al Tahtib, creo que me llamó mucho la atención, y apenas vi la imagen en seguida se me vino la imagen del Tahtib, es màs creo que antes de asociar la palabra Mizmar con el instrumento, asocié primero el Mizmar con el Tahtib.
Creo que es super interesante la importancia de la música, que no es que estaba porque sì, sino con el fin de “calmar las aguas”, me suena a una serie que vi hace un tiempo atrás, que situaba en Seúl la capital de Corea del Sur, màs especifico en Jeju donde había mujeres que se metían al mar en busca de perlas, abulones y mariscos, en este caso eran todas mujeres y tenían una estima muy alta, si bien, la serie era de fantasía, muchas de las costumbres eran cosas que en la vida fuera de la ficción eran ciertas, costumbres verdaderas, y mirando y escuchando esta clase, me remontó a eso, a las llamadas Haenyeo
Me encanta la mezcla de la música árabe y la otomana, es más, cada vez que me pongo a escuchar, sé diferenciar una de la otra, creo que esta muy claro, pero es cuestión de trabajar el oído, de entrenarlo, de generar el habito de escuchar música
Que clase tan hermosa, como nos quita ciertos detalles en técnica mal aprendidos, esta danza es increíble!!, e encanta su femineidad, su elegancia y sobre todo su delicadeza. Me encanta como Mariam habla de seguir creando a partir del Khaleeji y como ambientarlo al show!!. Lo único que es cierto aquí es que uno nunca deja de aprender! Gracias Mari siempre y por ponernos en contacto también con maestra tan Grosas!!!
Mil gracias Mariam por la clase. La ameee!!!
Me encanta ver las diferencias entre Samai y sus compositores, todos son muy delicados, y me hacen imaginar bailando como para la alta sociedad, para la clase alta, siento que son muy sofisticados y que tienen mucha elegancia y poder a la hora de bailarlo.
Coincido con lo que dice Irene, que a muchas bailarinas les falta formacion musical, y eso es algo fundamental porque es lo que hace a nuestro arte, van acompañado de la mano, y de verdad he visto muchas bailarinas y estudiantes que con la poca informacion salen al mundo a desinformar o mal informar, entonces creo que la formacion musical deberia ser algo obligatorio en todos los estudios de danza a traves del mundo., me encanta conocer un poco màs sobre ella y su trabajo siendo que conocia muy poco, ahora puedo entender mejor su tranbajo y me parece increible.
Es mas, confundia que Al-Andalus y Andalusia eran exactamente lo mismo, y ahora sè que no, que son dos cosas diferentes. Està muy claro la diferencia entre el Samai y el Muwashahat.
Increíble ver como la base de Baladí que tenemos en Argentina fue heredada del musico Medhat Gomaa, la verdad que no lo sabía. Amo que el Baladí sea algo mas espontaneo, creo que puedo entender mejor que el Baladí va mas por lo emocional, por el dejarse llevar, más que por la buena colocación de torso, brazos, etc., es hermoso ver que tiene esta libertad de ser, y que deja al artista fluir y descomprimir, ahora no veo la hora de poder llevarlo ala practica poco a poco tomando en cuenta todo lo leído.
Increíble todo el contexto de como se dio el Vals, como a través del tiempo y las restricciones floreció, se transformó y perduró en el tiempo, creo que ni en mis pensamientos más locos me iba a imaginar que el vals lo instaló Austria, siempre imaginé que era más para el lado de la aristocracia inglesa, incluso, me sorprendió leer como el vals no limitaba a las clases sociales. Así y todo, es una danza sofisticada, muy bella, y la importancia de perdurar en el tiempo, como influye hoy en dìa en las danzas que bailamos, como se asocia o acopla a otras danzas, increíble.
Me pareció muy interesante entender que la música y la danza en la Península Arábiga no eran solo formas de entretenimiento, sino parte fundamental de la vida cotidiana. Tal como se muestra, estaban profundamente ligadas al entorno geográfico y a las actividades diarias, como la pesca, la guerra o las celebraciones comunitarias.
También me llamó mucho la atención la gran mezcla de influencias culturales que existen en la región. El paso de distintos pueblos y regiones como África, Irán e Iraq dio como resultado una identidad musical muy rica y diversa, especialmente en la percusión y en la variedad de danzas.
En general, esta clase, me dejó con ganas de seguir aprendiendo más sobre estilos como el Khaleege y la enorme diversidad de danzas que existen dentro de una misma región. No tenia idea de las dos danzas mencionadas: Dahha y Razif, cada día podemos aprender algo nuevo, gracias Mari.
Leyendo el texto y viendo las clases, pienso en el contraste en los inicios del Bolero, y como siguió más adelante, como pasó a realizar canciones de protestas y luego fue al amor, al desamor. En el texto se nota muy claro en como el bolero era un símbolo de protesta y resistencia, y algo tan sano y lindo de protestar con música y baile, aunque imagino que en su momento muchos han sufrido consecuencias ante estas protestas de paz.
Esta clase continua con la descripción de algunas danzas del folclore arábigo, es muy interesante porque muestra cómo las danzas van mucho más allá del entretenimiento y funcionan como una forma de contar la historia y los valores de cada cultura.
Me llamó la atención el significado profundo de gestos como el movimiento del cabello, las manos o los pies, y cómo cada uno comunica identidad, orgullo y pertenencia. También es impactante la gran variedad de danzas que conviven en una misma región y cómo, a pesar de los cambios con el tiempo, muchas tradiciones siguen presentes y cargadas de sentido cultural.
La lectura en le Samri es una de las pruebas de como una danza puede convertirse en algo narrativo y poético de contar. y como en una misma región pueden haber diferentes tipos de danza. Que cultura tan rica!
Me pasa con el Khaleeji que no conozco tanto, me parece muy alegre y romántico pero creo que a la hora de interpretarlo en una presentación tengo que tener cuidado con la canción que voy a usar.
Pude entender mejor las diferencias entre todas, incluso las diferencias de la mujer Khaleeji, quela mujer khaleeji egipcia es como mas alegre o expresiva, y en cambio la saudí es más reservada
Me gustó mucho aprender acerca de la evolución de la música árabe a través del califato Omeya y Abbasida.
También la riqueza en todas las culturas árabes y no árabes que traían los músicos y la complejidad con el Islam que suele no avalar la música por verlo por temas de placer.
Asimismo, aumentar la riqueza de la música en el califato Abbasida con las traducciones de manuscritos de la india, influencias persas y el centro cultural de Bagdad que empieza a generar conocimiento ecléctico en los que denominan como los buenos músicos que no solo saben de todo un poco sino que son versados en prosa y tocan varios instrumentos. Me imagino la emoción de un músico detrás de las cortinas cuando estas se abren y entra el Califa a querer conocerlo.
De chica leí las Mil y una noches, me emocioné cuando se mencionó, ahora ya sé la época histórica de la cual proviene y por qué en el libro siempre hay menciones de Bagdad y Damasco.
Amé aprender de los pulsos y ritmo!
En Perú generalmente se enseña el Baladi, Saidi, Maksum, Malfuf, Khaleegy, Chifteteli pero no superamos en general los 10 ritmos.
Me gustó aprender el nombre en árabe, dado que hace un tiempo me bajé un App llamada Iqa y Makaam pero no sabía bien qué era Iqa. Y cuando quería comprar un libro de ritmos en Amazon mencionaba Iqa y otros términos árabes que ahora ya entiendo.
Me gusta la filosofía por lo cual me pareció admirable la estrecha vinculación entre la filosofía islámica y el trabajo de poner en escrito los ritmos y melodía, como lo que hizo Al Farabi. También el origen del Dum y Tak en la nomenclatura redactada por Ibn Al Akfani.
Ahora ya sé que Ritmo es Iqa, Pulso es Mazura, que hay ritmos que se adaptaron de otras partes del mundo, y que otra forma de verlo más que melodía y ritmo es como espacio y tiempo.
Hice en casa el ejercicio de las palmas, sufrí con la última canción hasta que me di cuenta que simplemente no tenía pulso.
Aprendí la diferencia entre compás y acento, así como trucos para poder averiguar el compás como buscar la partitura o buscar instrumentos que suenen fuerte en algúnas lado. Aprendí el compás binario, ternario, cuaternario y el de 6 tiempos que me resultó difícil obtenerlo.
Aprendí la redonda, blanca, negra y corchea, así como los silencios y también a leer una partitura básica. Más que solo leerla es aplaudir o pisar en ritmo para poder marcar los silencios. Es importante leer los silencios porque hay ritmos que empiezan en silencio como el Tabl y de no respetarlo, se genera confusión en chinchines.
Aprendí que el numerador es la cantidad de pulsos por medida y que el denominador es el valor de la nota por medida. Considero que la más conocida en general es 4/4. Pero a pesar que puede ser una partitura 4/4 se pueden tener semicorcheas u otras notas para tener este juego musical que hicimos de Ta Ta Ti-Ti Ta.
Por ejemplo si tuviese 7/4 y 7/8, el primero son notas negras pero que se repiten 7 veces. En cambio, si fuese 7/8 son notas corchea que son el doble de rápida de las negras pero que se repiten 7 veces.
Aprendí el concepto de anacrusa, lo que implica que puede iniciar antes del compás, es decir en una parte del compás anterior como sucede en el ritmo Bambi. Tambien los puntillos que añade la mitad del valor de la nota. Es decir si la nota vale 4 y tiene un puntillo, se contará como 6. También el iss para marcar verbalmente silencions.
Me encuentro muy conforme con la guía, ya que me siento acompañada en el proceso de la cursada. Ya que puedo consultar cualquier duda que se me genere y la profesora esta atenta a ayudar a progresar! Eso hace que pueda mejorar mi técnica y movimientos desde el lado de la seguridad y confianza! También me parece un buen consejo el grabarse mientras se baila una coreo ya que se pueden ver errores y corregirse desde otra perspectiva. Me parece una guía bastante organizada y completa de contenidos teóricos y prácticos.
Me parece una forma muy estratégica de abordar la manera de trabajar continuamente en el entrenamiento de las coreografías. El lugar habitual para iniciar ensayando es la propia casa, así que con poco tiempo pero cotidianamente, escuchando la música entre tareas o viajando, repasando la técnica tanto en el lugar como mentalmente, optimizar el espacio en el hogar para ensayar, y sobre todo, usando la tecnología y la guía del docente a favor, se puede ir creciendo paulatinamente sin necesidad de ensayar extensas horas o con necesidad de un salón. Incorporarlo con pequeños hábitos a la rutina es lo mejor. Y la compañía de compañeras por supuesto! Para crecer en conjunto y aliviar tensiones psicológicas que puede ofrecer el ensayar a solas.
En la clase se hace una presentación de la Historia de la Música Árabe dividiendo en dos grandes períodos históricos: el pre-islámico anterior al advenimiento del profeta Mahoma (profundamente oral, politeísta) en donde autores como Shiloa y Touma sitúan tipos de canto que eran considerados como “inferiores” o “primitivos”, aunque es de destacar el canto de las Qiyan entre los Lahmidas y los Gazanidas, que si bien puede generar tensión moral sus servicios, eran artistas de sólida formación poética y servicial. Por otro lado, el período islámico de la mano del profeta Mahoma (con preeminencia de la escritura, monoteísta, con surgimiento del Corán). Las ciudades santas de Macca y Medina fueron puntos neurálgicos de poder, y allí se funda la “Gran Tradición Musical”. Los teólogos monoteístas asociaron a la música al paganismo politeísta y esto hizo que se iniciara una persecución ante el éxtasis introducido por la música, ya que ese éxtasis sólo podía ser ofrecido a Dios. El Majlis es un concepto que surge como lugar de encuentro para entretenimiento y de conexión musical. Ahora, como opinión personal, me resulta llamativo esta división y me intriga saber cómo sería el momento de florecimiento cultural preislámico previo al ataque y persecución religioso. Sin dudas, el islamismo enriqueció la cultura musical árabe, pero a la vez la “reprimió” persiguiendo las formas que se desviaran de ceñirse a hablar sobre Dios. A su vez, encuentro fascinante la música islámica dedicada a la alabanza de Dios, ya que como forma de comunión con algo superior y extático genera efectos muy profundos.
Meca*
Retomando la clase anterior, y partiendo del período islámico, se relata cómo se inicia el “Califato Omeya”, integrado por la sucesión de 14 califatos en donde hubo gran prosperidad comercial. Un gran evento es el establecimiento de la lengua árabe como lengua oficial del imperio, con fuerte conexión con la religión islámica, tomándola como la lengua de Dios. Durante su esplendor, se promovieron las artes musicales y la formación de las Qiyan. Aquí se comienza a sistematizar la escritura y estructura de composiciones, y comienza a tomar más formalidad el arte del músico. Luego, con el surgimiento del “Califato Abbasida” y su extensa duración (37 califatos) se crea la identidad islámica, instalando su capital en Bagdad. En esta época se instala la imagen del “músico perfecto”, en donde surgen requisitos como dominio de varios instrumentos, canto, escritura, virtuosismo y creatividad. Aquí fuertemente se instala la cultura del “Majlis”, puntos de reunión social tanto recreativos como de tratamiento de temas políticos y estratégicos. Me parece muy importante reconocer en qué momento comenzó a formalizarse y estructurarse como arte la escritura de la Música Árabe, ya que es parte del material escrito que nos llega hoy en día.
Esta clase se inicia recomendando cuatro autores teóricos sobre la Música Árabe (Touma, Sawa, Kirlis, Farraj). Los métodos de enseñanza si bien son variados, coinciden en que melodía y ritmo son dos elementos básicos. Touma dice que toda estructura musical está compuesta por espacio (tono, melodía) y tiempo (ritmo). Existen géneros con patrón ritmo fijo, aunque hay géneros que no tienen ritmo o tienen patrón rítmico temporal libre (taxim, maxim, o layali). La palabra que define los ritmos árabes es diversa, siendo diferentes tanto en Egipto como en Turquía. En cuanto a la historia se mencionan como principales pioneros a Al Kindi, Al Farabi y Al Afkani, lo cual me asombra como a su vez eran filósofos y teóricos de la Música Árabe. El concepto de pulso me parece fundamental igual que a Marina, ya que es el latido, el modo de “latir” en la performance por así decirlo, para sincronizar los pasos con la música y que el bailar sea “armonioso”. Es el modo de “fraccionar” o contar aquello que se repite en el tiempo, ya sea regular o irregularmente. La idea de “hacer palmas” para detectar el pulso de una canción es un gran recurso ya que considero algo “intuitivo” el captar un pulso, y las palmas mismas van llevando a encontrar ese punto de fraccionamiento/repetición.
El compás es una herramienta para dividir una composición en grupos de pulsos. Desde el siglo XVI se grafica con las barras de compás. Las “cajas” más comunes están compuestas por dos o cuatro pulsos, pero las composiciones árabes son más complejas extendiéndose en más divisiones. Hay compases binarios, ternarios, cuaternarios, y así. Para saber cuándo se fraccionan las cajas de compases, se debe tener en cuenta el “acento”, que es el golpe más fuerte que se repite cuando se marca el pulso. El mejor camino para ir reconociendo los patrones de la música es primero escuchar: ESCUCHAR MUCHA MÚSICA. Empezar marcando el pulso con las palmas, y luego contar los tiempos dividiendo en compases, poniendo énfasis en ir marcando el acento.
Me parece importante destacar lo importante que es comprender como la cultura, la vida cotidiana y las experiencias de los pueblos fueron moldeando la forma de ver la música y expresarla. El canto y la poesía surgieron para poder descargar sus emociones, e inclusive contar sus historias y valores dentro de las comunidades, especialmente en contextos complejos donde las tribus árabes convivían entre la influencia de grandes imperios.
Aun cuando gran parte de la información material se perdió debido a la tradición oral resulta sorprendente cómo la tradición poética y musical logró mantenerse viva y transmitirse a lo largo del tiempo. Esto muestra lo importante que era la música dentro de la sociedad.
En esta segunda clase pude percibir cómo la música árabe fue creciendo y transformándose junto con otras formas de arte a lo largo de los distintos califatos. Durante el Califato Omeya se eligió el árabe como lengua principal para comunicarse, ya que se consideraba el idioma que Dios utilizó para hablar con el profeta.
Después, en el Califato Abasí, se nota un momento de muchísimo desarrollo cultural y artístico. En esa época los músicos eran muy valorados, se los veía con talento natural y creativos, que sabían cantar y tocar varios instrumentos, los mismos, tenían lugar dentro de la corte.
Además quería agregar que me parece interesante como a medida que se expandían los territorios, se iban sumando distintas culturas y expresiones artísticas, que después se mezclaban entre quienes se dedicaban a entretener a los califas.
En se ven diferentes autores que investigaron y analizaron los ritmos, hasta llegar a la definición propuesta por Touma. Se explica que los géneros que tienen una organización rítmica fija en el tiempo, eso hace que sean más fáciles de seguir, ya que, por ejemplo: se pueden marcar con aplausos. En cambio, los géneros con organización rítmica libre como el taxim, se basan más en la improvisación melódica y pueden tener acompañamiento rítmico o no.
El pulso es algo que forma parte de nuestra naturaleza y está presente en nuestra vida cotidiana, aunque su concepto teórico haya surgido alrededor del siglo XIV con la aparición de los relojes mecánicos, que ayudaron a organizar el tiempo de forma más precisa.
Como bailarinas, entrenar el oído es fundamental para poder identificar tanto el ritmo como la melodía.
Me parece que poder comprender la música desde este lugar no solo mejora la técnica, sino que también hace que el baile tenga más sentido y conexión con lo que estamos expresando. Aprender a escuchar realmente la música nos permite bailar con más conciencia y profundidad, y no solo repetir movimientos.
En la clase pude aprender que el compás funciona como una forma de organizar la música, ya que divide una composición en grupos de pulsos. A partir del siglo XVI empezó a representarse de manera escrita mediante las barras de compás. Las estructuras más habituales suelen ser de dos o cuatro pulsos, pero en la música árabe muchas veces aparecen estructuras más largas y con mayor cantidad de divisiones, lo que la vuelve más compleja. Existen distintos tipos de compases, como los binarios, ternarios, cuaternarios, entre otros.
Para poder reconocer cómo se dividen estos compases es clave prestar atención al acento, que es el golpe más marcado y que se repite de forma regular cuando seguimos el pulso de la música.
Para nosotras es importante comprenderlo ya que nos ayuda a mejorar la técnica de los movimientos.
Durante la primera parte de la clase se hizo un repaso por los conceptos de teoría musical vistos previamente (pulso, compás y acento) practicando con algunas canciones en el ejercicio de su escucha. Se inició la sección de la temática “ritmo” aclarando la importancia de no confundir ritmo con pulso. El ritmo es una organización del tiempo en determinados sonidos y silencios. Los sonidos van a estar representados por “figuras musicales” tales como redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa y semifusa, con diferentes valores según cantidad de tiempos que representan. También los tiempos de los silencios se respetan y van a estar representados por diferentes figuras. Considero que es primordial una base de teoría rítmica para facilitar la comunicación entre músicos y colegas, además de qué una buena bailarina debe saber bailar no solo los sonidos sino también los silencios.
En el transcurso de gran parte de la clase se trabajó para afianzar las nociones en torno a notación musical, y se fue ejercitando el palmeo, canto y silencios con diferentes figuras en pentagrama para ir ganando lectura teórico-musical. Ya casi adentrados al final de la clase, se distinguieron las nociones de numerador y denominador, siendo el numerador un concepto que se refiere a la cantidad de pulsos por compás, y el denominador otro concepto que señala qué figura rítmica ha sido escogida para representar los pulsos de ese compás. Considero importante esta parte del aprendizaje de la ritmología ya que no basta solo con saber cantar un ritmo determinado o como dibujarlo con figuras, sino saber leer bajo qué numerador y denominador está estructurado, ya que eso le da forma a la base para cantar los ritmos a tiempo.
También es importante destacar que la figura de referencia general es la redonda que vale cuatro tiempos, luego el resto de figuras serán subdivisiones de ese tiempo inicial (una blanca es 1/2 de redonda, una negra es 1/4 de redonda, así sucesivamente).
En esta clase se diferencian los conceptos de “puntillo” y “anacrusa”. El puntillo es un punto que se añade a la derecha de una figura y lo que hace es añadirle medio tiempo de valor a esa figura (por ejemplo, si una negra tiene un puntillo al lado no vale solo un tiempo, sino un tiempo y medio). En su lugar, la “anacrusa” es la forma de denominar a aquellas notas que anteceden al inicio de un compás, que puede suceder en los ritmos Bambi y Mugrabi. Luego se añaden ampliaciones sobre las barras de compás, distinguiendo en barra simple, doble, doble final, doble con repetición y como subdivisión, lo cual indica cuantas veces se repiten los patrones rítmicos o donde propiamente finalizan. Ya adentrándonos en los ritmos árabes propiamente, se esbozaron nociones sobre la forma de cantarlos, utilizando el “dum” para cantar los golpes graves y “tak” para los golpes agudos. A su vez la utilización del “iss” es común para señalar dónde hay un silencio.
Creo que esta clase fue importante, porque entender que los ritmos no solo están hechos de sonidos sino también de silencios me ayuda mucho a ubicarme mejor cuando bailo. Me hace tomar más conciencia de dónde van los pasos y cómo se arma cada secuencia.
También me parece súper importante trabajar el oído y acostumbrarme a sentir el pulso, ya sea parejo o irregular, y reconocer los acentos y los distintos ritmos. Siento que mientras más me meto en esto, más fácil se me hace escuchar la música, reconocer qué está pasando y poder llevarlo a una coreografía.
En la clase pude comprender, aunque me resultó un poco difícil, que el numerador y el denominador son los números que aparecen en el compás y que sirven para organizar el ritmo. El numerador es el que te dice cuántos pulsos o tiempos tiene cada compás, o sea, cuántos golpes contas antes de que vuelva a empezar el ciclo.
El denominador, en cambio, te dice qué figura musical vale un tiempo, o sea qué tan largo o corto es ese pulso.
Me gusto comprender la diferencia entre puntillo y anacrusa. El puntillo hace que una nota dure un poco más, sumándole la mitad de su valor, mientras que la anacrusa son las notas que aparecen antes de que empiece el compás completo.
También me resultó muy interesante ver las barras de compás y cómo marcan repeticiones o finales. Es de suma importancia a mi parecer poder entender que cuando se usa el “dum” es para graves, el “tak” para agudos y el “iss” para los silencios. Siento que esto ayuda mucho a entender y sentir mejor el ritmo.
En la clase entendí que la wasla es como una especie de “suite” dentro de la música árabe, donde se tocan varias partes seguidas pero todas dentro del mismo maqam. Es decir, puede haber partes con ritmo, partes cantadas y partes más libres como el taqsim, pero todo mantiene el mismo clima musical. A la hora de bailar, entender la wasla me hace pensar el baile como un recorrido y no solo como pasos sueltos. Me ayuda a estar más conectada con la música, entendiendo que aunque cambie el ritmo o la intensidad, todo sigue dentro del mismo clima musical.
Siento que esto me permite bailar con más musicalidad, escuchando los cambios y adaptando la energía, en lugar de hacer siempre lo mismo durante toda la coreo!
Para poder comprender el Taxim me hace pensar el movimiento de una forma más libre y expresiva. Me da la sensación de que no tengo que contar tiempos exactos, sino más bien escuchar la melodía y dejar que el cuerpo acompañe lo que va pasando en la música.
Va acompañado de la interpretación y emoción, prestando atención las pausas y las intensidades, como si fuera un tipo de conexión entre la música y el cuerpo.
El layali, al basarse en la voz como instrumento, me invita a moverme de forma suave y contenida, escuchando cada sonido y cada pausa. El mawwal, en cambio, al tener letra y un contenido más expresivo, me transmite una carga emocional más fuerte, que se puede llevar al cuerpo desde la interpretación y no desde el conteo.
En este texto de teoría a del ritmo y metro en el Medio Oriente medieval, encontramos distintos autores.
Al-Khalll ibn Ah Mad, estudio la teoría sobre los ritmos y métrica árabe. El logro descifrar el sistema métrico que regulo la poesía pre islámica, estableció que la poesía había sido construida sobre 16 metros, cada uno con su pie métrico (pie métrico: unidad de medición) que a su vez estaba compuesto por sílabas largas y cortas. Escribió un tratado llamado Libro del Ritmo.
Al-Kindi tuvo acceso a las traducciones árabes de la antigua teoría musical griega, solo pudo copiarlas sin poder analizarlas.
Al-Farabi, definió un ataque como el golpe de un cuerpo largo y sólido, contra uno muy delgado. Mientras más delgado sea el cuerpo golpeado, más apropiado será el término – ataque – para describir el contacto. Define el ritmo como el movimiento a lo largo de las notas, con duraciones, largo y proporciones bien definidas y como sonidos musicales producto de un ataque.
Define tres tipos de ataques, ataque suave, anotado como la silaba “ta”, ataque medio “tan” y ataque fuerte, anotado como “tann”.
El artículo brindado es muy rico exponiendo de qué manera en 1932, en El Cairo, se llevó adelante una reforma estructural tanto en la forma como en los modos de la música oriental, dando origen así al surgimiento del concepto “Música Árabe”. Esta reforma tenía como eje la sistematización y orden de la música oriental que los miembros del comité consideraban que le faltaba a dicha música, y tomaron como referencia a la música occidental que consideraban “depurada y perfeccionada en su orden”. El objetivo, además de lograr un consenso sobre el “maqam” (sistema de escalas), era generar una identidad y una teorización que sea capaz de facilitar la comunicación entre músicos y a su vez impulsar su enseñanza obligatoria en primarias como parte del plan de estudios. Si bien varios de los objetivos propuestos en la reforma se cumplieron, hubo otros que generaron mucha discordia y dificultad de acuerdo. Ahora quisiera pasar a la reflexión un poco más crítica, ya que este artículo movió varios puntos de vista en mi. Primero, si bien un orden y sistematización son necesarios para poder darle un marco a la música oriental, considero que ese afán de llevar a cabo la reforma estuvo cimentado más bien por impulso de occidente. No hay que olvidar que Egipto y África Septentrional fueron colonias europeas, entonces que se valore a la música autóctona como “ruidosa” o “corruptora de la paz” es una apreciación meramente moral, occidental y colonialista. A los colonialistas les “servía” que se depuren los estilos autóctonos para poder inocularlos con estructuras europeas y así continuar con sus ansias expansionistas hasta en el terreno de las artes. Si bien la reforma fue un antes y un después y elevó las artes musicales dándole forma y categorización, no quisiera dejar de mencionar que lo propio de la música oriental es aquel “desorden” del que los colonialistas se quejaban, ya que hay “desorden” si se lo escucha con oídos europeos ungidos en la razón, la proporción, la lógica y la medida.
En esta clase analizamos el método de Irene Shams para analizar los temas musicales para poder hacer una interpretación más cercana a los mismos. Así mismo, vimos también lo que es la Wasla, y exploramos la forma musical de Estrofa-Estribillo (A B A B A B A).
Creo que como bailarín, es fundamental tomarse el tiempo para conocer la pieza que se va a interpretar no solo por respeto a la misma, sino porque otorga más recursos para hacer una interpretación que se sienta más real.
En esta clase aprendimos lo que es la forma musical del Rondó (A B A C A D A) ademas de ejemplos como Aziza de Hossam Ramzy. También, aprendimos lo que es la Eftatahya y ejemplos como Saher al Sharq Eteen o El Ard.
Dejo algunos puntos para resaltar de la clase:
* A diferencia de la estructura Estrofa-Estribillo, en el Rondó las estrofas van a tener melodías diferentes.
* El comienzo se conoce como Eftatahya, que es el momento donde se presenta a la bailarina. Puede venir acompañado de letra.
* Luego le sigue el Fabi, unos primeros compases de percusion o Malfuf.
* Si bien la forma musical va a tener una serie compases diferentes que pueden o no compartir la misma melodía a lo largo del tema, la idea del mismo es que sea como un círculo. Por lo que al final se vuelve a la melodía de entrada.
* Cancion: Bang Bang de K’Naan https://open.spotify.com/track/61YzdCCBPM5Pc7lIiD5i8C?si=b16d83b581194028
* Estructura: : (A B A B A C A)
A: Introducción [0:00 – 0:14]
B: Estrofa [0:15 – 0:46]
A: Estribillo + Introduccion [0:47 – 1:1311]
B: Estrofa [1:14 – 1:44]
A: Estribillo + Introduccion : [1:45 – 2:12]
C: Estrofa [2:13 – 2:32]
A: Estribillo + Introduccion [2:33 – 3:06]
Hola! Saber de las posiciones de los Brazos y pies me ayudaron muchísimo a hacer mas armónicos los pasos del bellydance.
La clase comienza definiendo lo que es la “forma”, entendida como la estructura, compuesta por elementos grandes que a su vez contienen elementos más pequeños (se realiza una analogía con la estructura de un libro). La “wasla” es una gran estructura que contiene varias formas musicales diversas, y se divide en 1) la obra musical (la propia wasla), 2) movimientos, 3) tema, 4) sección, 5) frase, 6) motivos o células. Luego se hace una recomendación de cómo subdividir una música que la bailarina quiera interpretar. Lo primero, es escucharlo de principio a fin (cuenta como forma de ensayo). Lo segundo, es analizar la forma de la canción, sus partes (de lo grande a lo pequeño), la cual se suele dividir asignando letras a cada parte(parte A, B, C, o A, B, A, etc.). Lo tercero es analizar los temas principales, si hay frases musicales nuevas y variadas, detectar las células y timbres, etc. Lo cuarto es analizar los ritmos, cuales, cuantos y en qué partes, así como ver las partes que no tienen pulso. Lo quinto es específicamente la detección del timbre, los instrumentos, como están dispuestos, si hay instrumentos folklóricos o foráneos, etc. En sexto lugar, si hay improvisaciones musicales o vocales, si tienen ritmo o son libres, etc. En séptimo lugar, analizar la textura, composición de pregunta y respuesta, etc. Como octavo paso hay que situar la historia y contexto del estilo, si es folklórico o moderno, región o país. En noveno lugar, si hubiera letra, analizar la emocionalidad de la composición. En décimo lugar es hacer una conclusión de los pasos anteriores, y como onceavo lugar ya es el armado de la coreografía. Ahora, volviendo a wasla, su traducción es “conexión” o “enlace”, y puede durar desde los 10 hasta los 60 minutos de duración. El propósito del wasla es ir llevando al espectador a la experiencia del tarab, a través de sus diferentes “secciones” o partes, que pueden abarcar desde un taxim, un samai, un layali, etc. Se trata de una forma clásica de estructura casi inutilizada hoy en día pero que ha tenido su período de esplendor durante la conocida “golden era” de la música árabe, de los años 30s a 60s. Considero potencial conocer y manejar el concepto de “wasla”, ya que es una forma clásica musical que como bailarinas debemos tener noción para poder entender cómo se fue estructurando la música el siglo pasado, para entender la estructuración musical de los shows de Bellydance actuales. Hacia el final me pareció interesante el ejercicio con la canción de Britney, ya que es más fácil a fines pedagógicos explicar la estructura ABABA con música occidental para luego extrapolarlo a la música oriental.
En su definición más esencial, es una improvisación instrumental melódica dentro del repertorio árabe. Según Touma, es la representación instrumental de un maqam. Puede ser interpretado por instrumentos de cuerdas (kanun o laúd, por ejemplo) o de viento (nay o saxo, entre otros), así como puede tener base percusiva. Es muy importante considerar que un taxim está compuesto de melodías y silencios, ya que es importante bailar la melodía pero también “bailar” o “interpretar” los silencios. Un taxim puede dividirse en secciones minúsculas, cortas, medianas o largas, con variaciones infinitas de las mismas en las diferentes composiciones. Según Farraj, existen cuatro usos posibles del taxim: como solo instrumental, como introducción a una pieza, en medio de una pieza o como transición entre piezas. Es muy importante (al momento de interpretar) tener en cuenta los momentos de baja/meseta y los momentos de pico/altura de la composición, ya que eso va a matizar la intensidad con la que se interprete cada parte, llevando por momentos de relajación y tensión al público. Es muy bueno el recurso de dibujar la línea melódica de un taxim como si fuese un gráfico de ejes cartesianos, así sabemos de qué intensidad partimos hacia qué intensidades vamos. Como bailarina considero al taxim como una de mis piezas favoritas y a su vez más difíciles de interpretar a pesar de verlo en primer año, y es un estilo que requiere de una conexión íntima muy fuerte para poder expresar el lamento o la alegría de la melodía y precisión de los movimientos.
Esta clase es una extensión de lo comenzado en la clase anterior introduciéndonos al concepto de Taxim. Tanto el Taxim como el Layali y el Mawwal son tres formas de improvisación dentro del repertorio de música árabe, diferenciando que el taxim es instrumental, siendo que el Layali y el Mawwal son formas más bien vocales. El Layali es un canto solista que se basa en un texto, versos que suelen ser simples pero que se repiten constantemente, variando su alargamiento en alguna palabra, pero siempre de tenor romántico o melancólico, con una base melódica. Tanto el Layali como el Mawwal pueden ser considerados como versiones cantadas del Taxim. Es muy importante ligar estas formas al concepto de Tarab, ya que guarda enorme relación con climas de éxtasis o de explosión emocional que se producen entre el músico y la audiencia. Ahora bien, por su lado, el Mawwal es un tipo de improvisación pero que tiene estructura de poema (en contraste con el Layali, que es un verso que se repite) con una base melódica. Puede tener varias estrofas, y primordialmente trata de temas amorosos. Estos temas no son comunes en la formación general de las bailarinas, y los encuentro tan importantes que sentí que esta clase fue de sumo aporte para mí, inclusive para profundizar en nociones sobre el Baladi más adelante. El núcleo para captar la esencia del Taxim, Layali y Mawwal es escuchar mucha música, MUCHA, de compositores eximios como Mohamed Abdel Wahab, Wadih El Safi, Fairuz, entre otros.
El texto es rico y ahonda aún más lo iniciado en clases anteriores en torno al Taxim, Layali y Mawwal. Queda bien explicitado que las tres son formas de improvisación dentro del repertorio árabe, con sus respectivas diferencias. Se trata para el músico de una oscilación entre la estructura de la teoría musical, y la libertad creativa que da el Taxim para improvisar. A mayor libertad creativa, mayor dominio del estilo. Se desglosa nuevamente el concepto de Taxim, que parte de un maqam. Por lo general, el Taxim arranca de manera muy incipiente, para de a poco ir subiendo y llegar a un punto de clímax, aunque pueden presentarse varios clímax en una composición inclusive. Farraj y Shumays (2019), dividen en cuatro tipos los taxim: solo instrumental, introducción a una composición, en medio de una composición y como transición entre piezas. En cuanto al desarrollo y estructura, Nettl observó que según su duración, las secciones podían ser minúsculas, cortas, medianas, o largas, identificando a su vez tres tipos de Taxim en torno a estas duraciones: tipo A, B o C. Por otro lado, también existe el Taxim Mawzun es una improvisación instrumental pero ya interpretada sobre una iqa’, es decir, base rítmica. Me quedo con la frase de Farray y Shumays (2019) sobre el arco narrativo del Taxim: la modulación podría compararse con un viaje en el que el conductor (el músico) lleva a sus pasajeros (el público) en un recorrido (sayr) a través de múltiples paradas (ajnās) dentro de una región particular (el maqām). Este es el centro de la interpretación, partiendo de un inicio suave para progresivamente ir subiendo hasta dar con el punto de clímax. Como reflexión personal quizás algo atrevida, comparo el progreso de un Taxim a las fases de un orgasmo pero llevado a su dimensión mística; iniciando de manera sutil, pasando progresivamente por diferentes instancias hasta llegar al punto de paroxismo en los momentos de clímax “espiritual” entre los instrumentos, los performance y el público.
Farraj*
En esta clase me pareció importante saber cómo se organiza la música en estrofas y estribillos para poder interpretar mejor los cambios de energía e intención al momento de bailar.
El termino Eftatahia me parece importante conocerlo y aprenderlo para poder incorporarlo en el vocabulario específico de la danza para poder comunicarnos mejor. Algo interesante es que términos como el Meyanse o el Interludio también sirven para comunicarse con personas dentro del entorno de la danza o incluso fuera de él, de acuerdo a la referencia que podamos explicar. Esto es clave tanto a la hora de ensayar como al momento de buscar y comprender la música que vamos a bailar.
Me parece importante saber la anotación con notas musicales, en esta clase vimos ritmos Maqsum, Baladi y Saidi.
Entender que el DUM, al ser el golpe grave y fuerte, generalmente coincide con los tiempos más acentuados del compás, mientras que el TAK, más agudo.
Ver el ritmo escrito en un pentagrama ayuda a entender mejor la duración de cada sonido y no solo su orden
En la clase de hoy, vimos la anotación de ritmos Malfuf, Masmudi y Karachi. La escritura del masmudi me parece una estructura más extensa y pesada. Al verlo anotado, se percibe esa densidad rítmica, los movimientos se vuelven más amplios, sostenidos y con mayor presencia.
En esta clase vimos los ritmos Chiftetelli, Sombati, Wahda, Tawila, Fallahi, Sama’i Thaqil.
El chiftetelli es un ritmo lento, sirve como soporte para la improvisación y es muy elegido en trabajos de piso o en secuencias de equilibrio con elementos. Su compás amplio permite movimientos más sostenidos y controlados.
El Sombati / Wahda Sombati / Wahda Tawila
Aparece tanto en pasajes improvisados como en piezas coreografiadas. Tiene una cualidad más introspectiva y profunda, lo que lo hace ideal para desarrollar interpretaciones más musicales y matizadas.
El Fallahi Es un ritmo ágil y enérgico, muy presente en la música folklórica egipcia. Por su dinamismo, suele emplearse también en los finales de las composiciones, aportando un cierre vibrante y festivo.
Y el Sama’i Thaqil es un ritmo más complejo por su métrica irregular. Es habitual en la música clásica árabe y su estructura genera una sensación más sofisticada y elaborada, invitando a una interpretación cuidadosa y consciente de los acentos.
Hola. Solicito la activación del documental. Gracias.
activado!
Me gustó mucho la estructura de este módulo, la parte teórica del samai, la parte técnica, y la coreo de Reda. Conocer su origen y estructura nos permite, como bailarinas, facilitar su interpretación y hacerlo desde el respeto y el conocimiento; y, personalmente, familiarizarme un poco más con esta forma musical. Además, la clase incorpora otros conceptos vistos en el Estudio como maqam, wasla, etc. y me ayuda a comprenderlos mejor, el ponerlos en contexto. También me gustó conocer su origen en el Imperio Otomano y cómo los desarrollos históricos y culturales (la caída del imperio, la aparición del fonógrafo, etc) afectan las expresiones culturales como la música.
Muy útil el resumen inicial! La comparación entre el Semai árabe y el Saz Semai otomano me fue me ayudó mucho a asentar los conocimientos aprendidos en la clase anterior. Busqué en YouTube algunos de los compositores mencionados y encontré canciones realmente hermosas. Me encanta hacer los análisis de ritmos en conjunto, pues me ayuda mucho a interiorizarlos en mente y cuerpo.
¡Qué clase maravillosa! Estuvo llena de información: historia, ritmo/estructura, poesía…Me gustó mucho conocer las diferencias y orígenes de la muwashah, muwashahat y finalmente, el samai; así como las diferencias y relación entre la forma samai, saz semai, y samai como ritmo. Además escuchar poemas andalusí (ahora después de esta clase puedo utilizar el término con propiedad!) de hace casi un siglo (con las salvedad de que la música tiene otro origen) me encantó. Siento que cada tema en danza árabe es como un hilo que jala a mucha más información y conexiones históricas y culturales y agradezco a Irene y al Estudio por ayudarnos a comprenderlas.
Qué interesante poder desglosar conceptos básicos para poder entender más sobre esta música tan rica y preciosa.
A estudiar se ha dicho!!
Qué interesante este tema, para mi siempre ha sido un poco completo esto de entender los maqamat, el sistema pentatónico, aunque está formado solo por cinco notas, aporta claridad y simplicidad que ayudan a comprender mejor el Maqam. Este último es un sistema musical más complejo y expresivo, al entender que ton tantod maqamat, podemos saber qué tan complejo es este sistema y además que rico y poderoso es!. Es como que tiene su propio carácter y emoción. Este sistema Maqam crea una experiencia musical profunda, creería que en este tema, no solo importan las notas, sino también la forma en que se interpretan.
Gracias mi Mari siempre son increíbles tus clases!
La clase inició con un ejercicio de reconocimiento musical, separando en la lógica ABAB la canción “Luxor Baladna”, identificando su estrofa, estribillo, interludio y demás partes. Luego la clase prosiguió presentando el concepto de “rondó”, en donde hay un tema principal (A) pero que luego las estrofas poseen melodías diferentes, variando entre cada una pero volviendo siempre al tema principal (A). Esta forma musical es muy común en las composiciones de presentación de las bailarinas, siendo conocidas estas presentaciones como Meyance, Opening Song o el término más utilizado en Egipto, la Eftatahia. Esta forma cobró vida en los night clubs egipcios y tiene como fin presentar a la bailarina, es la bienvenida y la primera impresión que da del espectáculo al público, por lo que suelen ser coreografías muy virtuosas las que acompañan estas piezas musicales. Puntualmente la forma Eftatahia suele empezar con una melodía potente de entrada, luego se prosigue con un “fadi” que es el repiqueteo del derbake previo a ingresar a la canción propiamente dicha, y recién ahí comienza la melodía principal de la composición. A lo largo de la eftatahia pueden haber diferentes secciones con diferentes tipos de ritmos, quizás con algún taxim, para luego volver a la melodía principal a modo de cierre, en la mayoría de los casos. Ahora volviendo al rondó, se analizó la canción “Aziza”, la cual tiene estructura de rondó que inicia con un tema principal (A) y tres episodios B, C y D que se suceden uno a uno volviendo al tema principal (A) como eje. Me parece una clase muy valiosa para distinguir las diferencias entre estrofa-estribillo, rondó y eftatahia, que están relacionadas pero con sus particularidades es necesario poder distinguirlas bien para plasmarlo en las performances.
Qué interesante la clase!!!, me encantó conocer más sobre esta danza Mizmar, es tan importante entender sobre estas danzas, que como bailarinas debemos conocer, sobre todo para entender mas los contextos de cultura en los que nos estamos relacionando. Mil gracias Mari por tan valiosa información.
El material bibliográfico ofrece un recorrido por lo visto desde el inicio del curso en relación a nociones teóricas de la estructura musical árabe, pasando por el tiempo y espacio, hasta nociones más complejas como escritura musical, notación y lectura. Considero que la formación musical es vital para las bailarinas, tanto reconocer las estructuras como poder replicarlas por escrito o cantando, ya que esto brinda mayores herramientas a la hora de armar una coreografía. Pero sobre todas las cosas, considero que facilita la comunicación con músicxs también, ya que tener mayores recursos de teoría musical hace que lxs arreglos o cambios en la partitura sean entendidos de ambos lados, tanto bailarina como músicx.
La clase presentó al inicio diferentes formas de escritura y nomenclatura de los iqa’at. Dependiendo del maestro, pueden utilizar múltiples formas de notación. La mayoría de los ritmos los aprendí en cuanto a su escritura con la metodología de la Maestra Saida, la metodología de Mario Kirlis, pero considero que la forma de escritura que empleo desde ahora con el Estudio (al menos para mi) es mucho más dinámica para el reconocimiento y correcta división. Se vieron tres ritmos: maksum (que inicia con un dum fuerte), baladi (que inicia acentuando dos dum al principio), saidi (que acentua con dos dum casi al tercer tiempo) y tabl (que tiene como característica iniciar con un silencio). Estos cuatro ritmos (al igual que el malfuf) me parecen vitales para la bailarina inicial, ya que son los más populares y basales. También considero que aprender la escritura y lectura es un arte aparte, ya que nos hace simbolizar los ritmos de manera escrita, y eso organiza mejor hasta a el propio oído.
Es interesante lo que plantea Nesma con respecto a no utilizar los brazos en pose al interpretar un baladi, a la semifexion y a la expresión como si estuvieras en la cocina. poder verme natural aunque tenga un publico delante.
Por otro lado que maravilla que Said Qor convirtiera a los acordeones al sistema makam. Esto simbolizo en 1950 la occidentalización de la música egipcia. Durante muchos años baile o escuche baladis con o sin taqsim desconociendo el verdadero vinculo entre ellos.
Me enseñaron a reconocer partes de un baladi pero nunca había escuchado los términos tahmela sakat awadi tet sari y aflah
Que hermosa tunica!
En esta lectura teorías del ritmo y el metro en el medio oriente medieval me parece importante destacar que uno de los primeros en estudiar los ritmos y la métrica árabe fue Al-Khalil ibn Ahmad. Él analizó la poesía árabe y descubrió que estaba organizada en 16 metros, formados por combinaciones de sílabas largas y cortas, algo parecido a unidades de medida llamadas pies métricos. Sus ideas influyeron mucho en la forma de entender el ritmo en la música.
Más adelante, músicos y pensadores como Ishaq al-Mawsili y Al-Farabi siguieron desarrollando estas ideas. Al-Farabi fue especialmente importante porque explicó el ritmo como una organización de golpes o ataques con duraciones específicas, comparándolo con la estructura de la poesía. También clasificó tres tipos de ataques (suave, medio y fuerte) según el tiempo que hay entre un golpe y otro.
Estos estudios ayudaron a sentar las bases para comprender cómo se construyen los ritmos en la música árabe y cómo se relacionan con la poesía y el lenguaje.
En el Islam existió un largo debate sobre si la música es permitida o no. Como el Corán no da una respuesta clara, muchos estudiosos recurrieron a los Hadith para justificar distintas posturas, aunque muchos de estos textos eran ambiguos o discutidos. Por eso nunca hubo un acuerdo total. Mientras algunas autoridades religiosas rechazaban la música, en el Sufismo la música y la danza tuvieron un papel muy importante en los rituales espirituales. Esto muestra que la relación entre música y religión en el Islam ha sido compleja y llena de distintas interpretaciones.
La lectura me hizo pensar en lo importante que es la interpretación dentro de la danza. Muchas veces cuando se aprende nuestra danza se pone mucha atención en la técnica o en los movimientos, pero no siempre se reflexiona sobre las emociones que se transmiten. El Baladi, el Zar o el Bolero, tiene un contexto cultural y emocional específico que ayuda a que la danza tenga más sentido y profundidad.
Para que el público pueda conectar con la danza, la emoción debe sentirse real y no exagerada. Esto implica no solo entender la música, sino también reconocer nuestras propias emociones y sus matices. Creo que trabajar la expresión emocional es una herramienta fundamental para lograr una interpretación mas profesional dentro de la danza.
https://www.youtube.com/watch?v=a9DkbsGa0iA&list=RDa9DkbsGa0iA&start_radio=1 0:46 al 1:05 se puede presencial el sonido de instrumento de viento, la flauta
https://www.youtube.com/watch?v=ndUg3n9C1vc&list=RDndUg3n9C1vc&start_radio=1 se puede presenciar instrumentos de cuerdas como violines y laudes de mango largo
La clase sobre instrumentos de percusión me permitió comprender mejor la importancia que tiene el ritmo dentro de esta danza. Instrumentos como el Darbuka, los Qaraquebs, las Panderetas, los Panderos, las Tabla y los Timbales cumplen un rol fundamental, ya que marcan la base rítmica que guía los movimientos de la bailarina.
Aprender a reconocer estos instrumentos ayuda no solo a identificar los ritmos, sino también a interpretar mejor la música al bailar. De esta manera, puedo responder con mayor precisión a los acentos, pausas y cambios musicales, logrando una danza más consciente y conectada con la música.
En esta clase pude conocer mejor cómo están conformadas las agrupaciones musicales árabes, quiénes las integran y qué instrumentos suelen utilizar. Me llamó la atención que estas formaciones pueden diferenciarse según su tamaño o la cantidad de músicos, ya que a partir de eso cambian algunos instrumentos, se agregan otros o incluso se repiten dentro de la misma agrupación.
Me resultó muy interesante descubrir que, dependiendo de la cantidad de integrantes, podemos hablar de una Orquesta Árabe Moderna o de otras formaciones más pequeñas o más grandes. Ahora comprendo mejor cómo se compone realmente y qué función cumple cada instrumento dentro del conjunto.
También me pareció muy enriquecedor ver que estas agrupaciones no siempre fueron iguales, sino que fueron cambiando con el paso del tiempo y según la región. Esto hace que el sonido también se transforme, incorporando nuevas formas y estilos musicales.
A través de este texto pude aprender cómo fueron nombrados y clasificados los instrumentos musicales en el mundo árabe a lo largo de la historia. Me resultó interesante saber que pensadores como Al-Farabi y Ibn Sina ya habían propuesto formas de clasificación hace muchos siglos, tomando distintos criterios para ordenar los instrumentos. También comprendí mejor la clasificación más conocida que los divide en instrumentos de cuerda, viento y percusión, según la manera en que producen el sonido. Me llamó la atención que los instrumentos de cuerda siempre hayan tenido un lugar tan importante dentro de la música árabe. Además, fue interesante descubrir cómo con el tiempo se incorporaron instrumentos occidentales que se adaptaron para poder tocar los Maqam. Todo esto me ayudó a entender mejor la riqueza y evolución de la música árabe.
Es interesante saber que es el Samai y cómo se desarrolla dentro de la música árabe. Me resultó interesante descubrir que es una forma musical instrumental con una estructura particular, compuesta por varias secciones llamadas hane que vuelven siempre a un estribillo o teslim. También aprendí que gran parte de la pieza se interpreta con el Samai Thaqil, un ritmo de diez tiempos que tiene una estructura poco común para quienes estamos más acostumbrados a los ritmos occidentales.
Además, me llamó la atención saber que este género se desarrolló especialmente a fines del siglo XIX y principios del XX, influenciado por la música del Imperio Otomano, y que compositores como Tamburi Cemil Bey tuvieron un papel importante en su difusión. También comprendí que no hay que confundir el samai con el Muwashahat, ya que este último es un género cantado que puede utilizar distintos ritmos, entre ellos el samai thaqil.
Todo esto me ayudó a entender mejor cómo se organiza esta música y cómo influye en la danza. Saber diferenciar entre la forma musical y el ritmo me parece fundamental para poder escuchar la música con más atención y comprender mejor cómo interpretarla al bailar.
Al analizar la relación entre la música de Latinoamérica y Egipto, me doy cuenta de que el vínculo entre las culturas del mundo es mucho más profundo de lo que solemos notar. Como menciona Mohamed Abdel Wahab, la evolución musical no ocurre de forma aislada; es necesario que existan esos puntos de unión y combinación entre lo oriental y lo occidental europeo para que el arte avance. Ese puente permitió la creación de nuevos géneros y ritmos que hoy disfrutamos, demostrando que la cultura es algo vivo que se transforma al viajar.
Esta clase fue fundamental para entender la complejidad técnica de la percusión árabe a través de un recorrido por ritmos que definen tanto el folklore como la música culta. El estudio de métricas variadas —desde la elegancia del Samai Darig, hasta la estructura clásica del Samai Thaqil permite comprender cómo la escritura organiza el sentimiento de cada composición.
Esto amplía nuestra visión sobre la riqueza rítmica del mundo árabe, demostrando que cada ritmo cuenta una historia geográfica y social distinta.
Este modulo me parece importante para ir incorporando de a poco ritmos un poco mas complejos e ir reconociendolos de a poco.
En este modulo se incorporo ritmos que tienen una influencia occidental, muchas veces los tenemos incorporados sin saber el contexto de donde provienen, acá pudimos analizarlos mas profundamente.
Me gustó haber profundizado en el ritmo khaliji, lo había bailado en una ocasión, pero nunca tuve la oportunidad de estudiar mucho ese ritmo que tiene tanta cultura!
Lo primero que me llamo la atención fue la colocación del brazo de los bailarines que utilizan el bastón ya que es tan diferente a la técnica que utilizamos hoy con el codo a nivel del hombro. Los diferentes estilos en cada bailarina pero compartiendo a mi modo de ver una semiflexión en los brazos, la presencia escénica y la sonrisa. Nesma con delicadeza y sencillez, Randa mas visceral y Ekatreina mostrando la esencia de un show en destreza vestuario y coreografía. Muy interesante observar las diferencia y las similitudes y también observar que podría llegar a tomar de cada una para potenciar mi danza.
La Conferencia de Música Árabe de 1932 presentó muchas adversidades, desde el hecho que habían diferentes gremios de cantantes y bailarines, instrumentos e incluso segregación entre ellos. Me parece díficil intentar medir a la música árabe bajo la vara de la idea victoriana de música, además de un jurado extranjero para juzgar la música árabe. No obstante, entiendo la necesidad de un estándar y agradezco que se haya dado porque ahora podemos tener el lujo de estudiar un profesorado que nos da pautas globales que aplican para cualquier practicante del Raqs Sharqi. Comprendo que no son completamente estándares pero quizá de no haber realizado el ejercicio estaríamos más en cero. Con ello se pudo realizar el plan de estudios de la música egipcia.
Me interesa mucho lo que se menciona de música faranoica, espero lo estudiemos en algún momento!
En la danza la expresión emocional juego un rol importante, no solo la expresión en si es también qué o el como lo transmitimos lo que realmente conecta al público. A veces me pasa dentro de la danza árabe que a veces nos concentramos en aprender la técnica y los movimientos que obvio no está mal, pero dejamos de lado lo importante que en sí que considero lo engloba como un todo, el transmitir una emoción que sea clara y a la vez el sentimiento de esa emoción es lo que realmente permite generar conexión no solo para uno sino también para el público, es muy interesante el ejercicio de observar las expresiones de las personas en la vida cotidiana, porque pequeños detalles como la mirada, la posición de la cabeza o la boca pueden cambiar completamente la emoción que se transmite y se que nos puede ayudar mucho a que nuestras interpretaciones sean más naturales y creíbles al momento de bailar
Son muchísimas {as diferentes opiniones de lo que se ve reflejado en un bolero ya sea en situaciones sentimientos, visiones etc. Desde algo amplio como puede ser el amor hasta algo muy especifico como el vinculo entre dos personas ya sean pareja amigos etc. El bolero ha ido sufriendo modificaciones a lo largo de la historia atravesando procesos colectivos. Ha recibido la influencia de países como Francia y España en el uso de instrumentos como la guitarra el cajón el violín y una influencia determinante de cuba y república dominicana con la clave y el cinquillo por ejemplo. Su padre fue Pepe Sanchez el compositor y creador del primer bolero titulado tristeza. Hubo periodos donde había quienes potenciaban la difusión y el crecimiento y quienes contribuían a la declinación (1920 a 1940) La radio facilito que el bolero se escuchara en muchos países . Tango y bolero eran rivales y con el fallecimiento de Carlos Gardel el bolero desarrollo mas fuerza. Luego hay un decaimiento del bolero debido a que el ritmo del son logra acaparar mayor atención y también debido a la popularidad de ritmos americanos como charleston y fox trot. Entre 1940 y 1960 la época de oro del bolero. Desde Puerto rico emigrara con fuerza a Estados unidos, aparecerá en Cuba el bolero son, en México se consolida el bolero ranchero, en Puerto rico se difundirá el bolero Morubo y en Peru Bolivia y Ecuador primara el bolero rockolero.
En el auge del bolero sera importante la aparición del trió los panchos que innovaran con armonías diferentes en las voces
Me llamo mucho la atención la cantidad de artistas que se nombran en este texto a los cuales conozco y escucho del ambiente de la salsa como Willie Colon, Tito Rodriguez, Cheo Feliciano, Giberto Santarrosa entre otros a quienes admiro mucho.
La crisis entre los 60 y los 90 se debió a la difusión y comercialización, luego ingresara con potencia a los canales comerciales a través del cd, dvd programas de cable y por el mundo del cine.
En los 90 aparecerán nuevos ídolos incorporando en sus repertorios boleros adaptados a las nuevas exigencias y criterios musicales como Luis Miguel, Gloria Estefan. Es interesante la visión de Knights señalando que el actual auge del bolero tiene que ver con una industria de la nostalgia que es una respuesta frente a los cambios acelerados que marcan esta época
Porfa mi Mari ayudame con la activación de esta clase. Mil gracias
activado!
Que interesante como se generó esta apertura cultural entre Oriente y Occidente
Desde las expediciones de Napoleón y la influencia británica, Egipto no se limitó y evoluciono en su arte cómo es la música, todo este tema es bastante interesante por el mismo hecho que lo desconocía, y me ayuda a i en el enriquecimiento de conocimientos en esta hermosa danza. Que importante lo que menciona Mohamed Abdel Wahab “el arte solo avanza cuando se construyen puentes” que gran acierto en que integrando nuevas armonías e instrumentos no se pierde la esencia propia sino, que lo hace aún más mágica. Desde mi punto de vista entendiendo esto es que la cultura que no se nutre y se aísla, se pierde a la larga.
Hola!! quisiera activar esta clase, por favor. Gracias!!
activado!
Amé la clase sobre todo la diferencia entre un delirio y una buena improvisación! Aplica para todo, inclusive cuando se realiza una exposición académica ante un jurado o una exposición en el trabajo, no lees un papel palabra por palabra como sería una coreografía sino que tienes la estructura en la PPT, en tu cabeza pero con ello vas comentando cada punto acorde al momento y a cómo detectas tu audiencia. También lo importante de los matices para que el público no se duerma con lo lento o sature con lo rápido, que permita expresividad. Lo de las repeticiones ayuda bastante para poder dar expresividad diferente y poder ir al ritmo adecuado. También es importante tener un buen final y siempre dar la mejor actitud! Comunicación sobre todo para que se sepa acá inició, acá terminó. Lo bueno es que Marcos nos enseña la señal del final para que la bailarina se prepare. Considero como auto-tarea practicar posibles remates. Marcos recomienda giros para los finales que es una manera de comunicarse y que hará que el músico acompañe con remates.
Recuerdo en videos de historia que los Egipcios podían escuchar horas a Oum Kalthoum cantando las mismas estrofas de diferentes formas. La improvisación es preciosa para poder disfrutarla y saborearla con todo el sentimiento no solo artístico sino cultural. Lo que nunca me había puesto a pensar es que el Taksim en sí puede verse como si fuese una película hasta el punto máximo de clímax. Tuve un pequeño curso de Iqa tiempo atrás y si bien como escala musical parecería algo menor entiendo cómo la varianza del Iqa, extenderlo, enriquecerlo, podría dar paso a un Taksim. No conocía mucho de la relación entre el Samai y los Taksim, es algo que debo indagar más.
Asimismo, me llamó mucho la atención que podamos clasificar los Taksim en 3 tipos, voy a escuchar más música árabe para poder comprender si es más de secciones minúsculas, alternadas, o largas.
Hola! Solicito la activación del documental. ¡Muchas gracias!
activado!
La Wasla es como una gran estructura musical dentro de la música árabe clásica, no es una sola canción sino un conjunto de varias composiciones (pueden ser 5 o más), algo así como una colección completa tipo Harry Potter pero en música, donde todo tiene un orden desde lo más grande a lo más pequeño: la Wasla contiene formas musicales (instrumentales y vocales como Muwashahat, Longa, Tawil, muchas de la época dorada alrededor de 1920), dentro de eso hay piezas, luego frases musicales, después ideas más pequeñas hasta llegar casi a las “notas”; todo esto ocurre dentro de un mismo makaam y con una coherencia, porque no puede ser algo mezclado sin sentido sino que debe contar una especie de historia musical elegante, más clásica que pop, y en conciertos pueden tocar varias waslas (3 o 4), algunas largas incluso de una hora como las de Oum Kalthoum; además, si analizas una canción dentro de la Wasla puedes ver estructuras tipo A (estrofa), B (parte distinta), volver a A, repetir B y terminar en C, lo que ayuda a entender la forma general, y dentro de eso los temas se repiten pero con variaciones (más intensidad, diferente interpretación o más instrumentos, como pasar de pocos a toda la orquesta), también hay ritmos específicos como el Baladi y dinámicas de pregunta–respuesta entre instrumentos o voz, así que en resumen la Wasla es una experiencia musical completa donde todo está conectado, evoluciona y se desarrolla de forma coherente y expresiva. Sobre la interpretación por la letra, yo he usado Notebook LM que lee audios para traducir canciones que no tenían traducción en internet, y preguntaba alguna referencia o fuente. Si bien la traducción sonaba poco natural al español, me ayudaba a comprender de qué trataba, las emociones y hasta le pedía contexto de las canciones. Me ayudó muchísimo para un tema. También lo descompuse como pude pero ahora con esta base voy a hacerlo de forma más profunda.
Me resulto mas que interesante esta clase mas allá de la complejidad en los términos. Por un lado me hace pensar en que a pesar de haber escuchado varios de ellos no podía dar una explicación de su significado. En el caso de tónica si es una expresión completamente nueva para mi, al igual que sistema tonal. Siempre sentí una inclinación y un amor especial por la música y hoy estoy cada vez mas cerca de iniciar mis estudios en un conservatorio o profesorado.
Me gustó esta mini clase de introducción a cómo se analiza la música para poder bailarla haciendo una mejor interpretación. En principio esto se divide en 11 partes que van desde identificar los ritmos , los tipos de instrumentos usados, si son de origen árabe o no, etc. También se menciona cómo hacer el análisis de una canción asignando una letra del alfabeto a cada parte (me gustó el ejemplo con la canción de Britney, creo que lo deja muy claro). También se menciona la importanciai de tener la traducciónd e una canción y saber en qué contexto ésta se compuso. A veces este contexto puede ser histórico, como grandes cambios que le suceden a una población y el tema de la canción resulta ser de nostalgia por el pasado.
En cuanto a la Wasla (Waslat en plural) menciona que se le considera una súper forma ya que dentro de una de ellas pueden haber 5 canciones o más. Éstas pueden tener distintos ritmos y variar desde partes vocales a instrumentales, pero todas tener el mismo makam.
Esta es la primera vez que escucho a Irene y me pareció muy clara y amena. Muy valioso que hiciera hincapié en el hecho de no utilizar el termino andalusi como sinónimo de al andaluz. Me resulto muy útil ver el vídeo con la coreo de Samai que iba marcando los momentos de khana y teslim y me llevo por sobre todas las cosas el mensaje de la importancia para toda bailarina de formarse y capacitarse en el aspecto musical.
Durante la clase se estuvieron analizando las estructuras de distintas canciones. Se empezó con el análisis de la estructura de Luxor Baladna para luego explicar lo que es la estructura de un Rondó. Básicamente, el Rondó posee una estructura de un “Tema principal” que se repite una y otra vez con Distintos “Episodios” que se van intercalando a lo largo de la canción. Estos “Episodios” son distintos entre sí y la canción siempre termina con la melodía del “Tema principal”.
Por otro lado, se habló sobre lo se conoce como:
presentación = apertura = opening song = meyanse = eftatahya
La palabra Eftatahya se usa en Egipto para definir una introducciòn que puede se rmeódica y, a veces, hasta cantada en la que la bailarina entra y se presenta como tal mostrando sus habilidades para la danza. Algunas Eftatahya puede ser una canción en sí misma y suelen usar la estructura de ROndó.
Cuando la Eftatahya es sólo una pequeña introducción, suele estar seguida de un “Fadi” que son como unos compases de percusión de algún ritmo previo al inicio del tema principal.
Me pareció interesante saber que el término “Meyanse” proviene de una palabra en francés que se fue deformando y que es poco conocido fuera del ambiente del bellydance.
En esta clase, aprendí mucho sobre las diferencias de las estructuras de presentación (Eftatahya) tanto gral como la de Rondó.
Saber estas diferencias hacen que podamos armar mejor una coreografia asi como afinar el oído.
Quedo muy claro en cada ejemplo la estructura de ● Estrofa- Estribillo
● Rondó
Me parece muy importante que una bailarina conozca estos aspectos para cuando tenga que hacer un tema de presentación y asi brillar en una apertura de un show.
El documental Reel Bad Arabs me resultó muy impactante al evidenciar cómo, a lo largo de más de mil películas de Hollywood, se ha construido una imagen estereotipada y deshumanizada del pueblo árabe. No solo se les retrata como violentos o con actitudes lascivas en escenas altamente orientalistas —con bailarinas y harenes—, sino que incluso a nivel físico se les presenta como inferiores, con una estética descuidada que refuerza prejuicios. Me llamó la atención cómo estas representaciones parecen tener raíz en antiguas crónicas europeas, perpetuando una mirada externa y sesgada. Un ejemplo especialmente fuerte es el de la película Reglas de compromiso, donde se construye una escena para generar compasión por una niña árabe, pero luego se revela como “enemiga”, provocando en el espectador una sensación de traición emocional que termina reforzando el rechazo. A nivel de personalidad, también se les muestra como torpes o ridiculizados, como en la icónica escena de En busca del arca perdida donde el personaje árabe es fácilmente derrotado. Me quedó muy presente la frase “si no podemos ver la humanidad del árabe, ¿qué queda?”, ya que resume el problema de fondo: la deshumanización sistemática. También me hizo reflexionar pensar qué sienten las personas árabes al ver estas películas en sus propios contextos, enfrentándose a representaciones constantes de violencia hacia ellos. El documental muestra además cómo la islamofobia se ha expandido en el cine, especialmente tras el Atentados del 11 de septiembre de 2001, donde en lugar de presentar a los responsables como un grupo específico, se termina estigmatizando a todo un pueblo. Esto resulta aún relevante en la actualidad, considerando los conflictos vigentes en 2026. Es muy triste y, a la vez, cierto reconocer que hemos crecido con estas imágenes en el cine y los medios; me incluyo, ya que muchas de estas películas formaron parte de lo que consumimos en televisión o DVD, lo que incluso pudo haber influido en que, en algún momento, haya reproducido ciertos estereotipos no solo hacia el pueblo árabe, sino también hacia otros, como ocurre con la representación recurrente de los rusos como “villanos”. Además, en lo personal, he percibido cómo se orientaliza y sobre-erotiza a la mujer árabe: al mencionar que practico danza árabe, he recibido comentarios que la asocian con harenes o con bailar “para un sultán”, lo que refleja directamente estos imaginarios construidos por los medios. Esta exotización presenta al mundo árabe como un espacio violento, descontrolado y opuesto a lo que Occidente considera “moralmente correcto”, muchas veces ligado al Cristianismo, lo que a su vez contribuye a la constante estigmatización de la Islam. Finalmente, me pareció interesante cómo, desde otros espacios culturales, especialmente el humor, cómicos pertenecientes a comunidades árabes, negras, judías y otras minorías han logrado cuestionar y desmitificar estos estigmas, ya que a través de la risa el público puede reconocer lo absurdo y ridículo de muchos de estos prejuicios que durante años se han normalizado.
Lo que resalto de esta clase es la distinción entre el periodo preislámico, el rol de las tribus árabes ( respecto a los 2 grandes imperios (Sasánida y Bizantino), en esta época encontramos la oralidad al transmitir sus historias, lo que luego será un “problema de autenticidad” al no dejar gran cantidad de escritos, también comentamos un poco de los valores de lealtad, honor, etc. En cuanto a autores vemos que Shiloa nos dice que hay gran exposición de los árabes al resto de las comunidades (persa, griega, babilonia, entre otros), que va a influir en ideas musicales y de sonidos aunque no hay grandes evidencias arqueológicas. Si quisiéramos conocer como era la música en esta época solo contamos con fuentes tardías.
Luego tenemos al autor Touma, que distingue el canto Beduino (sencillo, ingenuo y limitado a 2 variantes el juda y el nasb) y de las qaina (más artístico, en el cual podemos distinguir 2 géneros, ¿sinad? o ¿hasar?)
En cuanto al periodo Islámico, vemos que lo define Muhammad, cuando el fallece se genera un vacío de poder ya que había logrado unir a muchas personas, lo sucede un Khalifa en cuanto a religión y poder político. Durante el califato Rashidun se compila el Corán y el islam se empieza a expandir principalmente en Makkah y Medina, en cuanto a la gran tradición musical, Shiloa nos menciona 2 elementos: la elite aristocrática de ese momento y la presencia de esclavos enviados a estas zonas que van a influenciar porque también eran artistas y se expresaban través de la música. Sobre esto último hubo una especie de ataque de los teólogos musulmanes ya que se consideraba la música a costumbres extranjeras y al politeísmo.
Hola! Me activas la clase de Marcos Otero por favor? Si es a través del mail tiene que ser a: andriu5058@gmail.com porque con el que estoy registrada para ver el campus no me funciona . Muchas gracias Maru.
Activado! Andre no puedo activarte la clase con email externo. Te la active con este mismo. podes encontrarla en “mis cursos”
Lo que destaco de esta clase es cómo, a medida que el Califato Omeya se expandía desde la Península Arábiga hacia el norte de África y España, también se consolidaba el árabe como lengua común.
En cuanto a la música, se empieza a patrocinar a los músicos y predomina el panegírico, con canciones de alabanza y poemas musicalizados. Los kalifas incluso adoptan una costumbre sasánida de separarse de los músicos con una cortina. A su vez, los músicos ganan importancia, forman escuelas en sus hogares (donde también se entrenaban esclavas) y había una especie de competencia entre califas por tener a los mejores.
Shiloa destaca que acá surge una gran tradición musical, como forma de vida e identidad, combinando elementos de distintos pueblos. Empieza a construirse un arte más “oficial”, impulsado por los kalifas, aunque no totalmente aceptado por lo religioso ya que la musica era considerada mas un pasatiempo o placer, lo que hace que no se termine de sistematizar.
Respecto al califato Abassida destacamos que en esta época se define la idea del músico “perfecto”, que no solo debía tener talento natural, sino también ser creativo, buen intérprete, cantante, tocar uno o más instrumentos, saber escribir y tener cultura.
La música se desarrolla principalmente en las cortes de los kalifas, palacios y casas de clase alta, donde se destaca el majlis como espacio de reunión, ya sea formal o informal, con fines políticos, culturales o festivos.
Además, algunos kalifas se destacaron como músicos, como Harun al-Rashid
En este tipo de clases tomo mayor conciencia de los pocos conocimientos musicales que poseo en cuanto a términos entre otras cosas como por ej el sistema pentatonico que si bien es usado en varias partes de mundo, lo desconocía. Voy a tener presente esta connotación emocional e incluso espiritual del sistema Tab y el hecho de que no utilicen micro tonos (aunque aun no se bien a que se refiere) Tendré en cuenta escribir maqam con q para diferenciar la foma en la que se escribe en Turquía (makam) y la complejidad para poder clarificarlos debido a su dinamismo. Este tipo de contenido despiertan en mi un mayor anhelo de acercarme al mundo de la música de una manera mas académica. Gracias.
Que hermoso e interesante este texto, donde profundiza sobre el tarab, me hace pensar sobre el musico, la música que hace y la bailarina como en uno solo, también, en que mas de una vez, sin “querer” sentimos o somos tarab, ya sea al bailar o al escuchar o porque no también, al ver alguien bailar
Siempre me ha gustado mucho el género mejansé, aunque no sabía que también se le conoce como Eftatahia. De hecho, la canción que analizamos, Aziza, ya la había escuchado antes y siempre me pareció muy mágica, especialmente en el episodio 3, por lo que disfruté mucho desglosarla; fue como saborear un platillo por partes, apreciando cada detalle. Además, aprendí bastante sobre la estructura rondó, donde se regresa al tema principal con variaciones muy melódicas, y siento que este recurso lo he escuchado en muchas canciones, sobre todo en las que se usan como presentación.
A partir de ahora, quiero escuchar más música con esta perspectiva e identificar cuáles de las canciones que ya conozco siguen esta forma.
Evaluar cuáles son Rondó y cuáles son Estrofa-Estribillo como el ejemplo de Luxor Baladna.
Esta bueno el planteo de organización, en mi caso me gustaria mejorar mi tecnica por lo cual es mi objetivo y sera parte de mi entrenamiento para poder cumplir el objetivo.
Hola! No sabia sobre el Tarab, y me resultó interesante saber que no hay una única definición de la palabra ya que es interpretada desde diferentes aspectos. En especial para las bailarinas del Bellydance que tambien pueden generar una transformación en la gente a través de la música e interpretación, ellas encuentran la conexión entre el público y la emoción que les genera la música. Pero también me pareció interesante que no todas las bailarinas son Sammi’ah ya que no todas pueden escuchar la letra de una canción e interpetarla, es decir que no todas pueden expresar físicamente lo que expresa el Tarab, ese estado de mucha emocionalidad entre el artista y el público.
Ahora comprendo cuando en una clase nos dicen que escuchemos la musica, la letra y expresemos más sentimientos. No solo la técnica es importante es un combo que toda bailarina debe tener si quiere dar un excelente show.
Me pareció interesante ver cómo el vals evoluciona sin perder su esencia por el movimiento circular, el compás de tres tiempos y su carácter expresivo. Es un buen ejemplo de cómo la música y la danza se transforman con el tiempo, pero siguen transmitiendo emociones y conectando con las personas.
Aprecio el repaso a lo que vimos en 1er año sobre qué es tono/espacio, qué es tiempo/ritmo, qué es pulso, cuyo término en árabe es Mawzuma. Igualmente recordar el concepto de Iqa (que serían los ritmos) versus lo que vimos a finales de 1er año que fueron los Maqam (las escalas o mapas melódicos). Personalmente confundía a veces el Iqa edl Maqam. También recordar las influencias de Al Khalil Ibn Ahmad, Ish Aqq Al Mawsill, Al Kindi, Al Farabi, Ibn Al Akfani y Askar Al Halabi Al Qadiri que no solo fueron músicos sino algunos fueron filósofos y de profesiones diversas que contribuyeron a la música.
Es vital como bailarinas distinguir entre tempo (velocidad) versus pulso, ya que los pulsos se dan en un tempo. Para aprender de pulso recuerdo que nos enseñaban dando palmadas. También cómo el compás divide los tiempos a través de los acentos.
Lo que sí me cuesta es memorizar las diferentes notas como redonda, blanca, negra.
Sobre los sonidos en la danza, el Zak no lo conocía mucho. Me gustaría saber si en algunos ritmos suele usarse más un Zak que un Tak.
Conocía la forma de Saida por el primer año que estuve en La Pink y la nomenclatura de Mario Kirlis tanto por su libro como el DVD de ritmos que sacó con Saida. En lo personal me gusta más el método de la escuela Sahar porque es tal cual los músicos representan las notas, inclusive, marcando los silencios lo cual es súper útil. Por ejemplo, cuando he diseñado mis coreografías y quiero trabajar con capas, tengo que hacer una subdivisión del Iqa porque necesito ver qué parte del cuerpo golpea en qué tiempo, y de no conocer exactamente dónde cae cada pulso y los silencios que a veces caen a inicios de tiempo (como en el Tabl) no podría diseñar cómo hacer las diversas capas con el cuerpo para que sea armónico y tengan coherencia con lo bailado.
El bolero nació en Santiago de Cuba y se expandió por América Latina, especialmente en México. Se caracteriza por sus letras románticas y su expresión profunda de emociones como el amor y la nostalgia.
El bolero nos invita a conectar con nuestras emociones incluso hoy en día.
Al fusionarse con el bellydance, permite explorar movimientos más fluidos, lentos y expresivos, donde predominan ondulaciones, movimientos de brazos delicados y trabajo de torso que acompañan la melodía.
Se trata de la interpretación. Invita a conectar con la emoción de la música, transmitir sensibilidad y contar una historia a través del cuerpo.
El bolero es el resultado de un largo proceso histórico, cultural y social en América Latina y el Caribe. Como plantea el texto, no tiene una única definición: puede ser un discurso amoroso, una forma de entender el mundo o incluso una manera de atravesar las experiencias humanas. Surge del mestizaje entre influencias europeas, africanas y caribeñas, y crece acompañado de los cambios políticos, económicos y sociales de la región.
Reflejando la historia misma de América Latina, con sus mezclas culturales, sus desigualdades y sus transformaciones. A pesar de crisis, cambios de moda y contextos adversos, sigue vigente porque responde a la necesidad humana de expresar y comprender el amor. En este sentido, el bolero no solo cuenta historias románticas, sino que también funciona como una forma de resistencia cultural, manteniendo viva una “cultura del amor” frente a un mundo cada vez más acelerado y globalizado.
Esta clase me permitió comprender mejor su energía, ritmo dinámico y carácter festivo. Fue interesante ver cómo la música guía movimientos más saltados y expresivos, aportando alegría y vitalidad a la danza. Me resultó especialmente útil para reconocer su estructura y aplicarlo en la práctica corporal
Me gusto la clase, me ayudo a interiorizarme de a poco, al principio no lo comprendi hasta que agilice mi oido y note como reconocerlas.
No tenia dimensión de lo amplia que puede ser el tarab, y es muy interesante incluso tener en cuenta que hay diferentes posturas, también es muy interesante ver que abarca mas de lo que uno cree y que no esta referido a un solo sentimiento o sensación, me encanta porque es flexible y no tiene una definición única, creo que el tarab también habla de como uno se siente en el momento, escuchando una canción o viendo a alguien bailar, como que habla un poco del estado de animo de cada persona individualmente, y todo podemos sentir un tarab pero en diferente grado.
Lo poco que conocía en cuanto al Dabke, lo tenía asociado a que era un baile alegre que había comenzado en las bodas y con el paso del tiempo se volvió como “más político”, pero que lindo e interesante como fue surgió, habla mucho más de sus costumbres y no es tan superficial u obvio, no tenia idea que se ejecutaba a través de personas tomadas de las manos para levantar sus viviendas o calentarse las manos en el invierno, me encanta el Dabke, y así como esto me gustaría ir conociendo un poco mas.
Al fin conozco la forma musical que usaba Umm Kulthum, cierra una vez mas una incógnita, una pregunta que siempre me hice, de algo que siempre me llegaba muchísimo, la forma musical que ella usaba, jamás había escuchado el termino Taqtuqa, es mas, es muy enriquecedor e importante el hecho de aprender que se usaba para hablar sobre los matrimonios a temprana edad o de feminismo, me abre el panorama a que estas cosas también se pelean o se luchan para poder concientizar sobre estos temas que en la actualidad siguen sucediendo. Incluso me acabo de anotar los artistas que están anotados en esta clase para escuchar aún mas.
Creo que una de las cosas que mas me sorprendía en las orquestas de Umm Kulthum era lo enorme, y masivo que eran sus músicos, y ahora comprendo porque es importante tener una gran orquesta para que la Ughniya Tawila suene y sea lo hermoso que es!!!
Que lindo y enriquecedor poder ver cada estructura dentro de los clásicos que conocemos, muchos años me pasó que solo conocía tal vez la primera parte de una canción, porque al ser tan largas hoy en día las orquestas las acortan o tocan solo una parte, entonces cuando empecé a ver que canciones como Fakkarouni o Enta Omri tenían letra, me enamoré aún mas, y ahora poder conocer que tiene diferentes estructuras me enriquecen mas
Creo que ahora me siento con mas recursos a la hora de componer, fue muy enriquecedora estas clases de Ughniya Tawila, te brinda mas herramientas y por supuesto te hace enamorar mas de los clásicos de la música árabe, otro puntito mas para que se te ponga la piel de gallina cuando bailas.
Creo que es muy importante también, a veces conocer un poco lo que dice la letra, para poder darle a nuestra coreografía la interpretación corporal de lo que dice la canción, creo que eso es un plus, te suma un montón
A pesar de la modernización, se mantienen elementos cohesivos como la música y la procesión. Esta permanencia de lo simbólico en un mundo globalizado me hace pensar en la identidad… Aunque la novia hoy ocupe un lugar más central y visible, el concepto de privacidad y respeto por las etapas del proceso sigue vigente. Es una lección sobre la resiliencia de los significados culturales ante el paso del tiempo.
Súper interesante la clase!! Si bien tenía un leve conocimiento sobre las Qainat, me ayudó muchísimo para ubicarme en tiempo y espacio. Diferenciar entre los distintos periodos y su importancia histórica. Las cuestiones religiosas, las alianzas estratégicas, las costumbres y las formas de transmitir el arte.
Me pareció muy interesante esta clase, la importancia del Califato Omeya, como se establece la lengua árabe como oficial por una cuestión religiosa. Como se le da importancia y espacio a los músicos y poetas y la diferencia a otras culturas ya que los califas competían por tener los mejores artistas cultivando su educación y desarrollo.
También destaco que la gran tradición musical (a diferencia de otras culturas), se crea al combinar elementos de diferentes pueblos que fueron conquistados con la cultura árabe.
Y siguiendo con el Califato Abbasida, se siguen patrocinando y elevando la calidad de los músicos y poetas de la época.
La clase explica qué es el compás como un grupo de pulsos que se repiten y que se separan con barras. Muestra que pueden ser binarios, ternarios o cuaternarios según la cantidad de pulsos. Para entenderlos mejor, aparece el acento, que es el golpe más fuerte y marca dónde empieza y termina el compás. Lo que más me sirvió es la parte práctica: aplaudir para encontrar el pulso, ubicar ese golpe más fuerte y ver cuándo vuelve a repetirse. También suma ejemplos como el vals (3 o 6) y el baladí (4), y es de gran utilidad para mejorar el entendimiento al momento de bailar o crear coreografías.
Voy a investigar más sobre los autores que nombraste en un principio, sería interesante conseguir y leer sus libros.
Me parece algo muy importante y básico para una bailarina tener en claro la noción de ritmo, melodía y pulso.
Si bien, a través de los años son conceptos que se van incorporando de manera orgánica y escuchando mucho repertorio musical, creo que hay que tenerlos en cuenta como bien decías a la hora de dar una clase en los comienzos de alumnas que quizás nunca escucharon música árabe y nunca tomaron una clase de danza.
Que bueno aprender la parte técnica y teoríca, la diferencia entre pulso, acento y compás, para poder entrenar el oido a la hora de escuchar música. Definitivamente voy a prestar más atención ya que tenemos tan normalizados los tiempos de los ritmos árabes que quizás no nos ponemos a escuchar con tanto detalle.
Me sirvió muchísimo la primer parte de la clase para practicar el compás en cada canción. Luego se vió la definición de ritmo y las figuras básicas para comenzar a leer música (negra, blanca, corchea y los silencios) que si bien tenía conocimiento, siempre es buen momento para repasar y tenerlo claro.
Muy buenos ejercicios para practicar todo lo aprendido hasta ahora, en mi caso se me dificulta cuando hay corchea y silencio de corchea juntos. También ví por primera vez las fracciones, el numerador indica el número de tiempos por compás y el denominador indica la figura rítmica elegida para representar el pulso de ese compás.
En esta clase vimos la definición de puntillo (es un punto que se coloca a la derecha de una figura y añade la mitad de su valor) y anacruza (son notas que preceden al compás), son conceptos nuevos para mí.
También vimos las distintas barras de compás y la vocalización de los ritmos.
Me gustó practicar ejercicios más complejos, ya que no tengo tanto conocimiento en la escritura básica de los ritmos (siempre los ví representados en dum y tac).
El concepto de tarab me resultó muy interesante porque muestra que no solo puede estar presente en la música, sino también en otras artes como la danza o la pintura. Me llamó mucho la atención entenderlo como un estado profundo de emoción o éxtasis que cada persona puede experimentar de distintas maneras, dependiendo de su sensibilidad, su cultura y el contexto. Desde que conoci este termino me gusta pensarlo desde el Rol de la bailarina como intérprete y mediadora, ya que no solo expresa la música con su cuerpo, sino que también transmite emociones, recuerdos y sensaciones. Tambien suelo asociarlo con esos momentos en los que una canción, una danza o una performance me generan emociones tan profundas que me cuesta ponerlas en palabras.
Me sorprendió descubrir la variedad y complejidad de estas formas musicales dentro de la música árabe, ya que no conocía cómo una estructura más breve como la taqtuqa pudo convertirse en composiciones mucho más extensas y elaboradas como la ughniya tawila. Me pareció muy interesante cómo la participación del público, a través de la repetición y la conexión emocional, también influyó en esa evolución artística.
Además, entender que cada forma tiene su propia definición y lugar dentro de la tradición musical me hizo valorar mucho más su riqueza cultural. También me llamó la atención la profundidad de las temáticas mencionadas, que van más allá del amor romántico e incluyen aspectos sociales y emocionales. Todo esto me permitió ver la música árabe clásica como un arte profundamente expresivo y en constante transformación.
Me resultó muy interesante comprender la verdadera dimensión de la muqaddima dentro de la música y la danza árabe. Muchas veces es la parte más conocida para quienes bailamos belly, ya que suele ser el fragmento que más se conoce y se interpreta en la actualidad. Sin embargo, entender que pertenece a estructuras mucho más extensas como la ughniya tawila le da una profundidad completamente distinta.
Estas clases sobre la Ughniya Tawila me dejaron nuevas herramientas para pensar la composición coreográfica de una manera mucho más profunda. Analizar estructuras tan ricas dentro de músicas que muchas veces conocemos solo desde la práctica, permite comprender mejor cada parte y crear interpretaciones más conscientes.
Me resulta muy valioso aprender a reconocer cómo cada sección tiene su propia intención, energía y desarrollo, y cómo la danza puede acompañar verdaderamente esos cambios. El Mazhab, por ejemplo, con su capacidad de cautivar desde el inicio y preparar emocionalmente al público, demuestra que cada parte cumple un rol fundamental dentro de la experiencia. Entender estas estructuras no solo enriquece la musicalidad, sino también la capacidad expresiva de la bailarina.
El Tarab me permitió entender la música árabe como una experiencia mucho más profunda que solo lo musical. Me resulta fascinante cómo une emoción, arte e interpretación, generando estados intensos difíciles de explicar con palabras.
También me llamó la atención la importancia de la escucha, la poesía y la improvisación como parte fundamental de esa conexión. Como bailarina, comprender este concepto enriquece aún más la interpretación, ya que implica no solo bailar, sino también transmitir y mediar emociones profundas a través del arte.
Que enriquecedor ver como Irene explica la Ughniya Tawila, como te hace sentir la música y explica que esto tiene una estructura justamente para hacerte llegar a esos sentimientos, como la música también tiene muchos picos, donde llega a su punto máximo, repite o cambia, también pienso en como los músicos y cantantes pensaban para armar todo esto, es mucha practica y coordinación para hacer piezas hermosas que aún seguimos disfrutando
En esta clase se repasaron fundamentalmente conceptos de escritura musical, canto y pulso continuando con lo visto en la parte 1. Se abordó primero el ritmo Maksum, ritmo de 4/4, que se nomencla dum-tak-tak-dum-tak. A partir de aquí vimos que los ritmos pueden tener una base y pueden tener relleno, escuchando pistas de ritmología. Lo importante es saber bien la base para luego jugar con rellenos en cada ritmo. Luego se introdujo al ritmo Baladi, también de 4 tiempos, cuya 80% de estructura es similar al maksum, a diferencia que comienza con dos “dum” bien marcados (dum-dum-tak-dum-tak). Se revisaron nociones del ritmo Saidi, siendo un ritmo de 4/4 que se canta dum-tak-dum-dum-tak (dos dum bien marcados en el medio). Se dio paso al ritmo Katakufti (antes nombrado Tabl, aclarando que tabl es el nombre del bombo característico con el que se toca el ritmo, no del ritmo en sí); su patrón es de 4/4 se caracteriza por su silencio inicial y su carácter a tierra folclórico, siendo nomenclado como dum-tak-dum-tak (siendo el primer dum profundo, y el siguiente tak-dum pegados). Se dio paso al Malfuf o Laff (cuyo significado es envuelto, por su cadencia cíclica); este ritmo de 2/4 es conocido por ser usado en las Opening Songs y por su patrón de pasos como deslizados, chassés, presentación, giros, etc. Luego se prosiguió con el ritmo 4/4 Tawil o Wahda que significa “largo”, en su interior contiene un Malfuf pero con relleno se vuelve “estirado” –por eso los pasos comunes son ondulaciones, omis, cortes con shimmie, y se canta como DUM-takatakaTAK-takatakaTAKa (las mayúsculas indican el acento de Malfuf). Se presentó el Karatchi (ciudad de Pakistán que le da nombre al ritmo) y a diferencia de los otros es muy particular: su compás es de 2/4 (ritmo corto), el primer tiempo es en un tak (se escribe taktaktak-dum). Finalmente se presentó el ritmo Masmoudi, que es de 8/4 (más largo que los anteriores) se canta DUM-DUM-TAKa-takataka-DUM-takatakaTAK-takatakaTAKa, con dos dum bien profundos en el inicio (en su interior contiene un Baladi como base resaltado en mayúscula, después de la mitad es un Tawil y se suele bailar con cortes y grandes ondulaciones, shimmies, estiramientos). Toda esta clase estuvo enfocada en diseccionar cada ritmo en su pulso, nomenclado, escritura y canto, y es importante diferenciarlos porque son típicos en las composiciones promedio, y algunos ritmos contienen en su interior a otros (polirritmia), es por eso que los acentos y los silencios, además de reconocer los tiempos es fundamental para esta etapa del profesorado.
El inicio de la clase fue un repaso de los ritmos vistos durante la parte 2 (Maksum, Baladi, Saidi, Malfuf, Katakufti, Malfuf, Tawil, Karatchi y Masmoudi). Se presentó el ritmo Chifteteli significa “doble cuerda” (ritmo de Turquía y relacionado a Grecia, zona del Mar Egeo) que es un ritmo de 8/4, usado como base de improvisaciones, trabajo de piso, equilibrio con elementos, etc. Se canta como dum-taktaktaktak-dum-dum-tak, es más bien un ritmo lento y cadencioso. Pasando al Sombati, ritmo también cadencioso de 8/4, bautizado así por Riad al Sombati, músico egipcio. Se nomencla DUM-TAKTAK-dum-tak (siendo los dos dum bien pronunciados, similar al Chifteteli solo que la primera mitad tiene acento de Malfuf lento, marcado en mayúsculas). El ritmo Fallahi está relacionado a los campesinos y música folklórica egipcia. Es un ritmo alegre y rápido, muy cortito, siendo cantado du-kataka-du-katak (al ser tan rápido se omite pronunciar algunas letras al cantar). Depende el contexto dependerá la coreografía, puede poseer pasos reda o folclórico, o si está en una composición de presentación puede ser con giros o shimmies, suele ser un ritmo final. Finalmente el ritmo con el que cierra la clase es el ritmo Samai Taquil, ritmo de 10/8 (de los más largos). Se suele confundir el “Samai” con el “Samai Thaquil” con el Muwashahat. El Samai se relaciona a Turquía (estilo musical), y el Muwashahat es una forma de poesía y música de la zona de Al-Andalus. Respecto al ritmo turco, se lo nombra “Samai Thaquil”. dum-s-s-tak-s-s-dum-dum-tak-s-s (s son silencios). Al cierre de la clase se practicó la escucha de varios ritmos para la detección de ellos, lo cual me parece el ejercicio más interesante para diferenciar cada ritmo visto en las tres partes.
Mis fragmentos seleccionados para ejemplificar ritmos son:
1) Maksum: Mesytara – Lamis Kan (0:24)
https://open.spotify.com/intl-es/track/7H2uwSkd2mhRKyTOPRDE2L?si=6421bfc33f1946d5 |
2) Baladi: Batwanes Beek – Warda (1:07)
https://open.spotify.com/intl-es/track/2A4xTe1uOdRKKJUyilAqrF?si=bd460ba5f5f5423e |
3) Saidi: Saidi Song – 7enkesh (0:09)
https://open.spotify.com/intl-es/track/6qpYeroXkAaQsHa8gpwjLl?si=5571fb94c1704db3 |
4) Malfuf: Al Foulla (Mejance) – Zamalek Musicians (0:08)
https://open.spotify.com/intl-es/track/5aJUTZcrnDRwpWzONRQtAl?si=be2c071feb46409d |
5) Tawil: Aziza – Hossam Ramzy (0:35)
https://open.spotify.com/intl-es/track/47Cq0Lk3ZVxd7HjsY2z3XA?si=8ab53f6e3178421b |
6) Karatchi: Baeed Annak – Oum Kalthoum (0:47)
https://open.spotify.com/intl-es/track/0RwZNSSOFzj5MFLvva3vNB?si=a05b5451a79148bc |
7) Masmoudi: Raaks el Amar – Mario Kirlis (2:40)
https://open.spotify.com/intl-es/track/6gMCwP3FKlhcqesZRB50bJ?si=0a87e04571254030 |
8) Chifteteli: Leyla – Farid Al-Atrash (2:19)
https://open.spotify.com/intl-es/track/2G6LGHsl6eGXoR3IWKObcK?si=710deda52e5c40c9 |
9) Sombati: Baeed Annak – Oum Kalthoum (1:35)
https://open.spotify.com/intl-es/track/0RwZNSSOFzj5MFLvva3vNB?si=a05b5451a79148bc |
10) Fallahi: Fallaha Chocolata – Al Ahram-Orchestra (0:00)
https://open.spotify.com/intl-es/track/2DbIKaQC7Idf2iWtQRNU4b?si=a52076ffd1db4149 |
11) Samai Thaquil: Samai N°2 – Mario Kirlis (0:09)
https://open.spotify.com/intl-es/track/1rF6xhYh4KKh58ltrCXQrz?si=5190e36488f9426b |
12) Katakufti: Bint L’arab – Ibrahim Al Masri (0:00)
https://open.spotify.com/intl-es/track/3uoWTbASQcJkU2JxUl3sZG?si=179a6c131d1247a1
El esquema de la clase está dividido en una sección musical para poder reproducir cada ritmo y un archivo con la escritura, historia y características de cada ritmo. Me parece un excelente recurso como base que condensa un poco de dato contextual, escritura y audición. Es la base, después depende de la bailarina ampliar escuchando más música o profundizar en la escritura estudiando algún instrumento o teoría musical. Es recomendable tener estos archivos impresos o como material de trabajo, ya que funcionan bien como soporte para releer y aprender bien la teoría. Me sorprendieron algunos datos que no sabía, como la etimología de Katakufti en griego, o que Thaquil (del Samai) significa pesado. El archivo es una muestra de investigación detrás que es muy fructífera para introducir de manera seria la teoría musical para las bailarinas.
En esta clase basada en la bibliografía de George Sawa, se presentan a cuatro figuras clase de la historia de la música en Medio Oriente: Al Khalil Ibn Ahmad, Ishaq Al-Mawsill, Al Kindi y Al Farabi. Sobre Ibn Ahmad (718-786) podemos decir que fue el creador de la prosodia árabe, utilizando su conocimiento de la disciplina musical y descifrando el sistema métrico del preislamismo. Descubrió 16 metros, y su “Libro del Ritmo” fue el tratado más importante que logró producir. Al-Mawsill (+850) señaló que así como es el ritmo a la música, es la prosodia a la poesía. Su obra más destacada es “Libro sobre la Composición de las Melodías”, aunque fue más de la praxis que de la teorización. Siguiendo con Al-Kindi (+870) tuvo acceso a las traducciones árabes de la teoría musical griega y al no ser músico sus teorías no aplican del todo a oriente, pero sí ha hecho elaboraciones de modos rítmicos árabes. Al-Farabi (+950) es el teórico más reciente de los cuatros y que mayor obra se ha recuperado. Elaboró extensos conceptos, entre ellos destaca el “chronos protos” (tiempo primero, duración más pequeña entre dos ataques), las nociones de ritmo conjuntivo, ritmo disyuntivo y ritmo aditivo (siendo este un ciclo rítmico compuesto de ataques y duraciones). Cada duración la entendía como parte rítmica, y si esas partes se combinan se crea un modo rítmico (lo que entendemos como ritmo). Extensas obras generadas como “Gran Libro de la Música”, “Libro de los Ritmos” y “Libro para la Comprensión Básica para los Ritmos”, redefinió el término iqa’ e introdujo tres tipos de ataque (suave de un silencio de corchea, medio de un silencio de negra y fuerte de un silencio de blanca). A su vez, dependiendo del tipo de ataque, puede haber tres tipos de iqa’at (suave, medio y fuerte también). Habiendo ubicado las épocas, las elaboraciones y los recorridos de los autores, se desea exponer que el texto ha sido de una dificultad relativa de primera lectura ya que cuento con más formación de baile que de teoría musical en extensión, pero luego de algunas lecturas se van captando conceptos principales. El texto de George Sawa es muy bueno en rescatar formas diferentes a occidente de nomenclar la música, y los gráficos ayudan mucho a traducir las notaciones orientales.
Términos que son significativos en el Islam, Samâ, significa escuchar o la música escuchada, incluye la danza practicada principalmente por muchas cofradías místicas. El concepto de samâ se contrasta con el de ghina (canto). En el Islam la música estaba asociada con la pérdida de la vergüenza y el libertinaje,
El texto explica que, según ciertos hadices islámicos, la música y los instrumentos musicales son asociados con conductas inmorales y pecaminosas. El término maâzif se interpreta como instrumentos musicales vinculados al tarab, es decir, las emociones intensas producidas por la música y la poesía. algunas personas usan la música para buscar placer y diversión Hay además, instrumentos considerados prohibidos, como el mizmar (flauta o pipa de caña), el ‘ud (laúd), el tanbur y diferentes tambores y panderetas. También aparece la idea del diablo como inspirador de la música, ejemplificada en hadices donde se relaciona el canto y los instrumentos con la influencia demoníaca.
Entre los instrumentos condenados aparecen:
el mizmar (flauta o caña),
el ‘ud (laúd),
el tanbur,
tambores y panderetas.
También se critica a las cantantes esclavas (qiyan), frecuentes en la Arabia preislámica (jahiliyya), por su papel en fiestas, propaganda contra Mahoma y rituales considerados paganos.
Para distintos ritmos, como el Baladi, el Vals, el Bolero y el Zar, se debe tener en cuenta distintas expresiones, como emociones, alegrías, tristezas y enojos. Un ejercicio para lograr estas expresiones es la observación. No se puede bailar sin tener en cuenta que cada ritmo se baila de distintas formar.
Hola Maru. Podrías activarme la clase de marcos Otero? Gracias.
Tarab no tiene una unica deficinion. Es un fenomeno lleno de aristas historicas, linguisticas y artisticas que no tiene una unica definicion.
Segun el musico Rasy, desde una perspectiva linguistica es un estado de arrebato, extasis o encantamiento que se da entre el artista y público. Lo llama como un modelo de retroalimentación externa. Tambien es un campo cultural. La cultura del tarab es un fenomeno urbano natico de ciudades como el cairo, beirut o damasco. despues de la 2da guerra mundial. Este musico lo relaciona intimamante el tarab con el arte de la musica arabe pero desde una mirada mas amplia el concepto tarab tambien es un estado de dicha o felicidad respecto a un objeto artístico (cuadros, poemas, etc).
Algunos autores señalan a artistas como iconos y ejemplos para hablar sobre Tarab:
-Said elogia a la bailarina Tahia Carioca como simbolo cultural, encantadora y con un poder secreto inalcansable por otros artistas.
-Virginia Danielson dice que la cantante Umm Kulthum generaba una profunda conexión emocional, que lograba magistralmente mediante la improvisación y su potente voz.
En el contexto bellydance contemporáneo, comprender el Tarab a través de este entramado cultural resulta imperativo para el artista. Cuando una bailarina interpreta estas piezas, abandona la ejecución puramente técnica para convertirse, ella misma, en una Sammi ah que baila, esta pasa a ser una mediadora que absorbe la poesía y la música, devolviéndolas al público.